Als ich zum ersten Mal Highspeed-Aufnahmen im Internet gesehen hatte, war ich wirklich schwer beeindruckt, doch wegen der technischen Aspekte habe ich zunächst die Finger davon gelassen.

In den Sommerferien 2012, als ich genug Zeit zum Tüfteln hatte, wagte ich mich jedoch an das Thema heran und entwarf Pläne. Aus der rein materiellen Sicht bedurfte es dann eigentlich nicht vieler Hilfsmittel: Ein dunkler Raum, ein Luftgewehr, ein Blitz, Objekte zum Zerstören und natürlich eine Kamera.

Am Anfang schoss ich mit einer Fahrradpumpe Bleikugeln auf alte Glühbirnen. Ein Auslöser, der auf die Kugel reagieren sollte, war mit dem Blitz verbunden, um im richtigen Moment auszulösen und so den Moment einzufrieren. Doch nach ein paar Fehlversuchen und Umstellungen merkte ich, dass mit diesem Aufbau keine brauchbaren Bilder entstehen konnten.

Also sah ich mich nach einem Luftgewehr um, das präziser und stärker war als der Schießapparat mit der Fahrradpumpe. Gleichzeitig machte ich mir Gedanken über den Blitzauslöser. Meine erste Variante hatte überhaupt nicht funktioniert, es musste also etwas Neues her.

Mehrere Tage zerbrach ich mir den Kopf über den perfekten Auslöser, doch die zündende Idee blieb aus. Ich war kurz davor, das Projekt abzubrechen und mir einzugestehen, dass es ohne Lichtschranke nicht funktionieren würde.

In meiner Verzweiflung suchte ich in der Werkstatt nach Einzelteilen, die mir zum perfekten Bild verhelfen konnten. Mit einem Holzklotz, zwei Gummistreifen und Alufolie bastelte ich mir einen Auslöser. Die Konstruktion setzte ich unmittelbar vor die Mündungsöffnung des Luftgewehrs und schloss sie mit dem Blitz zusammen. Die ersten Testschüsse lösten Blitzlicht aus und meine Zuversicht wuchs. Ich tüftelte noch ein bisschen und bald saß beinahe jeder Schuss.

Nun war alles bereit für die erste Glühbirne. Ich platzierte sie und stellte die Kamera ein. Meine Spannung wuchs, ich war wirklich aufgeregt. Klappte es oder würde es wieder scheitern? Ich drückte den Abzug, es blitzte und krachte und dann war es wieder ruhig. Ein Blick auf das Kameradisplay löste riesige Freude aus – ich hatte es geschafft!

Mein Vetter, gelernter Elektriker, baute mir noch einen Dimmer. Ich plünderte die Restvorräte funktionierender Glühbirnen und schoss nun auf brennende, aber in der Helligkeit reduzierte Birnen. Auf dem Foto ist so noch der brennende Wolframfaden zu sehen, während die ihn schützende Glashülle zerbirst.

Ich zerschoss während der nächsten Wochen noch einige Glühbirnen. Auch andere Objekte wie Basler Läckerli, Eier und Brot wurden nicht verschont.

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Allen Schweizern sei Matthias’ Ausstellung ans Herz gelegt. Sie ist noch bis zum 30. April 2013 in der Luzerner Höhenklinik Montana in 3963 Crans-Montana/VS zu sehen. Hier könnt Ihr neben seinen Highspeedaufnahmen auch seine Landschaftsbilder und Makros entdecken.

Die Serie, die ich Euch heute vorstelle, trägt den Namen „Splitted Illusion“ und ist eine meiner freien Arbeiten aus dem Jahr 2012. Das Erste, was mir durch den Kopf schoss, als ich diese Serie plante, war: „Splittet Illusion soll anders sein.“ Ich wollte weg von diesem eindeutigen Stil, den mir die Leute nachsagen.

Mein Bestreben war es, Chaos und Ordnung zu verbinden. Ich wollte dem Betrachter einen Freiraum seiner persönlichen Sichtweise über die Serie bieten, ihm aber trotzdem noch eine gewisse Ordnung geben.

Ich persönlich bin ein Mensch, der es absolut nicht leiden kann, wenn einem eine Interpretation von etwas „vorgesetzt“ wird. Kunst ist für mich die absolute Freiheit und diese will ich mir persönlich nicht nehmen und ebenso auch niemand anderem.

Die Serie sollte einen chaotischen, aber zugleich auch klaren und ordentlichen Charakter bzw. Ausdruck haben. Man kann mit Chaos und Ordnung wunderbar spielen, jedoch müssen sie sich meiner Meinung nach die Waage halten.

Mein Kopf sehnte sich einfach danach, sich austoben zu können. Ich wollte nicht die ganze Zeit über irgendein besonderes Konzept nachdenken müssen oder an eine Vorgabe gebunden sein. Ich hatte die Vorstellung in meinem Kopf und das war für mich absolut ausreichend.

Um es auf den Punkt zu bringen: Ich wollte so viel Freiraum für meine persönliche Kreativität sowie auch für die Kreativität meines Teams schaffen, das aus dem Hairstylisten Alexander Pressler und der Visagistin Ines Kehrer besteht.

Um mit Chaos und Ordnung spielen zu können, bediente ich mich der Blitzsynchronisation. Diese schien mir für mein Vorhaben und das Erreichen des gewünschten Ausdrucks der Serie in Verbindung mit einer PhaseOne die beste Wahl zu sein.

Hierbei wird meiner Erfahrung nach am besten die kleinstmögliche Blende gewählt und mit einer Verschlusszeit von etwa einer Sekunde kombiniert. Als nächstes wird die gewünschte Sequenz, die die Anzahl der Blitzauslösungen während der gewählten Verschlusszeit angibt, gewählt.

Zu guter Letzt habe ich ein Intervall angegeben, das die verstrichene Zeit zwischen den Blitzauslösungen angibt. Anders als bei einer Mehrfachbelichtung habe ich mit der Blitzsynchronisation mehr Kontrolle und Flexibilität.

Außerdem mussten tolle Klamotten her. Ich wollte allerdings keine normale Kleidung, sondern etwas Ausgeflipptes. Als ich irgendwann gemütlich eine Kippe rauchen wollte und die Plastikfolie von meiner Schachtel abmachte, fiel mir auf, wie toll sich das Licht darin spiegelt. Sofort rief ich Gina Adler an, eine talentierte Designerin aus dem Raum Stuttgart.

Ich schilderte ihr meine Idee und fragte sie, ob es möglich sei, aus Plastikfolie eine Art Kleid zu kreieren. Sie fand die Idee super und sicherte mir ihre Mitarbeit zu.

Die Sache mit der Plastikfolie war mir aber noch etwas zu neutral. Um den Bildern noch etwas mehr Leben einzuhauchen, entschied ich mich dafür, einfach Farbfolien zu verwenden.

Inzwischen liebe ich es, mit Farbfolien zu arbeiten. Es ist Wahnsinn, wie viel sie ausmachen können. Besonders bei diesem Shooting ist mir das klar geworden.

Ich hoffe, dass Euch die Bilder zusagen und bin gespannt auf Eure Meinung.

Model: Maya Stepper @ S-Models

Vor einiger Zeit stellte ich meine erste Serie „Just be CRAZY“ fertig. Die Idee zum Projekt kam mir, als ich auf dem Weg zur Schule war. In der Straßenbahn sah ich viele ernste Gesichter. Ich fragte mich, wie ich mit Hilfe meines Hobbys, der Fotografie, auf so ernste Gesichter ein Lächeln zaubern könnte.

Ganz nach dem Zitat von Peter Bamm: „Albernheit ist eine Erholung von der Umwelt“, plante ich mein Projekt. So entstand nach kurzer Zeit der erste Lichtaufbau. Wenig später machte ich das erste Foto zur Serie.

„Just be CRAZY“ besteht aus über 30 Fotografien, die ich von Menschen aller Generationen von sieben bis 80 Jahren angefertigt habe. Schon während des Fotografierens haben alle Beteiligten ihre ernsten Mienen verloren und wir hatten viel Spaß.

Am Tag des Shootings erklärte ich den Menschen, die ich porträtieren wollte, das Konzept der Serie. Dann bat ich die Personen, auf einem Hocker Platz zu nehmen und erklärte bei Interesse noch den Lichtaufbau.

Nachdem ich die Fotos angefertigt hatte, übertrug ich sie gleich auf meinen Mac und ließ die Porträtierten am Auswahlprozess teilhaben. Ich freue mich jedes Mal, wenn Menschen eine ganz andere Seite vor der Kamera zeigen als die, die man sonst von ihnen kennt. In der Nachbearbeitung wurden bei allen Fotos die Kontraste in Photoshop angehoben und die Farbwerte geändert.

Die Fotos machte ich alle mit einer Canon 60D und einem Tamron f/2.8 17-50mm. Für „Just be CRAZY“ entwarf ich einen relativ simplen Lichtaufbau: Als Hauptlicht platzierte ich einen Studioblitz von oben mit einem zirka 1m großen Durchlichtschirm, von rechts beleuchtete ich ebenfalls mit einem Durchlichtschirm, von links hellte ich das Modell mit einem weißen Reflektor auf.

Einige Menschen setzten zudem ihre albernsten Gesichter nur für wenige Sekunden auf. So musste ich im richtigen Moment auf den Auslöser drücken! Auch wenn ich auf Planung und bewusste Gestaltung Wert lege, möchte ich, dass auf den Fotos das Individuelle und die Spontanität der Fotografierten Platz haben.

Zu der Fotografie kam ich hauptsächlich durch meinen Vater, der noch eine Canon 350D besaß, mit der ich meine ersten Erfahrungen sammelte. Allerdings möchte ich nicht ausschließen, dass auch der Spiegelreflexkamera-Trend bei Jugendlichen dazu beitrug.

Doch schon bald war ernsthaftes Interesse in mir geweckt und ich fing an, mich mit Hilfe des Internets und Büchern in die Marterie einzuarbeiten. Bei der Durchführung von „Just be CRAZY“ bekam ich hauptsächlich Tipps aus dem Internet. Mittlerweile durfte ich bereits bei einigen Shootings dabei sein und eine Menge von verschiedenen Fotografen lernen.

Zu meinen fotografischen Vorbilder zähle ich: Marisa Fernandes, Edgar Berg, Moritz Paul, Cintia Barrosso Alexander, Jan Hinkel, Ondro Ovesny, Katja Kuhl und viele andere. Wenn ich alle aufzählen müsste, würde ich wahrscheinlich über 120 Namen nennen.

Im Dezember 2011 habe ich mit meinen engsten Freunden bei mir zuhause meinen 26. Geburtstag gefeiert. Zu dieser Zeit war meine fotografische Motivation sehr hoch, da ich gerade mein Heimstudio eingerichtet habe und dabei war, meine CI für Linsensuppe–Fotografie zu erstellen. Da gerade all meine Freunde versammelt waren, habe ich die Gelegenheit genutzt, um alle für eine schöne Erinnerung abzulichten.

Die Idee war geboren, jedoch entpuppte sich die Umsetzung als schwierig. Einige haben sich vor der Kamera unwohl gefühlt und das Projekt drohte zu scheitern. Angeheitert von der Stimmung und der einsetzenden Wirkung des Geburtstagspunsches kam dann die Idee, dass jeder einfach eine Grimasse zieht.

Selbst die unfotogensten Menschen (ich zum Beispiel, siehe Bild rechts) sind in der Lage, absichtlich doof zu gucken und vor allem, sich damit auch anzufreunden, wenn genau dies erwünscht ist.

Ich habe insgesamt mit drei Blitzen fotografiert. Eine 90cm-Softbox von links oben sorgte für das Hauptlicht, das relativ weich und gleichmäßig sein sollte. Ich wollte vom Hauptlicht einfach keine harten Schatten haben, weswegen die Wahl auf eine Softbox gefallen ist.

Außerdem kamen zwei Striplights zum Einsatz, die die Modelle jeweils von hinten rechts und hinten links getroffen haben. Die Striplights sorgten für schöne und kräftige Streiflichter. Durch diese Lichtkanten erscheinen die Personen plastischer und heben sich besser vom Hintergrund ab.

Ich habe vor einem grauen Hintergrund fotografiert, um einfach sehr flexibel in der Bearbeitung zu sein, da ich nicht ganz sicher war, wie die fertigen Bilder aussehen sollten. Da ich wusste, dass ich den Hintergrund austauschen wollte, habe ich diesem keine weitere Aufmerksamkeit geschenkt und komplett auf eine separate Hintergrundbeleuchtung verzichtet.

Fotografiert habe ich mit einer Nikon D90 und einem Tamron 28-75mm f/2.8, meiner damaligen Standardbesetzung bei Personenfotografie. Die Fotos sind mit einer Brennweite von 50-70 mm und einer Blende von f/8 – f/11 entstanden.

Bei diesem Setting hat das Objektiv einfach die beste Abbildungsleistung. Die Belichtungszeit und der ISO-Wert waren standardmäßig bei 1/160 und 200. Nach einigen Lichttests waren die Fotos dann auch schnell im Kasten und die Party nahm ihren Lauf.

Am nächsten Morgen – nun 26 Jahre alt – war ich hochmotiviert, mich direkt an die Bearbeitung der einzelnen Fotos zu machen, jedoch zwangen mich die Nachwirkungen des Geburtstagspunsches dazu, dieses Vorhaben auf den (sehr) späten Nachmittag zu verlegen.

Beim Durchgucken der Fotos ist mir aufgefallen, dass alle Modelle sehr farbenfrohe Kleidung getragen haben. So lag es nahe, die Hintergründe dementsprechend anzupassen. Ich musste allerdings das eine oder andere Kleidungsstück umfärben, da mir die Farbe nicht gefallen hat.

Ich habe viel an den Kontrasten gearbeitet, um diese besonders herauszuarbeiten. Hierbei kamen einige Plugins und Dodge&Burn zum Einsatz.

Alle Bilder waren nun fertig bearbeitet, jedoch war ich unzufrieden, da ich eigentlich eine Collage daraus machen wollte. Problematisch daran war jedoch die ungünstige Anzahl von elf Fotos. Ich stand also vor dem Problem, wie ich eine prime Anzahl für die Collage verwenden könnte.

Praktisch orientiert wie ich bin, habe ich mich einfach dazu entschlossen, die Anzahl der Bilder auf zwölf aufzustocken. Ich habe fix meinen Papa angerufen und ihm von der Idee erzählt. Zwei Tage später war also auch das letzte Bild im Kasten und ich konnte die Collage abschließen.

Es fehlte nur noch ein Name, der jedoch schnell gefunden war: True Mates!

Ich habe bisher durchweg positives Feedback und Anerkennung für die Serie erhalten. Doch das, was mich wirklich stolz macht, ist, dass nun alle meine Freunde schön gerahmt bei mir im Wohnzimmer hängen.

„Die Hauptidee und der Name – ‚Weird Beauty‘ – entstanden, als drei Arbeiten schon finalisiert waren“, so der Fotograf. „Ich und Valeriya Kutsan, die Make-up-Künstlerin, wollten eigentlich nur mal etwas andere monochrome Portraits für unseren neuen Kalender machen.“

Interessant ist es, an diesem Punkt der Ideenfindung festzustellen, dass das Projekt aus einem Versuch, einer Spielerei entstand. Häufig – oder gar sehr häufig – finden Künstler und Fotografen so zu neuen Ideen und Kreationen.

„Doch jedes neue Foto zeigte uns, dass da mehr dahinter war. Ich war beeindruckt von der Art und Weise, wie die einfachen Formen und echten menschlichen Gesichter miteinander kollaborierten. Es war zeitgleich einfach, stylisch, effektiv und … bizarr (weird)! So entschied ich mich, das Projekt Weird Beauty zu nennen.“

So wuchs die Idee zu einem groß angelegten Projekt. Make-up-Künstlerin Kutsan und Khokhlov wählten mehr als 30 Ideen, die sie umsetzten. Sie lehnten banale Formen wie das Yin-Yang-Symbol oder ein Schachbrettmuster ab und die möglichen Kombinationen aus schwarz und weiß waren irgendwie anders und ungewöhnlich.

Das Team benutzte einen Projektor, was Kutsan dabei half, die Konturen zu zeichnen, manche Formen jedoch sind gänzlich frei Hand gemalt.

Khokhlov setzte alle Fotos im Studio mit diversen Softboxen, Striplights und Reflektoren um. Er berichtet:

„Und wie man sieht, wurde der Kontrast durch die Zeichnungen und zusätzliche Bearbeitung erzeugt. Das war auch gar nicht anders möglich, da es sehr schwer ist, ideale Zeichnungsebenen und Abgrenzungen zu erzielen. Streckenweise war die Retouche sehr zeit- und energieaufwändig.“

Im Einsatz waren eine EOS 5D Mark II, das Canon EF 70-200mm f/4L und Profoto D1 500 Monolights.

Mein Name ist Leland Bobbé und ich komme aus New York City. Ich bin seit über 25 Jahren als professioneller Fotograf tätig und meine Karriere hat währenddessen einen ganz interessanten Verlauf von Fashion/Beauty zu Portraits realer Menschen genommen. Mein aktuellstes Projekt heißt „Half-Drag – eine andere Art von Schönheit“.

Für diese Serie nehme ich sehr nahe Portraits von Drag-Queens aus New York City auf, wobei sie halb männlich und halb weiblich zu sehen sind. Diesen Effekt erreiche ich, indem nur auf eine Seite des Gesichts Make-up aufgetragen wird und ich arbeite mit dem Haar so, dass der Betrachter das weibliche Haar auch nur auf der geschminkten Seite sieht. Alle diese Aufnahmen entstehen in der Kamera, sie werden nicht nachträglich digital zusammengesetzt.

Was ist die Geschichte hinter „Half-Drag“? Wie entstand die Idee und wie hat sich das Konzept von dort aus entwickelt?

Vor diesem Projekt habe ich eine Portraitserie von Neo-Burlesque-Darstellern gemacht, die im Frühjahr 2011 drei Monate lang im Museum of Sex hier in New York ausgestellt wurde. Im Sommer sah ich dann ein Foto auf Facebook, das einen der Neo-Burlesque-Darsteller halb als Mann, halb als Frau gekleidet zeigte. Ich lud ihn ein, zu mir ins Studio zu kommen, um Studio-Portraits dieses Charakters zu machen.

Ein paar Monate später ging ich zu einer Industrieparty im Art Director’s Club, die von Workbook gesponsort wurde und bei der es Burlesque-Auftritte und kellnernde Drag-Queens gab. Lori Watson von Workbook stellte mich Sabel Scities vor – einer der Queens, die mir vorschlug, ein neues Projekt mit den Drag-Queens zu machen.

Ich würfelte die Idee in den folgenden Monaten ein bisschen in meinem Kopf herum und kam dann im Januar auf die Idee, dafür die halb männliche, halb weibliche Aufnahme, die ich bereits gemacht hatte, mit einzubeziehen. Ich dachte mir, dass ich durch einen sehr engen Ausschnitt der Portraits die Unterschiede der männlichen und weiblichen Seiten akzentuieren könnte.

Also nahm ich wieder mit Sabel Kontakt auf, erklärte meine Idee und bat ihn bzw. sie, mein erstes Versuchskaninchen zu sein. Ich war so glücklich mit den Resultaten, dass ich beschloss, dieses Projekt weiter zu verfolgen.

Was hat Dich persönlich am Thema der Serie angesprochen? Und wie haben Deine Modelle auf die Bilder reagiert?

Ich selbst war daran interessiert, die Überschneidungen zwischen männlich und weiblich zu erforschen, die sich in unserer Welt ergeben, in der die Grenzen zwischen den Geschlechtern mehr und mehr verschwimmen.

Die Modelle ihrerseits liebten die Idee und sie alle liebten auch die fertigen Bilder. Es war etwas Besonderes für sie, weil sie dadurch die Möglichkeit erhielten, ihre männliche und auch ihre weibliche Seite in einem einzigen Bild zeigen zu können.

In Deinem Blog habe ich gesehen, dass „Half-Drag“ sich gerade ziemlich virusartig im Internet verbreitet. Bekommst Du „nur“ Aufmerksamkeit und tonnenweise E-Mails, die Du abarbeiten musst oder bringt es auch neue Jobs?

Zwar hat die ganze Aufmerksamkeit mir bisher tatsächlich keine neuen Aufträge eingebracht, aber sie hat doch dafür gesorgt, dass ich Kunstdrucke verkaufen konnte, im Oktober eine Soloausstellung in der PHD Gallery in St. Louis machen kann und bei zwei Gruppenausstellungen im Oktober im Dubai – mit dem Titel „Identity“ – und in Berlin dabei sein darf. Ich bin mir ziemlich sicher, dass das wiederum zu ein paar neuen Auftragsarbeiten führen wird.

Am Anfang sagtest Du, dass Deine fotografische Karriere sich mit den Jahren verändert hat. An welchem Punkt bist Du gerade und in welche Richtung soll es weitergehen?

Obwohl ich sehr aktiv meine kommerziellen Arbeiten verfolge, würde ich mich sehr gern mehr auf persönliche Projekte konzentrieren und mehr Ausstellungen machen, um mehr Geld durch den Verkauf von Kunstdrucken zu verdienen.

Von dem Blick in die Zukunft zur Vergangenheit: Wie hat’s mit der Fotografie bei Dir angefangen?

Ich habe angefangen, mich mit der Fotografie zu beschäftigen, weil ich irgendwann begann, Dinge zu sehen, die ich festhalten wollte. Mal war es eine bestimmte Art von Licht, etwas Interessantes auf der Straße oder ein schöner Baum.

Hast Du persönlich fotografische „Regeln“, nach denen Du lebst, eine Philosophie hinter Deinen Arbeiten?

Weniger ist mehr. Halte die Dinge sauber und einfach.

Wie sieht’s mit der technischen Seite aus? Welche Ausrüstung benutzt Du und welche Rolle spielt die Auswahl in Deiner täglichen fotografischen Routine?

Ich benutze eine Nikon D700 mit einem Nikon 70-300m Zoomojektiv, meistens setze ich es ungefähr um 225mm ein. Die Serie „Half-Drag“ ist immer gleich ausgeleuchtet mit einem Profoto-Beautydish mit Gitter und einem Reflektor unter dem Gesicht.

Für die meisten meiner Portraitarbeiten benutze ich unterschiedliche Variationen dieses Lichtaufbaus. Obwohl die Auswahl professioneller Ausstattung wichtig ist, gibt es da draußen eine ganze Menge, aus der man wählen kann. Das Wichtigste ist nicht, welche Geräte man auswählt, sondern wie man damit arbeitet – und die Idee an sich.

Ich habe auch einen Blick auf Deine ganzen anderen Arbeiten geworfen und habe mich in „Black Swan“ aus der Serie „Stormy Weather“ verliebt. Später habe ich dann in Deinem Blog gelesen, dass es eines Deiner ewigen Favoriten ist. Wie viel Glück braucht man, um ein herausragendes Foto zu machen?

Der Dreh- und Angelpunkt bei allem ist wirklich das Sehen an sich. Im Fall des Regenschirms hatte ich das Glück, ihn zu finden – zu sehen – und meine Kamera dabei zu haben, aber dann stand ich dort für eine Weile und hatte das Motiv so im Sucher, dass sich Raum für Menschen ergab, die in den Rahmen hineinliefen.

Ich machte ungefähr 18 Bilder oder so und als ich dann dieses eine Bild auf meinen Kontaktabzügen fand, war ich außer mir vor Freude. Das ist Straßenfotografie, die vollkommen anders ist als das Studio, in dem ich ein Foto konstruiere, es so ausleuchte wie ich möchte und mein Modell anleite. Im Studio habe ich die volle Kontrolle, aber auf der Straße geht es nur ums Sehen und Reagieren.

Welche weiteren Projekte hast Du im Hinterkopf, was sind Deine Pläne für die Zukunft, für morgen?

Momentan arbeite ich an einem anderen Projekt, das „New York City Wall Art“ heißt. Dabei fotografiere ich Ausschnitte von zerrissenen und zerfledderten Postern, die ich an Gebäuden und Wänden in New York City finde. Ich habe das Gefühl, dass diese zufälligen Risse und Schlitze von Postern, die über anderen Postern und Wänden liegen, einen sehr interessanten, patina-ähnlichen Effekt haben, der eine abstrakte Ausdrucksform erzeugt, die auf mutigem Realismus basiert.

Wenngleich die Leute dies beim Vorbeigehen vielleicht unterbewusst wahrnehmen, halten – wenn überhaupt – nur sehr wenige an, um sie bewusst wahrnehmend zu betrachten. Diese Bilder zwingen den Betrachter dazu, sich mit unvereinbaren Elementen auseinanderzusetzen, die normalerweise nicht zusammen gesehen werden, in der Realität aber so existieren.

Vielen Dank für das Interview, Leland!

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Die Serie „Half-Drag“ ist in Deutschland übrigens so beliebt wie in keinem anderen Land außerhalb der USA. Deshalb sucht Leland Bobbé noch nach Möglichkeiten, hierzulande auszustellen. Wer Galerien kennt, die sich für seine Serie interessieren könnten oder sogar entsprechende Kontakte hat, darf sich gern bei ihm melden!

Dem, der aufgrund des Titels jetzt schon nicht mehr weiterliest, sei gesagt: „TWILIGHT“ hat nichts mit dem gleichnamigen Vampir-Roman gemeinsam. Es ist viel mehr eine digitale Hommage an die Analogfotografie.

Meine Serie „TWILIGHT“ ist im Frühjahr 2012 entstanden. Ich war in einer tollen Stimmung, immerhin bereitete ich gerade meine erste Ausstellung vor. Doch es fehlte einfach noch etwas. Es waren nicht nur zu wenige Fotografien für die Galerie, sondern es fehlte auch die Abwechslung.

In der Ausstellung waren Fotoserien zu sehen, die allesamt eine für mich sehr typische Arbeitsweise beinhalteten: Ich fotografiere Menschen sehr oft in der Natur und nur ab und zu im Studio. Meine Ausstellung bot zwar beides, jedoch bemerkte ich etwas an meinen Fotografien, das mich zum Nachdenken anregte:

Mir ging es bei den Bildern fast ausschließlich um die Ästhetik. Es war mir bis dato immer wichtig, dass sie als Ganzes für mich „schön“ sind. Wenn ich diese Ästhetik, die ich tatsächlich nur auf meinen eigenen Geschmack abgestimmt hatte, erreichte, dann war ich schon glücklich mit den Fotos. Doch das reichte mir nun plötzlich nicht mehr.

Daher kam in mir der Drang auf, für die neue Serie einen Stil zu entwickeln, der sich von meinen anderen Fotos abhebt. Etwas Neues, vielleicht nicht für die Welt, aber für mich.

Es sollten Portraits mit Charakter werden, keine Beauty-Ausleuchtung, stattdessen ein wenig düster und geheimnisvoll. Ich wurde aber bald von lähmender Ideenlosigkeit erfasst, die Konzeption der Serie stagnierte. Voll konzentrieren konnte ich mich auf die Serie sowieso nicht, da waren noch die 12. Klasse und andere Verpflichtungen.

Ich bemerkte alsbald, wie bequem ich doch geworden war. Wenn ich von der Schule nach Hause kam, saß ich den Rest des Tages am Computer, tarnte mein stundenlanges Rumgeklicke durch Blogs und soziale Netzwerke vor mir selbst als „Inspiration“. Ich musste mir eingestehen, dass ich das Gegenteil davon tat, was man eine aktive Freizeitgestaltung nennt. Und ich war damit nicht allein. Viele andere Jugendliche sind „daueronline“. Diese Erkenntnis gab mir nicht nur neue Motivation für „TWILIGHT“, sondern auch eine Bildidee:

Ich befreie uns Menschen vom Sessel der Gewohnheit, drapiere uns in die Natur, in Vergnügungsparks, auf die Straße oder in die Berge. Ich möchte, dass wir wieder mehr am Leben teilnehmen und mit unserer Umwelt verschmelzen.

Diese Verschmelzung hätte ich visuell nicht erreicht, wenn ich die Menschen einfach in der Natur fotografiert hätte. Ich wusste, dass ich das nur mit Bildbearbeitung realisieren könnte. Mir kam sofort die Erinnerung an die analogen Doppelbelichtungen, deren Wirkung mich sehr fasziniert. Doch ich wollte technisch gesehen den Versuch anstellen, die analogen Doppelbelichtungen ins Digitale zu übernehmen und nachzuempfinden.

Es ist vermutlich nicht ganz einfach zu verstehen, warum ich dies alles digital realisieren wollte, gewinnt doch die Analogfotografie heutzutage stetig mehr Wertschätzung und Beliebtheit. Für mich aber sollte es einfach ein Experiment werden: Kann ich diese besondere Ausdruckskraft der Doppelbelichtung auch in der Digitalfotografie, die durch ihre Kontrollierbarkeit und Berechenbarkeit wesentlich „kühler“ ist, umsetzen?

Das Projekt war an dieser Stelle der Überlegungen bereit für die Umsetzung. Die portraitierten Menschen sind Freunde, Bekannte und Fremde, die ich einzeln in mein kleines „Studio“ einlud. Es war also eine gemischte Gruppe an Menschen und fast alle waren zum ersten Mal bei einem fotografischen Projekt dabei. Die Kommunikation mit vorher fremden Menschen war erstaunlich einfach. Man vertraute mir, da ich die Idee meiner Serie jedem Einzelnen erklärte, um Unsicherheiten oder gar Ängste der Modelle zu verhindern.

Der technische Aspekt hinter der Serie hatte natürlich auch einen Stellenwert, obgleich sich der Aufwand in machbaren Grenzen hielt. Das Licht-Setup war denkbar einfach. Ich nutzte nur einen Beauty Dish von rechts oben, um eine schöne Schattenbildung in den Gesichtern zu erreichen.

Anweisungen an die Modelle setzte ich sehr spärlich ein, ich bat lediglich um einen neutralen, natürlichen Blick. Gleich vor Ort zeigte ich die geschossenen Fotos den Modellen. So konnten sie ihren Ausdruck besser einschätzen und kontrollieren. Die Fotoshootings waren daher sehr unkompliziert und entspannt.

Einige der Hintergrundmotive sind bereits aus vergangenen Jahren, andere fotografierte ich für das Projekt neu. Mit den Rohdaten zufrieden, begann ich mit der Postproduktion. Diese stellte sich als weniger aufwändig als vermutet heraus. Im Wesentlichen besteht die Überblendung der Einzelfotos aus wenigen Photoshop-Ebenenmodi: Hier ein wenig „Multiplizieren“, dort etwas „Negativ multiplizieren“. Abschließend kam noch eine Gradationskurve zur Anhebung der Kontraste ins Spiel und die Bilder waren fertig für die Galerie.

Doch warum nun „TWILIGHT“? Ich dachte bei der Wahl des Titels an das Zwielicht zwischen Person und Hintergrund. Natürlich könnte die Serie auch „Zwielicht“ heißen, aber ein wenig Provokation im Titel schadet meiner Meinung nach nicht. Es gab sogar Menschen, die extra des Titels wegen und mit freudiger Erwartung auf eine künstlerische Auseinandersetzung mit dem Vampir-Motiv zu meiner Ausstellungseröffnung kamen und dann sichtlich verwirrt waren.

Aus dem vordergründigen Zweck, die Ausstellung zu füllen, wurde also eine Serie, die mir nun sehr wichtig ist und am Herzen liegt. Immerhin hab ich mich von meinen eigenen Fesseln gelöst und etwas anderes ausprobiert. Einmal die eigenen, gewohnten Gestaltungsweisen hinter sich zu lassen, das ist, denke ich, generell ein guter Ansatz für uns Fotografen, wenn wir wieder einmal unzufrieden mit der eigenen Arbeit sind.

Natürlich muss man sich in beruflicher Hinsicht später schon spezialisieren und bestenfalls auch einen eigenen Stil entwickeln, aber ich habe noch lang nicht das Gefühl, alles ausprobiert zu haben. Es gibt für mich noch viele Dinge zu entdecken und dafür war diese Serie ein wunderbarer Anstoß.

Mitte März 2011, Semesterbeginn an der Hochschule München, Studiengang Design. Es ist Projektvorstellung im großen Vorlesungssaal, der aus allen Nähten platzt. Die Dozenten stellen ihre Projekte vor, die sie den Studenten für dieses Semester anbieten und irgendwie ist es nicht befriedigend. Nichts Außergewöhnliches, keine Kracher und keine wirklichen Herausforderungen.

Also haben wir die Köpfe zusammengesteckt und spontan beschlossen, uns einen Dozenten für ein eigenes Projekt zu suchen, das wir selbst bestimmen können. Die Konstellation von MINUSVIER hat also den banalen Grund, dass wir bei der Projektvorstellung nebeneinander saßen.

Ideenplanung

Von Anfang an war klar, wir wollen ein großes Bild schaffen, in der jede Menge gleichzeitig passiert und dem Betrachter viel Raum zum Entdecken bietet. Die erste Woche nach Semesterbeginn bestand hauptsächlich aus Brainstorming, welche Szenarien wir umsetzen könnten.

Schnell hatten wir uns auf ein Panorama-Format festgelegt, Location und Setting wurde allerdings länger diskutiert. Die Kneipen-Szene war erst unsere dritte Wahl, allerdings der beste Vorschlag, der mit unserem nicht vorhandenem Budget umsetzbar war.

Der Nachteil an der Bar war die etwas “alltägliche” Szenerie – die anderen Varianten waren wesentlich ausgefallener, werden an dieser Stelle aber nicht verraten, weil wir die noch irgendwann einmal umsetzen wollen. Dagegen war der Vorteil der Szene, dass die Bar “Sehnsucht” (nach der wir das Bild dann auch benannt haben) schon an sich eine tolle Location ist und allein durch ihre Einrichtung eine eigene Geschichte erzählt – ein Motorrad an der Wand, die ganzen BHs über dem Thresen (mit dem Hinweis “1 BH = 1 Runde Jäger”), dazu die vielen B-Movie-Plakate… wirklich eine Location, in der es viel zu entdecken gibt und die somit super in unser Konzept gepasst hat.

Organisation

Nachdem die Location feststand, musste geklärt werden, was in der Kneipe alles passiert. Dazu gab es erneut ein einwöchiges Brainstorming, an dessen Ende wir alles in einer Liste zusammengetragen und Prioritäten verteilt haben. Der Hintergedanke war dabei: “Wenn dir ein Barkeeper all die verrückten Geschichten erzählt, die er in 20 Jahren hinter dem Tresen erlebt gat, was könnte das alles sein?”.

Wir wollten also bei der Realität bleiben, den Effekt allerdings dadurch erzielen, dass alles gleichzeitig passiert. Da hatten wir also recht schnell eine sehr lange Liste an Ideen und auch, welche uns davon am besten gefallen und dementsprechend deutlich im Bild zu sehen sein sollen.

Als nächstes haben wir zum Test den Hintergrund aufgenommen. An einem Nachmittag in der Sehnsucht haben wir die Kameraposition und Objektiv-Brennweite (letztendlich 35mm auf einer Hasselblad H4D-60, also digitales Mittelformat) festgelegt und ein erstes Panoramabild der Location aufgenommen. Insgesamt neun Bilder, die in Photoshop zusammengesetzt wurden.

Mit diesem Bild als Hintergrund haben wir dann eine Skizze erstellt, welche Handlungen wo genau passieren. Sofort war zu erkennen, wo noch Lücken sind, wo man noch etwas einbauen kann und wo wichtige Szenen verdeckt werden. Diese Skizze war dann bis zum Ende unsere wichtigste Orientierungshilfe.

Die nächste Aufgabe war dann, die Leute für das Shooting zu finden. Eine Ausschreibung in einer Modelcommunity und Herumfragen im Freundeskreis haben ausgereicht, um genug Leute zusammenzubekommen. Jedem wurde eine Rolle zugeteilt. Unser Plan war, jede Gruppe einzeln zu fotografieren und dann in Photoshop zusammenzuschneiden. Also haben wir die Personen gruppenweise eingeteilt und dann einen Zeitplan erstellt, welche Gruppe wann zu erscheinen hat, in welchen Klamotten und mit welchem Styling.

Shooting

Die Sehnsucht hat sonntags Ruhetag, also konnten wir den kompletten Sonntag durchfotografieren, plus den halben Montag bis zum Nachmittag, dann kommt die Putzkolonne, um für den Abend sauber zu machen. Wir hatten nämlich extra darum gebeten, die Bar vor unserem Shooting aus Gründen der Authentizität nicht zu putzen. Und nach einer Samstagnacht sieht es da aus wie Sau. Inklusive klebrigem Boden.

Eineinhalb Tage Zeit zum Fotografieren also – bei 17 einzelnen Gruppen ein straffer Zeitplan. Pro Gruppe haben wir eine halbe Stunde Shootingzeit eingeplant, während sich in der Zwischenzeit schon mal die nächste Gruppe vorbereitet hat. Die Arbeit haben wir uns gut eingeteilt: Einer weist schon mal die neu angekommenen Modelle ein, ein weiterer wertet die Daten am Rechner aus und zwei bauen das Licht für das nächste Setting auf.

Während dem eigentlichen Fotografieren geben nur ein oder zwei von uns die Anweisungen (um die Modelle nicht mit Zurufen aus allen Richtungen zu verwirren), während am iMac schon mal direkt geschaut wird, ob alles passt oder noch etwas geändert werden muss. Das wurde dann an den Zurufer weitergegeben.

Wir sind schon ein bisschen stolz darauf, dass wir unseren straffen Zeitplan hinbekommen haben und nur wegen verspäteter Modelle eine halbstündige Verzögerung in der Organisation hatten. Allerdings waren alle nachfolgenden Modelle sehr geduldig und hatten mit der Wartezeit kein Problem.

Überhaupt kann man sagen, dass wir mit den Leuten sehr viel Glück hatten. Alle waren super drauf, kommen auf dem Bild glaubwürdig rüber und hatten ganz eindeutig genauso viel Spaß an dem Shooting wie wir.

Wir haben das Bild dann auch zu 95% so umgesetzt, wie es auf der Skizze geplant war. Mit dem einzigen großer Unterschied, dass wir am linken Bildrand noch ein Portrait als Close-Up geplant hatten. Das haben wir dann zwar fotografiert, es sah in der Gesamtkomposition allerdings nicht so toll aus wie gedacht und wurde dann dementsprechend von uns weggelassen.

Bildbearbeitung

Der größte Teil der Arbeit stand jetzt an: Alles im leeren Panoramafoto der Bar zusammenzufügen. Es war vor allem deshalb so viel Arbeit, weil es nicht gereicht hat, die Gruppen einfach nur grob auszuschneiden und auf die richtige Stelle zu schieben, wie wir es gehofft hatten. Die Perspektiven im Hintergrund haben sich einfach nie überschnitten und so mussten wir wohl oder übel jede einzelne Person exakt freistellen und einfügen.

Und trotzdem gab es immer wieder Probleme, wenn zum Beispiel ein Geländer vor einer Person war und beim Zusammenfügen ganz woanders als im Hintergrundbild.

Hinzu kam, dass durch das viele Zusammenfügen überall Fehler auftraten. Bei so einem riesigen Bild muss man die erst einmal finden. Teilweise waren es echt kleine Dinge, die bestimmt niemandem aufgefallen wären. Aber da wir zu dem Zeitpunkt schon die erste Ausstellung in Planung hatten und wussten, dass das Bild auf 3,30 Meter Breite gedruckt wird, musste einfach alles perfekt sein.

Ein weiteres Problem war die unglaubliche Größe der Bilddatei. Neun zusammengeschnittene 40-Megapixel-Bilder alleine als Hintergrund sind einfach zu viel für einen Computer. Regelmäßig sind uns die Rechner abgestürzt, doch vor allem das langsame Arbeiten hat uns zu schaffen gemacht.

Alleine, das Bild zu speichern hat am Ende eine halbe Stunde gedauert. Jede noch so kleine Aktion verbrauchte unglaublich viel Rechenleistung und war dementsprechend mit Wartezeit verbunden.

Und trotzdem haben wir erreicht, was wir wollten: Ein Bild zu schaffen, bei dem der Betrachter immer wieder Neues entdeckt. Bestimmt wird niemand alle Details finden, die wir versteckt haben. Ein Beispiel: Die Frau, die den Mann am Tresen auf die Toilette lockt und eben jener Mann, sind zweimal dieselbe Person. Erkennbar an den Fingernägeln…

Aber das und die Produktions-Kosten haben sich auf jeden Fall gelohnt. Wir haben viele nette Menschen kennengelernt und Kontakte geknüpft, dazu das viele positive Feedback, das Geld über den gut laufenden Bildverkauf, den Gewinn des Canon Profifoto Förderpreis… und eine 1,0 für das Semesterprojekt.

Die Portraits, die Jo Schwab für seine Serie “habitual grace” anfertigt, faszinieren mich durch ihre Klarheit und Reduktion. Das Licht, immer einfach und ähnlich gesetzt, lässt Raum für die Person selbst. Nichts drum herum lenkt ab. Der Mensch erstrahlt förmlich für sich, in seiner Aussagekraft und ist gleichzeitig Projektionsfläche für den Betrachter.

An einem verregneten Tag treffe ich ihn in seiner Berliner Wohnung. Der Empfang ist herzlich und während Jo Schwab am Herd steht und mit Muße zwei Espressi mit Milch und Schaum anrichtet, finden wir gleich in eine Unterhaltung, die überhaupt nicht wie ein gewöhnliches Interview anmutet, sondern mehr ein Gespräch ist, das wohltuend wirkt.

Erzählst Du mir ein bisschen von Dir, wo bist Du aufgewachsen und was hat Dich beeinflusst?

Geboren bin ich in Frankfurt am Main, und als ich 4 oder 5 war, zogen meine Eltern mit mir nach Rom in Italien. Ich bin dort aufgewachsen und habe fast meine gesamte Kindheit dort verbracht. Ich denke, mit ungefähr 15 wusste ich dann, dass ich Fotograf werden wollte. Es gab da zwei Impulse. Zum einen meinen Onkel, der eine kleine Galerie für Fotografie hatte und mir die alte Nikon F2 meines Großvaters schenkte, zum anderen den Film “Apocalypse Now” von Francis Ford Coppola. Darin spielt Dennis Hopper einen irren Photographen im Dschungel; in dieser Rolle sah ich mich und ich dachte auch über nichts anderes nach.

Warum Fotografie?

Ich weiß es nicht genau. Was sind die ersten Impulse, die einen zur Fotografie treiben, wo liegt der Reiz? Es ist die kindliche Lust am Beobachten, Sehen, Entdecken. Die Kamera schafft eine Distanz, die einem das Gefühl gibt, die Welt präziser zu sehen als man sie vorher gesehen hat. Fotografie verlangsamt Wahrnehmung, fokussiert, trennt das Wesentliche vom Nebensächlichen. Ich denke, am Anfang gibt es so eine Art fotografische Pubertät. Eine Phase, die fast jeder junge Fotograf hat. Man interessiert sich dann leidenschaftlich für alles: Licht, Strukturen, Formen, den Himmel, Blümchen, man fotografiert einfach alles.

Die Phase muss man dann erst einmal hinter sich bringen. Dann kommt irgendwann die Vertreibung aus dem Paradies, der Verlust der fotografischen Unschuld, die Eitelkeit des Fotografen beginnt. Man findet sich sexy in der Rolle des Fotografen, man will so sein wie der Fotograf auf dem “Blow up”-Filmplakat, der breitbeinig über dem Model hängt. Die Kamera fängt an, deine Waffe zu werden, dein Schwanz, man entdeckt die Erotik der Fotografie.

Du hast dann beschlossen, Fotografie zu studieren?

Ja… ich überlegte dann, wo man Fotografie studieren kann. Ich habe mich dann an der Kunstakademie in Berlin beworben und weil ich gerade ein einjähriges Praktikum bei Jean-Marie Bottequin in München machte, auch an der staatlichen Akademie für Fotografie in München. Genommen haben mich beide, aber weil ich die Freundin in München hatte, bin ich dort geblieben… wobei ich mir nie sicher war, ob das eine gute Idee war.

Ich schaue ihn mit hochgezogenen Augenbrauen an und frage ihn, warum das keine gute Idee war.

München war nie mein Ding. Die Stadt verändert einen auf eine seltsame Art und Weise. Die Ausbildung dort war aber sehr gut, sehr klassisch, sehr handwerklich. Mitte der 1990er gab es noch keine Digitalkameras. Wir lernten das gesamte Spektrum analoger Fotografie. Großbild, Labor, Architektur, Reportage, Mode. Eine Materialschlacht aus Filmen, Prints und Labor-Chemie. Man simulierte vier Jahre lang einen vielbeschäftigten Fotografen. Nach der Ausbildung bin ich dann sofort aus München geflohen und für zwei Jahre nach London gegangen.

Die meiste Zeit dort habe ich als Assistent gearbeitet und nebenbei versucht, mich von dem zu befreien, was man mir während des Studiums über Fotografie beigebracht hat. Eigene Definitionen zu finden, was ein gutes von einem schlechten Bild unterscheidet, was man überhaupt will, welche Regeln es gibt und welche nicht, wie man seine eigene Bildsprache findet.

Das Studium war eine Basis und bringt Dir die grundlegenden und theoretischen Dinge bei, aber es bereitet Dich nicht auf einen Markt vor, auf den Berufsalltag als Fotograf. Das ist das erste große Problem und die erste große Erkenntnis, dass es mit einem Mal nicht mehr um die spielerische Lust an der Fotografie geht, sondern darum, mit was man Geld verdienen kann. Und dass es erst einmal zwei unterschiedlich Dinge sind: Die Fotogrfie, die man machen möchte und diejenige, für die man bezahlt wird.

Bei was für Fotografen hast Du in London assistiert?

Verschiedene, zum größten Teil aber Mode-Fotografen, obwohl ich mich nie wirklich für Mode begeistern konnte. Mir war dieses ganze „Fashion“-Ding immer zu blabla und affektiert.

Wie ging es weiter?

Ich gestehe, ich bin dann erst einmal zurück nach München gegangen, einfach weil es sich angeboten hat. Es gibt viele Magazine, Redaktionen und Agenturen, man bekam Jobs und die Dinge haben sich einfach entwickelt. Meine ersten Editorials habe ich für das Jetzt-Magazin gemacht, dann für das SZ-Magazin, Cosmopolitan, Allegra, Stern, Max und so weiter.

Nach zwei Jahren München habe ich dann im persönlichen Affekt beschlossen, dass ich keinen Tag länger mehr in München verbringen will und bin nach Berlin gezogen. Berlin war zwar der perfekte Ort zum Leben, allerdings zu dem Preis, dass es beruflich erst einmal steil bergab ging. Die ersten zwei Jahre waren beruflich eine Katastrophe und ich hatte ständig dieses äußerst schlechte Gewissen, ob man sich gleich am Anfang selbst derartig ins berufliche Aus schießen darf, nur um sich privat am richtigen Ort zu fühlen.

Aber genau diese Zeit war die Zeit der Reife. Um zu überleben, habe ich Kataloge fotografiert und nebenbei versucht herauszufinden, was ich überhaubt will. Man kann nur gute Bilder machen von Dingen, die einen interessieren. Mode war es nicht, meine kurzen Ausflüge als „Kriegs-Reporter“ in Bosnien und Israel endeten mit der Erkenntnis, dass mir dafür die Eier eines Capa fehlen und so bin ich langsam zu dem gekommen, was ich heute mache: Mit Portraits und Reise-Reportagen verdiene ich mein Geld und meine Akt-Portraits sind meine persönlichen Arbeiten, die mittlerweile auch viel veröffentlicht werden.

Und dann veränderte sich die Welt um Dich herum als Fotograf…

Das ist ein Thema, das wohl alle Fotografen heute betrifft. Die Digitalisierung und das Internet als Präsentations- und Vermarktungs-Instrument haben den Markt für Fotografie in kurzer Zeit grundlegend verändert. Es erschließt völlig neue Möglichkeiten und zerstört alte Regeln. Es löst die alten Grenzen auf, weil jeder Fotograf ist. Eine Digitalkamera und ein wenig Photoshop ersetzen technisch weitgehend alles, was “richtige” Fotografen früher von einem Hobby-Fotografen unterschieden hat.

Jeder kann Bilder machen und sie im Internet zeigen und verkaufen. Die schiere Masse an Bildern ebnet die Fotografie ein zu einem allgegenwärtigen, mehr oder weniger austauschbaren und kurzlebigen Konsum-Objekt. Diese Demokratisierung der Fotografie ist auf der einen Seite fantastisch, weil sie jedem die Möglichkeit gibt, mit einfachen Mitteln kreativ teilzuhaben an der Lust, Bilder zu machen, sie der ganzen Welt zu zeigen, vielleicht sogar damit Geld zu verdienen.

Auf der anderen Seite verlieren Bilder damit ihren Wert. Wer darauf angewiesen ist, mit Fotografie seinen Lebensunterhalt zu verdienen, muss Bilder machen, die eine besondere Qualität besitzen, im besten Fall eine Qualität, die nichts mit technischen Mitteln zu tun hat, sondern mit dem Bild an sich… und das ist die gute Nachricht: Nichts wird jemals einen guten Fotografen ersetzen.

Und Du hast Dich dann spezialisiert?

Spezialisiert ist vielleicht nicht das richtige Wort, aber in meiner freien Arbeit bemühe ich mich um eine gewisse Konsequenz. Ich mag dieses formal sehr Einfache, Strenge, Reduzierte. Dabei ist der Akt auch ein Mittel der Reduktion. Ich finde meine Bilder meistens völlig unerotisch. Irgendjemand hat mal gesagt, die Frauen auf meinen Bildern seien zwar nackt, aber wirken wie angezogen. Das fand ich gut. Anfänglich sind diese Bilder als rein persönliche, freie Arbeiten entstanden. Irgendwann haben sie sich dann einer ganz erstaunlichen Resonanz erfreut und wurden in einigen Magazinen veröffentlicht, was für mich etwas absolut Neues war, nicht nur meine Auftragsarbeiten gedruckt zu sehen, sondern meine ganz persönlichen Bilder.

Vor drei Jahren verkaufte ich dann zum ersten Mal an einen Sammler aus New York ein Bild. Das war die nächste großartige Erkenntnis, dass jemand auf die Idee kommt, sich eines meiner Bilder an die Wand zu hängen und bereit ist, dafür tatsächlich 2000$ zu zahlen. Das hat mich elektrisiert und ich habe angefangen, mich immer mehr auf diese Art von Bildern zu konzentrieren. Mittlerweile verdiene ich mit meinen Akt-Bildern fast mehr Geld als mit meinen Auftragsjobs und das verändert gerade etwas meine Selbstdefinition. Ich habe mich immer als Fotograf verstanden, aber ganz im Ernst nie als „Künstler“. Ohnehin ein Begriff, den ich für stark missbraucht halte. Aber ich würde natürlich lügen, wenn ich es nicht auch sehr schmeichelhaft finden würde.

Wie und wo findest Du die Menschen, die Du photographierst und wie vermittelst Du ihnen, was Du machen willst?

Eigentlich überall, entweder irgendwo im Internet, bei Agenturen, auf der Straße, unter Freunden. Meistens unterhalte ich mich vor einem Termin lange mit meinen Modellen, versuche zu beschreiben, um was es mir geht, was ich will und was ich nicht will.

Wie sind die Reaktionen der Modelle auf die Bilder?

Sie wissen, worauf sie sich einlassen. Aber es ist oft interessant zu sehen, wie Wahrnehmung und Reaktion auf Bilder von anderen und dem eigenen Bild auseinandergehen. Eitelkeit ist dem neutralen Blick auf sich selbst immer im Weg.

Worum geht es in Deinen Bildern?

Es geht um Schönheit. Eine Schönheit, die irritiert, weil man einen hintergründigen Makel ahnt. Ich mag diese Irritation, wenn sich ein Bild langsam erschließt, obwohl es in seiner Einfachheit keine Geheimnisse zu haben scheint. Wenn man über etwas nachdenken muss, ohne zu wissen, über was. Ich denke, ein gutes Bild muss die selbe Qualität besitzen wie Musik oder ein Gedicht, es muss beim Betrachter im Kopf bleiben. Es geht nie darum, die Eitelkeiten desjenigen auf dem Bild oder die Eitelkeit des Fotografen zu befriedigen. Das Bild entsteht für einen fremden Betrachter. Für ihn muss es etwas sagen. Ich denke, ein Bild ist immer zuerst eine Projektionsfläche. Fotografie zeigt nur Oberfläche, das liegt am Medium. Kein Bild kann das wahre, tiefere Wesen eines Menschen abbilden, was er denkt, fühlt, wer er ist.

Es ist eine Konstruktion. Es ist mein subjektiver Blick und am Ende steht die Interpretation des Betrachters. Derjenige vor der Kamera muss das akzeptieren, dass es bei dem Bild nicht um ihn, sondern um eine fiktive Figur geht, wie bei einem Schauspieler, der eine Rolle verkörpert. Meine Arbeit ist es, ein Gefühl dafür zu haben, wer dieser Mensch auf dem Bild sein könnte, nicht wer er wirklich ist. Das Bild gibt nur eine Vorlage für die Interpretation des Betrachters, was er darin sieht, ist seine Welt.

Das ist ja auch das Spannende an Fotografie: Wie funktioniert Wahrnehmung? Wie lässt sie sich manipulieren, wann berührt uns ein Bild und warum, was sehen wir wirklich und was glauben wir zu sehen. Durch die Masse an Bildern, die wir jeden Tag sehen, entscheiden wir sehr schnell, ob uns etwas gefällt und wir sind visuell sehr verwöhnt. Wir konsumieren Bilder und selektieren extrem schnell, was wir in Sekunden schon wieder vergessen haben oder was wir uns merken.

Sehen ist ein permanenter Abgleich mit schon Gesehenem, mit persönlichen Assoziationen, Gefühlen, Werten… und wir sind sehr schnell gelangweilt. Die Halbwertzeit eines Bildes ist meist kurz.

Daran versuche ich mich immer zu erinnern: Dass man machen kann, was man will, aber dass ein gutes Bild immer nur ein Bild ist, das sich nicht in kürzester Zeit verbraucht und dass jedes Bild, das schnell untergeht, weil es uns nach kürzester Zeit nichts mehr sagen kann, ein sinnloses Bild ist.

Da kommt wieder die Frage auf: Warum machen wir das überhaupt?

Genau, warum fotografierst Du denn?

Gute Frage. Ich weiß es nicht. Vielleicht, weil es glücklich macht, für eine bestimmte Zeit und weil ich Menschen darüber kennenlerne, die ich sonst nicht kennenlernen würde?

Stell Dich hier unten auf die Straße, setz Dich auf eine Bank und nach ein paar Minuten hast du schon ein paar Leute neben Dir sitzen, die Du kennengelernt kannst… dafür brauchst Du keine Fotografie.

Hmm…

Die Frage, warum man das macht – abgesehen davon, sein Geld damit zu verdienen – kommt immer wieder. Ich habe auch mindestens zwei mal im Jahr das Gefühl, dass ich nichts sinnloser finde als Fotos zu machen und wesentlich mehr Befriedigung darin sehen würde, einen Ziegenhof zu führen und Käse zu verkaufen. Ein einfaches und ehrliches Produkt, das alle glücklich macht und mit dem man auch sein Geld verdienen kann.

Aber nach drei Jahren kotzt Dich das dann auch an.

Kann sein, aber all unsere Leben sind nicht mehr statisch. So wie unsere Eltern einen Beruf gelernt und bis zum Ende ausgeführt haben, das gibt es nicht mehr. Wir müssen immer wieder unsere Leben neu definieren.

Für einen Moment entsteht Stille. Ich nippe am Kaffee, lasse mir die Worte noch einmal durch den Kopf gehen, weil sie etwas ansprechen, was wesentlich ist. Man braucht eine Weile, um wieder zurückzukommen, aber dann fällt schon die nächste Frage.

Du fotografierst vorzugsweise auf Film?

Meistens, ja. Ich gebe zu, ich habe auch digital angefangen und finde es auch alles äußerst praktisch, aber irgendwann habe ich gemerkt: Ich verbringe meine Zeit nur am Rechner und ich habe irgendwas vermisst. Analog fotografiert man anders, konzentrierter, fokussierter, unmittelbarer. Ich habe das Anfassen vermisst, das Materielle, die Filme, das Enwickeln, Kontakte, Papier, den ganzen Prozess, den Rhythmus, die Zeit. Es befriedigt mich mehr und ich habe einen anderen Bezug zu meinen Bildern, sie sind für mich realer als digitale „Files“ auf meinem Rechner.

Ich fand es auch irgendwann verlogen, digital zu fotografieren und das Bild dann künstlich wieder analog aussehen zu lassen. Natürlich enden meine Bilder auch irgendwann als Scans und die Versuchung der digitalen Spielereien ist groß… aber ich versuche, es so analog wie möglich zu halten.

Als ich gelesen habe, dass Gursky seine großartigen Bilder am Rechner digital aus vielen Einzelteilen zusammensetzt, war ich enttäuscht. Natürlich zählt am Ende das Bild, aber irgendwie war da eine Magie verloren, es waren mit einem Mal eben auch nur Retorten-Bilder.

Der Satz steht eine Weile im Raum. Keiner sagt etwas. Das Diktiergerät nimmt die Stille auf. In meinem Kopf ist plötzlich keine Frage mehr. Als ich das Gerät später abhöre, sind es 15 Sekunden Schweigen. Dann nimmt Jo den Gesprächsfaden wieder auf.

Nochmal zum Thema, was ich da mache, meine Aktportraits. Es gab da am Anfang eine Idee, von der hab ich mich zwar wieder stark entfernt, aber sie schwingt immer noch etwas mit. Diese Suche und Definition von Schönheit. Wahrscheinlich das klassischste aller Themen seit Menschen etwas abbilden. Wie schon immer eine sehr subjektive Sache und schon immer abhängig von unterschiedlichstem Zeitgeist und Kulturen.

Als persönliche Definition hat für mich Schönheit ganz wesentlich etwas mit einem Bewusstsein zu tun. Es gibt viele wunderschöne Mädchen auf dieser Welt, die Agenturen sind voll davon aber meistens fehlt ihnen etwas, dass ihre äußere Schönheit vollkommen machen würde. Sind in ihrer ganzen Makellosigkeit uninteressant, weil sie wissen, dass sie schön sind. Es gibt Menschen, die sind wunderschön, aber sie haben keine Ahnung davon… das ist etwas sehr Charmantes. Es ist wie ein Zustand der Unschuld, nicht zu wissen, was andere in einem sehen. Das war etwas, das mich gereizt hat, diese sich selbst nicht bewusste Schönheit. Daher auch der Titel der Serie “HABITUAL GRACE”.

Es gibt viele spannende Themen, was Portraits angeht. Ich hab auch mal überlegt, klassische Baletttänzerinnen unmittelbar nach ihrem Tanz zu portraitieren. Die physische und innere Spannung und Konzentration in ihren Gesichtern. Oder Portraits junger Nonnen, ob man etwas von ihrer inneren Ruhe und dem Glauben in ihren Gesichtern sehen kann. Ich würde auch Mörder, Neonazis und Kinderschänder portraitieren, einfach um zu wissen, ob man in ihren Gesichtern etwas von ihren inneren Abgründen lesen kann, um es zu verstehen.

Du hast vorhin gesagt, Deine Bilder sind Projektion und Du kannst nicht die Persönlichkeit desjenigen abbilden, sondern der Mensch bleibt Projektionsfläche. Jetzt fragst Du, ob sich da eben doch was nach draußen transportieren lässt…

Die Kamera kann nicht mehr als die Oberfläche darstellen und ist nicht imstande, eine objektive Wahrheit darüber hinaus zu zeigen. Aber ich denke, es ist möglich mit der Fotografie die Oberfläche auf eine konzentriertere Weise zu zeigen, so dass sie uns doch etwas verrät oder wir zumindest das Gefühl haben, etwas hinter ihr zu sehen.

Fotografie ist ein kommunikatives Medium. Der Sinn eines Bildes ist, gesehen zu werden. Die Arbeit eines Fotografen ist es, Bilder zu erschaffen, die dem Betrachter einen Impuls geben, sich für etwas zu interessieren, den Raum und die Zeit zu schaffen, etwas genauer zu betrachten und für sich zu entschlüsseln. Ein gutes Bild beinhaltet auch immer eine Hintergründigkeit, eine unbeantwortete Frage. Ein zu offensichtliches Bild verbraucht sich schnell und langweilt, ein zu verschlüsseltes Bild ermüdet. Die Aufgabe ist es, diese Balance zu finden zwischen Klarheit und Tiefe.

Während Jo spricht, klingelt im Hintergrund irgendwo in einem der anderen Räume ein Telefon. Ich bemerke nicht einmal ein Zucken in seinen Gesichtsmuskeln. Das Gespräch geht weiter und das Klingeln, das aufmüpfig nach Aufmerksamkeit ruft, wird ignoriert und nicht mehr wahrgenommen. Ich finde das interessant, leben wir doch in einer Welt, in der man ständig erreichbar sein will und in der hinter jedem Klingeln eine murmelnde Verheißung stecken könnte.

Ich mag es, wenn Du ein Portrait betrachtest und Du nicht weißt, worüber Du nachdenken sollst, aber Du denkst über etwas nach. Ein gutes Bild lässt Raum und legt gleichzeitig eine Spur. Deswegen mochte ich nie besonders mit Ideen und Details überladene Bilder, zumindest bei Portraits. Diese formale Reduktion – das Weglassen von Dingen, der Akt, schwarzweiß, der neutrale Hintergrund, die sehr statischen, ähnlichen Posen, das Zentrieren im Bild… das ist mir wichtig.

Ich finde, man kann Fotografie immer gut mit Musik vergleichen. In der Musik haben wir immer Namen für die verschiedenen Genres. Das ist Pop, das ist Punk. Das sind Bezeichnungen, die gibt es in der Fotografie nicht, obwohl das absolute Analogien sind. Das meiste, was man sieht, ist Volksmusik oder professionell produzierter Pop. Alternativ gibt es alles, von Hardcore und Punk bis Zwölfton. Die Frage ist dann eben nur, auf was man steht und nach was die Bilder klingen sollen, die man selbst macht.

Wie sieht es eigentlich mit einem Buch aus? Ich hatte da was gelesen.

Seit drei oder vier Jahren gibt es den Gedanken, ob ich aus den Bildern mal ein Buch machen sollte. Aber ich denke, dass es sich bei einem Bildband erst recht wie in der Musik verhält. Du blätterst die Seiten um und ich finde, die einzelnen Bilder sind dann wie einzelne Töne. Aber erst, wenn aus den einzelnen Tönen eine gute Melodie wird, dann bist Du reif, ein Buch zu machen. Und gute Bilder brauchen Zeit. Es ist wichtig, sich Bilder immer wieder anzuschauen. Ich traue Bildern auch nicht sofort. Man muss sie immer wieder anschauen und hinterfragen, ob sie immer noch funktionieren. Erst wenn sie mich nach einem Jahr immer noch nicht langweilen, könnte es sein, dass es ein gutes Bild ist… und irgendwann ist die Zeit reif für ein Buch.

Ist es auch schon passiert, dass Du Leute fotografiert hast und da kein Bild dabei war, das Deinem Anspruch genügte?

Ja, das passiert oft. Es ist immer Experiment und Versuch. Ich lasse Bilder meistens erst einmal liegen, brauche ein bis zwei Wochen, bis ich mir die Bilder überhaupt anschaue, wähle die ersten aus, verwerfe wieder, komme drauf zurück, entscheide mich irgendwann und oft passiert es eben auch, dass sie mich alle langweilen.

… habe ich Deine Fragen jetzt überhaupt alle beantwortet?

Ich bin zufrieden, ja. Ich habe jetzt aber auch noch eine abschließende Frage. Auf deiner Seite, unter “Projektion”, da ist ein Bild, das hat mich sofort angesprochen.

Jo grinst und klatscht in die Hände.

Da sitzt ein Junge vor einem Fernseher, auf dem kein Bild zu sehen ist, in einem Raum mit einem Bett. Ich würde gern die Geschichte dahinter erfahren.

Ich erzähle Dir natürlich die Geschichte, aber mich würde jetzt natürlich erst einmal interessieren, was Dir das Bild denn erzählt.

Das Bild erzählt für mich von sehr viel Raum, aber von einem Jungen, der diesen Raum überhaupt nicht einnimmt, sondern am Rand sitzt und er schaut auf oder in etwas, und das nimmt ihn aus diesem Raum heraus. Es zeigt für mich Stille und Leere. Man fragt sich natürlich, wo das aufgenommen wurde. Da ist ein Haus aus Brettern zusammengezimmert. Das Zimmer ist zwar gefüllt, auf dem Bett sind die hellen Laken zerknittert, die Kleidung hängt an der Decke.

Spannend… das Bild ist sehr einfach und gibt doch mehr Fragen auf als es beantwortet und trotzdem magst Du es. Ich habe letztes Jahr im Mai für ein Magazin eine Geschichte gemacht und bin mit einem Journalisten nach Surinam geflogen, einem kleinen Staat in Südamerika. In Surinam gibt es außer brutaler Hitze und Urwald nicht viel. Eine der wenigen Möglichkeiten für die Menschen dort, irgendwie Geld zu verdienen, ist tief im Regenwald nach Gold zu suchen. Es ging um diesen Mikrokosmos der Goldgräber. Menschen, die weit weg von jeder Zivilisation ihr letztes Glück suchen, den Urwald roden, mit Plastikflaschen voller Quecksilber nach Goldstaub graben und dann das bisschen Geld, das sie verdienen, mit Alkohol und Nutten durchbringen, bis sie früh an einer Quecksilbervergiftung verrecken.

Allerdings haben wir es überhaupt nicht bis dorthin geschafft, weil wir niemanden gefunden haben, der uns auch nur in die Nähe bringen wollte und so haben wir uns zehn Tage in Paramaribo, der Hauptstadt, rumgetrieben und dieses Bild ist eben dort entstanden. Eine der selbstgebauten Hütten am Stadtrand, in der ganze Familien mit unzähligen Kindern leben und in denen es nichts, aber immer einen Fernseher gibt, in den der Junge gerade mit diesem etwas leeren Blick sieht. Man muss sich dazu einfach diese Mischung aus Langeweile und einer mörderischen Hitze vorstellen und die Tatsache, dass in dem Fernseher vor allem Rauschen zu sehen ist.

Hat er gemerkt, dass Du ihn fotografiert hast?

Ich weiß es nicht, man wird allgemein mehr oder weniger ignoriert, das ist normal.

Eine kleine Pause entsteht und ich bin kurz davor, danke zu sagen, als Jo noch einmal einen Gedanken weiter geht. Er findet damit einen guten Abschluss für das Interview.

Ich glaube, ich bin gerade wieder an einem fotografischen Punkt, an dem ich Neues beginnen sollte. Jemand hat mir einmal in einer E-Mail geschrieben, ich solle meine “comfort zone” verlassen und… er hat Recht.

Mehr von Jo Schwab findest du hier: http://www.joschwab.com/

Keine Angst, ihr werdet hier keine Bilder von stark geschminkten Männern finden. Die Serie “Kiss” zeigt genau das, was das Wort bedeutet: Küsse. Zu sehen sind immer zwei Menschen in inniger Umarmung. Das Ganze ist dabei überhaupt nicht kitschig oder gar langweilig, denn Andy Barter hatte eine großartige Idee, um den Bildern eine besondere Wirkung zu verleihen.

Angefangen hatte alles vor zehn Jahren, als er Köpfe aus der Vogelperspektive zu fotografieren begann. Mit der Kuss-Serie wollte er die Idee wieder zum Leben erwecken und dieses Mal zwei Körper verbinden.

Zunächst fand er besonders die Formen interessant. Wie die Arme, Köpfe, Lippen und Nasen aus dieser Perspektive wirkten. Diese alltägliche Aktivität, die aus diesem Blickwinkel so neu und anders wirkte. Letztendlich überzeugte ihn jedoch vor allem die Intimität dieser Bilder.

Die Bearbeitung der Fotos hielt er bewusst sehr gering. „Ich wollte keine “beauty shots”, denn ich denke, sie sind wunderschön auf ihre ganz eigene, natürliche Weise. Manchmal ist Photoshop in übereifrigen Händen der beste Weg, um ein gutes Photo zu ruinieren.“

Im Moment arbeitet Andy an einem nächsten Projekt, das ihm sehr am Herzen liegt. Es heißt „The Mixed Project“. In dem Langzeitprojekt sammelt Andy Portraits von Menschen mit multikultureller Herkunft. Er möchte damit “die sich verändernde Landschaft der britischen Kultur illustrieren und feiern.” Bis jetzt hat er dafür über 80 Menschen fotografiert, darunter auch in der Öffentlichkeit bekannte Personen. Wer mehr darüber erfahren möchte, kann das via Facebook oder dem Blog zum Projekt.