126 Stunden Transportzeit, über 100 Blockade-Aktionen und 20.000 Polizeikräfte im Einsatz. Der Castor-Transport 2011 war der längste, der teuerste und sicherlich auch einer der härtesten – sowohl für Aktivisten und Polizisten, als auch für uns Fotojournalisten.

Als Teil eines Dokumentations-Projekts und mit Aufträgen verschiedener Medien und Umweltorganisationen in der Tasche, waren wir von Anfang an dabei und begleiteten die alljährlichen Proteste gegen den strahlenden Transport. Für uns als Fotografen bedeutete der Castor eine knappe Woche Schlafmangel und diverse nervige Polizeikontrollen, aber auch jede Menge tolle Motive, spannende Geschichten und viel Raum zum Experimentieren.

Hier unser „Reisebericht“ zum Ausnahmezustand im Wendland:

23. November – Gutes Timing

Wir wollten früh im Wendland sein. Um den Aufbau der Protest-Camps mitzubekommen, uns schon einmal einzurichten und erste Bilder liefern zu können, planten wir unsere Anreise bereits Wochen vorher auf diesen Mittwoch. Eine gute Entscheidung, wie sich nun herausstellt, denn während wir auf dem Weg ins Wendland sind, macht sich in Frankreich auch der Atommüll-Zug auf den Weg – einen Tag früher als angekündigt.

Wir sind gespannt! Nicht nur auf das, was der wendländische Protest dieses Jahr wohl wieder gegen den strahlenden Transport ins Feld schicken wird, sondern auch auf unser persönliches kleines Experiment: Wir wollen in den kommenden Tagen nicht, wie für Fotojournalisten üblich, allein, sondern im Team arbeiten. Das heißt nicht nur das Auto, sondern alles – Aufträge, Fotos, Copyright und Honorare – wird geteilt.

Vollgepackt mit Kamera-Equipment, Outdoor-Klamotten, Schlafsäcken, Schutzausrüstung und einer guten Ladung Vorfreude treffen wir uns in Lüneburg. Von dort machen wir uns mit dem gemieteten Wagen auf ins wunderschöne, doch recht abgelegene Wendland. Die Aktivisten dort sind schon fleißig am Werke und wir kommen gerade richtig an, um die letzten Aufbau-Szenen in den Camps mitzuerleben, bevor es dunkel wird.

Es folgt noch eine Stippvisite bei „The Gorleben Project“, dem Castor-Dokumentations-Projekt, an dem wir uns beteiligen wollen und ein nächtlicher Anti-Atom-Laternenumzug. Danach geht’s ins Bett, beziehungsweise ins Stroh für eine letzte halbwegs lange Nacht.

24. November – Das Wendland macht sich bereit

Früh aufgestanden machen wir uns zu allererst einmal selbst bereit für alles, was da kommen mag: Presseschilder im Auto verteilen, Spannungswandler für Akkuladegeräte anschließen, Tagesrucksäcke packen, Kamera- und Objektivtaschen sinnvoll daran befestigen und das daraus entstehende Taschen-System (beziehungsweise -Gewirr) zusammen mit Helmen, Getränken und Laptop schnell greifbar auf der Rückbank positionieren.

Los geht’s! Erst einmal allerdings nur zur Polizeipressestelle nach Dannenberg. Dort holen wir uns die ungeliebte, doch aller Voraussicht nach unumgängliche Presse-Akkreditierung ab – ein von Beginn an umstrittener Ausweis, den die Polizei an Pressevertreter ausstellt, die sich brav anmelden und registrieren lassen.

Das ganze Verfahren ist zwar freiwillig, allerdings stellt die Polizei für nicht-akkreditierte Journalisten „weitergehende Überprüfungen“ und „Wartezeiten“ vor Ort in Aussicht.

Fertig ausgerüstet machen wir uns dann endlich auf den Weg zur ersten größeren Aktion – der alljährlichen, farbenfrohen und mit knapp 2.000 Teilnehmern sehr gut besuchten Schülerdemo in Lüchow. Den Rest des Tages begnügen wir uns damit, die Bilder zu sammeln, für die in den kommenden Tagen keine Zeit mehr sein wird, zum Beispiel ein paar Protest-Landscapes mit den überall am Straßenrand aufgebauten Protest-Kunst-Installationen. Der Castor steht derweil noch vor der deutschen Grenze.

Später am Abend folgt noch der erste Nachteinsatz, als die Polizei mit Wasserwerfern und mehreren Hundertschaften in Metzingen einrückt, um mit großem Tamtam die B216 abzusichern. Einige Demonstranten hatten wohl versucht, den alljährlichen Protestauftakt des Wendlandes – den „Laternenumzug mit Landmaschinenschau“ – für eine Blockade der Bundesstraße zu nutzen. Während des Einsatzes kommt es auch zu den ersten Konflikten zwischen Journalisten und Staatsmacht, als eine Polizistin mehrere Fotografen-Kollegen zwingt, Bilder von ihren Kameras zu löschen. Vorfälle dieser Art bleiben beim diesjährigen Castor-Einsatz leider nicht die Ausnahme.

25. November – Aufwärmübungen

Nach einer recht kurzen Nacht geht’s am Freitag dann richtig los – sie fünfte Jahreszeit des Wendlands beginnt mit der „Rallye Monte Göhrde“. Wenn man den Castor sportlich betrachten will, ist die Rallye so etwas wie das Aufwärmtraining, bei dem sich die Castor-Gegner mit der Polizei ein Katz-und-Maus-Spiel in den Wäldern entlang der Castor-Strecke liefern.

Wer dabei sein will, muss sich auf einen langen, bewegungsreichen Tag im Wald einrichten. Zum ersten Mal kommen hier auch die mitgebrachten Helme mit PRESSE-Schriftzug zum Einsatz, als sich einige Autonome und die Staatsmacht erste kleine Scharmützel im Wald liefern.

Nach der Rallye folgt für uns das all-abendliche Hochladen der Bilder. Noch weiß keiner, wann der Castor im Wendland ankommen wird. Die Kampagne „Castor? Schottern!“ will ihre Aktionen möglicherweise schon in den frühen Morgenstunden starten. Wir beschliessen deshalb, uns schon früh schlafen zu legen, doch Pustekuchen…

Die Bilder des Nachmittags sind noch nicht fertig hochgeladen, als uns über den Castorticker die Meldung ereilt, das Camp in Metzingen würde momentan von der Polizei gestürmt. Als wir losfahren, stehen die Wasserwerfer bereits vor den Dixi-Klos des Camps, es wird wohl mal wieder eine kurze Nacht.

26. November – Aktionstourismus

Die Nacht haben wir im Aktivisten-Camp verbracht, schließlich wollen wir möglichst nah dran sein, wenn es mit den eigentlichen Aktionen los geht. Es zeichnet sich jedoch ab, dass die „Castor? Schottern!“-Aktion sowie der Start der großen WiderSetzen-Sitzblockade auf den Zeitraum der bundesweiten Großkundgebung in Dannenberg fallen werden. Wir hätten insbesondere „Castor? Schottern!“ sehr gerne begleitet, doch die Auftragslage verlangt Bilder vom Sternmarsch und der Großkundgebung.

Wir versuchen, einen Kompromiss einzugehen und fahren, in der Hoffnung ein paar verfrühte Schotterer zu finden, einfach mit dem Auto direkt ans Gleis zu der Stelle, an der die „Schottern“-Massenaktion im vergangenen Jahr stattfand. Hier treffen wir jedoch lediglich diverse Medienvertreter, die in einem ähnlichen Dilemma stecken wie wir selbst.

Für etwas Unterhaltung auf dem ausgedehnten Waldspaziergang sorgt ein etwas übermotivierter Polizeireiter, der versucht, über eine Barrikade aus Baumstämmen zu springen und dabei, unsanft von seinem hohen Ross geholt, auf dem Waldboden landet. Bevor wir zur Großdemo los müssen, ist ein aufgeschreckter Hirsch der Einzige, der sich hier auf die Schiene begibt. Die Schotterer sind auf dem Weg zu einem anderen Gleisabschnitt – Pech gehabt.

Die bunte, kreative Großdemo mit über 23.000 Teilnehmern, Treckern und allem, was man sich so als Demo-Fotograf wünschen kann, macht es uns dann allerdings nicht schwer, die nötigen Bilder zusammenzubekommen. So geht es für uns, noch während die Kundgebung läuft, weiter zur großen WiederSetzen-Sitzblockade auf den Schienen bei Harlingen. Zwischen all diesen schnellen Standortwechseln bleibt kaum Zeit für Pausen. Hier zahlt es sich wieder aus, zu zweit unterwegs zu sein: Während einer fährt, kann der andere schon die neuesten Fotos sichten und uploadfertig exportieren.

Als es auf den Schienen in Harlingen dunkel wird, bemerken wir, dass wir den ganzen Tag nichts gegessen haben und besorgen uns von der „Volxküche“ der Sitzblockierer ein paar vegan belegte Brote. Es folgt ein Abstecher ins improvisierte Scheunen-Büro von „The Gorleben Project“ zum Hochladen der Bilder und dann eine lange, schlaflose Nacht: Zuerst rückt die Polizei, wie schon am Vorabend, in Metzingen ein und kurz darauf beginnt die Räumung der Harlinger Sitzblockade.

27. November – X-tausendmalquer

Wir machen die Nacht durch und widmen uns beim ersten Licht dem Harlinger Freiluftgewahrsam, in dem die Staatsmacht knappe tausend Aktivisten der in der Nacht geräumten Sitzblockade zusammengepfercht hat. Wieder geraten wir dabei mit der Polizei, dieses Mal sogar mit den Pressesprechern aneinander, die uns unnötigerweise den Zugang zum Kessel verweigern wollen. Wie so oft bringt alles Diskutieren wenig – am Ende siegt die Dreistigkeit und wir schleichen uns einfach über Umwege in die Polizei-Wagenburg hinein.

Wir verlassen Harlingen mit einem Haufen Fotos, als wir die Info bekommen, dass sich X-tausendmalquer, die zweite Massenblockade-Gruppe, demnächst auf den Weg macht. Nach einem Zwischenstopp bei der äußerst langlebigen Ankett-Aktion der Bäuerlichen Notgemeinschaft begleiten wir die knapp tausend Sitzblockierer auf ihrem Weg durch die wendischen Wälder bis zur Straße vor Gorleben. Bei Einbruch der Dämmerung verlaufen wir uns noch kurz im Wald, machen uns dann aber auf den Rückweg, um die Fotos des Tages an die Kundschaft zu verteilen.

28. November – Das Finale

Da der Castor mittlerweile im Dannenberger Verladekran steht, machen wir uns im Morgengrauen auf den Weg dorthin. Von den mit Live-Sendeausrüstung bestückten Aussichtsplattformen des Presse-Containerdorfes am Verladebahnhof ergattern wir das obligatorische Castor-Behälter-Bild und können somit auch dieses von der To-Do-Liste streichen.

Mit Zwischenhalten bei der Greenpeace-Straßenblockade und ein paar schönen kleinen Trecker-Randgeschichten geht’s zurück zu den X-tausendmalquer-Blockierern, die immer noch auf der Straße bei Gorleben durchhalten. Auf dem Weg dorthin macht sich die Nähe des Castors jetzt deutlich bemerkbar. Die Straßenstrecke von Dannenberg nach Gorleben ist hermetisch abgeriegelt.

Wir müssen kilometerweite Umwege fahren und geraten dabei von einer Polizeikontrolle in die nächste. Erst nach Stunden erreichen wir die Sitzblockade.

Kaum angekommen, geht in der Halbdämmerung auch schon die Räumung los. Kein leichtes Spiel für Fotografen wie uns, die in erster Linie auf vorhandenes Licht setzen. Gegen Ende der Räumung machen sich ein paar unverzagte Castor-Gegner noch auf den Weg ins kaum fünf Kilometer entfernte Laase zur Abschlusskundgebung. Auch wir schlagen diese Richtung ein, während der Castor in Dannenberg losrollt, um das letzte Teilstück, die Straßenstrecke nach Gorleben, hinter sich zu bringen.

Bei der Ankunft am letzten Schauplatz unserer Castor-Doku gibt’s dann noch einmal eindrückliche Bilder: Während ein Großteil der Castor-Gegner auf dem Feld nahe der Castorstrecke auf der Abschlusskundgebung den längsten Castor aller Zeiten feiert und die Polizei mit einem Großaufgebot entlang der Straße Spalier steht, liefern sich einige noch letzte Scharmützel: Polizei-Greiftrupps rücken immer wieder auf das Kundgebungsgelände vor, woraufhin einige Demonstranten Heuballen auf dem Feld in Brand setzen und die gesamte Gegend einnebeln.

So endet der Castor-Protest 2011 in einer unwirklichen, aber effektvollen Szenerie: Im dichten, nur von den Wasserwerfer-Scheinwerfern durchbrochenen Rauch, beim Sound von Techno und polizeilichen Lautsprecherdurchsagen, passiert der Atommüll-Konvoi Laase und erreicht eine Viertelstunde später das Zwischenlager Gorleben.

Das Arbeiten zu zweit hat sich als spannende Alternative zum Einzel-Einsatz erwiesen und uns eine weitaus umfassendere Castor-Dokumentation ermöglicht als sie im Alleingang möglich gewesen wäre. Wir haben uns in vielerlei Hinsicht gut ergänzt und uns gegenseitig bei Schlaf-, Essens-, Kreativitäts- oder Motivations-Mangel immer wieder gegenseitig angeschoben.

Trotz der vielen, teils gleichzeitigen Aktionen konnten wir alles für unsere Dokumentation Wichtige mitnehmen und gleichzeitig noch unsere Auftragsarbeiten sauber abwickeln.

Todmüde, schmutzig und nach Rauch stinkend machen wir uns mit über 5.000 neuen Bildern im Gepäck auf den Heimweg. Die Vorfreude auf eine Dusche und ein warmes Bett ist groß, doch auch eine ordentliche Portion Wehmut schwingt mit, als wir die Grenzen der liebgewonnenen, aufständischen „Republik Freies Wendland“ verlassen.

Lars Licht, das ist der frische und prestigeträchtige Name auf dem deutschen Foto-Olymp, den man sich einprägen sollte. Schon seit seiner Geburt hat Lars den überdurchschnittlich originellen und ausgefallenen Blick für faszinierende, perspektivisch ergreifende Lichtbilder, die eine Augenweide für jedes Sehorgan sind. Die Kamera ist sein ausnahmslos immerwährender Begleiter.

Er ist sozusagen der zeitgerechte Leonardo da Vinci der Fotografie. Ein Universalgenie, welches seinergleichen sucht und in seinem Sektor einen herrlich innovativen Weg geht.

Als ich ihn bei der Verwirklichung seiner Kunst beäugt habe, merkte ich ohne Umschweife, dass er entgegengesetzt aller Normen funktioniert. Er hat diese gewisse Aura, die ihn umhüllt und ihm sinnbildlich gestattet, von einem Motiv zum nächsten zu schweben.

Ganz einfach so wie durch bezaubernd wirkende Magie. So ist das. Etwas Vergleichbares habe ich mit meinen Augen zu keiner Zeit ausfindig gemacht. Ich war zutiefst beeindruckt, als ich diesen brillianten Kopf und seine zeitlosen Monumente der fotografischen Kunst wahrgenommen habe. Augenweiden, die mich in seine Welt eintauchen ließen. Chapeau.

Man kennt das ja: Hundertmal gesehen, aber nie wirklich bemerkt. So geschehen bei mir und der Kopenhagener Metro. Jeden Tag bin ich mit den Rolltreppen runtergefahren, habe auf die Metro gewartet und mich zu meinem Bestimmungsort fahren lassen.

Zu meiner Verteidigung sei gesagt, dass dies in der Regel morgens auf dem Weg zur Arbeit war, zu dieser Tageszeit reicht meine Aufmerksamkeit nicht über die nächste Tasse Kaffee hinaus.

Doch eines Tages fielen mir dann die Linien und Formen der Rolltreppen auf, wie sie sich geradezu schwerelos quer durch den Raum ziehen, in die Höhe strecken oder in die Tiefe fallen. Ich fasste augenblicklich den Entschluss, dies bildlich festzuhalten.

Jeden Tag mit den öffentlichen Verkehrsmitteln nutzte ich von da an, um die unterschiedlichen Rolltreppen der Stadt zu erkunden. Mir war sehr schnell klar, dass ich eine Bilderserie machen wollte. Es sollte jedoch eine Serie sein, auf der keine Menschen zu sehen sind, sondern nur die Architektur der Rolltreppen.

Ich musste daher ein Zeitfenster finden, in dem relativ wenig Menschen die Metro benutzen: Nachts. Ein paar Wochen später kam ich an einem Samstag kurz nach Mitternacht nach Hause und auf Anraten meiner Freundin fasste ich mehr oder weniger spontan den Entschluss, noch einmal mit der Kamera loszuziehen, um die erste Rolltreppe abzulichten.

Vor Ort angekommen, schlug meine Vorfreude jedoch sehr bald in Enttäuschung um, als ich feststellte, dass 18mm Brennweite noch zu viel waren. Ich war zu dicht dran und aufgrund der Konstruktion der Metrostation war es nicht möglich, den Abstand zu vergrößern. Also habe ich die Kamera wieder eingepackt und bin leicht frustriert wieder nach Hause gefahren, dem ersehnten Schlaf entgegen.

Die nächsten zwei Wochen verbrachte ich mit Nachforschungen über verschiedene Super-Weitwinkel-Objektive. Kaufen wollte ich erst einmal nicht, per Zufall fand ich jedoch ein Geschäft, das Objektive für umgerechnet 27€ pro Tag verleiht. Also angerufen, reserviert und an einem Freitag nach der Arbeit abgeholt. Brennweite ab 10mm, das musste einfach passen. Den Rest des Abends verbrachte ich mit der Planung einer Route, die ich dann der Reihe nach abfahren würde, um so alle Rolltreppen auf meiner Liste ablichten zu können.

Kurz nach 1 Uhr nachts ging es dann los. Angekommen bei der ersten Location, „Nørreport Station“ im Zentrum von Kopenhagen, baute ich dann meine Kamera mitsamt Stativ auf und wartete, bis die Rolltreppe für wenige Sekunden frei von Menschen war. Die ersten paar Bilder waren vielversprechend. Aufgrund der relativ schlechten Beleuchtung kam ich jedoch auf Belichtungszeiten von bis zu sechs Sekunden, wenn ich die ISO-Einstellung auf Minimum belassen würde.

Ein ungewollter Nebeneffekt war, dass die sich bewegende Rolltreppe verschwamm. Ich wollte sie jedoch „einfrieren“. Ich musste also warten, bis die Rolltreppe von selbst stehenblieb, was sich als unmöglich herausstellte, da sie ständig benutzt wurde.

Eine weitere Erkenntnis war, dass 1:30 Uhr in der Nacht von Freitag zu Samstag eigentlich ein noch schlimmerer Zeitpunkt war als tagsüber. Es sind nur minimal weniger Menschen unterwegs, aber dafür sind fast alle betrunken – Kopenhagen ist eine Stadt mit ausgeprägtem Nachtleben und ihre Bewohner feiern gerne und viel.

Die nächste Stunde versuchte ich dennoch, das Bild erfolgreich auf meine Speicherkarte zu bannen, während ich mich mit betrunkenen Nachtschwärmern herumschlug. Meine Kamera mit Stativ reichte aus, um in kürzester Zeit größtes Interesse auf mich zu ziehen.

Statt meiner Rolltreppe musste ich Fotos von Menschen machen, die stolz ihre Flasche Bier in die Höhe reckten; Paaren, die sich innig küssten; jungen Frauen, die mir ihre Posing-Fähigkeiten zeigten oder Alleinunterhaltern, dir mir Dinge zeigten, die ich nicht sehen wollte. Und währenddessen standen mir immer mindestens zwei ungefragte Assistenten zur Seite, die entweder mir oder meinen „Models“ Anweisungen zuriefen oder über die Bildkomposition diskutierten.

Um viele Erfahrungen reicher, aber auch in hohem Grade frustriert, machte ich mich dann wieder auf den Weg nach Hause. Die nächsten Tage hatte ich die Nase voll von meinem Projekt und konnte mich nicht überwinden, an einer Lösung zu arbeiten. Nach einer Weile jedoch schöpfte ich neuen Mut und beschloss, es noch einmal zu versuchen, diesmal an einem Dienstag.

Meine Überlegung war, dass in der Nacht von Dienstag zu Mittwoch die wenigsten Menschen unterwegs wären, da das verlängerte Wochenende meistens montags endet und viele erst frühestens Mittwochabend mit dem Ausgehen beginnen würden.

Also hatte ich mir den Mittwoch freigenommen, das Objektiv für Dienstag reserviert und bin gegen Mitternacht losgezogen. Wieder bei meiner ersten Location angekommen, machte mein Herz einen kleinen Sprung, denn ich war allein auf der Metrostation! Die nächsten Stunden fotografierte ich sämtliche Rolltreppen an allen Locations auf meiner Liste aus allen erdenklichen Winkeln.

Das Problem mit der langen Belichtungszeit löste sich letztendlich auch, da es tatsächlich Momente gab, in denen die Rolltreppen zum Stehen kamen. Diese waren jedoch sehr selten und ich musste teilweise lange auf die nächste Gelegenheit warten. An einer der letzten Locations, dem Hauptbahnhof – Københavns Hovedbanegård, hätte ich dann wieder fast alles hingeworfen, da eine Rolltreppe partout nicht stehenbleiben wollte.

Das Hochschrauben der ISO wäre die Notlösung gewesen, ich wollte das jedoch unbedingt vermeiden, da es ja auch bei (fast) allen vorherigen Locations geklappt hat und ich einen durchgängigen Ansatz verfolgen wollte. Durch einen Zufall bin ich dann aber irgendwie mit einem Stativ-Bein auf den Nothalte-Knopf gekommen. Das Projekt war zu weit fortgeschritten, um jetzt noch Abstriche zu machen.

Es war 6 Uhr morgens, als ich dann meine Ausrüstung nach dem letzten Shooting einpackte. Der Morgen graute und ich war hundemüde, hungrig und musste auf die Toilette. Doch ich war auch erleichtert und hatte ein breites Grinsen im Gesicht. Das Gefühl, als ich nach Hause fuhr, während der Tag noch nicht ganz begonnen hatte, war unbeschreiblich und ich erinnere mich heute noch gern daran.

Die nächsten Tage verbrachte ich dann mit der Nachbearbeitung. Es war von Anfang an geplant, die Bilder in schwarzweiß zu halten, um die verschiedenen Lichtreflexe und Schatten entsprechend hervorzuheben. Alles sollte sauber und aufgeräumt aussehen. Dazu hatte ich vor Ort verschiedene Belichtungsreihen gemacht, die ich nun nutzen konnte, um sämtliche Details meiner Motive herauszuarbeiten.

Aus einer Laune heraus entschied ich mich zum Schluss dazu, den Farbton leicht in Richtung Selenium/Blau zu ändern. Nur noch schärfen und fertig. Ein paar Tage später ließ ich alle neun Fotos der fertigen Serie ausbelichten, um zu sehen, wie sie in echt wirken.

Ich habe später noch andere Fotoprojekte geplant und umgesetzt, aber „Escalator Studies“ war mein erstes und bisher herausforderndstes konzeptionelles Fotoprojekt. Das lag sicher auch an meiner mangelnden Erfahrung, aber ich habe durchgehalten und bin daran gewachsen.

Ich habe mir zwischenzeitlich ein Auto gekauft und fahre daher nur noch selten mit der Metro. Doch wenn ich sie doch mal benutze und dann eine der Rolltreppen herunterfahre, fühlt es sich fast so an, als träfe ich einen alten Bekannten. Mit einem Schmunzeln fahre ich dann meinem Ziel entgegen, während meine Gedanken zu jener langen Nacht zurückgehen.

Es ist dunkel, oft kalt und man ist sehr wahrscheinlich alleine. Das klingt nicht gerade nach einer lohnenden Beschäftigung. Aber genau das ist es für mich: Die Landschaftsfotografie im Mondlicht. Eine inspirierende Alternative zur typischen Landschaftsfotografie.

Bei Vollmond allein einen Spaziergang im Wald zu machen, stellt auch den mutigsten unter uns die Rückenhaare auf. Es sind magische Momente, die durch das fahle Licht und die oft gespenstische Stille mein Herz höher schlagen lassen. Um die Chance auf lohnendes Bildmaterial zu erhöhen, möchte ich im Folgenden meine Erfahrungen mit Euch teilen.

Wie die Sonne im Verlauf eines Jahres zwischen einem südlichsten und einem nördlichsten Punkt auf- und untergeht, so schwankt auch der Aufgangsort des Mondes am Horizont während einer Mondphase. Der Mond läuft im Verhältnis zur Erdoberfläche in entgegengesetzter Richtung, sein Aufgang erfolgt wie bei Sternen im Osten und sein Untergang im Westen. Mondlicht hat gegenüber direktem Sonnenlicht eine sehr geringe Farbtemperatur von 4100K, es hat also einen wärmeren Farbton.

Die Hochalmspitze im Kärntner Teil des Nationalpark Hohe Tauern in Österreich. Mit dem Zelt allein hochalpin unterwegs zu sein, ist immer ein Erlebnis. Eine klare Vollmondnacht auf 2500m Seehöhe ist eine Offenbarung. Den relativ hohen ISO-Wert von 500 wählte ich zwangsläufig, da ich (nicht zum ersten Mal) meinen Fernauslöser für Belichtungszeiten über 30 Sekunden im Tal vergessen hatte. (Canon EOS 5DII, 4/17-40mm @ f6.3, 30sek, ISO 500)

Mehrere Faktoren beeinflussen die Eignung des Mondlichts für die Fotografie. Den augenscheinlichsten Einfluss hat die Mondphase. Neumond, Halbmond, Vollmond – jeder kennt den Mond in seinen verschiedenen Phasen. Zwischen Halbmond und Vollmond ist Fotografieren im Mondlicht sinnvoll, wobei der halbe Mond nicht halb so hell wie der volle ist, sondern nur etwa 11% der Leuchtkraft besitzt. Die Erklärung dafür ist, dass die Strahlen der Sonne wesentlich schräger reflektiert werden als bei Vollmond.

Ein weiterer Einflussfaktor auf die Mondlichtqualität ist der Mondstand. So wie ein Tag am hellsten ist, wenn die Sonne ihren Höchststand erreicht, ist die Nacht am hellsten, wenn der Mond den größten Winkel zum Horizont einnimmt. Aber Vorsicht, die Sonne nimmt immer in der Mitte des Tages ihren Höchststand ein, beim Mond variiert das über die gesamten 24 Stunden eines Tages. Deswegen ist es wichtig, sich nicht nur über die Mondphase zu informieren, sondern auch über den Zeitpunkt von Mondauf- und –untergang.

Gestalterisch gelten für mich dieselben Regeln wie bei Tageslichtaufnahmen. Schräge Einstrahlung garantiert niedere Kontraste und durch die längeren Schatten entsteht mehr Struktur und Tiefe in der Landschaft. Ich versuche bei Mondlichtaufnahmen genauso anspruchsvoll zu sein wie bei Aufnahmen tagsüber. Anders gesagt: Ich möchte ein Motiv nicht des Mondlichts wegen fotografieren, sondern immer nur des Motives wegen.

Die Ennstaler Alpen in der Steiermark. Das Bild entstand etwa eine Stunde bevor der Vollmond im Westen unterging, während der allabendliche Dunst einer Sommernacht gemächlich über dem Teich aufstieg. Nur die Sternenbahnen am Himmel enttarnen die Nachtaufnahme. (Canon EOS 1Ds III, 2.8/21mm Zeiss Distagon @ f4, 892sek, ISO 100)

Bei geschlossener, starker Bewölkung ist es natürlich unmöglich, Mondlichtaufnahmen zu machen. Sind die Wolken aber aufgelockert – sprich: kommt der Mond immer wieder für ein paar Minuten zum Vorschein – kann das schon für ein eindrucksvolles Bild reichen. Wolken können wie am Tag als Gestaltungsmittel eingesetzt werden. Bei Belichtungszeiten von mehreren Minuten werden einzelne Wolken je nach Windrichtung zu Strichen, was sehr interessante Effekte auslösen kann.

Wenn es sich anbietet, nutze ich eine Taschenlampe, um tiefe Schatten etwas aufzuhellen. So habe ich bei dem Leuchtturmfoto den Zaun und das Gras mit Kunstlicht betont. Eine Thermoskanne mit einem heißen Getränk bei kalten Temperaturen und ein gutes Buch (bloß keine Horrorgeschichten!) packe ich gern ein, um mir die Zeit zu vertreiben. Oder ich spaziere nach weiteren Motiven suchend umher, in freudiger Erwartung des Ergebnisses bei meiner Rückkehr.

Leuchtturm Barns Ness in Schottland. Leuchttürme gehören neben Landschaften zu meinen bevorzugten Motiven. Geeignet für die Mondlichtfotografie sind aber nur solche, die nicht selbst leuchten. Viel zu hoch wäre der Kontrast zum gedämpften Mondlicht. Wind machte mir bei dieser Aufnahme das Leben schwer, so musste ich während der gesamten Belichtungszeit mit einem Schirm als Windschutz neben dem Stativ stehen, um Verwacklungsunschärfe zu vermeiden. (Canon EOS 1Ds III, 4/17-40mm @ f4, 474sek, ISO 100)

Ein Herausforderung kann das korrekte Fokussieren in der Nacht sein. Besonders, wenn keine Lichtquellen wie Straßenbeleuchtung in der Komposition sind. Der Autofokus funktioniert vielleicht bei Vollmond und sehr lichtstarken Objektiven, aber darauf möchte ich mich nicht verlassen müssen. Die Fokussierung über die Live-View-Funktion der Kamera ist die bessere Variante. Zum Beispiel kann man eine Taschenlampe ins Motiv legen und darauf fokussieren.

Ist auch dies nicht möglich, schätze ich die Entfernungseinstellung und mache eine Testaufnahme mit offener Blende und höherer ISO-Zahl. So kann ich auch gleich die richtige Belichtungszeit testen oder durch Hochrechnen ermitteln. Eine weitere Möglichkeit ist es, sich auf dem Objektiv Markierungen für diverse Entfernungseinstellungen zu machen.

Die bekanntesten Wasserfälle Österreichs im Mond(gegen)licht. Auch wenn das Bild Ruhe und Harmonie ausstrahlt, was es ein aufregender Moment, im lauten Getöse der fallenden Wassermassen auf den rutschigen Steinen zu stehen. Ein Tilt-Shift-Objektiv ist perfekt dazu geeignet, die verringerte Schärfentiefe durch die offene Blende optimal zu nutzen. (Canon EOS 5DII, 3.5/24mm TS-E II @ f5.6, 600sek, ISO 100)

Die Kamera vermag Dinge zu sehen, die der menschlichen Wahrnehmung verwehrt bleiben. Mit vollformatigen (CMOS-)Sensoren der letzten Generation sind Belichtungen bis zu 30 Minuten in hoher technischer Qualität möglich. Die einzige Voraussetzung ist eine DSLR mit möglichst großem Sensor und ein lichtstarkes Weitwinkelobjektiv.

Bezüglich der Kameraeinstellung rate ich, unbedingt alle kamerainternen Rauschunterdrückungen abzuschalten und die ISO-Einstellung mit der besten zu erwartenden Qualität (ISO 100 bis 200) zu wählen. Sollen Sterne als Punkte dargestellt werden, bleibt jedoch nur die Wahl einer kürzeren Belichtungszeit (maximal 20 Sekunden) und ein rauschanfälliger, hoher ISO-Wert (1600 und mehr).

Meine Belichtungszeiten bewegt sich zwischen 5 und 15 Minuten. Konkrete Zeit-Blenden-Kombinationen möchte ich keine angeben, da diese von mehreren Faktoren wie der Vegetation oder der Luftgüte abhängen. Im Zeitalter der digitalen Fotografie sieht man das Ergebnis ohnehin gleich nach der Belichtung. Um Enttäuschungen durch unterbelichtete Fotos vor dem Bildschirm zuhause zu vermeiden, rate ich unbedingt, das Histogramm zur Beurteilung der Belichtung zu verwenden, da das Kameradisplay in der Dunkelheit täuschend hell und kontrastreich ist.

Blende 4 bis 5,6 verwende ich am häufigsten. Für Blende 5,6 muss der Mond schon annähernd voll, der Himmel frei von Bewölkung und die Luft klar sein. Die größte Blende am Objektiv verwende ich trotz der verlockenden Zeitersparnis ungern, da der Schärfeabfall in den Randbereichen auch bei den besten Linsen immer noch deutlich ist. Besonders eignen sich somit lichtstarke Weitwinkelobjektive, denn bei kürzeren Brennweiten ist die Tiefenschärfe auch noch bei Blende 4 akzeptabel.

Die Großglockner Hochalpenstraße bei Vollmond. Das Stativ steht offensichtlich mitten auf der Straße. Ich habe in der Nacht keinen Verkehr erwartet, zur Sicherheit habe ich trotzdem eine Stirnlampe ans Stativ gehängt. Mit eingeschaltetem Licht bin ich dann um die Kurve gefahren, habe das Auto versteckt und bin zu Fuß zurückgelaufen. (Canon EOS 1Ds III, 2.8/16-35mm @ f4, 359sek, ISO 100)

Ungeeignet oder zumindest mit großer Vorsicht zu genießen ist Kunstlicht. Ich meine nicht Aufsteckblitze oder Taschenlampen, die durchaus ein kreatives Potential besitzen, sondern Laternen oder beleuchtete Gebäude. Diese Lichtquellen werden durch die extrem lange Belichtungszeit hoffnungslos überstrahlt abgebildet.

Ich bevorzuge, sie nicht in die Komposition einzubeziehen, oder wenn überhaupt, dann nur ihr indirektes Licht zu nutzen. Wenn es zum Beispiel diesig ist oder eine dünne Wolkendecke am Himmel steht, kann das indirekte Licht von Städten an der Unterseite von Wolken interessante Effekte hervorrufen. Mit bloßem Auge ist die Wirkung oft schwer zu erkennen und ich empfehle, (wie beim Fokussieren) zu einer Testaufnahme mit offener Blende und sehr hoher ISO.

Diese mittelalterliche Burgruine im Niederösterreichischen Pottendorf ist nicht weit von meinem Zuhause entfernt. Ein geeignetes Mondlichtmotiv, da die Wasserburg im Gegensatz zu vielen anderen Sehenswürdigkeiten in der Nacht nicht beleuchtet ist. Nichtsdestotrotz macht das warme Licht der entfernt stehenden Laternen für mich den besonderen Reiz des Bildes aus. Es wirkt durch das Mondlicht wie eine Mischung aus Sonnen- und Kunstlicht. (Canon EOS 5DII, 2.8/21mm Zeiss Distagon @ f4, 899sek, ISO 100)

Ob ein lichter Wald, eine weitläufig Kulturlandschaft oder ein Bergpanorama, nahezu alle typischen Landschaftsmotive können im Mondlicht fotografiert werden. Es ist nicht nur aufregend, Zeit in der nächtlichen Natur zu verbringen, sondern eine wirklich intensive Erfahrung, besonders wenn man allein unterwegs ist.

Ich kann jedem nur empfehlen, einen Versuch zu wagen. Und nicht vergessen, sich gut mit Mondcreme einzuschmieren, ein hoher Faktor vermeidet unangenehmen Mondbrand.

Eine Kritik an die „patriarchale“ Erotik in der Kunst und der Wunsch, die Sexualität in der Kunst aus der Frauenperspektive zu betrachten.

Ich wette, Du hast eine Menge solcher Fotos gesehen. Wenn nicht, bitte ich dich, zum Beispiel auf deviantArt zu gehen, links in der Navigation über die Kategorie „Photography“ und „People & Portraits“ die Unterkategorie „Artistic Nude“ auszuwählen und Dir die besten Aufnahmen anzuschauen. Direkt erscheint auf dem Monitor eine Reihe von Fotos von schönen Frauen.

Sie sind perfekt: Ihr Körper ist gepflegt und proportional, erfüllt von Sinnlichkeit, umgeben von empfindlichem Licht und tiefen Schatten. Manchmal sieht man nur bestimmte Teile des weiblichen Körpers: Rundliche Brust, volle und leicht geöffnete Lippen, apfelförmiger Popo. So etwas findet man nicht nur auf Pornoseiten, die das Ziel verfolgen, den meist männlichen Zuschauer sexuell zu erregen. Die ganze Erotik scheint von der weiblichen, sexuellen Schönheit geprägt zu sein.

Ist Dir aufgefallen, dass ich oben bloß vom dargestellten Körper gesprochen habe? Nicht unbewusst. Und nicht zu Unrecht. Man sieht tatsächlich nur einen Leib. Einen Leib, den, ich zweifle nicht, jeder Mann vor sich zu sehen wünscht nach einem anstrengenden Arbeitstag. Egal, ob der Leib wie in zahlreichen Pornos misshandelt oder mit Würde dargestellt wird – die Tatsache bleibt dieselbe: Es ist nur ein Leib. Und somit ein Gegenstand, ein Objekt.

Wenn diesem Objekt ein Ausdruck, eine „Seele“ gegeben wird, so stammt sie, die Seele, vom Fotografen, der vor dem Shooting ein Konzept im Kopf hat und dieses durch das Model realisiert. Die Frau in der Erotikwelt ist ein sexueller Traum des Mannes und nicht ihr eigener. Wie der Kunstkritiker John Berger in seinem Buch schreibt: “Men look at women. Women watch themselves being looked at”.

Dies lässt sich besonders gut an folgendem Bespiel veranschaulichen: 2007 dreht die schwedische Pornodarstellerin Mia Engberg ein dreiminütiges Video, in dem man Frauen verschiedenen Alters und Aussehens beim Masturbieren zusehen kann. Was das Video von typischen pornografischen Inhalten unterscheidet, ist die Tatsache, dass die Frauen in diesem kurzen Film gar keine Schauspielerinnen sind und folglich offen und natürlich, also nicht gespielt, mit ihrem Orgasmus umgehen.

Zu meiner eigenen Verwunderung stieß das Video auf eine unerwartete Reaktion, besonders von der Männerseite: Man fand die Gesichter der Frauen während des Orgasmus entstellt und hässlich, im totalen Widerspruch stehend zur gewohnten, eigentlich künstlichen Darstellung von beinahe „göttlichen“ Wesen mit der dementsprechenden Mimik.

Es ist keine moderne Erscheinung in unserer Gesellschaft; das hat es immer gegeben in der patriarchisch ausgerichteten Kultur: Dass die Kunst und besonders ihre erotische, sexuelle Seite vom männlichen Geist dominiert wird. Versteh mich bitte nicht falsch, ich würde nie den Männern die Freiheit rauben, ihre eigenen Fantasien und Wünsche künstlerisch umzusetzen.

Doch ich bin zutiefst davon überzeugt, dass es an der Zeit ist, endlich auch einmal die Frau die berühmte Frage von Freud beantworten zu lassen: „Was will eine Frau?“. Wovon sie nachts, bevor sie einschläft, träumt. Wie sie sich selbst in ihrer Sexualität betrachtet und was für einen Partner sie sich an ihrer Seite wünscht.

Bereits in den 70er Jahren mit dem Aufschwung der feministischen Art fängt man allmählich an, dieser Seite der Kunst mehr Aufmerksamkeit zu schenken. Berühmte Fotografinnen wie Ellen von Unwerth und Bettina Rheims leisten auch einen immensen Beitrag zur Erotik aus weiblicher Perspektive.

Obwohl ihre Werke bedeutsam sind, stellen sie trotzdem eine Ausnahme in der Welt der „Nacktfotos“ dar. Deshalb verfolge ich, größtenteils ein Selbstportrait-Fotograf, mit meiner Fotografie unter anderem das Ziel, die weibliche Sexualität zu entfalten und letzten Endes in meinen Aufnahmen ein Subjekt und nicht nur ein Objekt zu sein.

Deshalb bin ich es gewohnt, meine Kunst als eine Art eigene Psychoanalyse zu betrachten. Das ist auch der Grund, warum ich mich im Regelfall für Selbstportraits entscheide: Denn wer kennt mein inneres Ich mit all seinen Komplikationen, Geheimnissen und Träumen besser als ich selbst?

Somit dient mir die Fotografie als ein Tagebuch. Darin schreibe ich über die Dinge, die ich in der Realität noch nicht gewagt habe, die mich aber auf eine obskure Art und Weise anziehen. Die Aufnahmen stellen mich nicht bloß – oft sind die fotografischen Ergebnisse genauso rätselhaft und doppelsinnig wie ich sie in meiner Psyche empfinde. Die Kunst ist zunächst ein Versuch, die Inhalte zu veranschaulichen. Eine Erklärung oder eine Lösung ist bereits vorhanden – sie verbirgt sich alleine in Fotos.

Ich pflege zu wiederholen, dass meine Kamera nicht ein Mann ist, vor dem ich mich ausziehe, mit dem ich flirte, den ich verführe. Meine Kamera ist ein Spiegel. Was ich damit meine, wird jeder Shopaholic verstehen: Nachdem man in Dutzenden Läden einen Haufen Kleidung gekauft hat und nach Hause zurückgekehrt ist, will man als Erstes die Neuanschaffungen in aller Ruhe ausprobieren, in eine Rolle schlüpfen und diese genießen. Sei es, dass man sich mit einem teuren Abendkleid in die Salonlöwin verwandelt oder in einer bunten Sommertunika die romantische und leichtsinnige Mademoiselle spielt.

Auf diese Weise entnimmt man der Psyche eine von vielen kleinen Persönlichkeiten und setzte sie wie eine Maske auf das Gesicht: Man lebt sein Alter Ego aus. Genauso funktioniert es mit der Sexualität, die für mich eine eigene Plattform darstellt, auf der ich verschiedene Seiten meiner inneren Welt zum Ausdruck bringen kann.

Und der Spiegel hilft mir dabei, die Experimente von der Seite zu beobachten und die erzielten Ergebnisse leichter zu analysieren. Denn nicht selten lasse ich während des Shootings meiner Fantasie und Intuition freien Lauf, ohne zu ahnen, was dabei herauskommt.

„Bilder sind Oberfläche. Manchmal gelingt es, sie zum Fenster zu dem Dahinter werden zu lassen.“ Für mich ist diese Feststellung Position und zugleich fotografisches Manifest.

Ich fotografiere Menschen. Am liebsten Portrait und Akt, möglichst wenig inszeniert. Und ich bevorzuge und liebe die einfache Form, weil sie Aufmerksamkeit und Wahrnehmung konzentriert. Mir gibt diese einfache Form Sicherheit und zugleich Raum und Freiheit. Wie das Fenster einen Rahmen hat und so den konzentrierten oder auch weiteren Blick in den Raum und die Freiheit dahinter ermöglicht.

Meinen ersten Akt habe ich vor einigen Jahren während eines Aufenthaltes in Berlin mit einer halbwegs funktionierenden alten Leica fotografiert, in einem Hotelzimmer auf Schwarzweiß-Film. Dem war ein zweijähriges Selbststudium der von mir geschätzten Meister der Fotografie vorausgegangen. Vor allem diejenigen fand und finde ich spannend, die mit einfachen Mitteln, aber einem gut gesetzten Bildausschnitt und dem vorhandenen Licht komponieren. Cartier-Bressons Fotografie eines liegenden Aktes in einem Atelier begleitet mich seit dieser Zeit.

Natürlich interessiert mich die Oberfläche, die äußere Schönheit eines ästhetischen Akts, ein intensiver Blick oder auch die markante Form eines Gesichts. Wenn es mir gelingt, die jeweilige Oberfläche genau und deutlich im Bild sichtbar zu machen, kann ich mein Ziel erreichen: Eine einfache Sprache sprechen, die den Blick hinter das Bild frei gibt.

Im Laufe der Jahre ist mein Interesse am Portrait immer weiter gewachsen. Zu den formalen Aspekten, die meines Erachtens in der Aktfotografie besondere Bedeutung und Gewicht haben, kommt für mich in der Portraitfotografie die Kommunikation hinzu.

Die meisten Portraits habe ich bisher in einem Café in meinem Stadtteil in Hamburg aufgenommen. Die Bilder entstehen – scheinbar en passant – im Gespräch. Es gelingt nicht immer, aber meistens entstehen die „sprechenden“ Bilder während dieser Sitzungen. Und gerade aus diesen Begegnungen heraus entwickelt sich oft eine längere Zusammenarbeit. Aber auch in einzelnen Treffen können gute Bilder entstehen.

Ich möchte, dass die Menschen, die sich von mir fotografieren lassen, als Subjekt sichtbar werden. Sie sollen wahrnehmbar werden in ihrer Rolle oder in dem, was sie von ihrer Echtheit zeigen wollen.

Im letzten Jahr habe ich damit begonnen, die formale Strenge, wie ich sie in der so genannten ästhetischen Aktfotografie finde, mit dem zu verbinden, was mich am Portrait so fasziniert: Kommunikation, der Blick, der hinter die Oberfläche geht. Deswegen mag ich die Aktfotografien, die gleichzeitig Portrait sind. Zur Schönheit kommt für mich die gleichberechtigte Begegnung hinzu, in der der Mensch vor der Kamera seine Persönlichkeit durch Mimik, Haltung und Gestik zur Geltung bringen kann.

Beim Fotografieren – und vielleicht gerade in der Aktfotografie – sind es gerade die einfach gestalteten Inszenierungen und Räume, die dem Menschen vor der Kamera und mir die größte Freiheit lassen, sich auf das Wesentliche zu konzentrieren. Beide Beteiligten können sich aufeinander und das Thema einlassen: Das Sichtbarmachen von Persönlichkeit in ihren ganz unterschiedlichen und individuellen Aspekten.

Dieses Jahr hat damit begonnen, dass Menschen, mit denen ich bereits Bilder gemacht habe, mit mir am Thema Akt arbeiten wollen. Für mich ist das ein Zeichen dafür, dass sich ein gemeinsames Verständnis entwickelt von der Bildsprache und dem, was gezeigt werden soll. Nicht Beauty, nicht tolle Bodys, keine coolen Locations. Persönlichkeit.

Alles andere ist langweilig.

Würde man als Mitteleuropäer versuchen, Neuseelands Landschaft mit nur einem Wort zu beschreiben, käme dabei wohl folgender Zungenbrecher heraus: Irlanorwegschottalpen. Und in der Tat erinnert mich die Landschaft doch sehr an Irland, Norwegen, Schottland und die Alpen. Ein solch einfacher Vergleich mit Europa wird Neuseeland jedoch nicht gerecht, da die Landschaft dafür zu einzigartig ist.

Neuseeland besteht aus einer Nord- und einer Südinsel und ist von der Kultur her sehr europäisch geprägt. Man merkt, dass das Land Teil des englischen Commonwealth ist und obwohl es einer der am weitesten entfernten Orte auf diesem Planeten ist, den ein Mitteleuropäer bereisen kann, fühlte ich mich irgendwie gar nicht so weit weg.

Die Nordinsel

Coromandel

Vor knapp vier Jahren machte ich eine vierwöchige Reise von Mitte Oktober bis Mitte November nach Neuseeland. Mein erstes Ziel auf dieser Reise war, nach einem Kurzaufenthalt in Auckland, die Halbinsel Coromandel. So schön der Name klingt, so schön ist auch die Landschaft. Von Auckland kommend windet sich die Straße über sanfte Hügel und führte mich schließlich über eine spektakuläre Küstenstraße zu meinem ersten Campingplatz in Papaaroha.

Coromandel entzückt das Fotografenherz mit Buchten und Stränden wie aus dem Bilderbuch und lädt zum Verweilen ein. Die Halbinsel verließ ich bereits wieder nach einem Tag, was ich rückwirkend betrachtet als viel zu kurz empfinde. Wer die Möglichkeit hat, einmal auf die Halbinsel zu fahren, sollte mehr Zeit mitbringen als ich es getan habe – dafür ist es einfach zu schön dort.

Rotorua & Tongariro National Park

Es führte mich weiter über Rotorua, wo Geysire und blubbernde Schlammlöcher eine farbenfrohe Umgebung zaubern, zum Tongariro National Park. Dessen Landschaft ist nicht zuletzt aus der Filmtrilogie “Der Herr der Ringe” bekannt.

Das spärlich besiedelte Land ist hier sehr weit und wird dominiert von der Vulkanlandschaft mit den beiden Vulkanen Mount Ngauruhoe und Mount Tongariro. Ich ersparte mir die 17km-Wanderung des berühmten Tongariro Crossing. Auf der Suche nach geeigneten Foto-Spots für die kommenden Sonnenauf- und -untergänge erkundete ich die Gegend stattdessen auf eigene Faust.

Egmont Nationalpark

Etwa 120 Kilometer westlich des Tongariro National Parks befindet sich der Egmont Nationalpark mit dem Vulkan Mount Taranaki. Aus der Luft gesehen formt er einen fast perfekten Kreis in die Landschaft – gut zu sehen zum Beispiel bei Google Maps.

Für mich persönlich ist Mount Taranaki der schönste Vulkan Neuseelands und auch die Gegend hier ist weitaus weniger touristisch geprägt als noch zuvor im Tongariro National Park. Blauer Himmel und Sonnenschein erwarteten mich am Mount Taranaki. Eine einheimische Frau sagte mir, dass ich wohl ein Glückspilz sei, denn so oft kommt es nicht vor, dass der Vulkan komplett frei von Wolken ist.

Glückspilz hin oder her, mir wäre es ehrlich gesagt lieber gewesen, wenn sich doch noch ein paar Wolken gezeigt hätten. Tragen diese doch in der Landschaftsfotografie sehr viel zur Stimmung bei.

Die Südinsel

Marlborough Sounds

Fotografisch war damit für mich die Nordinsel erkundet und ich nahm die Fähre zur Südinsel. Sogar einen Tag früher als geplant, da mich die Vielfalt der Südinsel noch mehr ansprach als die der Nordinsel.

So ging es gegen Abend mit der Fähre von Wellington nach Picton, wo ich nach Einbruch der Dunkelheit ankam. Am nächsten Morgen war es dann soweit: Der erste Blick im Licht der aufgehenden Sonne auf die wunderschönen Marlborough Sounds.

Die Marlborough Sounds bestehen aus einer Vielzahl von kleinen, grün bewachsenen (Halb-)Inseln, die durch fjordähnliche Wasserarme voneinander getrennt sind. Der Queen Charlotte Drive ist eine der wenigen Straßen, die an der Küste entlang führen und sehr empfehlenswert, da er sehr schöne Aussichten auf die Sounds bietet.

Von Picton kommend gibt es kurz vor Havelock eine Zufahrt zu einem kleinen Parkplatz, von dem aus sich die Schönheit der Marlborough Sounds sehr einfach fotografieren lässt.

Abel Tasman Nationalpark

Weiter ging es für mich Richtung Westen über die kurvenreiche Straße zum Abel Tasman Nationalpark. Auch hier finden sich, ähnlich wie auf der Halbinsel Coromandel, sehr schöne Buchten und einsame Sandstrände, die ebenfalls zum Verweilen und zum Fotografieren einladen.

Als Foto-Spot kommt unter anderem der etwas versteckte Split Apple Rock in Betracht. Es handelt sich um einen kleinen Felsen im Meer, der die Form eines in der Mitte geteilten Apfels hat.

Zum Fotografieren dieses skurrilen Felsens bietet sich der kleine Strand in der Towers Bay bei Marahau an. Den kann man über den Moonraker Way gut zu Fuß erreichen.

Ich war pünktlich zum Sonnenuntergang dort, was sich jedoch als keine so gute Idee herausstellte. Die untergehende Sonne wurde von einer Landzunge verdeckt, so dass das schöne Licht ausblieb. Aus diesem Grund ist es besser, diesen Spot am frühen Morgen zu besuchen.

West Coast

In Neuseeland gibt es im Vergleich zu Deutschland relativ wenige Straßen, so dass ich bei der weiteren Fahrt Richtung Süden eine Entscheidung zu treffen hatte: Geht es weiter Richtung Westen oder Osten?

Für mich eine leichte Entscheidung, da der westliche Teil der Südinsel einer der bekanntesten und schönsten Abschnitte Neuseelands ist. Jedoch wird in diesem Teil der Südinsel das Wetter auch stärker von den Bergen (Neuseeländische Alpen) und Gletschern beeinflusst, so dass es in diesem Gebieten oftmals mehr Niederschlag gibt.

Vom Norden her kommend nahm ich den State Highway 6. Entlang dieser Route erwartete mich eine atemberaubende Küstenstraße, die mit bizarren Felsformationen, wie den Pancake Rocks – einer Kalksteinformation, die wie aufgeschichtete Pfannkuchen aussieht – hervorsticht.

Westland Nationalpark

Weiter südlich treffen dann Gletscher auf Regenwald: „Franz Josef“ und „Fox Glacier“ im Westland Nationalpark sind von Regenwald umgeben und liegen nur einige Kilometer vom Strand entfernt. Sie sind leicht mit dem Wagen zu erreichen und es gibt Wanderwege, die bis zur Gletscherzunge führen.

Durch den Einfluss der Gletscher ändert sich das Wetter hier sehr schnell und die Berge sind oft wolkenverhangen. Wie gut, dass die Wege in Neuseeland oft sehr kurz sind. So war für mich die Fahrt zum nahe gelegenen Lake Mapourika für ein Sonnenuntergangsfoto schnell gemacht.

Eine Alternative wäre auch die nahe gelegene Küste gewesen, die ich aber wegen starker Sturmböen nicht aufgesucht habe.

Queenstown

Mein nächster Stopp nach der Durchfahrt des alpenähnlichen Mount Aspiring Nationalparks war die kleine Stadt Queenstown. Die Gegend um Queenstown herum ist so bunt wie die Stadt selbst, in der das Bungee-Jumping erfunden wurde. Eine schöne Übersicht über die kleine Stadt mit dem Lake Wakatipu im Hintergrund bekommt man von der Skyline-Aussichtsplattform. Diese erreicht man direkt mit der Gondelbahn von Queenstown aus.

Ein kleiner Geheimtipp ist die Crown Range Road, die durch das Cardrona Valley nördlich von Queenstown führt. Als eine der höchstgelegenen Passstraßen des Landes führt sie durch ein karges Hügelland und bietet hervorragende Aussichten auf die umgebende Bergwelt Neuseelands.

Diese Straße sollte man sich nicht entgehen lassen – ich kannte sie im Vorfeld auch nicht und nahm stattdessen den Highway. Erst durch den Tipp einer Touristin, die ich bei einem Ausflug kennen gelernt hatte, wurde ich darauf aufmerksam und fuhr die Strecke dann noch einmal.

Fjordland Nationalpark

Das nächste Ziel auf einer typischen Reise durch Neuseeland ist der Fjordland Nationalpark. Es handelt sich dabei um den größten Nationalpark Neuseelands. Er wird im Osten durch gewaltige Seen und im Westen durch namhafte Fjorde wie den Milford Sound und den Doubtful Sound geprägt.

Allerdings ist es für den normalen Touristen – also auch für mich – sehr schwierig, auf eigene Faust das Fjordland zu erkunden. Es gibt nur eine einzige öffentliche Straße, die zum Milford Sound führt. Diese ist aber absolut zu empfehlen, da der Milford Sound zu einem der Höhepunkte in Neuseeland gehört und die Aussichten entlang der Straße ebenfalls sehr fotogen sind.

In den Fjordlands war ich dann ein richtiger Glückspilz, da es hier normalerweise 300 Tage im Jahr regnet. Als ich dort war, begrüßten mich ein wolkenloser Himmel, Sonnenschein und kein einziger Tropfen Regen. Glück hatte ich auch mit den sonst in der Gegend sehr zahlreich vorhandenen Black Flies, die Anfang November offenbar noch nicht geschlüpft waren und mich deshalb beim Fotografieren nicht „auffraßen“.

Zum weiteren Kennenlernen der Fjorde kann man geführte Touren oder Hubschrauber-Rundflüge über das Fjordland buchen. Ein guter Ausgangspunkt für Erkundungen ist der Ort Te Anau, von dem aus auch die Straße in das Fjordland hinein führt. Etwas weiter südwestlich von Te Anau liegt der Lake Manapouri, an dem ich ebenfalls – in absoluter Stille – sehr schöne Aufnahmen machen konnte.

Catlins Conservation Park

Nach meinem Aufenthalt in den Fjordlands zog es mich schließlich Richtung Süden. Hier wird die Landschaft im direkten Vergleich zu vorher etwas langweiliger und aus diesem Grund stoppte ich erst wieder im Catlins Conservation Park‎. Ein neuer Park, eine neue Landschaft: Dichter Regenwald und unzählige Wasserfälle, wie die Matai Falls oder die Purakaunui Falls, sind hier zu finden.

Ich erwanderte das Gebiet auf eigene Faust und tauchte in den Regenwald ein. Regen ist hier für Fotografen übrigens kein Problem, sondern eher ein guter Helfer für schöne Fotos. Durch den Regen fließt viel Wasser in den Bächen und das wiederum lässt die Wasserfälle imposanter erscheinen. Zusätzlich bringt ein bedeckter Himmel auch einen geringeren Kontrast mit sich und durch die Verwendung eines Polfilters lässt sich das kräftige Grün des nassen Blattwerks besonders gut eingefangen.

Mount Cook Nationalpark

Fast am Ende meiner Reise angekommen, fuhr ich zum letzten von mir besuchten Nationalpark: Mount Cook. Der gleichnamige Berg Mount Cook ist die höchste Erhebung Neuseelands und die umgebende Landschaft wird massiv von der alpinen Region geprägt. Das Wetter wechselt sehr schnell und während meines Aufenthalts dort hatte ich das volle Programm, bestehend aus Sonnenschein, monsun-artigen Regenfällen und Schnee. Zum Fotografieren sind solche Bedingungen ideal, da sich immer wieder spektakuläre Lichtstimmungen ergeben.

Die lange Stichstraße, die in den Nationalpark hineinführt, beginnt am Lake Pukaki mit seiner unnatürlich wirkenden hellblauen Farbe. Am Ende der Straße angelangt, gibt es verschiedene Möglichkeiten, die Region zu erwandern. Ein schönes Ziel zu Fuß ist der Tasman Lake am Fuße des Tasman Glaciers, auf dem sehr fotogen vom Gletscher gelöste Eisschollen schwimmen.

Vom Mount Cook Nationalpark aus fuhr ich schlussendlich nach Christchurch, um wieder zurück nach Deutschland zu fliegen.

Neuseeland ist ein Land für Fotografen und Naturliebhaber. Es gibt kaum einen Punkt, an dem man kein schönes Fotomotiv findet. Die landschaftlichen Gegensätze sind gewaltig, vor allem gemessen an den relativ kleinen Abständen zueinander. Küsten, Strände, Regenwälder, Berge und Gletscher: Wo man in Europa viele tausend Kilometer und mehrere Länder bereisen müsste, liegt hier alles oftmals nur ein paar Kilometer voneinander entfernt.

Da bleibt vielleicht noch die lange Anreise von rund 35 Stunden inklusive Pausen und Transfers, die einen von dieser Reise abhalten – für die Rückreise benötigte ich sogar 66 Stunden, da der Flughafen in Dubai wegen Nebel gesperrt war. Wer jedoch einmal Neuseeland erlebt hat und dort war, wird wohl (wie ich) auf die Frage des Passkontrolleurs bei der Ausreise, ob ich denn wiederkommen werde, mit „Definitely!“ antworten.

Was macht ein gutes Foto aus? In der Regel ist es die Gesamtheit des Bildes. In der Zeit der vielen technikverliebten Fotoforen sind es wohl eher die Schärfe, der perfekte Weißabgleich, das Fehlen von CAs und Vignettierungen sowie die technische Perfektion. 

In der Naturfotografie hingegen entscheiden für mich Licht und Situation darüber, ob ein Bild gut ist oder nicht. Beide Faktoren sind schwer zu beeinflussen. Ich möchte heute etwas zum Licht in meinen Bildern erzählen, genauer möchte ich auf Gegenlicht in der Naturfotografie eingehen.

Oftmals schaue ich mir meine Bilder zu Hause an und denke “verdammt, irgendwie sehen die nicht so aus, wie ich es gerne hätte” und fast immer ist das Licht daran schuld. Das Licht in seinen unterschiedlichen Facetten und Arten sorgt dafür, dass ein Naturfoto gut wirkt oder nicht.

Das Problem ist, dass man als Fotograf kaum Einfluss auf das Licht nehmen kann und somit gibt es nur zwei Möglichkeiten: Man nimmt das, was man bekommt oder man fährt so oft an einen bestimmten Ort, bis man das bekommt, was man haben möchte. Doch wie findet man das richtige Licht? Und was ist das richtige Licht? Das ist wohl für jeden anders.

Ich persönlich liebe einfach besondere Lichtsituationen, sei es Schnee, Regen, Sturm, Nebel oder Sonnenlicht. Eigentlich gibt jede Lichtsituation etwas her, man muss es nur erkennen. Da es so viele tolle Stimmungen gibt, beschränke ich mich in diesem Artikel auf das Gegenlicht. Gegenlicht zu “planen” ist relativ einfach, man muss nur schauen, wo sie Sonne auf und untergeht.

Fotografiert man nun in Richtung der Sonne, erhält man in der Regel schönes Gegenlicht. Mit diesem Licht kann man dann arbeiten.

Die erste Möglichkeit, die jedem Fotografen einfallen wird, ist wohl die Silhouette. Also ein Motiv, das sich dunkel gegen einen in der Regel helleren Hintergrund abhebt. Hierzu eignen sich vor allem helle Hintergründe, zum Beispiel der Himmel, das Meer oder eine Schneedecke. Dabei kann man als Motiv alles verwenden, von einem Insekt über Pflanzen, bis hin zu großen Säugern oder auch Bäumen.

Etwas schwieriger wird es, wenn man eine Silhouette mit einem hellen Lichtsaum versehen will, das geht nur bei bestimmten Motiven und man benötigt tendenziell einen dunkleren Hintergrund, gleichzeitig muss das Motiv recht stark von der Sonne angestrahlt werden.

Bei Gegenlicht muss man allerdings nicht immer mit Silhouetten oder ähnlichem arbeiten. Die Motive können auch ihre gesamte Zeichnung behalten und man kann sie mit Hilfe von unterschiedlichen Techniken aufpeppen.

Der Fotograf hat gerade bei Gegenlicht unglaublich viele Möglichkeiten, mit dem Licht zu spielen, denn diese extreme Lichtsituation führt je nach Umgebung und Objektiv zu einer Fülle an Effekten. Die beiden am häufigsten verwendeten sind hierbei wohl die Unschärfekreise und Lensflares. Lensflares sind optische Fehler, die durch die Brechung des Lichts im Objektiv entstehen.

Sie sind bei den meisten Fotografen nicht besonders beliebt, aber ich benutze sie sehr gerne; insbesondere, um den Hintergrund komplett in eine Farbe zu tauchen oder um eine Sonne im Bild zu imitieren.

Unschärfekreise hingegen kommen durch starke Lichtquellen in der Unschärfeebene zustande und sehen meistens aus wie kleine Lichtkreise im Bild. Diese kommen zum Beispiel durch Wassertropfen im Gegenlicht oder durch andere starke Lichtquellen zustande, die sich in der Unschärfeebene befinden.

Ich empfehle, hierbei die Blende komplett zu öffnen, damit die Unschärfekreise nicht durch die sich schließenden Blendenlamellen eckig werden.

Sowohl die Unschärfekreise als auch die Lensflares sehen bei jedem Objektiv anders aus. Jedes Objektiv hat seine eigenen optischen Fehler, die man nutzen kann, um sein eigenes Bild zu schaffen. Hier fängt der kreative Prozess des Probierens an. Man muss mit der Zeit herausfinden, welche Effekte man wie erzeugen und wie man sie in einem Bild einsetzen kann. Kennt man diese, kann man sein Bild “zusammenmurmeln”.

Es entscheiden bei dieser Art von Gegenlichtspielereien oft Millimeter bei der Ausrichtung der Kamera. Daher ist es ausschlaggebend, dass man langsam agiert und genau schaut, was sich verändert und wie es wirkt.

Hierbei gibt es keinen Königsweg, man muss einfach probieren, probieren und nochmal probieren und das muss jeder Fotograf selbst.

Samstagabend um 22.31 Uhr in einem großen Fernsehstudio in Berlin. Normalerweise werden zu dieser Uhrzeit TV-Sendungen aufgezeichnet, geprobt oder Bühnenbilder auf- und abgebaut. Mit etwas Vorarbeit (Anfragen im Fernsehstudio und Abstimmung mit dem Skateboarder) klappte es tatsächlich mit einem Studiotermin im Oktober 2011.

Für den Termin im Studio habe ich ca. sechs Monate an Vorlauf benötigt. Grund dafür war, dass permanent im Studio gearbeitet wird und somit eigentlich kein freies Zeitfenster dazwischen bleibt. Erst durch etwas Hartnäckigkeit und permanentes Anfragen im Studio hatte sich spontan im Herbst ein Termin ergeben.

Wir hatten an einem Samstagabend ca. 20 Minuten Zeit für diese Aufnahmen. Aufgrund des kurzen Zeitfensters habe ich mich entschlossen, fast alles im Action-Mode (6,5 Bilder pro Sekunde) zu fotografieren. Als Kamera hatte ich meine Canon 40D, zwei Sigma-Objektive (10-20mm und 18-250mm) und natürlich einen guten Freund, der Skateboard fährt, dabei. Am Ende sind 657 Bilder entstanden.

Außer Ollies, kleineren Powerslides oder Kickflips durften wir keine „wilden“ Tricks machen, da dort sehr viel teures Equiqment steht, das nicht kaputt gehen darf. 

Der Freund, der mitgekommen war, fährt sehr gut Skateboard und somit konnte ich mir schon etwas im Voraus überlegen, welche Tricks ich fotografieren möchte.

Dabei war mir jedoch auch wichtig, nicht zu viele strike Vorgaben zu machen. Die Balance zu finden zwischen Tricks, die ich gerne im Kasten habe wollte und einfach der Person dabei zuzusehen, wie das riesige Studio mit dem Skateboard erkundet wird, war und ist eine gute Richtlinie für mich.

Die Lichtquelle und die farbigen Hintergründe wurden durch eine sehr beeindruckende LED-Anlage im Hintergrund erzeugt. Ein Techniker an der Lichtanlage kann diesen Hintergrund (Farbe, Lichtintensität, Muster etc.) am Mischpult ändern. Innerhalb von nicht einmal einer Sekunde wurden 
so neue Farben oder Muster für den Hintergrund der Aufnamen erstellt.

Beim folgenden Bild habe ich den Schatten des Skateboarders in Photoshop etwas freigestellt, um die Reflexion der Person zu betonen. Des Weiteren habe ich etwas Blau über die Farb-Balancen bei der Nachbearbeitung hinzufügt. Die Lichtquelle war allein der Hintergrund, es wurden kein zusätzliches Licht oder Blitze benutzt.

Das war das einzige Bild, das ich in Photoshop in dieser Form nachbearbeitet habe. Bei allen anderen Bildern wurde zum Teil nur der Kontrast etwas angehoben.

Das TV-Studio ist wirklich riesig, was beim nächsten Foto erkennbar wird. Die horizontale Linie im Bild ist der Übergang zwischen Boden und Hintergrund. Bei der folgenden, letzten Aufnahme habe ich die Kamera auf den Boden gelegt und mit 18mm Brennweite fotografiert.

In der Nachbearbeitung habe ich versucht, den Schatten der Person etwas freizustellen, um die Größe des Studios zu betonen. An den Farben habe ich nichts geändert – die Farben und das Licht stammen komplett aus der LED-Anlage im Hintergrund.

Als ich mir zu Hause die ersten Bilder der Studio-Session angesehen hatte, habe ich erst realisiert, wie intensiv und beeindruckend die Farben im Hintergrund geworden sind. Unter den 657 Bildern habe ich relativ schnell meine 10 bis 15 Favoriten gefunden. Der ganze Aufwand hat sich gelohnt, wenn ich mir die Bilder im Nachhinein ansehe. In Gedanken bin ich bereits wieder im Studio und habe Ideen für neue Tricks mit Obstacles vor der Kamera.

Was ist ein Diptychon? Sucht man nach diesem Begriff bei Wikipedia, bekommt man nur einen Zweizeiler darüber, dass ein Diptychon eine doppelseitige Wachstafel aus der Antike sei. Ein Block zweier Schreibtafeln, die mit einem einfachen Scharnier verbunden sind. Heute will ich Euch zeigen, was ein Diptychon in der Fotografie ist, beziehungsweise sein kann.

Das Diptychon ist in der Fotografie ein zweigeteiltes Bild. Es ist ein Bild, das zwei verschiedene oder identische Fotos verwendet, um zusammen eine künstlerische Aussage zu bilden. Es stellt zwei ähnliche oder völlig unterschiedliche Bilder einander gegenüber. Diese Bilder gehören zusammen, sind als Sequenz, als Paar zu beurteilen.

Zwei Fotos, die möglicherweise besser zusammen passen als allein für sich stehende. Dies liegt im Auge und Geschmack des Betrachters. Sie können eine kleine Geschichte erzählen, eine Geschichte in zwei Rahmen, eine Vereinigung, unterschiedliche Perspektiven zum gleichen Thema.

Wie ich zum „dippen“ gekommen bin, weiß ich gar nicht mehr so genau, muss ich sagen. Ich meine, ich bin nicht einfach losgezogen mit dem Gedanken, dass ich nun Fotos mache, um sie dann zu einem Diptychon zusammenzufügen. Es kam einfach irgendwann über mich, so wie die Lust, überhaupt zu fotografieren. Natürlich habe ich zuvor schon Bilder dieser Stilrichtung gesehen. Keiner soll meinen, ich denke, ich hätte dieses Ding erfunden.

Irgendwann beim Stöbern im Internet und dem Durchschauen verschiedener Portfolios bin ich darauf gestoßen. Ich habe mich sofort darin verliebt und angefangen, meine eigenen Diptychen zu kreieren. Meine eigenen Geschichten zu erzählen. Meinen Blick auf die Welt damit zu zeigen.

Mit meinen Diptychen versuche ich, zwei Bilder miteinander zu verbinden. Ich will, dass man spürt, dass sie zusammengehören, einander berühren, nicht immer direkt, doch aber zumindest auf einer anderen Ebene. Es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, solche Bilder zu erschaffen.

Waagerecht, senkrecht, quer und durch das Zusammensetzen unterschiedlicher Themen und Bilder. Ich spiele mit der Schärfe, verwende unterschiedliche Perspektiven, bringe alte und neue Fotos zusammen und viel mehr. Wenn man schon mehrere Bilder dieser Sorte gemacht hat, bekommt man ein Gefühl dafür, welche Bilder zueinander passen und welche nicht.

Eines Tages war ich mit meinem Hund auf einer langen Runde unterwegs. Es war ein schöner Frühlingstag und ich genoss das Wetter. Meine Kamera hatte ich natürlich auch dabei. Nach einem langen Marsch durch Wiesen und Felder machten wir noch eine kleine Pause auf einer Fußgängerbrücke, die in meinem Ort den Übergang über einen Fluss ermöglicht.

Ich saß ganz entspannt da und genoss die warmen Sonnenstrahlen. In meinem Arm die Kamera, die ich dann auch zum Einsatz brachte und einige Bilder aus der Situation heraus schoss. Aus diesem relaxten Moment heraus ist mein Bild entstanden, in dem man einfach nur zwei ausgestreckte Füße und einen schönen friedlichen Himmel sieht.

Ich muss sagen, am liebsten benutze ich die simple Methode, Aufnahmen mit dem Blick nach unten und Aufnahmen mit dem Blick nach oben miteinander zu kombinieren. Es scheint schon fast zu leicht zu sein. Aber diese Bilder, gepaart mit dem richtigen Licht und den richtigen Farben, sind für mich einfach das Beste. Die einfachsten Dinge können eben doch die schönsten sein. Meine persönlichen Favoriten.

Eine weitere einfache Art, Diptychen zu gestalten, ist es, scharfe Fotos mit unscharfen zu verknüpfen. Dies kann ich auf unterschiedliche Arten machen, zum Beispiel von gleichen oder ähnlichen Situationen.

Ich benutze auch gerne die Methode, eine Aufnahme vom Ganzen und eine Detailaufnahme miteinander zu verbinden. So kann ich die unterschiedlichen interessanten Facetten von Gegenständen und Situationen aufzeigen.

Es gibt so viele verschiedene Möglichkeiten, Diptychen zu erstellen und es gibt sie in allen Bereichen der Fotografie. Zum Beispiel in der Street-Fotografie oder bei Portraits. Ich kann auf den ersten Blick völlig unpassende Bilder miteinander kombinieren und so völlig neue Welten schaffen. Es gilt, der Fantasie keine Grenzen zu setzen und alles auszuprobieren.

In manchen Bildern habe ich versucht, eine Verbindung zwischen den zwei zusammengehörigen Fotos herzustellen. Nicht nur eine spürbare Verbindung, sondern eine direkte, eine optische, in der man sieht wie das eine Bild das andere berührt. Ich finde diese Art besonders reizvoll. Diptychen können Fotos mehr Persönlichkeit geben, gar Geschichten erzählen, was manch einzelne Fotos nicht schaffen.

Vielleicht habt Ihr Lust, auch mal so etwas auszuprobieren. Jetzt liegt es an Euch. Denkt Euch ein Thema aus und legt los. Durchforstet Euer Archiv, manchmal findet man dort alte Schätze, die als Diptychon wieder aufgearbeitet werden können. Entweder miteinander oder einfach mit neuen passenden Bildern. Probiert es aus, werdet kreativ, denkt in Paaren!