Vor zwei Wochen haben wir uns in der Redaktion dazu entschlossen, dass jeder von uns ein Bild im Magazin vorzustellt. Wichtigstes Kriterium: Der persönliche Bezug. Es solle sich um ein Foto handeln, mit dem der- oder diejenige viel verbindet. Ich entschied mich für dieses hier.

Ich mag es nicht, wenn ich als Betrachter dazu aufgefordert werde, bei den Fotos anderer Dinge hinein zu interpretieren, die nicht da sind. Diese Form des Überphilosophierens nervt mich ungemein und deshalb wähle ich meist Bildtitel, die nichts vorwegnehmen und maximal das benennen, was da ist. Ganz im Gegenteil zu früher, da konnte mir gar nicht genug Pathos in eine Zeile passen.

Doch wie der Zufall es so will, fiel mir beim Posten dieses Fotos… überhaupt nichts ein. Nun wäre es ein Leichtes gewesen, nachträglich für die Vorstellung hier irgendetwas wie „Die Tasche“ (uhuuuuu) oder „Von den 5 Mülltonnen“ (wie grandios!) aufzusetzen. Jedoch, halt, es geht um den persönlichen Bezug. Und nicht darum, das Foto aufzuplustern.

Das Foto selbst enstand am 16. April in Karlsruhe auf einer meiner Fototouren. Vielleicht kennt das der eine oder die andere, ich verfalle derzeit immer wieder in so eine Art Trott beim Fotografieren. Ich mache Fotos, laufe weiter, mache wieder Fotos und bin in so einer Art Minitrance, kurz vorm Tagträumen.

Als ich jedoch vor diese Unterführung kam, war ich sofort hellwach und „da“. Die dezenten Farben erinnerten mich an irgendeine dreckige Vorstadt irgendwo anders – aber nicht an Karlsruhe, der sauberen Technikstadt im Süden Deutschlands. Ich überlegte noch, das Foto ganz ohne Menschen zu machen, jedoch kam recht schnell eins zum anderen.

Im Hintergrund tauchten zwei große Laster der Müllabfuhr auf, ein Auto drängte mich zur Seite, fuhr die Einfahrt hinein und eine halbe Minute später stapfte mir dieses Ehepaar entgegen. Ich positionierte mich wieder Richtung Einfahrtsmitte und machte mit dem iPhone ein paar Aufnahmen.

Ich mag das Foto, weil es auf undramatische Art und Weise das Leben in der Stadt zeigt, wie es ist. Alle Menschlein gehen ihren Tätigkeiten nach, sei das nun der Einkauf oder die Arbeit – in diesem Fall, den Müll der anderen zu entsorgen. Aus diesem Grunde habe ich es auch so gelassen, wie es ist und nicht in schwarzweiß umgewandelt.

Die dezenten Farben sorgen dafür, dass das Bild (für mich) glaubwürdig bleibt – dabei wäre es nicht schwer gewesen, es heller zu machen, den Lichtkegel im Hintergrund zu verstärken und die Dramatik somit zu verdreifachen. Im Nachhinein ist mir aufgefallen, dass das Foto auch nicht wirklich perfekt ausbalanciert ist – dafür ist im unteren Bildbereich zu viel Dunkelheit im Gegensatz zum oberen Rand.

Und klar, das Bild wäre zusätzlich sauberer, wenn ich gewartet hätte, bis die Müllmänner vorbeigegangen, das Auto eingeparkt und das Ehepaar aus dem Bild verschwunden wären. Mit der 5D und dem Superweitwinkel fotografiert, vielleicht im Hintergrund eine einzige Person, aufgerissene Lichter – klar, das wäre ein Hingucker. Und hätte auf Flickr 150 Favs. So habe ich früher fotografiert.

Was ich vor Jahren noch mit jedem Bild tat, lasse ich heute sein. Denn es geht mir heute mehr um die Glaubwürdigkeit meiner Bilder. Kurz: Ich möchte nicht mehr übertreiben.

Hingegen liebe ich diese unscheinbaren Momente des Alltags, die zusammenwirken und zusammen wirken. Unaufgeregt und dennoch auf ihre Weise schön und bemerkenswert.

Dieses Bild verkörpert genau das. Für mich persönlich.

Dieses Interview ruht seit Ende November in meiner Manteltasche. Nun finde ich die Zeit, das Gespräch aufzuschreiben und fühle mich just in dem Moment wieder an diesen Ort, mit all seinen Geräuschen und Gerüchen, zurückversetzt.

Wir befinden uns in Berlin, es ist noch Herbst. Die Gehwege sind leergefegt und ich eile zum Treffpunkt, einem Cafe in Friedrichshain. Extra für diesen Termin habe ich mir ein Diktiergerät gekauft. Ich treffe Thomas Graichen, Fotograf, und Ann-Christin Kumm, Geschichtenerzählerin.

Im Café ist noch keiner der beiden. Ich wähle den Platz nahe der Tür. Ich habe vor mir ein kleines helles Buch mit dem Titel „Die stille Stadt“ liegen, das ich nun schon in- und auswendig kenne.

Immer wieder spähe ich zur Tür.

Und da kommen sie, vielleicht zwei bis vier Teeschlucke voneinander entfernt, durch die Tür gestolpert. Erst Ann-Christin, mit Regentropfen im Haar und dann Thomas. Nach einer herzlichen Begrüßung, Lachen und Aufwärmen an der Heizung stelle ich die erste Frage.

aus: Die stille Stadt

Ihr habt zusammen das Buch „Die stille Stadt“ herausgebracht, mit Bildern von Dir, Thomas, und drei Kurzgeschichten von Dir, Ann-Christin. Wie kam es zur Zusammenarbeit?

Ann-Christin: Es begann mit einem Gespräch über die Selbstzweifel der kunstschaffenden Menschen. Wir redeten darüber, dass man so seine Zweifel hat und ob das, was man macht, eigentlich Sinn ergibt. Und ob man das der Öffentlichkeit preisgeben möchte. Thomas fragte: „Darf ich das mal sehen oder hören, was Du schreibst?“

Thomas: Du bist dann vorbeigekommen, hast einen Stapel Zettel dabei gehabt und ich war der Zuhörer.

Ann-Christin: Und Thomas’ Idee war, meine Geschichten mit seinen Fotografien zu kombinieren.

aus: Die stille Stadt

Und Thomas, Du wusstest schon, welche Fotos Du dafür auswählen würdest?

Thomas: Ja, ich hatte sie im Hinterkopf. Sie sind im langen, kalten und schneereichen Winter 2010/2011 entstanden. In den Kurzgeschichten war etwas, von dem ich dachte, es könnte passen. Es war sehr stimmungsvoll und ich hatte die Idee, weil die Geschichten und Bilder sich nicht explizit gegenseitig illustrieren, dass die Bilder damit eine Art Kulisse bilden und einen Raum schaffen, in dem die Geschichten leben könnten.

Ann-Christin: Ich wollte allerdings keine schon bereits existierenden Texte verwenden, sondern es sollten eigene Geschichten sein, die in der stillen Stadt verortet sind, aber wiederum völlig eigenständig existieren.

Die erste Geschichte, die fertig war, war das Vogelmädchen. Ab dann wusste ich, in welche Richtung es gehen wird.

aus: Die stille Stadt

Wie habt Ihr die Bilder und Geschichten dann zusammen gebracht, so dass sie miteinander funktionieren?

Thomas: Die Bilder existierten schon und da es ein herausragender Winter war, konnte ich danach nicht einfach weitermachen. Es gab diese Stimmung nicht mehr. Ich hatte die Bilder Ann-Christin in der Anfangsphase gezeigt und fand es gut, es sich so von da an selbst entwickeln zu lassen. Ich fand es schön, dass die Texte eigenständig waren und eine sanfte Verbindung zu den Bildern existierte. Das war auch meine Idee: Es eher lose zu koppeln.

Ann-Christin: Ich habe die Bildauswahl abgegeben. Habe gesagt: „Du bist der Fotograf, Du entscheidest das.“ Wir haben dann nur hin- und hergemailt und ich habe meine Meinung kund getan, wo die ausgewählten Bilder dann letztendlich stehen sollen. Uns war klar, dass es eben keine Illustration sein soll.

Thomas: Peter Gebert, der für das Layout des Buches verantwortlich ist, hat dabei dann auch noch einige Ideen im Bezug auf das Zusammenspiel von Bildern und Texten mit eingebracht, die wir gemeinsam diskutiert und zum Teil auch übernommen haben.

aus der Serie: entrance to paradise

Fotos können Geschichten erzählen, Geschichten erzeugen Bilder …

Ann-Christin: Mir fiel auch auf, dass Fotografie und Kurzgeschichten viel gemeinsam haben, weil sie beide einen Moment festhalten, nicht wie bei einem Roman, in dem eine lange Handlung entwickelt wird.

Ein Bild oder eine Kurzgeschichte, das ist ein völlig subjektiver Blickwinkel: Kommt jetzt die Laterne mit ins Bild, kommt der Satz rein oder nicht, was gebe ich von meinen Figuren preis und was nicht? Und jeder kann etwas ganz anderes wahrnehmen. Deswegen passt das auch so gut zusammen.

„Ich gehe zu Fuß, mit knirschenden Schritten, ich mag die Jahreszeit. Ich mag es, wenn alles zugedeckt ist. Das hat sie nie verstehen wollen. Ich will deine Verstecktheiten nicht, sagte sie. Schrie sie. Warum sagst du nicht einfach, was in dir vorgeht. Einfach, dachte ich. Wenn überhaupt ein Wort nicht auf uns zutrifft, dann: Einfach.

aus: Die stille Stadt, Ann-Christin-Kumm

Die stille Seite der Stadt …

Ann-Christin: Die Bilder von Thomas haben etwas tief Einsames, Verlassenes. Die Bilder sind menschenlos.

aus der Serie: entrance to paradise

Thomas: Ja, und das passt ja auch wieder zu den Geschichten. Die Menschen darin sind ja auch verlassen.

Ann-Christin: Deswegen finde ich es wichtig, von verlassen zu reden und nicht von leer – da ist klar, da geht es um Menschen, aber die sind gerade nicht da, sie sind nicht fassbar.

Deswegen passen sie auch so zum Übergang von Winter zu Frühling. Man sieht eine verlassene Bushaltestelle und weiß, da kommt gleich ein Bus und Menschen steigen aus; oder man schaut auf einen zugefrorenen See und weiß, wenn der Frühling kommt, dann ist die Eisschicht weg.

Thomas: Ich versuche ein anderes Bild der Stadt zu finden, die Rückseite, nicht die spektakuläre, sondern eine sehr stille Seite. Ich gehe sehr viel durch die Stadt und nehme dabei viel wahr. Ich sehe einfach nur und versuche, diese Orte oder Dinge festzuhalten, an denen die Leute in der Hektik des Alltags vorübergehen.

Hast Du Deine Kamera immer dabei, Thomas?

Ich hab zwar fast immer eine dabei, aber ich benutze sie oft nicht. Ich bin nicht der typische Straßenfotograf. Ich fotografiere auch sehr wenig, weil ich die meisten Bilder schon gar nicht mehr mache. Wenn ich etwas sehe, sortiere ich schon stark aus, bevor ich den Auslöser drücke oder eben nicht drücke.

Ansonsten nehme ich unterwegs das Mobiltelefon als ein Art Notizbuch für Orte, um später noch einmal wiederzukommen. Das Telefon als Kamera selbst ist für mich übrigens kein adäquates Medium. Ich gehe dann ein andermal gezielt los, muss Zeit haben, in der Stimmung sein, eine Idee haben. Ich brauche meistens sehr lange, bis ich ein erstes Foto mache und wenn ich es gemacht habe, dann komme ich oft in einen Fluss, ergründe den Ort Stück für Stück.

aus der Serie: entrance to paradise

Machst Du das auch so mit Geschichten, Ann-Christin?

Ich überlege gerade, ob es da eine Verbindung gibt. Ich habe auch ein Notizbuch, in dem ich mir Sätze aufschreibe, die ich vielleicht mal verwenden will. Geschichten bilden immer auch ein Stück der Wirklichkeit ab, das ist wie bei einem Bild.

Oft denke ich aber, was ich mache ist nicht gut, da schlage ich wieder den Bogen zum Anfang unseres Gesprächs. Was ich mache, ist schon so oft gemacht worden, dass es nicht den Aufwand wert ist, das überhaupt zu machen.

Was überwiegt dann, dass Du es doch machst?

Das Bedürfnis, etwas zu verarbeiten oder auszudrücken. So wie Du ein Grundthema hast, Thomas, habe ich ja auch ein Grundthema. Es geht immer um Beziehungen und Kommunikation.

Meine Figuren reden so, wie ich finde, dass sie nicht miteinander reden sollten. Die Geschichten und auch die Figuren sind so lakonisch. Oft isoliert. Sie interagieren mit anderen, sind aber eigentlich isoliert.

Das klingt jetzt so traurig.

lacht

Ich schreibe gern über die Gedankenwelt der Figuren.

Ich habe gar nicht so viel mit Orten zu tun in meinen Geschichten und denke, dass es deswegen so gut mit den Bildern von Thomas zusammenpasst.

aus der Serie: entrance to paradise

Thomas: Mit den Bildern werden die Orte in Deinen Geschichten dann auch konkreter.

Ann-Christin: Die Orte werden zwar kurz umrissen. Aber beim Schreiben denke ich dann, das passiert in einem Jugendstilgebäude und die Leser und Leserinnen bringen es mit einem Hochhaus in Verbindung.

Ich bleibe daher gerne unkonkret. Ich beschreibe auch meine Figuren nicht so ausführlich.

Thomas: Das verbindet uns dann auch wieder. Ich will nicht alles vorgeben. Ich will eigentlich eher den Leuten einen Impuls geben. Dann sollen die sich da selbst reinfinden. Es soll klar eine Richtung vorgegeben sein, aber eben nicht die Antwort.

Ann-Christin: Die Rezipienten sollen gefälligst ihren eigenen Kopf verwenden und nicht nur konsumieren.

Das ist ein schöner Satz, den lassen wir jetzt erst einmal wirken.

aus der Serie: absence | presence

Gibt man mit Worten mehr preis als mit einem Bild?

Thomas: Man kann auch in Bildern sehr viel preisgeben.

Ann-Christin: Man gibt ja in beiden Fällen einen subjektiven Blick preis. Ich habe auch nicht Angst davor, dass jemand weiß, wer ich bin. Ich habe da eher in die Richtung Angst, dass es schlecht bewertet wird. Eher in die Richtung: Es ist nichts Besonderes. Wie bei Dir, Thomas, wenn Du sagst, Du machst ein Bild nicht, weil es das ja eh schon gibt. Aber irgendwie ist die Motivation doch da, trotzdem was zu machen. Wie ein Musiker, der trotzdem wieder was schreibt obwohl alle Akkorde, die es gibt, schon verarbeitet wurden.

Thomas: Ich glaube ja auch, dass die Erstellung des Buches ein neuer Prozess war – quasi einen Dialog zu haben.

Ann-Christin: Ja, und die Balance zu finden, zwischen „es ist ein Gemeinschaftsprojekt“ und „es ist meine Geschichte”. Ich habe die Zusammenarbeit als sehr konstruktiv gesehen und bin Thomas auch dankbar für die Idee, zusammen ein Buch zu machen.

Thomas: Wir wollten es im letzten Winter fertig bekommen und es hat nicht geklappt. Aber als es trotzdem ein Jahr später mit genau der gleichen Energie weiterging, zeigte sich, dass es nicht nur eine fixe Idee war, sondern dass alle drei Beteiligten voll und ganz dabei waren. Und nun ist das Buch da.

Ann-Christin: Das war auch ein großartiger Moment, das Buch in den Händen zu halten. Eben war es noch eine Spinnerei von „wir könnten mal und sollten mal“, und dann ist es plötzlich da. Also, ein gefühltes Plötzlich.

aus der Serie: absence | presence

Fotografie soll anfassbar sein?

Thomas: Für mich hat Fotografie immer etwas Haptisches. Bilder an der Wand, in Büchern.

Ann-Christin: Eine Veröffentlichung exisitiert nur, wenn ein anderer noch mit darüber entschieden hat. Ich könnte meine Texte jetzt auch in einem Webblog veröffentlichen, aber das wäre für mich dann nicht wirklich veröffentlicht. Ich brauche noch ein Gegenüber, der das freigibt. Deswegen war die Erstellung des Buchs auch so wichtig für mich.

Thomas: Das ist ja auch bei einer Ausstellung so. Es sind einfach mehrere Leute daran beteiligt und der Prozess, wie etwas entsteht, ist gut. Man erarbeitet sich dabei auch etwas. Beim Fotografieren ist es genauso: Wenn ich im Fluss bin, dann bin ich ganz dabei und vergesse alles um mich herum. Das hast Du beim Schreiben bestimmt auch?

Ann-Christin: Ja, geht mir genauso. Ich muss aber immer diesen Moment überwinden, der davor kommt, bevor ich da sitze und schreibe. Ich denke oft: Dann mach ich das halt morgen. Und dann mache ich es doch nicht.

Thomas: Ich glaube, alles hat einfach auch seine Zeit.

aus der Serie: absence | presence

Ann-Christin, fotografierst Du auch?

Ich finde das spannend, aber es ist nicht mein Medium. Ich habe nicht den Zugang, den ich gern hätte und benutze das lieber, um bestimmte Momente für mich festzuhalten.

Thomas: Ich glaube, man hat nur eine bestimmte Energie, um bestimmte Sachen richtig gut zu machen. Daher konzentriere ich mich inzwischen lieber auf wenige Sachen; versuche, sie wirklich gut zu machen und mit Tiefe auszufüllen. Andere Dinge, die ich auch gern machen würde, lasse ich dann eher und erfreue mich daran, dass sie andere richtig gut können. Dies so zu sehen, entspannt unglaublich.

Vielen Dank für das mutmachende Gespräch, vielleicht selbst einmal solch ein Gemeinschaftsprojekt zu wagen und danke für Eure Zeit und Eure Gedanken.

Das Taschenbuch „Die Stille Stadt“ mit drei Kurzgeschichten von Ann-Christin Kumm und 13 Fotografien von Thomas Graichen ist für 9,50€ hier oder direkt in der aff Galerie in Berlin zu erwerben.

Und wer noch mehr über den Fotografen Thomas Graichen erfahren möchte, der schaut sich am besten seine Webseite in aller Ruhe an.

alle Fotos © Thomas Graichen

Moment mal. Vorletzter? Da fehlen doch noch ein paar!

Exakt. Das Projekt wird weiterlaufen. Dementgegen möchte ich aber nicht fortführend im Monatszyklus darüber berichten. Es war sinnvoll, reflektierend den Projektverlauf schriftlich zu begleiten. Jedoch ist mir danach – bis auf das abschließende Fazit – diesem Prozess künftig privat, aber mitnichten publizistisch in diesem Rahmen nachzukommen.

Die letzten Wochen war es streckenweise blendend hell in Karlsruhe und die Sonne bescherte mir das Glück, mit Unterbelichtungen spielen zu dürfen. Zwar würde ich mich weniger als Schönwetterfotograf bezeichnen, gleichwohl finde ich es erbaulicher, nicht ständig an der Grenze zur Langzeitbelichtung entlang zu balancieren und kürzer als 1/120s zu belichten.

Nachdem ich mich im Januar auf Farbe (und ab und zu schwarzweiß) eingeschossen hatte, stand in den Februartagen folgender Aspekt zur Debatte: Das Format. Ich hatte keine Lust mehr, ständig aufs Instagram‘sche Quadrat beschränkt zu sein und spielte mit 16:9 sowie dem gängigen 4:3, das mir wiederum final zusagte. Einerseits aus fotografisch-bildwirkender Perspektive und anderseits auch, weil ich mit 4:3 die Sensorgröße der iPhone-Kamera tatsächlich vollständig nutze.

Inzwischen habe ich Drucke bei Saal Digital anfertigen lassen, um zu prüfen, wie und ob die Fotos auf Papier gefallen. Die Variante 30 x 30 cm geriet ganz famos und hängt längst bei uns in den Schaufenstern. Ich habe mich nicht lumpen lassen und überdies noch zwei Drucke vom Format 60 x 120 cm in Auftrag gegeben.

Die, wen wundert’s, aus nächster Nähe keine präzise 21-Megapixel-Schärfe demonstrieren, aber schon ab anderthalb Metern Betrachtungsabstand recht ersprießlich aussehen.

Um beim Thema zu bleiben: Ich denke just drüber nach, die nächste Jahre weiterhin und ausschließlich mit dem iPhone urban zu fotografieren. Ich habe mich herzlich daran gewöhnt, sodass ich mir gut vorstellen kann, auch die künftigen Generationen des Apfelfons zu strapazieren; diese werden hinsichtlich technischer Qualität doch immerzu leistungsfähiger.

Doch für ein abschließendes Urteil ist es augenblicklich noch zu früh und ich werde nach Projekt-Ausklang mit mir selbst Fraktur reden müssen. Denn eine derartige Entscheidung hätte weitreichende Folgen, die bis in die Spitzen meiner Möglichkeiten spürbar würden.

Desweiteren spuken noch diverse Messsucher-Geschichten in den Hinterkämmerchen meines Wunschdenkens herum und die Fuji X100(s) blinzelt mich seit Monaten mesmerisierend an. Jedoch: Piano, piano, Herr Gommel.

 

Das Fotografieren geht mir tagtäglich leichter von der Hand und ich verliere etappenweise Ängste vor potentiellen Nachfragen seitens der Leute, da ich versuche, sie auch aus kürzestmöglicher Distanz aufzunehmen und lande häufig unbewusst in einem Spiegelgefecht. Dazu eine nette Geschichte:

Vor drei Wochen erkundigte sich ein Mann, ob ich ihn gerade fotografiert hätte. Kurz erschrocken lächelte ich ihn an und erwiderte: „Oh ja, das sah super aus!“ und erklärte mich als Karlsruher Straßenfotograf. Zeigte ihm das Foto und wider Erwarten verabschiedete er sich geflissentlich-zelebrierend, so ungefähr: „Toll! Weiter so!“

Noch vor einem Jahr hätte ich mir nicht träumen lassen, einmal nur mit dem Handy auf der Straße (und in Farbe!) zu fotografieren. Heute ist es Teil meines Alltages und nicht mehr wegzudenken. Ich bin gespannt, was das nächste halbe Jahr so bringt und werde zum Abschluss hier darüber berichten.

Ich erinnere mich noch genau. 30. September 2011, Sarah und ich sitzen im Hugeldubel in München, trinken Caramel Macchiato und warten auf einen gemeinsamen Freund. Ich erzähle von diesen Fotoprojekten bei denen man fremde Menschen auf der Straße fotografiert. Sarah sagt, was ich denke: „Wow, die trauen sich, einfach die Leute auf der Straße anzusprechen?“

Das sagt jeder, dem ich von diesem Projekt erzähle. Und das dachte ich auch, als ich an diesem Tag zurück ins Sonnenlicht auf den Marienplatz lief und meinen ersten Stranger ansprach. 
Ich war ziemlich überrascht, dass dieser junge Mann tatsächlich stehen blieb, mir zuhörte, lächelte und ja sagte. Obwohl ich gestottert und viel zu viel geredet habe. Naja, ich sag es lieber gleich: Das war Anfängerglück.

Fast täglich bekomme ich eine Nachricht von jemandem, der dieses Projekt machen möchte, aber nicht weiß, wie. Daher dachte ich, ich erzähle von meiner Herangehensweise und meinen Erfahrungen, um anderen den ersten Schritt einfacher zu machen und ein paar Tipps zu geben.

Wie spreche ich die Menschen an?

Es hat eine Weile gedauert, bis ich den ‚richtigen‘ Spruch entwickelt hatte. Denn, wenn man nicht in den ersten drei Sekunden glaubhaft vermitteln kann, dass man weder Daten noch Geld möchte, flüchten die Menschen mit einem Kopfschütteln.

Man kann es ihnen auch nicht übelnehmen, schließlich wollen die meisten Menschen, die auf der Einkaufsstraße zielstrebig auf einen zukommen, dass man sich irgendwelchen Fragebögen stellt, etwas kauft oder abonniert. 
Außerdem ist heute ja jeder in Eile, also muss man auch noch versprechen, dass es schnell geht.

Ich sage meistens etwas wie: „Hallo, haben Sie zwei Minuten Zeit? Ich möchte nichts verkaufen und weder Ihren Namen noch Ihre Adresse. Ich arbeite zur Zeit an einem privaten Fotoprojekt, Sie sind mir aufgefallen und ich würde Sie sehr gern fotografieren.“

Es gilt, diesen Satz mit einem Lächeln auf den Lippen zu sagen und zwar so schnell, dass auch weitergehende Menschen alles mitbekommen und trotzdem langsam genug, dass man es überhaupt verstehen kann. 
Meiner Erfahrung nach bleiben 90% der Menschen jetzt erst einmal stehen.

Dann erzähle ich kurz, worum es bei meinem Projekt geht und warum ich ausgerechnet sie dafür begeistern will. Ein treffendes, ehrliches Kompliment kommt immer gut an. 
Ich erkläre, dass ich zwei Bilder mache. Ein nahes Portrait und eine Ganzkörperaufnahme, dazu zeige ich ihnen die zwei Fotos der letzten Person auf der Kamera, was alle restlichen Zweifel verschwinden lässt.

Ich erkläre, dass das Bild auf meinem Blog und Facebook zu sehen sein wird, gebe der Person eine kleine Karte mit den Links und mache klar, dass ich das Bild umgehend lösche, falls es ihnen nicht gefällt.

Es bleiben etwa 15 Sekunden, um die beiden Bilder zu machen und sie der Person zu zeigen. Dann verabschiede ich mich mit einem Danke von meist zufrieden lächelnden Menschen.



Welche Menschen spreche ich an?

Generell spreche ich Menschen an, die auf irgendeine Art und Weise aus der Masse herausstechen. Meistens ködern mich hierbei Haare und Kleidungsstil, aber auch besondere Gesichter oder ein tolles Lachen.

Natürlich frage ich niemanden, der durch etwas heraussticht, auf das er ganz sicher nicht angesprochen werden will. 
Man muss eine gewisse Sensibilität entwickeln. Oder besser: Sie entwickelt sich von ganz allein.

Ich frage am liebsten Menschen, die allein oder in Gruppen von mehr als zwei Personen unterwegs sind. Das haben mich unangenehme Zwischenfälle gelehrt: Wenn ich bei einem jungen Pärchen den Mann frage, durchbohrt mich seine Freundin mit bösen Blicken.

Frage ich zwei Freundinnen, steht das zweite Mädchen verkrampft lächeln daneben und schaut auf ihre Füße. Oder, noch schlimmer, das erste Mädchen schlägt vor, das andere Mädchen auch ins Projekt aufzunehmen und ich muss mich erklären.

Natürlich könnte mir das egal sein, aber ich möchte, dass die Menschen durch mich eher ein positives als ein negatives Erlebnis haben. 

Es ist wesentlich einfacher, Menschen in meinem Alter zu überzeugen und schwerer, je älter die Person ist. Teilweise, weil diese sich selbst nicht schön genug für ein Foto halten, aber auch, weil sie viel misstrauischer sind.

Man neigt dazu, es sich leicht zu machen, aber es hat sich gezeigt, dass es sich sehr lohnt, auch immer wieder ältere Menschen anzusprechen.

Warum liebe ich dieses Projekt?

Weil ich viel gelernt habe und immer noch lerne. Über meine Kamera, die Fotografie, aber auch über mich selbst. Darüber, wie man Menschen anspricht und wie man schnell ein gutes Portrait macht.

Außerdem macht es Spaß, sich in den Strom von Menschen zu stellen und alles zu beobachten. Es macht Spaß zu sehen, wie sich das Leben zweier Menschen für ein paar Minuten überschneidet und ich werde für immer ein Erinnerungsfoto zu jeder dieser Begegnungen haben.

Mit einigen meiner Stranger habe ich mich länger unterhalten und ich denke oft an diese Gespräche zurück. Manchmal bin ich fast ein wenig traurig, dass ich ihren Namen nicht kenne und sie wahrscheinlich nie wieder sehen werde.

Das Wichtigste ist jedoch, dass das Projekt glücklich macht. Es ist toll zu sehen, wie sehr sich viele der Angesprochenen freuen. Gerade ältere Leute sagen mir oft, wie überrascht sie sind, dass sie jemand schön findet oder überhaupt wahrnimmt.

Es gäbe zu jedem dieser Bilder eine Geschichte zu erzählen, aber das würde dieses Format sprengen – und ist es nicht viel spannender, seine eigenen Stranger-Geschichten zu erleben?

Am 8. Juni 2012 habe ich meinen hundertsten Stranger fotografiert und in derselben Sekunde entschieden, das Projekt ganz schnell von „100 Strangers“ in „1001 Strangers“ umzubenennen. Dieses Projekt macht zu viel Spaß, um je zu enden.

Ich finde es hochspannend, sich einem Genre der Fotografie zu verschreiben und dann auf globale Bewegungen hin zu untersuchen. Was haben andere Fotografen und Fotografinnen bisher erschaffen? In welcher Zeit und Kultur wurde gearbeitet? Welche Stilmittel genutzt?

All das sind Fragen, auf die mir Bildbände in gewisser Weise Antworten geben können. Und das auf ihre ganz langsame, natürliche Art, die sich doch so von der Hektik des Netzes unterscheidet. Außerdem: Ich fahre gern mit den Fingerspitzen über Fotografien und spüre die Schwere eines Buches mit Freude. So möchte ich mit dem ersten Band beginnen, dem ich ganz sicher den Klassiker-Status zusprechen kann:

„Streetphotography Now“* | 18,95 € | 27,2 x 23,9 x 2,3 cm

Wenn es ein Buch gibt, das mich beim ersten Ansehen gleich erschüttert und bewegt hat, war es „Streetphotography Now“. Als ich es zum ersten Mal in Händen durchblätterte, musste ich mehrmals pausieren, denn die massive Dichte der Bilder überforderte meine Aufnahmekapazität um ein Vielfaches. Selten war ich so gezwungen, mir mehrere Wochen Zeit zu nehmen, um einen Fotoband kennenzulernen.

Das Buch wirkt bis heute nach und es wird noch für eine lange Zeit eine Quelle der Inspiration bleiben.

Auf 240 Seiten haben die Autoren Sophie Howarth und Stephen McLaren einen Bildband herausgegeben, der mit dem Wort „umfassend“ betitelt werden kann. Insgesamt 46 zeitgenössische Straßenfotografen werden darin inklusive Kurzbiografie vorgestellt und satte 301 Bilder laden mehr als eindrucksvoll dazu ein, in die Diversität und Leuchtkraft einzutauchen und die Zeit zu vergessen.

Magnum-Größen wie Bruce Gilden, Martin Parr und Alex Webb gehören wie selbstverständlich zum Kanon, jedoch gibt es auch zahlreiche Fotografen und Fotografinnen, die der großen Öffentlichkeit bis zur Erstauflage kaum bekannt waren. Außerdem beschränkt sich „Streetphotography Now“ nicht nur auf europäische und amerikanische Künstler, sondern besucht mit Bruno Quinqet Tokyo, mit dem nicht unbekannten Herren Titarenko St. Petersburg und mit Musem Wasif Dhaka, um nur ein paar herauszustellen.

„Streetphotography Now“ ist in seinem breitgefächerten Umfang ein weiterer Beweis dafür, dass die Straßenfotografie noch lange nicht tot ist, sondern – und das mag im Buch selbst zu kurz kommen – auch durch das Internet eine Renaissance erlebt, global schwierigen Rechtslagen trotzt und Großartiges vollbringt.

Auch heute suche ich mir gern bei einer Tasse Kaffee einen Fotografen heraus und betrachte dessen Bilder. Das reicht auch völlig aus, denn bei Interesse befinde ich mich zehn Minuten später auf einer Erkundungsreise im Netz, um alle anderen publizierten Fotos meiner Entdeckung zu bestaunen.

„Stern Fotografie: Bruce Gilden“* | 18 € | 27,8 x 52,7 x 1,4 cm 

Obwohl die Art und Weise, mit der Bruce Gilden bis heute Menschen auf der Straße fotografiert von einem Großteil der Fotografie-Szene (inklusive Straßenfotografen) kritisch beäugt wird, bin ich bekennender Adorator (sic!) des US-Amerikaners. Das klingt pathetisch. Ist es auch. Ich liebe diesen Kerl.

Um mir seine Aufnahmen schön groß zu gönnen, kaufte ich mir Ende des zurückliegenden Jahres die 64. Ausgabe der Reihe „Stern Fotografie“. Diese deckt Gildens Portraits Krimineller, Gangster und Mafiosi ab, die ebenso schonungslos abgebildet werden wie diese ihr Leben wahrscheinlich unterhalten.

Gilden, Soziologe und selbst Sohn eines Kriminellen, kennt das Milieu, in dem er sich aufhält. Und vielleicht hat er auch deshalb den Mut, diese Menschen ohne Vorwarnung direkt anzublitzen und sich in potentielle Gefahr zu bringen. Seine Bilder hingegen erklären die Portraitierten nicht zu Helden, sondern konfrontieren den Betrachter in aller Härte mit Narben, Eigenheiten und Gewaltbereitschaft der Szene.

Nahezu intim wirken die Bilder, die wie ein Ausdruck der Worte Robert Capas - If your pictures aren’t good enough, you’re not close enough – wirken. Und „close enough“ bin ich auch als Betrachter, denn in ihrer Größe von knapp A3 (pro Seite!) kann ich keine sachliche Distanz aufbauen, sondern werde beinahe ins Geschehen hineingezwungen.

Bei Fotografien, die nur einseitig gedruckt wurden, ist die gegenüberliegende Seite schwarz, was den bedrückenden Charakter des Bandes unterstützt. Des Weiteren wurde auf Seitenzahlen und Bildunterschriften gänzlich verzichtet und diese auf die letzten beiden Seiten des Bandes verfrachtet, um den Fotografien ihren Platz einzuräumen.

Es sind sicher keine angenehmen Bilder, die uns Bruce Gilden in diesem Band vor Augen hält. Aber sie erzählen von einem Teil unserer Gesellschaft, der heute gern verdrängt wird und höchstens bei einem Skandal kurz hochstilisiert wird. Ich möchte jedem, der sich mit dieser Realität befassen möchte und ein wenig tolerant gegenüber Gildens Ansatz ist, empfehlen, sich diesen Bildband zuzulegen.

„Henri Cartier-Bresson: Meisterwerke“* | 6,95 € | 18,8 x 14,4 x 1,2 cm

Der erste Bildband, den ich zur Straßenfotografie in den Händen hielt, war – so wollte es der Zufall – ein Geschenk. Damals war ich nur flüchtig mit dem Sujet vertraut und das Büchlein staubte lange Zeit im Schrank vor sich hin.

Seitdem mir die Straßenfotografie 2010 vollständig den Kopf verdrehte, zupfte ich es hin und wieder aus der hintersten Buchreihe, um darin zu schmökern. Dass ich ein fotografisches Schmuckkästchen in der Hand hielt, wurde mir sofort bewusst und es scheint, als ob die Fotos mit jedem Ansehen an Attraktivität gewinnen.

Auf 128 Seiten präsentiert der Verlag Schirmer/Mosel insgesamt 52 Schwarzweißaufnahmen des Meisters Cartier-Bresson. In chronologischer Reihenfolge von 1932 bis ’99. Jedoch beginnt die Reise zweimal von vorn: Einmal mit Bressons Straßenfotos und das andere Mal mit dessen Portraits. Diese Fotos sind jeweils „einseitig“ abgebildet: Die Gegenseite bleibt, wie oben zu sehen ist, stets weiß.

Der Bildband startet mit einem zwölfseitigen, lesenswerten Essay des Straßenfotografen selbst, datiert auf 1952 und mit dem Titel – wer hätte es gedacht – „Der entscheidende Augenblick“. Am Ende des Büchleins schließt die Klammer eine kurzbiographische Übersicht.

Bresson war seinerzeit überzeugt davon, dass Fotografen seines Genres Technik soweit wie möglich außen vor lassen und die zu Fotografierenden nicht damit belästigen sollten. Bressons Begeisterung für natürliches Licht und Authentizität schlägt sich – meiner Meinung nach – in sämtlichen Straßenaufnahmen sowie Portraits nieder.

Für bislang mit Bresson Unbekannte wird es eine Überraschung sein, dass der Mitbegründer von Magnum Photos auch Ikonen seiner Zeit ablichtete. So findet der geneigte Bewunderer unter den abgebildeten Aufnahmen des Bandes eingängige Portraits von Monroe, Sartre, Picasso und vielen anderen.

Auch, wenn ich vor Jahren nicht so recht wusste, was nun mit diesem Bändchen anzustellen sei, ist es mir heute doch sehr ans Herz gewachsen. Einziger Wermutstropfen: Der Preis von 6,95 € ist unschlagbar, jedoch hat sich der günstige Einband mit der Zeit recht schnell gelöst.

„Saul Leiter (Photofile)“* | 12,55 € | 12,3 x 19 x 1,3 cm

Die Fotografien von Saul Leiter entdeckte ich, als Jürgen Bürgin hier bei uns im Magazin eine Buchrezension über den Künstler publizierte. Diese Bilder wirkten einige Zeit nach, sodass ich mir ein paar Wochen später den hier vorgestellten Bildband zulegte. Ich traute mich noch nicht, die Retrospektive zu kaufen, denn ich war mir nicht sicher, ob ich mich in diese Fotos tatsächlich verlieben könnte. Eines Besseren belehrt, das wurde ich.

Heute zählt dieser Bildband zu meinen liebsten überhaupt. Leiters Art, zu fotografieren hat mich geprägt und das vor allem deshalb, weil sie mich tief berührt und eigentlich nicht mehr so ganz in Ruhe gelassen hat.

Das Buch „Saul Leiter“ ist Bestandteil der derzeit 24-teiligen Photofile-Reihe von Thames & Hudson, die sich damit schmückt, Fotos der weltbesten Fotografen in guter Qualität für jedermann zu produzieren. Denn nicht selten kosten solche Schmöcker mehr als der Studentengeldbeutel erlaubt. Somit ist die Photofile-Reihe ein wahres Vergnügen für jeden Interessierten.

Doch zurück zum Bildband. 144 Seiten umfassen eine Reihe von insgesamt 64 Fotos. Auf der Coverinnenseite steht, dass 38 davon in Farbe sind, nachgezählt habe ich nicht. Aber vom Gefühl her scheinen es bei jedem Mal mehr zu werden; wahrscheinlich deshalb, weil die Farbfotos etwas ganz Besonderes sind.

Der heute 89-jährige Saul Leiter zog 1946 nach New York, um Maler zu werden. Dieser Absicht folgte er auch, jedoch begann er bald, die Kamera als verlängerten Arm zu nutzen und fotografierte – zur Nachkriegszeit unter Künstlern verpönt – auch auf Farbfilm.

Leiter selbst hatte nicht das geringste Interesse daran, sich selbst als Meister der Straßenfotografie darzustellen, denn er verstand sich nach wie vor als Maler. Dies ist auch der Grund dafür, dass die Entdeckung seiner außergewöhnlichen Bilder noch recht jung ist und dieser Mensch über 40 Jahre lang ohne Rampenlicht auskam. Dies sah er als ein großes Previleg an, wie Jürgen Bürgin berichtete.

Seine ungewöhnliche Art, zu fotografieren wurde nicht minder von seinem Hang zur Malerei und der Freundschaft zu abstrakten Expressionisten, die er in New York kennenlernte, beeinflusst. Wenn ich mir seine Bilder anschaue, dann wundere ich mich jedes Mal, wie Leiter eigentlich seine Motive komponiert. Er hat einen ungemein scharfen Blick für Linien, Menschen und vor allem: Farben.

Leiter präferierte, durch vereiste oder von Kondenswasser beschlagene Scheiben zu fotografieren und mit Spiegelungen den Betrachter zu verwirren. Jedoch sind die Bilder stets so gehalten, dass sie nicht zu sehr abstrahieren, sondern – zumindest mir – stets der Kontext klar bleibt. Außerdem sind im Zentrum seiner Bilder: Menschen im urbanen Kontext.

Desweiteren gefallen mir Leiters Bilder deshalb, weil er sich ständig einen feuchten Kehricht um Fotoregeln scherte und recht häufig Menschen im Bild frech an irgendwelchen Stellen abschnitt. Bestes Beispiel: „Red Umbrella“. Ein Mensch mit rotem Schirm steht an einer zugeschneiten Straße, die sich in einer Rechtskurve um den Menschen schlängelt. Die Person und der Schirm sind jedoch nur angerissen, gut zwei Drittel des Menschen ließ Leiter einfach weg. Und: Lässt mich als Betrachter nach mehr sehnen.

Solche Spielereien sorgen dafür, dass ich diese Bilder nicht vergessen kann. Denn – zwar nicht immer, aber oft – widersetzen sie sich meinen Sehgewohnheiten und verhaken sich tief im Langzeitgedächtnis.

Im Buch werden die Fotos (meist) einseitig gedruckt, auf den Gegenseiten finden sich Titel und Jahr der Aufnahme. Das Büchlein beginnt mit einem erweiterten und wunderbar zu lesenden Essay des Historikers und Fotografen Max Kozloff.

Ich darf sagen, dass ich kein Buch so oft studiert habe wie dieses. Gerade, weil Leiter so einmalig fotografierte, habe ich bis heute nicht die geringste Langeweile beim Betrachten seiner Werke empfunden. Letzte Woche habe ich mir übrigens die Retrospektive bestellt. Jetzt bin ich mir sicher: In Leiters Fotografien habe ich mich verliebt.

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Hey Przemek. Schön, dass ich Dich für ein Interview gewinnen konnte. Deine Fotos sind – wie soll ich es sagen? – extrem erfrischend. In jedem steckt immer irgendwie ein Grinsen. Seit wann fotografierst Du und wie hast Du gemerkt, dass die Fotografie das richtige Medium für Dich ist?

Zuerst einmal danke, dass Du mich hierzu eingeladen hast. Schön, dass Du diese zwei Worte gesagt hast: Erfrischend und Grinsen.

Mit dem Grinsen hast Du etwas in meinen Bildern erkannt, das immer in mir steckt. Und erfrischend gefällt mir, weil ich vor ein paar Jahren meine Denke über Fotografie geändert habe. Ich habe angefangen, nach etwas Neuem und Frischem zu suchen, nach etwas Anderem und Unkonventionellem.

Ich mache schon ziemlich lange Bilder und kann mich sogar noch an meine erste Smena – eine alte russische Kamera – erinnern und haha an meine ach so tollen Fotos von Vogelnestern.

Dann hatte ich eine ganze Menge Zenit-Kameras, zwei davon habe ich immer noch, bis mir meine Eltern damals meine erste Canon kauften. Eine EOS 5000, glaube ich.

Vor ungefähr sechs Jahren erst habe ich erkannt, worum es bei der Fotografie wirklich geht und bin inzwischen total verrückt danach.

Mir gefällt die Ironie, mit der Du auf Deine früheren Bilder schaust. Du sagtest, Du hast erkannt, worum es bei der Fotografie geht. Worum denn Deiner Meinung nach?

Wenn man feststellt, dass das Leben eigentlich ein großer Witz und voller Ironie ist, warum soll man dann nicht auch versuchen, Ironie in Bildern zu finden?

Vor einigen Jahren habe ich aufgehört, typische Touristenfotos zu machen. Ich mag solche Bilder, wie sie die meisten Leute von ihren Reisen mitbringen, nicht.

„Hier bin ich am Denkmal, neben dem Denkmal, vor dem Denkmal …“ – und so weiter.

Solche Bilder bringen einem nichts bei. Ich habe meine Sicht auf die Welt geändert, habe angefangen, Stereotypen zu durchbrechen und meinen eigenen Stil zu entwickeln.

Aber es ist schwierig zu erklären, was Fotografieren bedeutet, weil es für jeden etwas anderes ist. Für mich hat es viel mit Gefühl und Intuition zu tun.

Ich muss nur einen Blick auf ein Foto werfen, um zu wissen, ob es mir gefällt oder nicht, aber ich kann nicht sagen, warum. Es ist schwierig, das zu definieren. Es ist eher wie Poesie.

Du fotografierst nach wie vor analog. Entwickelst Du selbst?

Ja, ich nutze immer noch Film, den ich der Digitalfotografie vorziehe. Ich entwickle Schwarzweißnegative selbst, scanne sie ein und drucke sie dann aus.

Mein Traum ist eine eigene Dunkelkammer, aber das ist leider nicht billig.

Welche sind Deine Lieblingsfotografen? Hast Du Vorbilder?

Hier ist eine Liste meiner Lieblingsfotografen:
• Josef Koudelka
• Alex Webb
• Jindrich Streit
• Anders Petersen
• Larry Towell
• Marry Elen Mark
• Ragnar Axelsson
• Nikos Economopoulos
• Junku Nishimura
• Pentti Sammallahti
• Kim Thue

Und noch viele, viele mehr.

Besonders zwei von ihnen finde ich einfach irre: Josef Koudelka und Alex Webb. Ich versuche, eine Sammlung wie ihre zu erreichen.

Du reist sehr oft, oder? Was motiviert Dich dazu?

Ja, ich reise, aber eigentlich nicht sehr viel. Pro Jahr mache ich normalerweise eine große Reise in die Mongolei und einen kürzeren Trip – meist mit dem Fahrrad – an irgendeinen Ort in Osteuropa.

Ich unternehme auch sehr viele Wochenendtrips in die Slowakei oder nach Tschechien, weil es mir dort einfach sehr gefällt.

Ich stecke mir immer etwa 25 Euro ein, das reicht dann für drei Tage. Ich schlafe im Wald oder in verlassenen Häusern, bewege mich zu Fuß oder mit dem Fahrrad und trinke viel Bier mit den Einheimischen, was mir Gelegenheit gibt, eine Menge guter Bilder zu machen.

Und meine Motivation? Ich werde mal die Worte eines unbekannten Autors verwenden, um den zweiten Teil Deiner Frage zu beantworten: „Reise weit. Bleib lange. Schau genau hin. Und möge die Sonne zwei Mal aufgehen, bevor Du schlafen gehst.“

Dass Du den Menschen nahe bist, spiegelt sich sehr gut in Deinen Bildern wider, insbesondere in Deinen Fotos aus der Mongolei. In ihnen steckt eine gewisse Vertrautheit. Was ist es, das Dich Jahr für Jahr immer wieder zurück in dieses Land führt?

Die Mongolei ist ein Ort, an dem man sich absolut frei fühlen kann. Ich habe dort alles gefunden, was ich in all den Jahren des Reisens gesucht habe.

Wenn ich dort bin, fühle ich mich, als wäre mein Traum wahr geworden. Ein Traum, den ich als Kind hatte, wenn ich bis spät in die Nacht Bücher von Jack London las, die mir mein Vater gegeben hatte.

Für mich ist die Mongolei einer der letzten Orte auf der Erde, an denen man Stille und Weite finden kann, raue Menschen und einen so klaren Sternenhimmel, dass man den Eindruck hat, die Sterne seien so nah wie Äpfel an einem Baum. Das ist wirklich erstaunlich.

Das klingt fantastisch. Würdest Du Dich selbst als Romantiker bezeichnen?

Ich find’s eher schwierig, mich selbst zu beschreiben. Romantiker? Vielleicht, ja, doch, ich denke schon. Ich lebe in einer Welt von Träumen und ich wurde zu spät geboren.

Die Zeit der großen Abenteuer und Entdeckungen ist längst vorbei. Als ich klein war, habe ich Hunderte Bücher gelesen, die mich verrückt danach machten, etwas Neues zu entdecken und zu erleben. Ich bin immer noch ein Kind im Körper eines fast vierzigjährigen Mannes. Habe die ganze Zeit Tausende neue Ideen.

1993, als ich gerade 16 Jahre alt war, machte ich meine erste große Reise zum Baikalsee. Danach habe ich drei bis vier Jahre lang unter offenem Himmel geschlafen.

Ich habe festgestellt, dass ich krank bin – infiziert mit der Abenteuerkrankheit – und ich hoffe, dass ich niemals geheilt werde. Ich möchte an dieser Stelle Joe E. Lewis zitieren: „Man lebt nur einmal, aber wenn man es richtig anstellt, ist einmal genug.“

Es gibt nichts Schöneres als in einem Schlafsack unter dem Sternenhimmel zu liegen. Egal wo, es geht überall.

Przemek, herzlichen Dank für das Interview und Dir alles, alles Gute für die Zukunft.

Wir haben das Interview auf Englisch geführt. Ich habe es anschließend ins Deutsche übersetzt.

“uebergrund” gehen,
Asphalt unter den Füßen spüren.
Der urbane Raum verändert sich,
– klick – captured der Augenblick!
Streifzüge durch die Stadt bei Nacht.
Der dunkle Tunnel
und die Katakombe
strahlen kalte Wärme aus.
Irdische Orte
“ueber- und untergrund”.
Abriss
wird mit der Zeit zum “Grundriss”:
Schönheit der Vergänglichkeit.

Auf meiner Webseite habe ich im Menüpunkt „About“ oben wiedergegebenes Gedicht ‑ oder wie auch immer man es nennen mag ‑ eingefügt. Es handelt sich dabei um einen Versuch, meine Gefühle zum Ausdruck zu bringen, die ich empfinde, wenn ich in die urbane Welt abtauche und im besten Fall diese mit der Kamera festhalte.

Ich klettere an einem x-beliebigen Ort über eine Mauer, schlüpfe durch ein Loch im Zaun oder schleiche mich in den Untergrund. Der Lärm der Stadt wird leiser, bis er bald nicht mehr zu hören ist. Ich bin angekommen in einer Parallelwelt, in meiner Parallelwelt, weit weg vom Schreibtisch und dem Alltag!

Abriss, Zerstörung und Dunkelheit dominieren. Ich tauche ein und lasse sie auf mich wirken. Die Sinne sind wachsam, der Körper ist gespannt, plötzlich ein Geräusch – Adrenalin schießt durch meinen Körper, der Schweiß tritt aus den Poren. Was wartet in der Dunkelheit auf mich? Ich weiß es nicht.

Der Blick durch den Sucher fixiert, der Spiegel klappt hoch, festgebrannt der Augenblick. Einfangen und erhalten, bevor die Abrissbirne kommt.

Die Schönheit dieser Orte sieht man meist erst auf den zweiten Blick, doch sie ist da. Manchmal gelingt es mir, sie abzulichten, manchmal nicht. Dann wiederum habe ich kein Interesse an dieser Schönheit. Ich suche die „roughness“ und die hässliche Fratze der Stadt, die mich ebenso fasziniert wie anzieht.

Meine Art der Fotografie zeigt die rohe Authentizität. Ich mag das Unverfälschte und Echte. Spontane und schnell geschossene Fotos sind mir am liebsten, um diese Momente einzufangen. Ich möchte die Szenen so zeigen, wie ich sie vorgefunden habe und möglichst wenig retuschieren oder gar kaschieren.

Ich bewege mich allein, ich bestimme meine Geschwindigkeit, meinen „Workflow“. Von Set-Aufbauten lasse ich mich nicht fesseln. Ich nehme mir die für mich so wichtige Freiheit, lasse mich auf meinen Streifzügen treiben.

Niemand weiß, wo ich mich befinde, dieses Gefühl ist etwas Besonderes. Keiner weiß, welche Wege ich beschreite. Die Gefahr ist ein ständiger Begleiter – ich heiße sie respektvoll willkommen. Die Schritte wähle ich aufmerksam, Fehltritte kann man sich in einer maroden Umgebung nicht erlauben. Wachsamkeit!

Die Spannung dieser Parallelwelt möchte ich nicht nur einfangen, sondern auch in angemessenem Gewand präsentieren. Fotografien verdienen es nicht, nur ein virtuelles Dasein als nummerierte Datei auf einer Festplatte zu fristen.

Die einzige Aufstiegsmöglichkeit in einer Welt aus Einsen und Nullen ist die Position des Bildschirmschoners. Millionen von Pixeln haben mehr verdient: Sie gehören auf Papier gedruckt. In dieser Form können sie ihre Farbenvielfalt, die starken Kontraste oder die schwarzweißen Nuancen perfekt entfalten.

Das haptische Erlebnis macht den Unterschied. In analogen Zeiten wurde mit Spannung auf die Entwicklung der Fotos gewartet. Durchblättern, aussortieren und einkleben; Arbeit mit den Händen.

Im Jahr 2009 kam mir – nach einem einjährigen Auslandsaufenthalt – die Idee, meine Fotografien nicht „nur“ in einer Diashow zu präsentieren, sondern auch in Form eines Bildbandes. Einige schlaflose Nächte – und viel Herzblut – später war das „uebergrund Fotomagazin“ geboren.

Inzwischen sind vier Jahre vergangen und ich habe meine „Urban-Trilogie“ abgeschlossen und jährlich im Eigenverlag veröffentlicht. In den drei Ausgaben zeige ich Stadtansichten aus Australien, Neuseeland, Vietnam, Hongkong und verschiedenen europäischen Metropolen. Die Druckmaschine hat meine Interpretation von Abriss, Verfall, Schönheit, Dunkelheit, uebergrund, Untergrund, Urban art, Nachtilluminationen und Trash zu Papier gebracht.

Jetzt ist es Zeit für neue Wege – diese werde ich im Sommer 2013 beschreiten. Der Titel bleibt, der Inhalt wird ein anderer!

Noch nie habe ich so gefroren und mich gleichzeitig so wohl gefühlt. Wie jedes Jahr bin ich im Winter wieder in Chicago unterwegs. Windy City, Chi-Town, Heart of America, Second Home. Für mich ist keine Stadt der USA so einladend und mit Heimatgefühlen verbunden wie die große Stadt am See.

Kalte Winter sind mir nicht fremd, doch die Winter in Chicago sind eine Art Lotterie. Im späten November kann man noch mit einem eiskalten Kaffee am Millenium Park sitzen und die Sonne genießen, um einen Tag später zu bemerken, dass man vielleicht doch den Polarparka hätte einpacken sollen.

Dieser Tag ist anders, er ist einfach perfekt. Kühl aber nicht kalt, sonnendurchflutete Straßenschluchten und schattige Hinterhöfe. Und so wandere ich ohne Ziel durch das Herz von Chicago-Downtown, dem Stadtteil mit den weltbekannten, überirdischen Subways – The Loop.

Chicago hat diesen unbeschreiblichen Charme. Patina wohin man schaut. Flugrost an den Trassen der Subway, vergilbte Schilder als Zeugen der alten Zeit von Schlachthöfen, Al Capone und den Filmerinnerungen an die Blues Brothers.

In Gedanken versunken wandere ich also über die South Wabash Avenue in Richtung Norden und stromere durch die vielen namenlosen Verbindungsgassen. Das Sonnenlicht als Kompass und die Kamera immer in der Hand.

Verlaufen kann man sich eigentlich gar nicht und wenn man doch mal Hilfe braucht: Chicagoer sind absolute Lokalpatrioten und helfen mit einem Lächeln und ein paar guten Tipps.

Innerhalb der Loop befindet sich das Finanzzentrum der Stadt. Banken und Börsen neben Starbucks und Shoppingmall. Ein buntes Treiben um mich herum und gleichzeitig so surreal. Alles hetzt von Termin zu Termin, während ich ohne Ziel einfach nur die Stadt in mich aufzusaugen versuche.

Nach vielen Blocks und Gassen schmerzen die Füsse und der Magen knurrt. Ich springe in die Subway und lasse mich einmal um den Stadtteil fahren.

Jetzt habe ich ein Ziel: Das alte Exchequer, Stammlokal von Al Capone mit der weltbekannten Deep Dish Pizza. Im Exchequer scheint die Zeit stehen geblieben zu sein. Wären da nicht Bilder von Michael Jordans großen Siegen mit den Bulls an der Wand, man würde sich in der Zeit zurückversetzt fühlen und Big Al jeden Moment erwarten.

Und so sitze ich zum Abschluss meines freien Tages in dem alten Schuppen, trinke ein Bier, esse meine Pizza, gehe meine Bilder auf der Kamera durch und staune, wohin mich meine Füße an diesem perfekten Wintertag in Chicago trugen.

Es war eine gute Entscheidung, in Farbe zu fotografieren und meine Rauschen-Serie nicht fortzuführen. Ich habe den Eindruck, einen guten Weg gegangen zu sein und werde diesen weiter verfolgen.

Und zwar nicht monochrom, obwohl ich die Jahre (vor dem Projekt) ausschließlich Farbe fotografiert habe. Manchmal bringt mich die ganze Sache auf Wege, die ich selbst nie für möglich gehalten hätte.

Vor drei Wochen habe ich dann auch äußerlich eine Veränderung an meinem Erscheinungsbild vorgenommen und den Ratschlag von Joel Meyerowitz befolgt, komplett schwarze Kleidung zu tragen. Zwar fehlt mir noch eine ganz schwarze Jacke, aber bis auf diese (die aktuelle ist dunkelgrün) bin ich derzeit unicolor in schwarz unterwegs.

Was das bringt? Nun, ich kann es nicht nachweisbar nachvollziehen, aber schwarz reflektiert kein Licht und das ist ein sehr großer Vorteil unter Menschen, da ich am liebsten unbemerkt agiere.

Es kann auch Zufall sein, aber wenn ich darüber nachdenke, war es immer dann, als ich ganz in schwarz fotografierte, dass ich mich streckenweise wunderte, dass mich einzelne Leute überhaupt nicht wahrzunehmen schienen.

Vom Setup hat sich nichts geändert, ich benutze nach wie vor ProCamera zum Fotografieren und Snapseed zum Bearbeiten. Gleiches Schema, nix Neues.

Viel wesentlicher hat sich für mich der Akt des Fotografierens verändert. Ich habe mir angewöhnt, nicht ständig von Ort zu Ort zu laufen, sondern bleibe lieber an einer Ecke stehen und studiere die Abläufe der Menschenmassen.

In welchen Abständen hält die Bahn? Wie lange warten Menschen auf den nächsten Zug? In welchen Zyklen kommen größere Mengen auf einmal aus einem Gebäude? Dieses Hineindenken ist eine gute Schule und es hilft mir, abschätzen, wann es sinnvoll ist, welches Bild zu machen. Und wann nicht.

Und obwohl ich eigentlich versuche, stets die unsichtbaren Verbindungen zwischen sich nicht kennenden Menschen sichtbar zu machen, fotografiere ich doch meist einzelne Menschen. Das ist keine bewusste Entscheidung, passiert mir aber immer wieder.

Und seltenst fotografiere ich junge Leute, sondern finde alte Menschen attraktiver, interessanter und bemerkenswerter. Mit ihren netten Hütchen und einfallsreichem Kleidungsstil laufen sie einfach den jüngeren den Rang ab. Zumindest meiner Auffassung nach.

Und mit der Zeit habe ich bemerkt, dass ich zufriedener mit den Ergebnissen geworden bin. In den ersten Monaten mit dem iPhone hatte ich manchmal Schwierigkeiten, den Zugang zu meinen eigenen Bildern zu finden. Ich fand meine Fotos ganz okay, aber mehr war da nicht.

Dies nimmt derzeit langsam ab und das macht mich glücklich. Auch durch die monatliche Reflexion lerne ich eine Menge über mich selbst und die Fotografie an sich.

Ach ja, manchmal lächelt mich ein Oldimer an und bei aller Liebe zur Straßenfotografie und ihrer Konzentration auf Menschen lasse ich es mir nicht nehmen, auch einmal ein schönes Auto zu fotografieren.

Und bevor es gleich in die Tiefe geht: Ich bin mit meinen Bildern aktuell nicht wirklich zufrieden. Ich finde meine Fotos okay, aber auch nicht mehr. Dazu kommt noch, dass ich so tief in der Materie bin, dass es mir schwer fällt, eine Distanz zu den Bildern zu bekommen.

Das merke ich vor allem dann, wenn ich die Fotos für meinen monatlichen Bericht aussuche. Welches zeigen, welches nicht? Diese Unsicherheit gehört dazu. Jedoch möchte ich hier niemandem etwas vormachen.

Ich sehe mich auch nicht als toller Straßenfotograf, sondern habe – auch durch die technisch reduzierten Möglichkeiten des iPhones – das Gefühl, ganz am Anfang zu stehen. Mir ist klar, dass die Fotos, die ich hier zeige, keine Superknaller sind.

Jedoch ist ein Teil meines Projekts der monatliche Bericht. Und der ist, wie er ist: Nah dran am Geschehen und ohne Anspruch auf Perfektion.

Das iPhone selbst ist mittlerweile selbstverständlicher Teil meiner Arbeit geworden. Das bedeutet, dass die Euphorie vom Auftakt geschwunden ist und es sich nicht mehr ungewohnt anfühlt, mit dem iPhone zu arbeiten.

Das Fotografieren mit der DSLR war für mich immer der Inbegriff meiner Leidenschaft. Ich hatte ein gewichtiges Gerät mit Objektiv drauf in der Hand, das über lautes Auslöserklacken ein auditives Feedback gab.

Allerdings fallen mit dem iPhone diese Faktoren gänzlich weg und somit auch das Gefühl, fotografisch tätig zu sein. Wenn ich meinen Kollegen aus dem Büro sage, ich „gehe mal fotografieren“, dann stimmt da irgendetwas nicht.

Denn das Arbeitsgerät ist sehr leicht und wenn ich Handschuhe trage, fast unsichtbar. Das Objektiv ist im Vergleich zum 50mm als solches nicht zu erkennen. Und das elektronische Klickgeräusch habe ich ausgeschaltet, also das Letzte, was an eine Kamera erinnern könnte, eliminiert.

Nein, das Wort Fotografieren ist für mich überflüssig geworden und ich erlebe das als eine Art Befreiung. Es ist mehr ein Probieren, Skizzieren, Dokumentieren. In der Stadt, unter Menschen. Dort, wo der Alltag tobt.

Da in dieser Jahreszeit selten die Sonne scheint, es meist trüb und düster ist, kann ich erst ab 9:30 Uhr so richtig loslegen. Ich bin somit, mehr als vorher, angewiesen auf das Wetter. Warum das?

An einem dunklen Tag zeigt mir das iPhone an, dass es 1/30s belichtet. Damit einen Menschen, der sich ein wenig bewegt, scharf festzuhalten, ist unmöglich. So warte ich meist etwas ab, messe immer wieder nach und schaue, wann das Licht mindestens 1/120s erlaubt. Und selbst damit ist nicht garantiert, dass die Aufnahme scharf ist. Das ist manchmal ziemlich frustrierend.

Ich versuche, so weit möglich, einen besonderen Moment zu erwischen – und das heißt gar nicht zwangsläufig, dass eine Person (erkennbar) abgebildet sein muss. Es geht mir darum, einzufangen, wenn das Ungewöhnliche aus dem Gewöhnlichen hervortritt.

Ein Zufall sozusagen, in dem zwei oder mehr Aspekte im Einklang sind, sich widersprechen oder meinem inneren Auge komisch, trist oder gar fröhlich erscheinen. Und damit diese Vorgabe erfüllt werden kann, muss ich einige Kilometer laufen und stets offen für das Unvorhergesehene sein.

Und 99% meiner Fotos sind Bullshit. Sie sind vielleicht auf den ersten Blick ganz interessant, haben aber keine Seele, sprechen nicht zu mir oder es fehlt ihnen das gewisse Etwas, das ein Foto – wohlgemerkt – für mich spannend macht.

Jedoch ist dieses eine Prozentfitzelchen das, wonach ich suche. Dann passen viele Dinge zusammen. Oft bemerke ich erst beim Durchblättern der Bilder, dass es sich eben doch gelohnt hat, eine Aufnahme zu machen, die ich vor Ort nur potentiell gut fand.

Ich habe mich außerdem dazu entschieden, pro Tag nicht mehr drei, vier oder sogar mehr, sondern abends zwischen 19 und 21 Uhr ein einziges Foto zu veröffentlichen. Das reicht vollkommen und bringt auch ein wenig Ruhe in das Projekt.

Beim Fotografieren selbst versuche ich, einem Rat von Jay Maisel zu folgen. Er sagte einmal: „Go out empty“, was für ihn so viel bedeutet wie: Jedes Konzept, das im Kopf schwirrt, zu verwerfen. Nicht nach bestimmten Dingen (Farbkontrasten, Mustern und Formen, Gegenüberstellungen) zu suchen, sondern offen zu sein, für das, was kommt.

Denn jedes Konzept kann mir im Wege stehen, das zu sehen, was gerade vor mir passiert, weil ich quasi eine Art Tunnelblick habe, der alles andere ausschließt.

Meist nutze ich den späten Abend, um die Aufnahmen des Tages durchzugehen und zu finalisieren. Da ich aktuell komplett in Farbe arbeite und nicht stark in die Aufnahme eingreifen möchte, gibt es selten viel zu ändern.

In Snapseed beschneide ich, ziehe die Kontraste etwas an oder korrigiere die Farbtemperatur minimal. Die eigentliche Arbeit besteht darin, die guten von den schlechten Bildern zu trennen und Perlen im Sauhaufen zu finden. Wenn es denn Perlen gibt.

Und es gibt diese Tage, an denen ich weiß: Ein paar Fotos waren ganz okay, aber gut waren die nicht.

Doch es lohnt sich, mich immer wieder auf mein – zugegeben – kauziges Projekt einzulassen. Ich merke, dass ich so langsam richtig tief drin bin, aber noch weit entfernt von dem, was möglich ist. Die Straßenfotografie steckt voller Überraschungen und ich bin gespannt, was die Zukunft mir schenken mag.