Es ist so schwer, zu beschreiben, was mir das Fotografieren bedeutet, denn es ist nicht so, dass mir die Luft zum Atmen genommen wird, wenn ich monatelang nicht fotografieren kann. Es ist eher so, dass ich eine ganze Weile nicht einmal Lust habe, die Kamera anzuschauen.

Mal, weil ich mich selbst entmutige, dann weil die Luft einfach raus ist oder ich andere Dinge treibe, die mich glücklich machen und träumen lassen – ich mache Entwürfe fürs Studium, streiche ein Zimmer neu, laufe mit ausgestreckter Hand durch die Läden und fühle an allem, nähe, bastle und klebe Inspirationen mit buntem Tesafilm in ein Buch.

Dann überkommt es mich plötzlich wieder, es kribbelt allein beim Gedanken ganz schrecklich in meinen Armen und in meinem Kopf – das passiert immer, wenn mein ganz, ganz tiefes Interesse geweckt ist, mich zu beflügeln scheint und das ist das Zeichen: Ich muss wieder fotografieren.

Die Fotografie ist für mich eine unheimlich emotionale Angelegenheit. Einen Plan habe ich dabei nie. Denn es ist einfach so, dass mich ein Plan eher verunsichert und ich fühle mich unheimlich eingeengt. Wenn es ums Fotografieren geht, leide ich nämlich an schrecklichen „Stimmungsschwankungen“ und das, worauf ich gestern noch Lust hatte, interessiert mich heute so gar nicht mehr, deswegen bedeutet mir diese Spontanität unheimlich viel.

So kann ich ganz planlos, je nach Gefühl des Tages entscheiden, was passiert. Außerdem liegt es mir sehr am Herzen, vor dem Shooting viel, viel Zeit mit dem Modell zu verbringen, gemeinsam zu lachen und sich aufeinander einzustimmen, stundenlang zusammen den Kleiderschrank zu durchwühlen, sie so näher kennen zu lernen und dann ganz nach Laune zu entscheiden, wie Make-up und Frisur aussehen sollen.

Meistens schminke und frisiere ich die Mädels selbst und auch wenn es sich eigenartig anhört, für mich ist diese ganze Vorbereitung immer ein so intimer Moment, dass spätestens dann meine Stimmung komplett auf das Fotografieren umschwenkt und ich mich dem Modell sehr verbunden fühle. Ohne diese Verbundenheit funktioniert nämlich nichts, ich habe es schon versucht: Blöde Stimmung, blöde Bilder, blöder Tag. Deswegen mag ich nicht mehr auf die Zeit mit dem Modell verzichten.

Bei all der Spontanität steht doch eine Kleinigkeit auf dem Plan: Wir gehen immer raus, weil ich natürliches Licht so liebe. Auf langen Autofahrten beobachte unheimlich gern die Farbstimmung, die in der Luft liegt. Manchmal scheint das irgendwie magisch zu sein. Ich liebe es, wenn das Licht ganz sanft ist und das Gesicht berührt, durch die Haare leuchtet und mich durch die Linse manchmal blendet.

Und genau so sehr liebe ich Gräser, Bäume und Büsche – ich mag, wie sie im Wind hin und her schaukeln und was für Schatten sie werfen, wie sie Gesichter verdecken, wie die Zweige pieken und die Haut ein wenig kratzen, wenn ich mich wieder für die richtige Perspektive in sie hineinstürze.

Ich liebe es, mit Festbrennweiten zu arbeiten und um das Modell herumzutanzen, weil ich nur so ein Gefühl für sie und die Umgebung bekomme. Liebe es, mich und das Modell ein wenig im Dreck zu wälzen, sie in die Büsche reinkrakseln zu lassen und den Matsch, der meine Schuhe manches Mal durchnässt und auch die Hektik, wenn die Sonne fast untergegangen ist und ich doch eigentlich noch gar nicht fertig bin, will ich irgendwie nicht missen. Das gehört einfach alles dazu, zu einem fabelhaften Tag.

Dann habe ich auch ein totales Faible für Farbspiele, die ich eigentlich gar nicht sehe, sondern eher fühle und genau die versuche ich in die Bilder zu bekommen. So, dass allein die Farbe schon für eine Stimmung sorgt, wie ich sie in dem Moment hatte. Mal dramatisch, mal ganz sanft. Aber wenn ich so durch meine Arbeiten klicke, fühlt es sich manchmal irgendwie an, als wären alle Bilder, selbst die dramatischen, gehaucht. Aber vielleicht bilde ich mir das auch nur ein.

Mehr als das, was es draußen so gibt und dem, was sich in meinem Kopf abspielt, brauche ich eigentlich nicht für meine Bilder. Ich nehme mir keinen Assistenten mit, der Reflektoren hält, sondern bin immer allein mit dem Modell und mit dem was uns umgibt. Ich interessiere mich nicht für Technik, will nicht auf dem neusten Stand sein.

Ich finde, dass viel zu viele Neueinsteiger, aber auch alte Hasen sich zu sehr dafür interessieren und dabei die Emotionen völlig außer acht lassen. Denn auch mit einer super Ausrüstung macht sich ein fesselndes Bild nicht von selbst. Horcht doch lieber in Euch hinein und versucht, Euch nicht an die Technik zu klammern! Auf technische Perfektion kommt es auch gar nicht so an, sondern auf das Gefühl, das Ihr erlebt und vermittelt.

Ja, mich reizt eigentlich nur dieses Gefühl, das ich nicht recht beschreiben kann, das mich für den Moment aber erfüllt. Und ich erfreue mich an dem Gedanken, dass es da ein paar Menschen gibt, mit denen ich mein Gefühl teilen kann und hoffe, dass ich ihnen vielleicht mit dem einen oder anderen Bild ein schönes Gefühl in den Kopf, ins Herz, am besten in den ganzen Körper pflanzen kann.

Mehr möchte ich auch gar nicht und glaube, dass es genau das ist, was mir die Fotografie bringt und was mir so viel bedeutet: Ein schönes Gefühl in meinem Bauch und meinen Armen und meinem Kopf, die dann so schrecklich schön kribbeln, wenn ich es brauche.

Nachdem mein erster Artikel über Wassertropfenfotografie sehr gut angekommen ist, kommt hier nun ein weiterführender Artikel, der sich wieder mit dem Thema der kunstvollen Inszenierung von Flüssigkeiten beschäftigt. Dieses Mal erläutere ich weitere Techniken, die auch mit fotografischer Grundausrüstung realisierbar sind, in der Hoffnung, dass sich einige selbst an der wundervollen Welt der Tropfen, Flüssigkeiten und Farben versuchen.

Kronen

Als Erstes gehe ich auf die wohl beliebteste Form bei Einsteigern ein: Die Krone. Um sie in einer gefüllten Wasserschale einzufangen, reicht ein Tropfen Wasser aus. Aber die schönsten Kronen entstehen, wenn ich sie auf einer Plexiglasplatte produziere – eine Glasplatte ist leider nicht zu gebrauchen, da sie eine doppelte Spiegelung erzeugt.

Hierfür muss ich am Aufprallpunkt etwas Flüssigkeit platzieren: Es bietet sich an, farbiges Wasser oder Milch zu benutzten. Ohne diese Basis würde keine Krone entstehen, sondern nur eine flache Scheibe, deren Ränder nicht in die Höhe ragen.

Alternativ kann ich auch einen dünnen Wasserfilm auf der Plexiglasplatte verteilen. Dadurch spare ich mir das Auftragen des ersten Tropfens. Ich kann zwar keine so farbenfrohen Kronen erzeugen, aber das lästige Säubern nach jedem Versuch wird hinfällig.

Wie üblich in der Tropfenfotografie ist es besser, mit verdicktem Wasser zu arbeiten. Auf schwarzem Hintergrund benutzte ich sehr gern Sahne, diese hat genau die richtige Konsistenz und bildet einen sehr guten Kontrast zum Hintergrund. Allerdings ist die Beleuchtung etwas kniffliger als vor einem hellen Hintergrund.

Double Pillar

So habe ich eine Technik getauft, die ich vor Kurzem entdeckt habe. Mit ihr lassen sich nur sehr schwer schöne und ruhige Formen erzeugen, dennoch sind die Ergebnisse mehr als sehenswert.

Um derartige Bilder zu erschaffen, benötige ich zwei Tropfen, die in einem bestimmten Abstand zueinander synchron ins Wasser fallen. Die entstehenden Wassersäulen ziehen sich dabei gegenseitig an und vereinigen sich zu einer einzelnen Säule, auf der ich einen dritten Tropfen platziere. Für solche Aufnahmen werden mindestens drei Ventile benötigt, die unabhängig voneinander angesteuert werden.

In Planung sind bereits Aufnahmen mit vier Säulen, doch leider habe ich es noch nicht zustande gebracht, alle vier Säulen im Mittelpunkt zu vereinen. Bis jetzt ist es mir lediglich gelungen, drei Säulen auf einen Nenner zu bringen. Doch den Gedanken mit vier Säulen habe ich noch nicht verworfen und er wird zu gegebener Zeit wieder in Angriff genommen. Von Misserfolgen lasse ich mich nicht kleinkriegen.

Farbexplosionen

Diese Aufnahmen machen sehr viel Spaß. Man hat jedoch so gut wie keinen Einfluss auf das Ergebnis. Dennoch können dabei sehr beeindruckende Bilder entstehen.

Das Prinzip ist einfach: Ein Luftballon wird über einen Lautsprecher gestülpt und dient als Membran, auf der ich die Farben platziere. Als Basis gebe ich einen Teelöffel verdicktes Wasser auf die Membran, mit einer Pipette gebe ich Farbe hinzu. Das hat den Vorteil, dass die Formen etwas länger zusammenhalten, bevor sie zerreißen. Durch Musik wird die Membran in Schwingung versetzt und dadurch springen die Tropfen in unterschiedlichsten Formen nach oben.

Anfangs habe ich Bässe aus Technomusik verwendet oder mit Frequenzen eines Tongenerators gearbeitet. Doch mit der Zeit bin ich dahinter gekommen, dass das nicht optimal ist. Jetzt benutze ich ein Keyboard, um die Töne zu erzeugen. Das hat den Vorteil, dass ich nur einen Ton benötige und die Farben sich nicht so sehr mischen. Dadurch ist es möglich, noch ein zweites oder drittes Bild mit den gleichen Farben zu machen, ohne dass es eine braune Suppe wird.

Meine Kamera löse ich über einen Soundtrigger aus. Somit kann ich gezielt steuern, wann die Kamera auslösen soll. Es geht aber auch ohne, jedoch hat man dann weit weniger Kontrolle und benötigt unter Umständen mehr Versuche.

In meinen aktuellen Bildern habe ich noch einen fallenden Tropfen in die Farbexplosionen eingebracht. Dieser soll beim Zusammenstoß mit der nach oben springenden Farbe einen Schirm erzeugen. Da ist aber viel Zufall im Spiel, da ich nie weiß, wie sich die Farbe nach oben bewegt.

Was bei solchen Aufnahmen noch wichtig ist: Jede Kamera hat eine Auslöseverzögerung (Shutter Lag). Das heißt, wenn die Kamera auslöst, ist die Action schon vorbei. Das kann ich umgehen, indem ich in einem abgedunkelten Raum fotografiere und über die Blitze auslöse. Die Auslösung sollte dabei recht früh erfolgen. Je später die Blitze ausgelöst werden, umso stärker reißen die Formen ab und enden im Tropfenchaos.

Bei meinen Aufnahmen bevorzuge ich einen schwarzen Hintergrund. Um das zu erreichen, bestücke ich meine Blitze mit Lichtformern (Snoots). Dadurch wird Streulicht gering gehalten und nur punktuell beleuchtet. Um auf Nummer Sicher zu gehen, benutzte ich im Hintergrund noch eine schwarze Platte zur Abschirmung.

Cream Flow

Bei dieser Methode werden keine technischen Hilfsmittel, wie etwa die Zeitsteuerung, benötigt. Es reichen Kamera, Stativ, Pipette, Fernauslöser und ein externer Blitz aus. Als Wasserbehälter benutzte ich ein sehr kleines Aquarium. Zuerst wird der Behälter mit Wasser gefüllt und die Kamera so ausgerichtet, dass sie in einem Winkel von ca. 10-20° von unten auf die Wasseroberfläche fokussiert. Die Kamera muss komplett manuell eingestellt werden.

Meistens fotografiere ich solche Bilder mit einer sehr kleinen Blende von maximal f/16, um möglichst alles scharf zu bekommen. Als Belichtungszeit benutze ich grundsätzlich 1/160s, damit funktionieren meine Funkauslöser am zuverlässigsten. Die Blitzleistung darf auch bei diesen Aufnahmen nicht zu hoch gewählt werden. Zwar sind die Bewegungen nicht sehr schnell, dennoch kann man durch eine zu lange Abbrenndauer Bewegungsunschärfe ins Bild bekommen.

Es gibt verschiedene Methoden, um Farbe ins Bild zu bekommen. Entweder ich färbe die Kaffeemilch oder Sahne mit Lebensmittelfarbe ein oder ich benutze farbige Folien am Blitzgerät.

Wenn alles soweit eingestellt ist, kann es auch schon losgehen mit dem kreativen Teil: Mit der Pipette tröpfle ich Milch in das Becken und löse fleißig die Kamera aus. Da die Flüssigkeit ziemlich langsam absinkt (je höher der Fettanteil, umso langsamer sinkt sie) kann ich mehrmals auslösen. Die Bilder drehe ich in der Nachbearbeitung dann um 180°.

Alternativ kann ich auch einen hellen Hintergrund verwenden und als Flüssigkeit Tinte ins Wasser tropfen. Damit lassen sich ebenfalls sehr ansprechende Bilder erzeugen. Durch den hellen Hintergrund ist diese Variante auch einfacher zu beleuchten.

Soap Film

Um Seifenfilm zu fotografieren, ist keine großartige Technik nötig. Wie bei den Cream-Flow-Bildern benötige ich ein Stativ, Fernauslöser und einen externen Blitz.

Ich habe mir einen Ring von ca. 5 cm Durchmesser aus Draht geformt und diesen mit Wolle umwickelt. Durch die Wolle platzt der Seifenfilm nicht so schnell, da er mit Flüssigkeit versorgt wird. Der kniffligste Teil ist die Beleuchtung und der richtige Winkel des Seifenfilms zur Kamera. Die Kamera darf nicht parallel zum Seifenfilm positioniert werden. Es braucht einen kleinen Winkel von bis zu 5°, um ihn auf den Bildern sichtbar zu machen.

Ich beleuchte die Bilder indirekt über einen weißen Reflektor, den ich U-förmig gebogen habe. In die Mitte des Reflektors habe ich ein Loch für das Objektiv geschnitten. Den Blitz richte ich auf den Reflektor, dadurch wird der Seifenfilm beleuchtet. Als Hintergrund benutzte ich eine schwarze Pappe. Auch farbliche Hintergründe sind möglich, die besten Erfahrungen habe ich allerdings mit schwarz gemacht – damit ist die Leuchtkraft der Farben am intensivsten.

Ich hoffe, dass ich Euch mit diesem Artikel inspirieren konnte, vielleicht den einen oder anderen Versuch nachzustellen. Die Möglichkeiten, mit Wasser kreativ zu sein, sind schier endlos. Das ist auch ein Grund, warum ich diese Art der Fotografie so lange betreibe. Ihr findet noch weitere Bilder auf meiner Homepage und falls es Fragen gibt, stehe ich natürlich gerne zur Verfügung.

Therapie, Droge und Geliebte zugleich. Sich einfach auf den Boden zu legen und Bilder in den Wolken zu entdecken, so sehe ich das Fotografieren. Ich lasse die Gedanken treiben und gebe mir die größte Mühe, die Realität nicht so abzubilden wie ich sie sehe, sondern wie ich sie fühle, denn alles andere wäre nur der verzweifelte Versuch, das zu zeigen, was man sowieso bereits sieht.

So gieße ich lieber die Realität in eine gläserne Brillanz und passe behutsam darauf auf, ihr nicht zu nahe zu kommen. Stille und Einsamkeit sowie Intimität oder manchmal auch das leise Summen einer Neonröhre sind Dinge, die in mir den Drang wecken, den Auslöser zu drücken und ein Gefühl im Bild zu speichern, das mich in diesem Moment erfüllt.

Die offene Blende als offenes und sehr selektives Auge, das die Realität in Millionen von Dimensionsebenen zerfließen lässt und sie so zeigt, wie wir sie nicht wahrnehmen können. Auch Pushen und Pullen helfen dabei, in Sphären vorzudringen, die man so nicht kennt. Momente von Besonderheit in besondere Gewänder hüllen, die Realität verkleiden und schminken, Spaß am Spiel mit dem, was vielen von uns viel Stress bereitet – kurz: Eine Mal- und Basteltherapie für Realitätsflüchtlinge.

Ja, ich bekenne mich schuldig: Ich flüchte hin und wieder vor der Realität und am liebsten mit der Kamera. Mit den alten staubigen, die schon ein wenig klappern und rattern geht das am besten. Wenn das Klicken des Auslösers von einem leichten Knirschen begleitet wird, ist sie genau richtig. Manchmal kann es auch etwas aus Plastik sein, aber dann doch bitte ohne Autofokus, denn meine Gefühle überlasse ich nun mal keiner Maschine, die ohne Batterien überhaupt nichts kann, da bin ich eigen.

Welche Droge ich in die Pfeife stopfe, also welchen Film ich in die Kamera lege, überlasse ich auch gern dem Zufall. Außer, ich bin bereits im Wahn einer Idee, dann weiß ich genau, was ich will und mittlerweile habe ich auch gelernt, wie ich es bekomme. Schwarzweiß tut der Seele gut und Farbe ist für die Momente der Euphorie geeignet. Infrarot für die mystischen Stunden allein im dunklen Wald bei Sturm und Blitzen, wenn ich mal wieder richtig weit weg will von allem, weil es wieder mal genug ist.

Und wenn mich richtig der Flash treffen soll, dann brauche ich es cross und knusprig mit abgelaufenem Film in der einen und der Holga in der anderen Hand. Perfektion, das sind die anderen. Damit will ich nicht sagen, dass Fähigkeiten schlecht sind, sie helfen als Ventil für die Ideenschübe.

Aber auch Fähigkeiten befinden sich im Wandel und oft passiert es, dass man längere Zeit sich selbst nicht mehr überzeugt oder gar enttäuscht. Aber wenn man einfach unbedacht und gedankenlos nach vorn durch geht, bis hin zum Licht, verpasst man die wichtigsten, wirklichen Momente.

Die wahre Schönheit, deren Flüchtigkeit so extrem hoch ist, dass man oft nicht einmal die Kamera heben kann, um sie zu fangen – die schönsten Bilder sind die nicht gemachten – diese Momente muss man lernen zu erkennen und zu genießen, denn sie sind so selten und jeder für sich kommt nie wieder, ein Wegschauen oder Kameraheben, um scharf zu stellen wird oft sofort bestraft, der Moment geht vorbei und man hat ihn nicht gesehen. Doch ist es wichtig, gerade diese Bilder in seiner Seele, in seinen Gedanken zu sichern und daraus Kraft und Erfahrung zu schöpfen, um selbst Neues und Schöneres zu erreichen.

Schönheit erschaffen? Ist das wahrlich möglich? Für wenige von uns ja, die anderen sind und bleiben Pfadfinder. Ich selbst bin sehr gern Pfadfinder, denn ich sehe es eher als eine Last an, Schönheit wirklich erschaffen zu können. Aber Schönheit zufällig zu finden und sehen zu können, ist oft mit Glück verbunden. Wir sind die Glücklichen. Unbelastet, mit einem leichten Hauch naiver Gedankenlosigkeit, Zerstreutheit und Einsamkeit, bereits ein paar gute Abzeichen im Portfolio, machen wir uns auf die Suche nach ihr, auf ihren einsamen und flüchtigen Pfaden.

Die Suche nach Schönheit in der gleißenden Sonne des Tages oder der finsteren Dunkelheit kalter Keller: Sie ist überall und manchmal finden wir sie. Aber sie ist und bleibt eine Geliebte, denn die Schönheit lässt sich weder fesseln noch einsperren, wie auch selbst der längste Rausch eines Tages verflogen ist.

Denn das Ende ist wichtig. In allen Dingen.

Nach so vielen Jahren, in denen ich jetzt schon fotografiere, ist die Lehrzeit, die ich mir einmal gesetzt hatte, immer noch lange nicht vorbei. Ich bin immer noch, fast Tag für Tag, auf der Suche nach Bildern, die mir etwas bedeuten könnten, bin immer noch hungrig, nie zufrieden.

Allerheiligen, San Adriá de Besós, Spanien

Wie vor vielen Jahren, als ich zum ersten Mal zu einer langen Reise aufgebrochen bin und die ich mir eigentlich als eine Art Abschluss meiner fotografischen Ausbildungszeit vorgestellt hatte. Ein Irrtum. Ich erinnere mich noch an den Hafenkai in Huelva, im äußersten Südwesten Spaniens. Der Atlantik war, wie so oft im Winter, unruhig und aufgewühlt, dunkelgraue Wellen, die in regelmäßigen Intervallen gegen die Betonmauern rollen, unaufhörlich.

Es war einen Tag vor meiner Abreise, einen Tag bevor ich einen Überlandbus nach Madrid bestieg, um von dort am nächsten Tag nach Abidjan, an der Elfenbeinküste, zu fliegen. Im Gepäck eine Hose, ein paar Hemden, ungefähr 70 Schwarzweißfilme und zwei verbeulte Nikon FM2. Acht Wochen, allein, durch unbekannte Länder, nur sehen und schauen.

Bordell, La Línea de la Concepción, Spanien

Ein paar Tage zuvor stand ich am offenen Grab meines geliebten Großvaters, im kalten oberbayrischen Winter. Und oft sehe ich mich noch immer dort stehen. Bleich, käsig, in einem schweren, dunkelblauen Mantel, den er mir noch geschenkt hatte, zwischen Leuten, von denen ich viele überhaupt noch nie gesehen hatte. Eine Nelke werfe ich ins Grab, dann Erde. Alles wie in Zeitlupe, ich wollte nicht weinen, und dann, noch bevor der Leichenschmaus zu Ende war, war ich in Gedanken bereits weit weg.

Timisoara, Rumänien

Waisenhaus, Timisoara, Rumänien

Dieser Moment ist in meinem Hirn eingebrannt, wie sich Licht in Silberkristalle auf einen Filmstreifen brennt. Es ist wie in der spielerischen Foto-Falle Henri Lartigues, die Paul Virilio in seinem Essay „Esthétique de la disparition“ zitiert: Als Kind, wenn er etwas gesehen habe, das ihm gefallen hätte, hätte er die Augen geschlossen bis er nur noch das gesehen hatte, was er sehen wollte. Dann, so Virilio weiter, drehte sich der kleine Henri ganz schnell um die eigene Achse – und das Bild war gespeichert!

Und unter Zuhilfenahme der fotografischen Technik können diese Bilder konserviert werden, dann hat man auf einmal Hunderte oder Tausende alte Fotografien um sich liegen, Fragmente des eigenen Lebens und des Lebens der anderen.

Psychiatrische Klinik, Gavodnija, Rumänien

Ich sehe die alten Fotografien meiner Reisen, sehe aufs Neue, höre noch einmal, was mir damals in den Ohren klang, rieche sogar und kann mir in Erinnerung rufen, was ich in diesen Momenten gefühlt habe, an weit entfernten Orten, nicht nur gemessen in Kilometern, vor allem weit entfernt, in einer anderen Zeit, eine unmessbare Distanz, unvorstellbar.

Das Eigenartigste daran ist, dass manchmal die alten Bilder Gefühle hervorrufen, die im Nachhinein noch intensiver scheinen, konzentrierter. Damals, nach mehr als zehn verschiedenen Ländern in weniger als 360 Tagen, habe ich meine mühsam zusammengelesene Sicht auf die Welt wieder verloren.

Was bleibt, ist eine eher gebrochene Zeitwahrnehmung, irgendwie brüchig oder gebrochen, ein ständiges Kommen und Gehen von Zukünftigem und Vergangenem, Gewesenes und Hypothetisches vermischend, während der Augenblick, das Jetzt, sich wie Sand zwischen den Fingern zerreiben lässt. Was bleibt, festgehalten in einer Fotografie, ist ein Moment, der dem unerbittlichen Lauf der Zeit entrissen ist, eigentlich mehr ein Verdienst der Silberhalogene auf der Filmemulsion als mein eigener.

Karwoche, Arcos de la Frontera, Spanien

Etwas Schönes oder etwas Abstoßendes, oder einfach etwas Absurdes erregt meine Aufmerksamkeit und ich drücke auf den Auslöser – Schönheit verursacht Schmerz, sagte einmal Ernst Haas und wirklich: Schönes zu sehen und zu erleben, kann zu einer leidvollen und schmerzhaften Erfahrung werden, weil es zu schnell vergeht.

Karneval, Ituren, Spanien

Ich war mir meiner selbst noch nie besonders sicher und oft auch nicht dessen, was ich eigentlich mit meinen Bildern erzählen will. Zuerst einmal sind es einfach meine Bilder. Weil ich dort war, weil ich mit diesen Menschen gesprochen habe oder sie mich angesehen haben.

Meist flüchtige Bekanntschaften, viele blieben Unbekannte, manche wenige wurden zu Weggefährten und noch weniger sogar zu Freunden. Vielen war ich gleichgültig, ich habe viele liebevolle und selbstlose Menschen getroffen. Auch auf Hass und Ablehnung bin ich gestoßen, natürlich. Aber eines haben sie alle gemeinsam: Jetzt sind sie alle Darsteller in meinem kleinen Welttheater.

Predigt, Luampa, Zambia, Afrika

Es ist nicht die Frage, ob die Fotografie die Welt verändern kann. Wir schaffen Bilder, Bilder von Bildern. Nicht mehr, nicht weniger. Interessant für einige, langweilig für andere, harmlos oder aufwühlend. Aber es ist niemals die Reproduktion einer objektiven Realität, es ist einfach eine Wahrnehmung, einzigartig und individuell. Die subjektive Wahrnehmung des Menschen, der fotografiert. Nichts weiter.

Der Anspruch, die Krankheiten unserer Gesellschaft zu erfassen, zu dokumentieren, scheint ein von vornherein sinnloses Unterfangen zu sein, unmöglich, angesichts des irreversibel fortgeschrittenen Siechtums und der überwältigenden Komplexität aller unserer Missstände.

Links: Abschiebezelle, Gefängnis Málaga, Spanien
Rechts: Brothel, Beira, Mocambique

Eine Fotografie der angehäuften toten Körper in der Leichenhalle des Krankenhauses in Bamako, Mali. Hätte ich dort fotografieren sollen? Ich weiß es nicht mehr. Ich habe es nicht gemacht. An diesem Tag starben 119 Menschen an der Meningitis-Epidemie, die das Land in Angst versetzte.

Die Ärzte und Krankenschwestern bewegten sich wie stumme Schatten durch die stinkenden Korridore der Krankenstationen. Ihnen fehlte die Kraft, vor Erschöpfung konnten sie kaum mehr einen Fuß vor den anderen setzen. Ich habe es nur beobachtet, niemand hatte mich gerufen und niemand hat von meiner Anwesenheit Notiz genommen. An diesem Tag habe ich nicht nur tote Kinder, Frauen und Männer gesehen, ich habe geglaubt, dass ich gesehen habe, wie das Leben selbst stirbt, ohne viel Aufregung, am Ende ohne Gegenwehr.

In der Nacht dann wieder im Bus, das Gesicht an die Scheibe gedrückt, neben mir eine junge, krank aussehende Frau mit ihrem Säugling an der Brust. Süßer Gestank und alle Geräusche wie von weit weg. Die Fahrt durch trockenes Sahelland, ausgedörrte Felder, hier und da eine Hütte, aus der schwaches Licht scheint, ich selbst verloren in einem irreal scheinenden Film, der auf der Scheibe abläuft.

Ab und zu werden wir langsamer, schwarze Schatten tauchen aus dem Nichts am Rand der Fahrbahn auf und bieten Wegzehrung an, Bananen und hartgekochte Eier. Der Schein einiger Lagerfeuer und ein paar flackernde Lichter, ich war mittendrin und doch schien es mir, als würde ich alles aus der Ferne betrachten.

Krankenhaus-Innenhof, Luampa, Zambia

AIDS-Patientin, Luampa, Zambia

Afrika. Das Schlagen des Mörsers, das die Stille jedes Morgens hier am Äquator bricht. Diesige Morgen, feucht, warm, getränkt von einem Geruch, den man nicht wieder vergessen kann, nach Maniok und reifen Früchten, süß, ausladend, Schweiß, auch bitter, wie nach Wurzeln. Sex und Schläfrigkeit. Ich erinnere mich gerne an Marie Therèse, die bei mir schlief, an ihre zuckenden Mundwinkel und die im schwachen Morgenlicht glänzenden Perlen auf ihrer Stirn.

Flugzeuge, Schiffe, Busse oder Eisenbahnwaggons. Zimmer in billigen Pensionen, schnelles Leben und glückliche Momente, die aufblitzen und vergehen wie Sternschnuppen am Sommerhimmel. Freude und Traurigkeit, Hoffnung und Verzweiflung. Blicke, Gesten, Geräusche und Gefühle. Intensität. Reine Energie, alles komprimiert, ein Jahr in 0,66 Sekunden für die Ewigkeit. Eingefrorene Bewegung, erstarrte Szenen, lebende Materie, die vergeht und Lebloses, das sich plötzlich wieder mit Leben füllt.

Jedes Negativ, jede Fotografie ist wie ein Kerker oder ein Käfig, manchmal leer, manchmal darben darin unschuldige Opfer und manchmal auch wahre Bestien. Von was rede ich eigentlich? Hexerei? Fetisch? Oder einfach Besessenheit?

Tankstelle, Meerenge Gibraltar, Spanien

Prozession, Andújar, Spanien

Wieder zurück in Spanien, Granada, die Alhambra und der Sacromonte, alles zusammen auf wenigen Quadratmetern rund um ein Lagerfeuer in einer kleinen Wellblechsiedlung in San Adriá de Besós, einige Kilometer nördlich von Barcelona. Vom nächtlichen Treiben der Gitanos bleibt die kalte Asche am Morgen. Spielt doch noch einen Fandango, oder gib mir noch einen Schluck, noch eine Geschichte oder einen Witz, mehr Funken, mehr Rausch, nur noch nicht heimgehen.

Europa, Lourdes und seine Wunder, ein Irrenhaus in Rumänien, alles ist Transit, überall Grenzen, menschliche Katastrophen, alle unterwegs, viele auf der Flucht, oft ohne es zu wissen. Oft sehe ich mir meine alten Bilder an und reise zurück an all die Orte, an denen ich gewesen bin.

Und wenn ich es jemals bereue, ein bestimmtes Bild nicht gemacht zu haben, dann wäre es eine Aufnahme der Hände meines Großvaters, hart und wie versteinert von der Arbeit, gleichzeitig sanft, harmlos und verletzlich. Als ihn seine Kraft verließ, an einem sonst schrecklich ereignislosen Nachmittag in einem grauenhaften Krankenhaus, war ich noch bei ihm und wollte nur noch einmal seine Hand halten.

Neben einer möglichst hohen Auflösung sind für mich als Landschaftsfotograf die technischen Finessen einer Fachkamera ein wichtiger Faktor, um zu optimalen Bildergebnissen zu gelangen. Das heißt aber zum Glück nicht, dass ich zehntausende Euro in ein schwerfälliges, digitales Mittelformatsystem investieren muss.

Mehrere Hersteller haben den Bedarf erkannt und in den letzten Jahren neue oder überarbeitete Tilt- und Shift-Objektive (kurz: TS) für Kleinbild-DSLR-Kameras auf den Markt gebracht. Der Kauf eines Canon TS-E 24mm II hat meine Arbeitsweise revolutioniert. Warum, möchte ich Euch hier nun genauer beschreiben.

Baum-Greise im nordspanischen Gorbea-Naturpark. Nicht nur bei Architekturaufnahmen ist mir die perspektivisch korrekte Darstellung wichtig. Senkrecht gewachsene Stämme würden durch Herunterneigen der Kamera unweigerlich nach außen stürzen. Nur ein Shift-Objektiv kann das verhindern.

Fangen wir am Anfang an. Die Tilt- und Shift-Funktionen sind ein Erbe aus der Großformatfotografie und in der Landschafts-, Architektur- und Produktfotografie bis heute verbreitet im Einsatz. So viele Vorteile die digitale Fotografie bietet, Tilt und Shift sind durch Nachbearbeitung am Computer nicht zur Gänze ersetzbar. Software zur Erweiterung der Tiefenschärfe und Entzerrung gibt es natürlich, ihr Einsatz geht aber immer mit einem Qualitätsverlust oder intensivem Arbeitsaufwand einher.

Tilt bedeutet das graduelle Verschwenken, Shift das parallele Verschieben des Linsensystems gegenüber der Bildebene, also dem Sensor. Näher möchte ich den technischen Hintergrund hier jedoch nicht erklären, denn es gibt Webseiten, die das übernehmen. Ich möchte in diesem Artikel die konkreten Vorteile und Möglichkeiten beschreiben, die mir Tilt- und Shift-Objektive im Zusammenspiel mit einem digitalen Kleinbild-System bieten.

Größere Schärfentiefe durch Tilt

Durch Tilt besteht die Möglichkeit, die Schärfeebene zu kippen. Bei typischen Landschaftsmotiven kann die Tiefenschärfe nie groß genug sein. Im Idealfall kann mittels der Hyperfokaldistanz der gesamte Bildinhalt scharf abgebildet werden. Leider ist das, wenn überhaupt, nur mit Weitwinkelobjektiven möglich.

Ruhiges Meer in Thailand. Auch, wenn dieses Motiv relativ einfach mittels Focus-Stacking (Fokus auf Vorder-, Mittel- und Hintergrund) umsetzbar wäre – ein Tilt-Objektiv ermöglicht mir dasselbe Ergebnis mit nur einer Belichtung bei der optimalen Blende f/8.

Hier kommt die Tilt-Funktion ins Spiel: Durch Legen der Schärfeebene in die Motivebene wird es möglich, schon bei mittelgroßen Blenden wie f/8 oder f/11 alles scharf auf den Sensor zu bannen. Im Kleinbildformat kommt im Normalfall kein größerer Winkel als ein Grad zum Einsatz, meistens reichen schon 0,5 Grad, um vom Stein im Vordergrund bis zu den Gipfeln im Hintergrund alles scharf abzubilden.

Formatunabhängig durch Shift

Durch Shift in Kombination mit dem Zusammenfügen zweier Bilder ergeben sich weitere Vorteile für mich: Die freie Formatwahl und die Erhöhung der Pixelanzahl. Bezüglich der Formatwahl ziehe ich es vor, das Motiv darüber entscheiden zu lassen, anstatt dem Motiv das Format des Sensors aufzuzwingen.

Singapur Financial District. Hier nutzte ich die Shift-Funktion nicht, um stürzende Linien zu vermeiden, sondern um den Bildwinkel zu erhöhen. Drei horizontale Einzelbelichtungen mit 24mm Brennweite ergeben ein Bild mit über 40 Megapixeln und einem Bildwinkel vergleichbar dem eines 16mm-Objektivs.

Durch die Möglichkeit des Shiftens ergibt sich eine auf den Bildinhalt abgestimmte Wahl des Seitenverhältnisses, das heißt: Ob quer- und hochformatige Panoramen, ein Quadrat oder 5:4 – alle Optionen bestehen. Und das Beste daran: Egal welches Format – die fertigen Bilder haben 30 – 100% mehr Bildpunkte.

Mir ist bewusst, dass man dies auch mit klassischem Stitchen erreichen kann, aber im Weitwinkelbereich kommt es zwangsläufig zu massiven Verzerrungen, die mir persönlich nicht gefallen.

Mitternachtsonne auf den Lofoten. Das hochformatige Panorama ist ein vernachlässigtes Format in der modernen 16:9 Querformat-Welt. Ich genieße die Freiheit, ein Motiv in mehreren Seitenverhältnissen abzubilden – so habe ich auch ein quadratisches Bild von diesem Motiv gemacht.

Digitales Shift bei längeren Brennweiten

Seitdem ich mit dem Tilt-Shift-Weitwinkel fast jedes Bild stitche, mache ich das auch mit längeren Brennweiten. Bei nicht shift-fähigen, gewöhnlichen Optiken mit Brennweiten über 35mm bewege ich die Kamera bis zu 50% des Bildausschnitts entlang der kürzeren Sensorseite, um das Motiv optimal ins Bild zu rücken.

Das funktioniert hervorragend und ist ausnahmslos anwendbar, ohne den Nodalpunkt zu beachten. Dieses „digitale Shift“ betrifft natürlich nur die Qualitäts-Junkies unter uns, was ich als Landschaftsfotograf uneingeschränkt bin. Die einfachere, aber qualitätsmindernde Variante wäre nachträgliches Zuschneiden.

Kombination von Tilt und Shift

Wenn es das Objektiv zulässt und das Motiv es verlangt, werden Tilt und Shift kombiniert. Als erstes tilte ich die Linse, um die Schärfeebene optimal ins Motiv zu legen. Bei zehnfacher Vergrößerung am Display beurteile ich mittels Live-View die Schärfe an den Rändern und belichte das erste Bild. Danach shifte ich in die gewünschte Richtung und belichte ein zweites Mal. Die Einstellung der Belichtung erfolgt manuell, damit beide Bilder die gleiche Helligkeit haben.

Goldenes Morgenlicht in den Zillertaler Alpen. Durch nur ein Grad Tilt erhalte ich Tiefenschärfe von einem Meter bis ins Unendliche. In Kombination mit Shift und dem Stichen zweier Querformate komme ich zum klassischen Großformat-Seitenverhältnis von 5:4.

Vignettierung

Durch die Nutzung des gesamten Bildkreises von Tilt- und Shift-Objektiven ist Vignettierung ein größeres Thema als bei gewöhnlichen Objektiven. Diese kann bei extremen Verstellwegen bis zu zwei Blenden betragen. Die Intensität von Verlaufsfiltern kann dadurch massiv verstärkt oder reduziert werden.

Die Vignettierungskorrektur einer Software ist in diesem Fall nicht geeignet, denn die Software weiß ja nicht, dass und wieviel geshiftet wurde. Sie geht immer von einer kreisrunden Abschattung aus, was bei geshifteten Aufnahmen nicht zutrifft. Die Vignettierung muss also von Hand in der digitalen Dunkelkammer erfolgen.

Am Salfein See in Tirol nach Sonnenuntergang. Diese Vignettierung könnte ich mit Leichtigkeit in der Nachbearbeitung korrigieren, ich mache es aber nur, wenn sie mir nicht gefällt. In diesem Bild zum Beispiel empfinde ich sie als eher positiv, sie verleiht dem Bild ein analoges Aussehen.

Wie sieht es auf dem Markt für Tilt- und Shift-Objektive aus? Von der Neuauflage bis zum „alten Eisen“ gibt es ungefähr 20 Tilt-Shift- oder nur Shift-Objektive. Etwas tiefer in die Geldbörse muss man dafür schon greifen. Aber man bekommt ja auch weit mehr als ein Objektiv, die Frontstandarte einer Fachkamera ist inkludiert. Eine andere Variante ist die Verwendung von Tilt- und Shift-Adaptern, mit denen man den großen Bildkreis eines Mittelformatobjektivs an einer Kleinbild-DSLR nutzen kann. Mirex und Zörk bieten solche Produkte an.

Tilt und Shift sind nicht für Jedermann. Zum zwischendurch Knipsen im Urlaub ist eine Vollformat-DSLR mit Tilt-Shift-Objektiv nicht die richtige Wahl. Ein Stativ ist Pflicht und das höhere Gewicht der Objektive und die aufwändigere Arbeitsweise verlangen einen engagierten Fotografen. Ganz abgesehen von dem Loch, das ein modernes Tilt-Shift-Objektiv in die Geldbörse frisst.

Als Gegenleistung erhält man als Fotograf technische und gestalterische Freiheiten. Wer tiefer in die Materie der Möglichkeiten der Tilt- und Shift-Fotografie eintauchen möchte, interessiert sich vielleicht für mein kürzlich erschienenes E-Book zu diesem Thema.

„Das war Venedig, die schmeichlerische und verdächtige Schöne, – diese Stadt, halb Märchen, halb Fremdenfalle, in deren fauliger Luft die Kunst einst schwelgerisch aufwucherte und welche den Musikern Klänge eingab, die wiegen und buhlerisch einlullen.

Dem Abenteuernden war es, als tränke sein Auge dergleichen Üppigkeit, als würde sein Ohr von solchen Melodien umworben; er erinnerte sich auch, daß die Stadt krank sei und es aus Gewinnsucht verheimliche, und er spähte ungezügelter aus nach der voranschwebenden Gondel.

So wußte und wollte denn der Verwirrte nichts anderes mehr, als den Gegenstand, der ihn entzündete, ohne Unterlaß zu verfolgen, von ihm zu träumen, wenn er abwesend war, und, nach der Weise der Liebenden, seinem bloßen Schattenbild zärtliche Worte zu geben.“ – „Der Tod in Venedig“ von Thomas Mann

Genau so verhielt es sich mit mir und der Jagd und Verfolgung von Motiven, Licht, Schatten und den besonderen Momenten, die jeden Fotografen mit Glück erfüllen. Venedig, die beliebte und einzigartige Lagunenstadt, stand bei mir schon lange ganz oben auf der Liste der nächsten Reiseziele und somit entschied ich mich kurzfristig für einem Trip in die Stadt der Gondeln.

Fotografisch stellte diese Stadt für mich wieder eine Herausforderung dar, da ich auf Fotowetter gehofft hatte, das vielleicht nicht jedem Venedigtouristen gefallen dürfte: Nebel, Regen, dicke Wolken und vor allem wenig Sonnenschein (der den Schattenwurf sonst doch maßgeblich verstärkt und in diversen Motiven regelrechte Störfaktoren schafft) kommen mir immer zu Gute. Gerade Venedig mit seinen detailreichen Gebäuden wollte ich so gut es ging ohne störende Schatten darstellen.

Mir wurde allerdings schnell klar, dass sich meine Zeiten zum Fotografieren auf morgens, abends und nachts beschränken würden, da erstens für die komplette Woche strahlender Sonnenschein angesagt wurde und zweitens die Stadt schon Ende Februar, kurz nach dem Karneval, von zahlreichen Touristen bevölkert sein würde, die die Plätze und Gassen schnell einnehmen dürften.

Auch der Stand der Sonne war meist recht ungünstig, so dass ich schnell herausfand, zu welchem Zeitpunkt ich mich an welchem Ort befinden sollte, um nicht direkt in die Sonne fotografieren oder störende Reflexionen auf dem Wasser aufnehmen zu müssen.

Am ersten Morgen führte mich mein Weg geradewegs auf den Markusplatz und zum Gondelanleger gegenüber der Insel San Giorgio Maggiore, wo ich bereits vor Sonnenaufgang ankam. Die Insel präsentierte sich in leichten Dunst gehüllt direkt vor mir in einem kräftig violetten Himmel. Meine Standplätze hatte ich mir bereits am Abend zuvor ausgeguckt, so dass ich wusste, welche Blickwinkel und Plätze ich am besten nutzen kann.

Nach und nach war das Ufer voll anderer Fotografen, die sich allerdings eher für den Sonnenaufgang an sich interessierten. Das Licht veränderte sich von Sekunde zu Sekunde und färbte sich von violett in rosa bis hin zu einem zarten Orange, das die nahegelegene Kirche Santa Maria della Salute anstrahlte.

Perfektes Fotowetter, aber auch eine perfekte und befriedigende Atmosphäre, die durch das Glockenläuten des Markusturms pünktlich zum Auftauchen der Sonne und durch das Geräusch des Wassers, das an die Gondeln schwappte und diese hin- und her bewegte, noch verstärkt wurde.

Der Anleger und der Markusplatz waren auch in den nächsten Morgen- und Abendstunden ein bevorzugtes Ziel für mich, da mir nie genug Zeit blieb, alle Motive in dem engen Zeitraum festhalten zu können. Zu schnell tauchte die Sonne die Gebäude in ein grelles Licht und die Stimmung des besonderen Augenblicks ein paar Minuten zuvor war Vergangenheit.

Danach zog es mich weiter zur Ponte di Rialto, die den ersten steinernden Fußweg über den Canal Grande darstellte. Blickte ich morgens auf der Brücke Richtung Norden, war das Licht wieder absolut perfekt, das die Gebäude und das Wasser in einem hellen Orange erstrahlen ließ.

Nur wenige Schiffe bewegten sich auf dem Kanal, so dass man auch hier einen guten Standpunkt für ein besonderes Venedigmotiv finden konnte. Ich musste nicht lange warten, bis sich mir die Situation bot, die ich mir erhofft hatte und so drückte ich ab und genoss währenddessen, wie die zauberhafte Lagunenstadt den Morgen begrüßte.

Alternativ zur Ponte di Rialto bot sich mir auch auf und sogar unter der Ponte dell’Accademia ein wundervoller Blick auf Santa Maria della Salute. Diesen Standort hob ich mir allerdings für die Abend- und Nachtstunden auf und so konnte ich gerade abends im besonderen Licht Venedigs ohne Probleme Langzeitaufnahmen von 400 Sekunden und mehr machen.

Im Laufe des Tages zwischen 10 und 16 Uhr bot sich mir die beste Zeit, die Stadt und ihr enges Labyrinth zu erkunden, um die Umgebung nicht nur durch die Linse der Kamera kennenzulernen und vor allem, um die Orientierung auch ohne Stadtplan zu behalten. So fand ich schnell heraus, welcher Ort sich am besten für welchen Zeitraum zum Fotografieren anbot, um das beste Licht zu erwischen.

Auch des Nachts ist es unglaublich spannend, die Stadt zu portraitieren. Venedig zeigt sich erst dann von seiner ruhigen Seite. Fast kam es mir so vor, als wäre sie in einen Dornröschenschlaf verfallen. Nur die Feuchtigkeit, die in der Stadt herrscht, zieht einem schnell in die Knochen, so dass es auf die richtige Kleidung ankam, die einem trotzdem für eine gewisse Zeit warm halten sollte.

So berief ich mich während des Aufenthalts in Venedig auf Manns „Tod in Venedig“ und wollte nichts anderes mehr als den Gegenstand, der mich entzündete, ohne Unterlass zu verfolgen, um von ihm zu träumen, wenn er abwesend war.

Es mag ungewöhnlich erscheinen, dass wir zusammen fotografieren. Gleichberechtigt und abgestimmt aufeinander. Für uns ist es völlig normal, uns die Menschen zu teilen, die wir uns zum Fotografieren einladen.

Zu zweit fotografieren wir mit Unterbrechungen seit etwa vier Jahren. Angefangen haben wir mit einer Reihe natürlicher Aktaufnahmen. Wir haben Menschen auf immer demselben, weißbezogenen Bett, in derselben Lichtsituation über ein Jahr verteilt fotografiert.

Eine Versuchsanordnung, bei der wir den Anspruch an uns hatten, innerhalb des strikt festgesetzten Rahmens einen neuen, einen anderen Blick auf das Immergleiche zu finden. Und auch, wenn wir uns mittlerweile in anderen fotografischen Bereichen bewegen, haben wir uns anhand dieser Serie fotografisch und in unserer gemeinsamen Arbeitsweise geschult und entwickelt.

Dabei versuchen wir es zu vermeiden, die Menschen, die wir fotografieren, ins Kreuzfeuer zweier Kameras zu nehmen. Aber es ist schon vorgekommen. Im Normalfall aber fotografiert immer nur einer von uns, während der andere pausiert, assistiert und die Zeit nutzt, um eine neue Perspektive einzunehmen.

Häufig werden wir im Vorgespräch oder nach einem Shooting gefragt, wie wir unsere Bilder auseinanderhalten können; wie wir wissen können, wer welches Bild gemacht hat. Gerade andere Fotografen können sich nur schwer vorstellen, ihre Kamera weiterzugeben. Oder dass das Vertrauensverhältnis zwischen abgelichteter Person und Fotograf durch einen weiteren Fotografen verändert, wenn nicht gestört würde.

Natürlich kommt es vor, dass der andere das Bild macht, das man selbst gern geschossen hätte. Sicherlich: Wir beeinflussen einander stark, können aber dennoch auseinanderhalten, wer welches Bild gemacht hat, weil wir unterschiedlich mit dem jeweiligen Menschen interagieren und andere Bildausschnitte wählen.

Zu zweit zu arbeiten, heißt nicht nur, im jeweils anderen den perfekten Assistenten zu haben, der genau weiß, wo Reflektoren und Licht gesetzt werden müssen, sondern gerade in der Retusche, Location- und Modellsuche einander zu unterstützen, immer einen Zweitprüfer an der Hand zu haben. Und bei jüngeren, aufwändigeren Produktionen ist Fotografieren ohnehin die Arbeit mit einem Ensemble an vertrauten Menschen, Visagisten, Assistenten, Stylisten und Designern.

Am Anfang jeder Reihe, wenn wir uns in einen neuen Bereich vorwagen, probieren wir zunächst aus, sofern sich eine Idee nicht im Dialog entwickelt. Die meisten Bildideen entwickeln sich erst im Prozess, intuitiv und experimentell. So entstand im letzten Jahr eine freie Arbeit, an der uns persönlich viel liegt. Wieder eine Versuchsanordnung unter gleichen Lichtbedingungen, im gleichen Raum, schwarzweiß, analog, Bewegungsunschärfen.

Herausgekommen ist eine fortlaufende Reihe von Bildern, die das Figürliche fast verlassen, die einen Ausdruck suchen im Vagen, die tänzerisch sein können, die den manchmal schmalen Grat zwischen Zärtlichkeit und Gewalt ausloten.

Ohnehin, außer wir arbeiten im Bereich der Mode, in dem vieles vorab festgelegt und konzipiert ist, bleibt das Fotografieren zumeist für uns eine Suchbewegung ohne allzu feste Vorstellung davon, wie ein Bild, ein Portrait später auszusehen hat. Es entsteht in der Interaktion mit dem jeweiligen Menschen, ist auf den Zufall angewiesen, auf die Stimmung.

Wir wissen nicht genau, ob die letztliche Fotografie einen Wiedererkennungswert besitzt, auch wenn das unser einziger Anspruch wäre. Und die unbedingte Abwechslung: Mal mehr Mode, mal mehr Portrait zu machen, frei zu arbeiten oder in Abstimmung.

Und wir glauben, es braucht nicht viel, um einen Menschen zu fotografieren. Manchmal ist es ehrlicher, ohne großen Aufwand oder eine komplexe Inszenierung – auch wenn uns das konzeptuelle Arbeiten immer mehr reizt.

Da genügt es, mehrmals ein und denselbem Menschen zu fotografieren, um im gegenseitigen Vertrauen ein Portrait anzufertigen. Zu diesem einen Moment zu kommen, da Fotograf und Fotografierter offen sind, einerseits geöffnet, sich zu zeigen, andererseits bereit, dem Gezeigten zu begegenen. Das kann länger dauern und viele Gespräche erfordern, manchmal aber gelingt es sehr schnell und ohne einander vorher näher kennenzulernen.

Bei der freien Arbeit bleibt natürlich mehr Zeit dafür. Geht es um Mode oder um ein Konzept, das umgesetzt werden soll, ist sich aufeinander einzulassen abhängig von der Stimmung am Set, von den Vorbereitungen und Absprachen.

Manchmal muss man gegen sich arbeiten, gegen das, was man bereits gemacht hat und zu können glaubt, um sich der jeweiligen Situation und dem jeweiligen Menschen zu überlassen. Die Kontrolle abzugeben, also zu vertrauen. Das Wichtigste in der Zusammenarbeit. Als fotografisches Wir.

Dem, der aufgrund des Titels jetzt schon nicht mehr weiterliest, sei gesagt: „TWILIGHT“ hat nichts mit dem gleichnamigen Vampir-Roman gemeinsam. Es ist viel mehr eine digitale Hommage an die Analogfotografie.

Meine Serie „TWILIGHT“ ist im Frühjahr 2012 entstanden. Ich war in einer tollen Stimmung, immerhin bereitete ich gerade meine erste Ausstellung vor. Doch es fehlte einfach noch etwas. Es waren nicht nur zu wenige Fotografien für die Galerie, sondern es fehlte auch die Abwechslung.

In der Ausstellung waren Fotoserien zu sehen, die allesamt eine für mich sehr typische Arbeitsweise beinhalteten: Ich fotografiere Menschen sehr oft in der Natur und nur ab und zu im Studio. Meine Ausstellung bot zwar beides, jedoch bemerkte ich etwas an meinen Fotografien, das mich zum Nachdenken anregte:

Mir ging es bei den Bildern fast ausschließlich um die Ästhetik. Es war mir bis dato immer wichtig, dass sie als Ganzes für mich „schön“ sind. Wenn ich diese Ästhetik, die ich tatsächlich nur auf meinen eigenen Geschmack abgestimmt hatte, erreichte, dann war ich schon glücklich mit den Fotos. Doch das reichte mir nun plötzlich nicht mehr.

Daher kam in mir der Drang auf, für die neue Serie einen Stil zu entwickeln, der sich von meinen anderen Fotos abhebt. Etwas Neues, vielleicht nicht für die Welt, aber für mich.

Es sollten Portraits mit Charakter werden, keine Beauty-Ausleuchtung, stattdessen ein wenig düster und geheimnisvoll. Ich wurde aber bald von lähmender Ideenlosigkeit erfasst, die Konzeption der Serie stagnierte. Voll konzentrieren konnte ich mich auf die Serie sowieso nicht, da waren noch die 12. Klasse und andere Verpflichtungen.

Ich bemerkte alsbald, wie bequem ich doch geworden war. Wenn ich von der Schule nach Hause kam, saß ich den Rest des Tages am Computer, tarnte mein stundenlanges Rumgeklicke durch Blogs und soziale Netzwerke vor mir selbst als „Inspiration“. Ich musste mir eingestehen, dass ich das Gegenteil davon tat, was man eine aktive Freizeitgestaltung nennt. Und ich war damit nicht allein. Viele andere Jugendliche sind „daueronline“. Diese Erkenntnis gab mir nicht nur neue Motivation für „TWILIGHT“, sondern auch eine Bildidee:

Ich befreie uns Menschen vom Sessel der Gewohnheit, drapiere uns in die Natur, in Vergnügungsparks, auf die Straße oder in die Berge. Ich möchte, dass wir wieder mehr am Leben teilnehmen und mit unserer Umwelt verschmelzen.

Diese Verschmelzung hätte ich visuell nicht erreicht, wenn ich die Menschen einfach in der Natur fotografiert hätte. Ich wusste, dass ich das nur mit Bildbearbeitung realisieren könnte. Mir kam sofort die Erinnerung an die analogen Doppelbelichtungen, deren Wirkung mich sehr fasziniert. Doch ich wollte technisch gesehen den Versuch anstellen, die analogen Doppelbelichtungen ins Digitale zu übernehmen und nachzuempfinden.

Es ist vermutlich nicht ganz einfach zu verstehen, warum ich dies alles digital realisieren wollte, gewinnt doch die Analogfotografie heutzutage stetig mehr Wertschätzung und Beliebtheit. Für mich aber sollte es einfach ein Experiment werden: Kann ich diese besondere Ausdruckskraft der Doppelbelichtung auch in der Digitalfotografie, die durch ihre Kontrollierbarkeit und Berechenbarkeit wesentlich „kühler“ ist, umsetzen?

Das Projekt war an dieser Stelle der Überlegungen bereit für die Umsetzung. Die portraitierten Menschen sind Freunde, Bekannte und Fremde, die ich einzeln in mein kleines „Studio“ einlud. Es war also eine gemischte Gruppe an Menschen und fast alle waren zum ersten Mal bei einem fotografischen Projekt dabei. Die Kommunikation mit vorher fremden Menschen war erstaunlich einfach. Man vertraute mir, da ich die Idee meiner Serie jedem Einzelnen erklärte, um Unsicherheiten oder gar Ängste der Modelle zu verhindern.

Der technische Aspekt hinter der Serie hatte natürlich auch einen Stellenwert, obgleich sich der Aufwand in machbaren Grenzen hielt. Das Licht-Setup war denkbar einfach. Ich nutzte nur einen Beauty Dish von rechts oben, um eine schöne Schattenbildung in den Gesichtern zu erreichen.

Anweisungen an die Modelle setzte ich sehr spärlich ein, ich bat lediglich um einen neutralen, natürlichen Blick. Gleich vor Ort zeigte ich die geschossenen Fotos den Modellen. So konnten sie ihren Ausdruck besser einschätzen und kontrollieren. Die Fotoshootings waren daher sehr unkompliziert und entspannt.

Einige der Hintergrundmotive sind bereits aus vergangenen Jahren, andere fotografierte ich für das Projekt neu. Mit den Rohdaten zufrieden, begann ich mit der Postproduktion. Diese stellte sich als weniger aufwändig als vermutet heraus. Im Wesentlichen besteht die Überblendung der Einzelfotos aus wenigen Photoshop-Ebenenmodi: Hier ein wenig „Multiplizieren“, dort etwas „Negativ multiplizieren“. Abschließend kam noch eine Gradationskurve zur Anhebung der Kontraste ins Spiel und die Bilder waren fertig für die Galerie.

Doch warum nun „TWILIGHT“? Ich dachte bei der Wahl des Titels an das Zwielicht zwischen Person und Hintergrund. Natürlich könnte die Serie auch „Zwielicht“ heißen, aber ein wenig Provokation im Titel schadet meiner Meinung nach nicht. Es gab sogar Menschen, die extra des Titels wegen und mit freudiger Erwartung auf eine künstlerische Auseinandersetzung mit dem Vampir-Motiv zu meiner Ausstellungseröffnung kamen und dann sichtlich verwirrt waren.

Aus dem vordergründigen Zweck, die Ausstellung zu füllen, wurde also eine Serie, die mir nun sehr wichtig ist und am Herzen liegt. Immerhin hab ich mich von meinen eigenen Fesseln gelöst und etwas anderes ausprobiert. Einmal die eigenen, gewohnten Gestaltungsweisen hinter sich zu lassen, das ist, denke ich, generell ein guter Ansatz für uns Fotografen, wenn wir wieder einmal unzufrieden mit der eigenen Arbeit sind.

Natürlich muss man sich in beruflicher Hinsicht später schon spezialisieren und bestenfalls auch einen eigenen Stil entwickeln, aber ich habe noch lang nicht das Gefühl, alles ausprobiert zu haben. Es gibt für mich noch viele Dinge zu entdecken und dafür war diese Serie ein wunderbarer Anstoß.

Seit einer gefühlten Ewigkeit gelingen mir keine Fotos mehr oder viel mehr befriedigen sie nicht mehr so schnell meine Ansprüche, wie sie es früher einmal getan haben. Meine Arbeit erdrückt meine Kreativität und die Lust, überhaupt mit der Kamera hinaus zu gehen. Gestern war alles anders; ein Tag, der nur alle vier Jahre einmal vorkommt – der 29. Februar – und ich dachte mir: „Versuch, ein Foto zu machen, das diesem angemessen ist.“

Kurzentschlossen machte ich einfach mein Büro zu und fuhr trotz elendem, grauen Mistwetter in das Hohe Venn, ein Hochmoor an der Deutsch-Belgischen Grenze. Einfach mal raus und mal sehen, was noch so geht. Das Moor selbst war wie das Wetter: fad. Aber als ich so durch die Gegend fuhr, kam plötzlich Nebel auf und ich bin sofort in einen nahegelegenen Wald gefahren, der unglaublich einladend und schrecklich zugleich aussah. Ich wusste, ich bekam hier etwas Besonderes geboten und musste nur zugreifen.

Dann kam mir plötzlich die Idee. Ich wollte mich dort einbauen, in die gespenstische Szenerie. Das Stativ war fix, eine Zeit von vier Sekunden gewählt und ich lief derweil schnell vor die Linse und blieb etwa anderthalb Sekunden stehen, ehe ich weiterlief. Ich brauchte nur drei Anläufe und mit einem Mal hatte ich es. Mein Gesicht genau an der richtigen Stelle. Ihr kennt bestimmt dieses Glücksgefühl, wenn man sicher ist – das ist mein Foto für heute!

Dies alles erzähle ich Euch nur, um zu verdeutlichen, warum ich in dem Moment, als ich mein Stativ tief im Nebelwald aufbaute, ein breites Grinsen auf dem Gesicht hatte und überaus glücklich war, dort zu sein. Denn völlig allein, mitten in einem nebligen Wald hatte ich „mich“ endlich wiedergefunden.

Generell kann ich jedem bei einer Foto- oder Kreativkrise nur raten: „Schnapp Dir die Kamera und geh raus, gerade auch bei fiesem Wetter“. Man ist dann meist auch allein und ungestörter unterwegs. Aber: Lass die Erwartungshaltung daheim, sonst bist Du nachher nur noch frustrierter als vorher. Und tu es immer wieder, geh an fremde Orte, probier neue Sachen, spinn ein wenig herum – wie ich gestern.

~

Zur Bearbeitung: Zuhause am PC war kaum Nachbearbeitung nötig. Die Zahlen auf den Baumstämmen bleiben, ich finde die gut, wo sie sind. Ein wenig habe ich an den Gradiationskurven herumgespielt, mit jedem Farbkanal einzeln, bis es mir gefiel. Ein wenig die Sättigung verringert und der Stimmung angemessen, bekam das Ganze noch eine leichte Vignettierung. Fertig war mein Selbstportrait.

Ich bin ein Stadtkind, in Berlin geboren und von der Stadt geprägt, daher dokumentieren die meisten meiner Fotos urbane Räume und das Leben auf den Straßen. Doch gerade die ständige Geräuschkulisse und der Trubel lassen mich immer wieder nach einem Gegensatz suchen. Was liegt da näher als der ‘einsame’ Wald?

Ich bin gern im Wald, diese fast perfekte Stille im Winter oder das quirlige Zwitschern der Vögel in Frühling und Sommer bringen die menschliche Psyche zur Ruhe. Welch Glück, dass es mir meine Lebensumstände erlauben, des Öfteren im Teutoburger Wald zu sein.

Jeder, der schon einmal in diesen Genuss kam, kann besonders nachvollziehen, wie beeindruckend diese Umgebung ist. Die Geschichte, die Flora, die Fauna und seine Mittelgebirgslage machen einen einzigartigen Ort daraus. Der perfekte Platz, um abzuschalten.

Das Fotografieren im Wald ist, wenn man nicht gerade Nahaufnahmen von Pilzen machen will, eine diffizile Aufgabe. Fotomotive sind rar gesät, das passende Licht beinahe Glückssache.

Wettervorhersagen sind zwar eine schöne Sache und wie bei vielen anderen Fotoprojekten wichtig, aber örtlich genaue Nebelvorhersagen gibt es nun mal nicht und prognostizierter Sonnenschein bedeutet noch lange nicht, dass im Wald das perfekte Fotolicht existiert. Bleibt also wie so oft der glückliche Zufall als treuer Begleiter des Fotografen.

Bei vielen meiner Fototouren durch den Wald bin ich bei einer Wetterlage losgefahren, bei dem nur wenige Naturfotografen vor die Tür treten würden: Dunstig (nicht neblig), mit Nieselregen, grauer Wolkendecke oder ähnlichem.

Aber oftmals war es dann im Teutoburger Wald (wohl auch seiner Mittelgebirgslage geschuldet) anders als vor der Haustür.

Die Fotos der Serie entstanden über einen Zeitraum von sechs Jahren. Viele meiner fotografischen Streifzüge durch den Teutoburger Wald endeten ohne jegliche Ergebnisse, aber auch diese Zeit kann man sinnvoll nutzen und sich die fotogenen Orte des Waldes einprägen.

Das Glück eines nebligen Tages hatte ich in den Jahren nur zweimal. Gut, wenn man dann weiß, wo die Stellen sind, an dem der Nebel seine fotografische Wirkung am besten zur Geltung bringt.

Am liebsten fotografiere ich im Wald, wie auch in der Stadt, mit Schwarzweiß-Filmen, die ich selbst entwickle und drucke. Je nach Licht und Wetterlage kommt dann eine unterschiedliche Ausrüstung zum Einsatz: Stativ, Drahtauslöser, Filme mit verschiedener Empfindlichkeit und diverse Filter.

Um einen Ort fotografisch zu erfassen, mache ich ein paar Aufnahmen mit einer Kleinbildkamera und sichte die Ergebnisse. Für die eigentlichen Fototouren benutze ich eine meiner Mittelformatkameras. Hier kommt die Tiefenschärfe, die im Wald meines Erachtens besonders wichtig ist, gut zur Geltung.

Die Serie „Der Teutoburger“ wird auf jeden Fall fortgeführt. Wenn man bedenkt, wie groß das Gebiet dieses Waldes ist und wie klein mein fotografischer Exkurs im Gegensatz dazu war, gibt es ausreichend Stoff für eine lange, sehr lange Serie.