Schwarzweiss in der Portraitfotografie

Das ist ein Gastartikel von Florian Effelsberg. Florian studiert Musikwissenschaft und Philosophie und fotografiert seit anderthalb Jahren. Er hofft, die Fotografie später in seinen Beruf mit einfließen lassen zu können.

Back to the Roots und hin zu Neuem. Die schwarz/weiß-Fotografie erlebt(e) mit dem Aufstreben der digitalen Fotografie einen wahren Boom, kaum jemand, der sich nicht auch an den farblosen Werken versucht.

Wer kennt nicht den Spruch: „Mach mal schwarz/weiß, da sieht man immer besser aus“ – meine Canon Ixus II von vor 9 Jahren musste auf jeden Fall sehr oft auf die Farben verzichten. Schwarz/weiß macht Spaß, sieht gut aus und es gibt schier unendlich viele Möglichkeiten, ein Farbbild umzuwandeln.

Ich möchte hier dem s/w-Anfänger ein paar Tipps und Tricks mit auf den Weg zu den ersten s/w-Porträts geben. Anhand eines Bildes zeige ich ein paar hilfreiche Techniken, Basiswissen in Photoshop, aber trotzdem hoffentlich hilfreich für den Anfänger.

Doch: ein s/w-Bild fängt nicht in Photoshop, sondern schon lange vorm Fingerdruck auf den Auslöser an. Ich hoffe, Euch dem ein wenig näher bringen zu können.

1. Bildgestaltung schwarz/weiß.

Eine gekonnte Bildgestaltung ist das A und O eines guten Fotos. Weiß man bereits vor dem Shooting, dass man s/w-Bilder machen möchte, kann man dies sehr gut in die Bildgestaltung mit einfließen lassen. Klare Formen, Linien und Strukturen, aber auch bestimmte Farben, wie beispielsweise eine unscharfe, grüne Hecke im Hintergrund eignen sich sehr gut für s/w-Bilder. Das Grün lässt sich im Raw-Konverter sehr schön einzeln ansteuern und kann wunderbar gegen das Hauptmotiv abgesetzt werden.

Auch Schattenspiele und Lichtverläufe sehen oft toll aus und unterstützen den abstrakten Charakter eines s/w-Fotos.

Aber Achtung: Ich rate gerne dazu, auch bei geplanten s/w-Fotos eine finale Farbversion nicht kategorisch auszuschließen. Manchmal erzeugen Farben eine dem Bild eine Identität gebende Stimmung, die durch die Umwandlung ins Farblose natürlich verloren geht.

Sehr hilfreich ist es hier, eine zweite Meinung einzuholen: Es bringt einen ungemein weiter, eine objektive Meinung zu hören, auch wenn es, ich spreche aus Erfahrung, durchaus am Selbstbewusstsein kratzen kann. Der scharfe Blick des Fotografen hört meistens leider direkt vor der eigenen Haustür auf.

Tipp: am Liebsten frage ich ich völlige Laien, die das Bild sehen und automatisch dessen Wirkung analysieren. Ein unschuldiges Auge sieht oft am meisten.

2. Das Make-Up.

Getreu dem Motto, weniger ist manchmal mehr, sieht es wohl auf keinem Foto gut aus, wenn das Model überschminkt ist. Dennoch, plant man bereits vor dem Shooting s/w-Bilder, kann das Make Up durchaus darauf angepasst werden. Für ein Farbbild wäre das Model weiter unten definitiv überschminkt.

Starkes Rouge aber zum Beispiel wandelt sich, an den richtigen Stellen angebracht, in der s/w-Version in wunderbare Schattierungen, die den Wangenknochen schön konturieren; starker Lidschatten intensiviert den Blick ungemein.

3. Das Dateiformat.

Gerade bei Berufsfotografen kommt es doch überraschend häufig vor, dass sie aufgrund der zeitlichen Ersparnis im Jpg-Format fotografieren. Das hat natürlich seine Vorteile was Schnelligkeit und Datenvolumen angeht, ist für eine anspruchsvolle s/w-Umwandlung jedoch ziemlich ungeeignet.

„Weiß erkennt man am besten, wenn man schwarz dagegen hält“, sagt ein altes Sprichwort – und das passt in der Fotografie wunderbar: Ein hoher Dynamikumfang – also viele Details sowohl in den Schatten als auch in den Lichtern – lässt das Bild hochwertiger erscheinen. Wobei ich selber Details in den Tiefen gerne vernachlässige und da gerne mal in ein sattes Schwarz gehe, das gibt dem Bild oft tolle Kontraste, wenn die Mitten und Lichter passen.

Ich empfehle also bedingungslos, im Raw-Format und höchster Farbtiefe zu fotografieren, um hier nachträglich mit Hilfe des Raw-Konverters die Belichtungen korrigieren zu können. Ich empfehle, einen Raw-Konverter mit der Möglichkeit punktueller Eingriffe zu nutzen, Lightroom liegt hier meiner Einschätzung nach vorne.

Dennoch: der Feinschliff folgt, wie so oft, dann in Photoshop.

4. Die Raw-Entwicklung.

Grundsätzlich ist es egal, ob die s/w-Umwandlung bereits im Raw-Konverter durchgeführt wird oder erst in Photoshop. Ich bevorzuge Photoshop, da ich mich dort mit den Ebenen und der Protokollpalette sicherer fühle. Außerdem hat man so erstmal ein ordentlich entwickeltes Farbbild vor sich und kann vielleicht schon sehen, ob nicht, wie bereits erwähnt, eine Farbversion passender ist.

Tipp: Ich belichte bei s/w-Porträts gerne um 0,3-0,7 Blendenstufen über, damit erreiche in eine helle und klare Hautstruktur, den Rest des Bildes regele ich nachträglich mit Lightroom wieder runter. Man muss natürlich aufpassen, dass sie Lichter nicht ausreißen. Ein kurzer Blick aufs Histogramm hilft.

Diesen Effekt kann man meiner Meinung nach mit dem Raw-Konverter kaum simulieren, das nachträgliche Belichten geht hier immer auf die Kosten von Details. Beim Export des Bildes nach Photoshop sollte darauf geachtet werden, dass dies mit einem 16bit Tiff geschieht, da bei einem 8Bit-Dateiformat einige Bildinformationen verloren gehen.

Wichtig wird dies zwar erst beim qualitativ hochwertigen Ausbelichten, aber wieso sollte man freiwillig auf Qualität verzichten…? Das folgende Beispiel zeigt die Raw-Datei vor und nach der Entwicklung. Ich habe lediglich die Kontraste etwas erhöht und mit den Kurven die Tonwerte korrigiert.

5. Die schwarz/weiß-Umwandlung in Photoshop.
5.1. Einstellungsebene Schwarzweiß

Es gibt eine Vielzahl an Möglichkeiten, die Farbversion umzuwandeln. Eine beste Lösung gibt es nicht, abzuraten ist allerdings auf jeden Fall von der schlichten Option „Sättigung verringern“. Besser ist der Kanalmixer, entweder per Einstellungsebene oder in Handarbeit über die Kanälepalette, ebenso gut ist die recht neue Einstellungsebene Schwarzweiß.

Für Eilige mit hohem Anspruch finde ich auch das Silver Efex Plugin von Nik sehr gut, vor allem, da es eine Option zur Zonenkontrolle bietet. Interessant für jeden s/w-Liebhaber, auch heute noch, siehe Zonensystem auf Wikipedia.

Bei dem Bild hier habe ich mit einer Einstellungsebene Schwarzweiß gearbeitet. Am folgenden Beispiel sieht man links das Bild unter den Standardeinstellungen der Einstellungsebene, rechts die von mir angepasste Version. Dabei gilt, je höher die Zahl, desto heller wird derjenige Farbbereich, regelmässige Blicke auf das Histogramm können dabei nicht schaden.

5.2.Gradationskurven

Der nächste Schritt nach der regulären s/w-Umwandlung ist für mich immer eine erneute Tonwertkorrektur, da die Verteilung und Kontrastverhältnisse hier anders sind als bei einem Farbbild. Mit der Einstellungsebene Gradationskurven lässt sich dies effizienter erledigen als mit der Tonwertkorrektur selber.

Auch von der Helligkeit/Kontrast-Ebene würde ich abraten, hier werden die Tonwerte unnötig auseinander gedrückt, galanter ist es, in der Gradationskurvenebene mit dem Schatten- und Lichterregler den Tonwertbereich neu zu definieren (natürlich unter der Prämisse, möglichst wenig Beschnitt zu haben) und mit der Kurve direkt in die einzelnen Tonwertabschnitte einzugreifen.

Tipp: mit gedrückter Alttaste auf den Schatten- bzw. Lichterregler klicken um eventuelle Beschneidungen direkt im Bild sichtbar zu machen. Das folgende Beispiel zeigt links das Bild nach der modifizierten s/w-Einstellungsebene und rechts das Bild nach der veränderten Gradationskurve.

Der wichtigste Teil der s/w-Umwandlung ist hiermit abgeschlossen. Wie bereits gesagt, dies ist kein fixer Workflow für alle s/w-Bilder, gerade bei Landschaftsaufnahmen kann zum Beispiel schon die Betrachtung eines einzelnen Kanals sehr gute Ergebnisse liefern.

Im Grunde könnte man das Bild so stehen lassen, ich wollte aber gerade bei dem strengen Motiv etwas mehr Plastizität und einen artifiziellen Look erreichen. Die aus der Zeit des analogen Fotografierens stammende Technik Dodge & Burn bietet hierfür gerade bei s/w-Bildern eine gute Möglichkeit, interessante Akzente zu setzen.

Ich werde hierzu einen weiteren Artikel verfassen, da dies sonst hier den Rahmen sprengen würde. Das letzte Bild zeigt nun links das Ausgangsbild, in der Mitte das Bild nach der s/w-Umwandlung und rechts das Bild in finaler Version nach einer Dodge & Burn-Bearbeitung

6. Schlussbemerkungen:

Ich hoffe ich konnte ein paar nützliche Denkanstöße geben. Schwarz/weiß-Fotos sollten dem FineArt-Gedanken unterliegen: FineArt als fotografische Passion, als Erklärung zur Qualität, umgesetzt durch den feinfühligen Umgang mit der Materie und der Intention, Qualität zu schaffen.

Wichtig sind Fingerspitzengefühl, ein sanfter Umgang mit den Tonwerten, Spaß an der Freude und natürlich gutes Licht.

Übrigens, falls es interessiert: Das Foto ist bei mir im Innenhof entstanden, einzige Lichtquelle war die Sonne, die Wolken haben das Licht aber dankenswerterweise wunderbar gesoftet. Das Model ist Miriam Meiser. Danke fürs Lesen. :)