Die Natur bekommt dabei in den Stillleben eine völlig neue Materialität, Shireman zeigt uns eine Perspektive, die so nicht in der Realität exisitiert. Seine Bilder sind gleichzeitig hochgradig durch Manipulation der Realität beeinflusst und dennoch durch und durch natürlich.

„Ich tauche die Blumen in flüssigen Stickstoff. Das verändert ihre natürliche Form“, erklärt Shireman. Nach dreißig Minuten haben die Blumen die Materialität erreicht, in der sie auf einer weißen Oberfläche zerschmettert und mit einer High-Speed-Kamera aufgenommen werden können.

Der Vorher-Nachher-Vergleich ist dabei fester Bestandteil der Reihe und macht einen großen Teil der Faszination aus. „Ich mag es von Zeit zu Zeit, die Idee des Blumenstilllebens irgendwie auf den Kopf zu stellen“, erklärt der New Yorker, der sich in den unterschiedlichsten Gebieten der Fotografie austobt, aber immer wieder beim Stillleben landet.

Jon Shireman hat es mit relativ einfachen Mitteln in der Serie „Broken Flowers“ geschafft, einem eher banalen Subjekt in dem sehr klassischen Genre dokumentierender Objektfotografie einen ganz neuen Dreh zu verleihen, indem er das Subjekt seiner Bilder händisch und auf sehr clevere Weise manipuliert.

Mit dem Einzug der digitalen Fotografie ist das Medium Film im professionellen Umfeld nahezu ausgestorben. Im 35mm-Kleinbildformat sind seit etwa zehn Jahren keine neuen Geräte mehr erschienen, Nikon produzierte die legendäre F5 bis ins Jahr 2004 und stellte die Produktion der meisten ihrer analogen Kameras dann im Jahr 2006 ein.

Seitdem erlebt die analoge „Film“-Fotografie allerdings als Nischenprodukt eine stetige Renaissance, die sich in den letzten zwei bis drei Jahren zu einem regelrechten Retro-Hype entwickelt hat. Analoge Geräte sind bei Ebay gefragt wie nie und viele Hobby-Fotografen entscheiden sich nun vorzugsweise für gebrauchte Leicas oder Hasselblad Mittelformat-Kameras der 500er-Serie.

Ein nicht unerheblicher Faktor vieler derartiger Strömungen ist die Inspiration über andere Künstler. So haben beispielsweise einige überwiegend amerikanische Fotografen mit der Kombination Contax 645 und Carl Zeiss 80mm f/2.0 maßgeblich dazu beigetragen, dass nun viele andere Kollegen versuchen, diesen Stil und die entsprechenden Farben zu reproduzieren. Der erste Schritt ist hierbei oftmals, dasselbe Equipment einzusetzen und dies ist aktuell das Mittelformat – Rolleiflex, Hasselblad, Contax oder andere schwere Geschütze.

Natürlich sind das alles wundervolle Kameras, die jedem erstklassige Ergebnisse bescheren, der sie zu meistern weiß. Für mich persönlich ist das allerdings ein wenig „too much“. Ich besitze selbst eine analoge Nikon FM2 und die Kamera macht eine Menge Freude, insbesondere in Verbindung mit einem manuellen 50mm f/1.2 Ai-S Objektiv.

Es ist aber nicht zu unterschätzen, wie viel Aufwand es bedeutet, analoge Fotografie ernsthaft in einen professionellen Workflow zu integrieren, auch wenn dies vor ein paar Jahren noch Gang und Gäbe war. Dazu kommt unter anderem: Ein gutes Fotolabor mit einem entsprechenden Scanner und gut ausgebildeten Experten findet man nicht an jeder Straßenecke.

Allerdings gibt es zwei gewichtige Gründe, die nach wie vor für die analoge Fotografie sprechen: Der absolut unschlagbare Kontrastumfang von Film und die nur äußerst schwer zu reproduzierenden Farben. Kurzum: Das „Look and Feel“.

Der weitläufigen Meinung ausschließlich digital arbeitender Fotografen, es sei unglaublich schwierig und zu riskant, analog zu fotografieren, möchte ich hier übrigens widersprechen: Film vergibt mehr als ein digitaler Sensor. Mit dem Dynamikumfang von Film kann keine normale digitale Kamera mithalten.

In Kombination mit einem guten Labor ergibt sich daraus eine Menge Raum für die Korrektur falscher Belichtungseinstellungen. Profis bilden mit dem richtigen Film und dem richtigen Scanner einen Dynamikumfang von zehn Blendenstufen in einem Bild ab. Davon können digital arbeitende Fotografen nur träumen.

Genau hier setzt auch der Ansatz von Nikon an, aus zwei unterschiedlichen Belichtungen automatisch ein einziges Bild zu errechnen. Fuji erzielt einen ähnlichen Effekt über die automatische Reduktion der Bildauflösung und steigert den Dynamikumfang damit ebenfalls erheblich. Die Hersteller beginnen also langsam zu begreifen, dass die Zukunft eher in deutlich empfindlicheren Sensoren mit einem besseren Kontrastumfang liegt als in der stetigen Steigerung der Auflösung in Verbindung mit reduziertem ISO-Rauschen.

Zum Look and Feel von Film gehört aber nicht nur der Dynamikumfang, sondern insbesondere auch die einzigartigen Farben. Hat man die Hand bei Fine-Art-Fotografie relativ frei, da die Farbigkeit als deutlich wahrnehmbarer Teil des künstlerischen Ausdrucks einfließen kann, so ist es bei professionellen Shootings umso wichtiger, den besonderen Wert auf Natürlichkeit und Konsistenz zu legen. Oftmals werden nach einem Shooting einige hundert Bilder präsentiert und diese sollten trotz wechselnder Lichtbedingungen und Locations alle identisch entwickelt werden und im Gesamtbild harmonisch wirken.

Entwickelt werden muss übrigens in beiden Welten gleichermaßen: Bei analogen Bildern im chemischen Entwicklungsprozess des Films und anschließend am Scanner mit Farbprofilen und -korrekturen. In der digitalen Fotografie je nach Workflow zunächst in Lightroom und anschließend in Photoshop, für das Color-Matching und gegebenenfalls die individuellen Farben des Fotografen. Fotografiert man beides, sollten die Farben der analogen und digitalen Bilder optimalerweise nicht voneinander zu unterscheiden sein. Viele bekannte Fotografen mischen aus diesem Grund gern analoge Bilder in Farbe mit digitalen Bildern in Schwarzweiß.

In der digitalen Welt gibt es vielseitige Bemühungen, nicht nur das Look & Feel von Film im Allgemeinen, sondern den exakten Look eines bestimmten Filmes zu reproduzieren. Der Anbieter VSCO beispielsweise hat kostenpflichtige Presets für Lightroom und ACR entwickelt, die mit einem eigenen Kameraprofil für jeden gängigen Film geliefert werden und den so genannten „Light-Rolloff“ von Film simulieren wollen. Dies ist eine clevere Idee, in der Praxis kommen diese Produkte allerdings trotz aller Bemühungen nicht wirklich an das Original heran. Film verhält sich gegenüber Licht nicht linear und dies lässt sich mit einem digitalen Sensor nicht abbilden, daran ändert auch ein Kameraprofil nichts.

Es ist also relativ schwierig, einen bestimmten „Film-Look“ in digitalen Bildern zu emulieren. Fotografiert man analog, ist es andersherum allerdings fast unmöglich, mit einem Scan an die Möglichkeiten einer Raw-Datei zu gelangen, falls man diese Farbwelt auf Wunsch einmal verlassen möchte. Für mich persönlich ist dies auch der Hauptgrund, überwiegend digital zu fotografieren: Für Gegenlichtaufnahmen in der Hochzeitsfotografie mögen die cremigen Pastelltöne eines überbelichteten Fuji 400 H wunderbar passen. Für viele andere Situationen allerdings nicht. Und über den kreativen Freiraum meiner Farben möchte ich gern selbst entscheiden.

Ich bekomme über meine Website regelmäßig eine Menge Fragen zu meiner Nachbearbeitung, dem Film-Look in meinen digitalen Bildern und zu den Farben, die ich in meinen Bildern verwende. Das ist kein Hexenwerk und ich teile gern meine Erfahrungen. Ich möchte hier daher einmal beispielhaft einen Workflow vorstellen, den ich in diesen Medien noch nicht besprochen habe.

In diesem Zusammenhang sei nochmals betont, dass ein deutlicher Unterschied zwischen Fine-Art- und beispielsweise Hochzeitsfotografie besteht. Was in digitaler Form interessant aussieht, wirkt auf einem Abzug auf Fotopapier oftmals „over-processed“. Man sollte daher sehr vorsichtig arbeiten und es nicht übertreiben, es kann auch zu viel des Guten sein.

Ich versuche in meinen Bildern übrigens, nur generelle Merkmale analoger Fotografie zu integrieren und keinen bestimmten Film zu emulieren. Ich erreiche dies unter anderem über detailreiche Schatten, gedämpfte Highlights, den Einsatz eher matter und entsättigter Farben sowie durch einen nicht zu scharfen Fokus. In der analogen Welt entsprechen diese Merkmale am ehesten dem Kodak Portra 400 NC, der allerdings nicht mehr hergestellt wird.

Um den analogen Look zu emulieren, beginne ich, falls notwendig, zunächst in Lightroom. Ich fotografiere im Raw-Format und bei vorsätzlich überbelichteten Bildern hilft die Highlight-Recovery-Funktion von Lightroom, Details wiederherzustellen, die sonst unwiederbringlich verloren wären. Anschließend exportiere ich meine Bilder und bearbeite sie in Photoshop weiter.

Ich arbeite bei meinem persönlichen Film-Look ausschließlich visuell, ohne wissenschaftlich exakte Laborwerte. Ohne Gefühl und ein wenig Erfahrung mit beiden Medien erscheint des zunächst schwierig. Man sollte daher erst einmal ausprobieren, wie Film sich überhaupt „anfühlt“ und verhält, um diese Eigenschaften digital nachempfinden zu können. Hat man das Prinzip allerdings visuell nachvollzogen, so kann man diesen Look mit relativ einfachen Mitteln reproduzieren. Ich empfehle dazu, einfach einmal selbst ein wenig in Photoshop zu experimentieren.

Ich möchte hier beispielhaft meinen Workflow für das Bild „6235“ vorstellen, aufgenommen mit einer Nikon D700 und dem Nikkor 50mm f/1.4 G:

1. Originalbild
Das unbearbeitete Originalbild „straight out of camera“.

Nikkor 50mm f/1.4 G @ ƒ/1.4 – Nikon D700

2. Farbkorrektur
Das in Photoshop farbkorrigierte Originalbild.

3. Optimierung von Helligkeit, Kontrast und Farbsättigung
Durch den Einsatz von Gradiationskurven, Tonwertkorrektur und Farbentsättigung wurden Helligkeit, Kontrast und Grundfarben optimiert.

4. Graduelle Füllebene für gleichmäßiges Licht
Anschließend wurde die Lichtwirkung durch den Einsatz einer graduellen Füllebene mit geringer Transparenz und Sättigung verbessert. Diese hebt den Bildmittelpunkt hervor und läßt das Licht insgesamt weicher und gleichmäßiger wirken.

5. Farbkorrektur und Vignettierung
Durch den Einsatz von selektiver Farbkorrektur und Gradiationskurven wurden die Grundfarben kühler temperiert. Lichter und Schatten wurden hervorgehoben. Die Vignettierung betont den Bildmittelpunkt.

6. Füllebene für mattes Finish
Eine farbige Füllebene gibt bei sehr geringer Deckkraft einen samtigen Look und nimmt die Lichter und Schatten ein wenig zurück.

Insgesamt dauert diese Form der Entwicklung etwa 20 Minuten. Wenn man in Photoshop immer wieder die selben Aktionen durchführt, empfiehlt es sich, daraus eine Aktion zu erstellen, indem man seinen Workflow aufzeichnet und dann beliebig oft abspielt. Das spart bei der späteren Bearbeitung weiterer Bildern derselben Session eine Menge Arbeit und alle Bilder des Shootings können dann per Knopfdruck den gleichen Look bekommen.

Ist der analoge Retro-Hype im Bezug Fotografie also gerechtfertigt? Das muß wohl jeder für sich selbst entscheiden. Wer noch nie mit analoger Fotografie experimentiert hat, dem kann ich dies nur wärmstens empfehlen.

Im professionellen Einsatz bevorzuge ich persönlich allerdings die digitale Fotografie. Auch wenn mir Film privat sehr viel Freude bereitet, so mag ich in der täglichen Arbeit nicht auf Backups verzichten oder mich auf die termin- und farbtreue Zuarbeit eines Fotolabors verlassen. Der Film-Look läßt sich mit ein wenig Fingerspitzengefühl digital nachempfinden, auch wenn dies hoffentlich nie ein Ersatz für analoge Fotografie sein wird.

Ein kleiner Hinterhofbalkon, auf den die Sonne scheint. Idylle pur, es sieht nach absoluter Ruhe aus, dort würde ich jetzt gern sitzen. Vielleicht mit einem Buch in der Hand und einem leckeren Kaffee dazu. Ringsrum könnte es für meinen Geschmack noch etwas grüner sein – aber das ist es nicht, was mich irritiert.

Die eigentliche Frage ist doch: Was machen diese Schienen da? Die Schienen, die unter dem Balkon verlaufen. Ja, vielleicht liegen die noch von früher dort, als das Haus noch nicht dort stand. So jung sieht das Haus aber gar nicht aus. Und die Schienen auch nicht so alt, nicht einmal Sand hat sich dort abgesetzt. Was ist also hier los?

“Babyfon”

Nach der anfänglichen Irritation, die sich beim dritten oder vierten Blick auf die “Kleine Welten” von Frank Kunert verlässlich einstellt, folgt diese Frage. Was ist hier los, was stimmt hier nicht? Handelt es sich vielleicht um eine Bildmontage? Oder gar eine Computeranimation?

Nein, viel besser: Die kleinen Welten sind Modelle, die der Fotograf höchstselbst in detailverliebter Arbeit für seine Fotografien mit den üblichen Mitteln des Modellbaus herstellt. Viele Wochen lang schneidet, klebt, malt und bastelt er, bis die Kulisse so gut ist, dass die Täuschung des ersten und zweiten Blickes perfekt ist.

“Büroschlaf”

Dass man bei näherer Betrachtung oder auf großformatigen Abzügen der Fotografien sieht, dass es sich um Modelle handelt, ist durchaus beabsichtigt. Es geht Kunert nicht um die perfekte Darstellung absurder Szenen, auch wenn es im ersten Moment verblüffend ist, wie real er Größenverhältnisse, Farben, Strukturen, Details nachahmt und das Licht setzt.

Viel mehr regt das Spiel mit Realität und Modell, Wahrnehmung und Erfahrung zum Nachdenken an und schafft es überhaupt erst durch den Moment des Erkennens, die teilweise gesellschaftskritische Tiefe hinter den oberflächlich vermeintlich lustigen Arrangements anzudeuten. Die der Betrachter dann aus dem kurzen Schreck, dass reale Absurditäten dokumentiert worden sein könnten, weiterdenken kann.

“Öffentliche Toilette”

Eine entscheidende Rolle spielen hierbei auch die Bildtitel, die das ganze Werk abrunden. Völlig alltägliche Worte und Redewendungen legt Frank Kunert auf die Goldwaage oder zeichnet eine mögliche, wenn auch ungewöhnliche Interpretation.

Schier unerschöpflich scheint dabei sein Fundus zu sein und beim Betrachten der Fotos mit ihren Titeln, die dem Ganzen oft noch eine zweite Ebene geben, denke ich immer wieder: Darauf hätte ich wirklich selbst kommen können. Es ist erstaunlich, in was für eingefahrenen Bahnen wir oft denken, wie selbstverständlich eine bestimmte Bedeutung eines Wortes oft zwischen so vielen anderen möglichen ist.

“Geschlossene Gesellschaft”

Besonders gut gefällt mir an Kunerts Bildwelten auch, dass sich neben den wortspielhaften Bildideen ein bestimmter Stil, eine eigene Stimmung durch die Arbeiten zieht: Schmucklose Betonhäuser, wohlbemessener Schmutz, herumliegender Kleinkram. Das gedämpfte Licht eines müden Tages, abgenutzte Gegenstände, alte Farben.

Ich assoziiere das Seufzen einer längst verflogenen Motivation. Unsere Umgebung verkommt schneller, als wir sie wieder herausputzen können. Und oft genug ist es uns auch egal, wir sind zu sehr mit anderen Dingen beschäftigt, die uns aber auch nicht glücklich machen.

Das ist eine weitere Ebene in den Fotos, die etwas in mir nachdenklich zum Schwingen bringt. Die meine Beziehung zur Gestaltung des Großraumes, in dem ich lebe und mich bewege, anspricht, sie in Frage stellt. Ich bekomme die Traurigkeit vorgeführt, die sich bei genauer Betrachtung auf den Gebäuden und Fassaden abzeichnet.

“Hotel Bellevue”

Frank Kunert ist Jahrgang 1963. Er wurde in Frankfurt geboren und machte nach dem Abitur eine Fotografenlehre. Nachdem er einige Jahre lang als Assistent in Fotostudios tätig war, machte er sich 1992 selbstständig. Inzwischen kann er sich hauptsächlich um die Gestlatung und Fotografien seiner “Kleinen Welten” kümmern.

Er wurde mit verschiedenen Preisen ausgezeichnet und seine Werke sind seit über zehn Jahren mehrmals jährlich in Einzel- und Gruppenausstellungen zu sehen. Dort kann man oft auch einmal einzelne Modelle, die die Grundlagen seiner Fotos bilden, mit den eigenen Augen von allen Seiten betrachten.

“Kinder!”

Neben den “Kleinen Welten” gestaltet Frank Kunert auch fotografische Buch- und Werbeillustrationen, für die er wiederum mit Modellen und Knetfiguren arbeitet. Bei diesen wird ebenso sein handwerkliches Geschick sichtbar, sie leben aber meistens in ganz anderen Farb- und Stimmungswelten.

Die ganze Bandbreite seines Schaffens könnt Ihr natürlich auf seiner Webseite sehen. Diese legen wir Euch darüber hinaus aber auch noch ans Herz, weil Ihr dort auf einigen Bildern sehen könnt, wie die Modelle für die “Kleinen Welten” entstehen. Im Rahmen der Arbeitsumgebung im Studio und oft mit Frank Kunert selbst als Größenvergleich. Beeindruckend!

“Menu à deux”

Frank Kunerts Arbeiten sind außerdem in vielfältiger Form zu erwerben. Wer sie also jetzt schon liebgewonnen hat, kann sich schon einmal überlegen, was er haben möchte: Postkarten, Drucke von klein bis ganz groß, den Bildband “Verkehrte Welt” – oder doch lieber ein Frühstücksbrettchen?

“Drive Inn”

Oder Ihr notiert Euch eine der demnächst stattfindenden Ausstellungen, Messen oder Kunsthandwerkermärkte, auf denen Ihr die Arbeiten betrachten könnt. Zum Beispiel:

18. März bis 28. Mai 2012
Einzelausstellung
Wandelhalle, Bad Wildungen
Öffnungszeiten: Mo – So, 10 – 18 Uhr

24. und 25. März 2012
36. Kunsthandwerkermarkt im Engelshof, Köln
Öffnungszeiten: Sa + So, 11 – 18 Uhr

20. bis 22. April 2012
FORMART Designmesse, Bochum
Maschinenhalle Friedlicher Nachbar
Öffnungszeiten: Fr 16 – 20 Uhr, Sa + So 11 – 19 Uhr

Zahlreiche weitere Ausstellungs- und Markttermine für 2012 findet Ihr auf der Webseite.

Das Bild, das ich beschreibe, ist nicht auf Papier, nicht auf einem Bildschirm und auf keiner Leinwand zu betrachten. Es ist die Sicht durch mein Fenster nach draußen, jetzt gerade in diesem Moment. Es ist Dämmerung; die Zeit, in der der Tag langsam schwindet und die Nacht sich durch die Bäume schält. Das ist die Zeit, in der die Farben verblassen und langsam verschwinden. Das Bild beruhigt.

“Warum sind Deine Bilder immer monochrom? Bist Du depressiv?”

Nein, ich bin nicht depressiv, aber die Farbigkeit vieler Dinge überanstrengt mein Gehirn. Ich lebe in einer Großstadt. Am Morgen beginnt es schon in der U-Bahn: Flackernde Monitore, Menschen dicht an dicht mit Kopfhörern oder dem Handy am Ohr. An den Stationen huschen die Werbeplakate in schreienden Farben an mir vorbei. Alles fordert Beachtung, alles schreit: “Schau mich an, lies meine Botschaft!”

Die Tasche, die der Typ da vor mir um hat, was steht da eigentlich drauf? Die Jacke der jungen Frau, von welcher Firma ist die? Die krass gelben Turnschuhe von dem Typen gegenüber blenden mich. Der Hund unter dem Sitz trägt einen karierten Umhang und schaut mich an, seine Besitzerin trägt einen ähnlichen und starrt auf den Monitor über mir. Botschaften an den Wänden der Bahn rauschen ins Gehirn. Ich blinzle in den Morgen und frage mich, wo ist eigentlich der Himmel?

Am Ende des Tages, wenn die Tür ins Schloss fällt, lasse ich die flackernden Farben draußen. Die Werbeflyer aus dem Briefkasten verschwinden sofort im Papierkorb. Meinen Fernseher habe ich schon vor Jahren verschenkt. Ich hatte schlicht die Schnauze voll davon, mich tagtäglich mit diesem Müll zuschütten zu lassen. Jetzt und hier entscheide ich selbst, was ich sehen möchte und womit ich mich beschäftigen werde.

Es gibt Tage, da ertrage ich das besser oder bemerke es nicht einmal und dann gibt es Tage, an denen bin ich so überschüttet, da gehe ich abends mit Kopfschmerzen ins Bett und ziehe die Decke über mich.

Reduktion ist das Zauberwort.

Ich fotografiere schwarzweiß oder mit reduzierten Farben, was heißt, dass ich mich auf zwei Hauptfarben beschränke, die das Bild dominieren.

Das Erschaffen einer anderen Welt ohne beißende Farben, ohne ein Mich-überzeugen-wollen. Vielleicht auch das Abtauchen in eine andere Welt, denn die Zeit in den Bildern aus schwarz und weiß scheint still zu stehen.

Durch die Abwesenheit von Farbigkeit wird das Abgebildete auf seine Form reduziert. Darin steckt nun seine Aussage. Das Bild kommuniziert mit mir, führt mich in sich hinein, ohne an mir zu zerren. Ich kann beruhigt den Blick darauf richten und mir die Geschichte zum Bild erzählen lassen.

Wenn ich die Bilder anderer betrachte, ob in Ausstellungen, Bildbänden, Zeitschriften oder im Internet, dann sind es immer die stilleren Bilder, die mich innehalten lassen. Ein Bild, das mir seine Botschaft innerhalb von Sekunden “verkauft”, schaue ich auch nicht länger an und so bleibt es mir nicht im Gedächtnis. Wenn ich jetzt überlege, sind sehr wenige Bilder in meiner Gedankenschublade gespeichert.

Wieviele sind es bei Dir, kannst Du Dich daran erinnern, welches Bild Dich zuletzt so sehr bewegt hat?

Ich erinnere mich gerade an ein Bild von Sally Mann aus ihrer Serie “Family Pictures”. Darauf ist ein Kind zu sehen, das um seinen Hals eine Lotusblüte trägt. Sein Gesicht ist nicht komplett zu sehen. Das Bild begleitet mich nun schon seit einem Jahr. Ich weiß nicht mehr, wo genau ich es zuerst sah, aber bis heute ist es ein Teil meiner inneren Bilderwelt geworden. Es beflügelt mich, lässt mich Bilder machen, in denen genau dieses Gefühl spürbar ist, das ich bei seiner Betrachtung empfinde. Manchmal hilft mir dieses Bild auch einfach nur beim Augenschließen, beim Fallenlassen in den Schlaf.

Wenn ich also selbst Bilder mache, ist schwarzweiß meine bevorzugte Wahl, weil ich selbst mit meinem Blick darauf hängen bleibe. Ich schaffe damit Raum um die Person und überlasse es dem Betrachter, seine eigene Botschaft darin zu sehen und es selbst mit Farbe zu füllen.

Es hat also nichts mit Depressivität zu tun, wenn ich mich für monochrome Bilder entscheide. Sondern zum einen mit dem Wunsch, meine selbst einzuteilende Zeit mit Dingen zu füllen, die glücklich machen und zum anderen Bilderwelten für andere zu erschaffen, denen es ähnlich geht. Das äußere Bild hat immer viel mit dem Inneren zu tun. Und bei jedem wird das äußere Bild ein ganz anderes sein.

Im ersten Teil habe ich Euch gestern bereits erzählt, wie ich Ideen finde und wie sie sich nach und nach entwickeln. In diesem Teil wird es hauptsächlich um die Lichtsetzung gehen.

Entscheidend für die Wirkung einer Aufnahme ist das Licht. Unabhängig davon, ob man eine natürliche oder eine künstliche Lichtquelle wählt, sind folgende Funktionen des Lichtes grundlegend: Licht symbolisiert Raum und Tiefe, es gibt einem Bild Stimmung und Atmosphäre und es beeinflusst die Zeichnung im Bild. Verstärken oder abschwächen lassen sich diese Eigenschaften durch die Lichtrichtung.

Wählt man ein Licht von vorn, wirkt die Beleuchtung sehr flach, weil die Schatten hinter den Gegenstand fallen und so keine Plastizität entstehen kann. Befindet sich die Lichtquelle als Gegenlicht hinter dem Gegenstand schafft man eine sehr kontrastreiche Beleuchtung, die zu dramatischen Bildern führt.

Die Lichtrichtung, die in der Stillifefotografie am häufigsten Verwendung findet, ist das Seitenlicht. Man erhält eine starke Dreidimensionalität und kann so perfekt Formen und Strukturen herausarbeiten. Außerdem hat dieses Licht eine sehr natürliche Wirkung. Beim Ausarbeiten einer Form kann man die Plastizität noch durch ein hartes Streiflicht hervorheben. Durch eine Beleuchtung, die fast parallel zur Objektoberfläche läuft, wird der Kontrast verstärkt, indem Erhöhungen angeleuchtet werden und Vertiefungen im Schatten bleiben.

Ich möchte mich besonders auf das natürliche Licht konzentrieren, weil man auch ohne Blitzlicht wunderschöne Aufnahmen erzeugen kann. Wenn ich Blitzlicht verwende, versuche ich meist, natürliches Licht zu imitieren. Bei der Verwendung von Tageslicht ist es allerdings äußerst wichtig, das Lichtverhalten im Raum zu beobachten, um genau die Wirkung zu erhalten, die man sich für seine Aufnahme wünscht.

Neben den Lichtrichtungen kann man außerdem hartes und weiches Licht unterscheiden. Hartes Licht erhält man bei direkter Sonneneinstrahlung. Die Folge davon sind harte Schatten und hohe Kontraste, die eine dramatischere Stimmung erzeugen als diffuses Licht, das sehr weich ist. Mit den einfachsten Hilfsmitteln kann man sich selbst Lichtformer basteln und das Sonnenlicht so auch ohne technischen Schnickschnack zu seinen Gunsten einsetzen.

Jeder kennt Aufheller, diese sind aus der Stillifefotografie kaum wegzudenken. Ich benutze sie in allen möglichen Größen und Formen. Dafür muss es kein professioneller Aufheller sein. Alles was man braucht, sind Styroporplatten oder besser noch Kapa Plast aus dem Baumarkt. Diese kann man sich dann in der gewünschten Größe zuschneiden. Allein damit kann man schon viel erreichen. Nicht nur aufhellen, sondern auch Reflexe erzeugen und mehr.

Es braucht auch nicht immer einen silbernen Aufheller. Man kann die Platten auch einfach mit Alufolie bespannen und schon hat man einen harten Aufheller. Kleine Aufhellungen lassen sich auch perfekt mit kleinen Spiegeln erzeugen. Je nachdem, ob es ein Hohl- oder ein Wölbspiegel ist, lassen sich so weiche oder gerichtete Lichter erzeugen.

Bei dieser Aufnahme kommt mein Grundlicht von einer Softbox, die schräg von links hinten auf die Vase ausgerichtet ist. Um die Holzplatte nicht zu hell erscheinen zu lassen, sondern als dunklen Kontrast zur Vase, habe ich sie mit einer schwarzen Pappe etwas abgeschattet. Auf der anderen Seite, also rechts von der Vase, habe ich eine weiße Platte zur Aufhellung aufgestellt, um den Schatten auf der Vase etwas zu mildern. Als weitere Aufhellung habe ich einen Hohlspiegel genutzt, der das Blitzlicht gebündelt auf die Blüten lenkt, die unten auf dem Deckchen liegen.

Schöne Lichtspiele kann man zum Beispiel auch durch mit Wasser gefüllte Glasflaschen oder Glasbausteinen entstehen lassen. So kann mehr Spannung erzeugt werden. Natürliche Lichtspiele lassen sich durch Äste oder gelöcherte Styroporplatten erzeugen, der Fantasie sind keine Grenzen gesetzt.

Die Eigenschaften und Auswirkungen des Lichtes hat jeder schon bewusst oder unbewusst wahrgenommen. Die Kunst ist es, sich dieses Wissen zu verdeutlichen und zu Nutze zu machen. Dabei ist es egal, ob man Objekte, Menschen oder Landschaften fotografiert. Eine einfache Übung dafür ist es, ein weißes Objekt auf einem weißen Untergrund zu fotografieren. Dabei kann man genau sehen, wie Formen und Strukturen vom Licht herausgearbeitet werden.

Draußen fotografiere ich am liebsten bei schön diffusem, weichem Licht. Man hat so eine herrlich leichte Lichtstimmung und muss nicht mit harten Schatten oder Lichtreflexen kämpfen, oft braucht es dann auch keine weiteren Hilfmittel und Lichtformer, wie bei dieser Fotostrecke im Herbst.

Im folgenden Artikel möchte ich Euch einen kleinen Einblick in die Stilllife- und Foodfotografie geben. Ich werde erklären, wie ich bei meinen Bildern vorgehe und warum ich bestimmte Dinge so oder so verfolge. In diesem ersten Teil wird es zuerst einmal vor allem um die Ideenfindung gehen.

Eine wichtige Frage für viele ist, welche Kameras oder Objektive sich am besten für die Foodfotografie eignen. Dabei geht es gar nicht zwangsweise um ein bestimmtes Modell oder Format, sondern um die Fähigkeit, seine eigene Technik zu beherrschen.

Es ist viel wichtiger, Licht und Schatten zu verstehen, eine gute Komposition finden zu können und grundlegende Dinge wie Blende, Verschlusszeit und Weißabgleich zu begreifen und zu wissen, wie man diese für seine Aufnahmen nutzen kann. Für gute Fotos ist es wichtig, sich nicht auf Automatiken der Kamera verlassen zu müssen, sondern sie voll unter Kontrolle zu haben.

Aber bevor es mit technischen Details los geht, fangen wir deshalb am besten bei null an. Bevor man überhaupt zur Kamera greift, braucht man eine Bildidee. An das Konzept kann man ganz individuell heran gehen. Ob einem als erstes ein bestimmtes Gericht oder ein bestimmter Gegenstand in den Sinn kommt, den man gern einmal fotografieren möchte oder auch eine Stimmung, ein Gefühl oder vielleicht sogar ein Ort. Bei mir ist das von Bild zu Bild ganz unterschiedlich und variiert immer wieder.

Ich möchte meine Vorgehensweise gern an einem bestimmten Beispiel erläutern: Der Anlass für die Bildstrecke in diesem Artikel war der jährliche Weihnachtsgruß in unserem Hochzeitsblog. Das Thema war also schon vorgegeben. Nun ging es mir dieses Jahr darum, mich etwas subtiler damit auseinanderzusetzen. Ich wollte keine Kerzen und Plätzchen, sondern dezentere, winterliche und weihnachtliche Elemente in den Bildern unterbringen.

Ich wusste, dass es eine Mischung aus Food- und Stilllife-Fotografie werden soll. Mein erster Schritt bei der Umsetzung eines Themas ist die Recherche. Ich notiere spontane Bildideen, Materialien und Deko-Elemente, die mir direkt in den Sinn kommen. Da es mir bei den Rezepten dieses Mal besonders um die Gewürze ging, habe ich eine Liste mit weihnachtlichen Gewürzen angelegt und anschließend nach passenden Rezepten recherchiert.

Beim Sammeln dieser Einzelheiten ergaben sich viele Bilder ganz von selbst. Während ich die Liste zusammenstellte, ergab sich für mich auch der Stil, in dem ich die Serie halten wollte. Die letzten Bilder waren warm und gemütlich, dieses Mal wollte ich elegante, klare Bilder. Demnach reduzierte ich meine gesammelten Rezepte auf solche, die zu dieser Vorstellung passten.

Am nächsten Tag habe ich begonnen, mir passende Requisiten zurechtzulegen und die ersten Aufnahmen vorzubereiten. Nach und nach kamen dadurch dann auch wieder neue Ideen für die Serie hinzu.

Zum Thema Bildgestaltung möchte ich mich kurz fassen, da es dabei keine bestimmten Regeln gibt, die zu beachten sind. Ob das Objekt nun im Goldenen Schnitt liegt, angeschnitten wird oder man mit einer Zentralperspektive arbeitet, hängt ganz von Eurem Geschmack ab. Genauso verhält es sich mit dem Kamerastandpunkt und der Wahl der Brennweite. Das ist alles eine Übungssache und man muss sich vorher darüber klar werden, was einem an der Aufnahme wichtig ist und wie das Objekt darauf wirken soll.

Schreiben könnte man zu diesem Thema sehr viel, aber ich bin der Meinung, dass Ausprobieren hier viel weiter hilft! Bei der Bildgestaltung kommen einfach so viele Aspekte zusammen, dass man keine allgemeingültigen Regeln aufstellen kann.

Bei der Umsetzung meiner geplanten Serie begann ich zuerst damit, mein Set aufzubauen und mich dann mit der Kamera an die Aufnahme heranzutasten. Wenn man noch keine genaue Vorstellung vom fertigen Foto hat, sollte man die Kamera in der Hand behalten und verschiedene Perspektiven ausprobieren, anstatt sich mit einem Stativ direkt einzuschränken. Wenn ich meinen Kamerastandpunkt und meine Lichteinstellungen gefunden habe, beginne ich mit der Feinarbeit am Bild.

Erklären möchte ich das kurz an diesem Beispiel:

Wichtig beim Foodstyling ist der Garpunkt. Jede Zutat sollte einzeln zubereitet werden, um diesen genau zu erwischen. Sicher geht es auch anders, aber das erfordert eine Menge Übung! Ich mache es immer so, dass ich die Zutaten zwar koche, aber sie nicht so gar sind wie man sie sonst essen würde. So bleibt die Form und auch die Farbe besser erhalten. Ganz rohe Zutaten erkennt man sofort, das zeigt das erste Beispielfoto.

Ich habe also beim Beispiel mit dem Punsch nach und nach die einzelnen Elemente in einem extra Topf mit Wein gekocht. Da dem Foto trotzdem noch die Lebendigkeit gefehlt hat, habe ich die Flüssigkeit mit einer Styroporplatte etwas eingespiegelt und zusätzlich ein paar Bläschen dazu gegeben, die ich vorher getrennt in einem Gefäß aufgeschlagen hatte. Durch den schwarzen Topf hätte man sonst gar nicht richtig wahrgenommen, dass sich darin eine Flüssigkeit befindet.

Die Lichtsetzung in der Stilllife- und Foodfotografie ist besonders wichtig. Im nächten Teil werde ich Euch mit Hilfe von einigen Beispielbildern verschiedene Möglichkeiten vorstellen, wie man das Licht gut einsetzen und lenken kann.

Dabei ist ihre Anordnung im Raum zufällig, wirkt meist chaotisch, da wir keinen Mehrwert aus einer Anordnung ziehen würden. Dinge stehen dort herum, wo wir sie abgelegt haben oder sie beim nächsten Mal brauchen.

Die Form der Falten auf einem Bett und der zerknüllt getrockneten Spüllappen wird nur durch unsere Bewegungen bestimmt. Oft routiniert, immer gleich und doch jedes Mal anders, weil keine Situation vollkommen gleich ist, in der wir durch unser Leben das Aussehen unserer Alltagsumgebung gestalten.

Selten passiert es, dass die Form einer solch zufälligen Anordnung figürlich ist, sodass irgendein Teil unseres Gehirns ein Bild erkennt und uns staunen oder lachen lässt. Über eine Regelmäßigkeit im zufälligen Chaos, über plötzlich auftretende Symmetrien oder unmöglich scheinende Anordnungen.

Jakob Hunosøe wartet nicht auf diese Momente, er schafft sie sich selbst. In seiner aktuellen Fotoserie “On Things Ordinary” arrangiert er Situationen, die zu sonderbar oder regelmäßig sind, um aus unserem zufälligen Umgang mit unserer Umgebung hervorgegangen zu sein.

In einem aufgeräumten, klaren, fast dokumentarischen Stil hält er Symmetrien, angeordnete Objekte, schwebende Gegenstände und ungewöhnlich Geformtes fest, das er vorzugsweise in Bädern, Küchen und der eigenen Wohnung findet.

Ich bewundere, wie Jakob es schafft, sich mit alltäglichen Gegenständen, die uns normalerweise so vertraut sind, dass wir sie im Grunde nicht mehr richtig wahrnehmen, fast übersehen, nie genau anschauen, so zu beschäftigen, dass verblüffende Momentaufnahmen entstehen.

Dazu schafft er einen Kontrast zwischen Minimalismus und Komplexität, denn obwohl die meisten seiner Kompositionen mit einem Blick zu erfassen sind und nur wenige Objekte involvieren, kann man sehr lange auf seinen Arbeiten herumwandern und trotzdem weitere überraschende Details entdecken.

Eine Einladung an jeden von Tatendrang erfüllten, oft aber ideenlosen Fotografen, der wie ich schon vor Jahren die eigene Wohnung mangels potentiell interessanter Motive gedanklich abgehakt hat. Zeit für eine Neuentdeckung der eigenen vier Wände.

Jakob Hunosøe wurde 1975 in Dänemark geboren, heute lebt und arbeitet er in Kopenhagen. Seit seinem Abschluss 2004 an der Königlich Dänischen Kunstakademie kann er auf eine beachtliche Anzahl an Ausstellungen und Auszeichnungen zurückblicken.

Seine Arbeiten beschäftigen sich nicht nur in dieser Serie mit den alltäglichen Gegenständen und dem Raum um uns herum. Er benutzt die Fotografie als neutrales Abbildungsmittel, um damit die Grenzen des Absurden, Humorvollen und Surrealen auszuloten.

Viele haben wohl schon mal ihre Hand oder ihr Gesicht auf einen Kopierer gelegt und geschaut, was als Ergebnis dabei herauskommt. Eine ähnliche Grundidee steckt auch in meinen Scans. Ein weiterer Gedanke war es, mal eine Alternative zur „normalen“ Fotografie auszuprobieren. Begonnen hat es dann mit ein paar Scans zum Spaß. Einfach um zu schauen, was dabei so herauskommt.

Das Prinzip der „Scan-o-grafie“ ist eigentlich ganz einfach: Man stellt den Scanner mit einem Vorschaumodus ein und scannt zunächst einmal seine Hand oder Ähnliches. Im nächsten Schritt arrangiert man zum Beispiel, wie im Bild mit der Blüte, seine Hände zusammen mit einem Objekt. Nur scannt man jetzt nicht mehr im Vorschaumodus.

Ob das Bild etwas geworden ist, sieht man dann allerdings nach dem kompletten Scan. Am Anfang braucht es einige Versuche. Bei meinen Scans war der Raum sehr dunkel, so habe ich auch einen relativ gleichmäßigen und dunklen Hintergrund auf meinen Bildern bekommen.

Es gibt aber auch Beispiele für Scannerbilder (mit weißem Hintergrund, wie die Arbeiten von Andrea Fleischer

Der Raum muss für einen weißen Hintergrund sehr hell sein, am besten noch extra beleuchtet. Man kann auch direkt darüber ein weißes Blatt als Hintergrund halten, allerdings würde ich das Blatt auch zusätzlich beleuchten, damit der Hintergrund so hell wie möglich wird. Der Rest ist dann ein bisschen Photoshop.

Foto: Andrea Fleischer

Zu guter Letzt muss ich aber auch gestehen, dass es wohl ein bisschen vom Scanner und der jeweiligen Auflösung abhängt, wie „sauber“ und klar das Ergebnis letztendlich wird. Ich selbst habe meine Bilder mit dem Canon 8600f gescannt.

Ich nutze es selbst inzwischen als eine Art der Fotografie. Ich mag die „besondere“ Wirkung der Bilder, weil ich es bisher nicht geschafft habe, fotografisch eine ähnliche Darstellung zu erzielen. Die Lichtsetzung spielt dabei sicherlich auch eine entscheidende Rolle. Am liebsten scanne ich meine Hände zusammen mit kleinen Objekten, wie Blüten, Blätter, Federn.
Eine andere Idee war es, Fotos von meiner Familie auf diese Weise neu zu inszenieren und so eine sichtbarere Verbindung zwischen den einzelnen Bildern zu schaffen.

Es gibt aber noch zahlreiche weitere Ideen und die einzige Grenze besteht wohl in der Größe der Auflagefläche des Scanners. Auf Flickr gibt es auch ein paar Gruppen zu diesem Thema: hier und hier.

Todd McLellan interessierte sich schon immer für alles Mechanische. Insbesondere faszinierte ihn dabei der Umstand, dass die Objekte kaum mehr genutzt werden.

Das ist einer der Gründe, warum er die Serie „Disassemby” fotografierte. In ihr wird nicht nur die alte Kamera auseinander gebaut, sondern auch eine Schreibmaschine, ein Rasenmäher, zwei Uhren und ein Telefon. Viele der Sachen besaß McLellan schon Jahre, bevor er die Bilder aufnahm.

In der ersten Stufe fotografierte er die Einzelteile der verschiedenen Geräte ordentlich aufgereiht. In der zweiten Stufe lies er sie fallen und fror sie im Flug mit seiner Kamera ein. Um diese explosionsartigen Stillleben zu schaffen, nutzte er den Blitzgenerator Broncolor Scoro packs.

Im Durchschnitt hat McLellan pro Objekt für das Auseinandernehmen und Auslegen etwa drei Tage gebraucht. Manipuliert wurde an den Bildern nur wenig.

Bevor ihr jetzt auch anfangt eure Kameras auseinander zu schrauben, schaut euch noch McLellans Homepage und sein komplettes Portfolio an. Nicht nur diese Serie ist einen Blick wert.