Innerhalb weniger Jahre – der Preis wird seit 2007 jährlich von der World Photography Organisation verliehen – hat sich das Ereignis zu einer internationalen Plattform für herausragende Amateur- und Profi-Fotografie entwickelt. Es war mir daher eine besondere Freude, in diesem Jahr der Prämierung der besten Arbeiten in London beiwohnen zu dürfen.

Aus einem schlichtweg überwältigenden Pool richtig guter Beiträge habe ich einige repräsentative Beispiele herausgepickt. Nicht alle dieser Arbeiten, die ich nun im Folgenden vorstellen möchte, sind auch Gewinner in ihrer jeweiligen Kategorie gewesen. Sie sind es, wie ich finde, dennoch wert, hier unbedingt gezeigt zu werden.

Andrea Gjestvang – One day in history

Mit ihrer Portraitserie von jungen Menschen, die das Massaker von Utøya in Norwegen überlebten, gewann die norwegische Fotografin in der Kategorie Menschen den ersten Preis sowie den Hauptpreis, die Iris d’Or.

Ihre Bilder sind unaufgeregt, nah, einfühlsam und zeigen uns die Menschen, die dem Horror des zutiefst erschütternden Ereignisses trotzten und wie sie eine würdevolle Selbstverständlichkeit gefunden haben, mit den erlittenen Verletzungen und ihren offensichtlichen Spuren umzugehen.

Gjestvangs Arbeiten wurden bereits international veröffentlicht und sie wurde im letzten Jahr von PDN in die Liste der 30 interessantesten aufstrebenden Fotografen aufgenommen.

Christian Åslund – Jim Rickey Project

In der Kategorie Werbung konnte sich diese Arbeit des schwedischen Fotografen Christian Åslund durchsetzen. Inspiriert von der 2D-Grafik früher Computerspiele entstand die Auftragsarbeit im engen Straßennetz von Hongkong. Åslund fotografierte aus der Höhe nach unten, wobei die Straße seinen Modellen als Kulisse diente.

Erheiternd und erfirschend finde ich diese Arbeit deswegen, weil sie mit einer simplen Idee – nämlich einfach die Aufnahmeperspektive um 90° zu drehen – ganz beiläufig unsere normale Perspektive in Frage stellt.

Welche Verwirrung das schon bei der Aufnahme der Bilder stiftete, beschrieb der Fotograf so: „Einmal rief sogar jemand den Krankenwagen, weil er dachte, unser Modell wäre aus der Höhe gestürzt und verletzt.“

Gali Tibbon – Journey to the Jerusalem of Africa – Lalibela, Ethiopia

Ursprünglich arbeitete sie an einem Projekt über orthodoxe Christen in Jerusalem, so die israelische Fotografin, und wurde dabei auf die Pilger aus Äthiopien aufmerksam.

Die Erzählungen der Pilger von Lalibela machten sie neugierig. Der Pilgerort für orthodoxe Christen im Hochland von Äthiopien ist auch bekannt als das Jerusalem von Afrika. Seine Besonderheit sind die im 13. Jahrhundert aus dem Fels gehauenen monolithischen Steinkirchen.

Tibbon dokumentierte diesen faszinierenden Ort und die Rituale der Pilger zum orthodoxen Weihnachtsfest. Sie sei dabei insbesondere vom ungewohnt offenen Umgang mit Nacktheit und Körperlichkeit fasziniert gewesen, sagte die Fotografin.

Ilya Pitalev – Personality and society. Reality vs. illusions.

Als sich 2012 in Nordkorea der hundertste Geburtstag des Staatsgründers Kim Il Sung jährte, begleitete der russische Fotograf die staatlichen Feierlichkeiten mit seiner Kamera.

Mit seinen Fotos der propagandistischen Massenveranstaltung gewann Pitalev den ersten Preis in der Kategorie Zeitgeschehen. Sein nüchterner und zuweilen frecher Blick auf das Ereignis führt den Personenkult gekonnt ad absurdum.

Dass es ganz klar eine internationale Aufmerksamkeit für Nordkorea gibt, war schon allein daran zu erkennen, dass dies bei Weitem nicht die einzige eingereichte Arbeit war, die sich mit dem Land auseinandersetzt.

Daesung Lee – On the shore of a vanishing island

Eine sehr schöne Arbeit, die jedoch keinen Preis bekam, ist die Bildserie des südkoreanischen Fotografen über Ghoramara – einer Insel in Bengalen, der durch den Anstieg des Meeresspiegels buchstäblich der Untergang droht.

Zwei Drittel der Bevölkerung haben die Insel seit den 1960er Jahren bereits verlassen. Die Übriggebliebenen sind Bauern und Fischer, deren Heimat nach und nach erodiert, während ihre Zukunft unklar bleibt.

Lee hat einige dieser Menschen an den zerfransten Ufern der Insel portraitiert. Seine Bilder vermitteln die Ungewissheit, in der diese Menschen leben und ihre Machtlosigkeit gegenüber der Natur, zugleich aber auch ihre enorme Anpassungsfähigkeit.

Fabrice Fouillet – Corpus Christi

Mit seinen Innenaufnahmen moderner Kirchenräume konnte sich der französische Fotograf in der Kategorie Architektur behaupten.

Die minimale Ästhetik der erst wenige Jahrzehnte alten Kirchenbauten war der Aspekt, der Fouillet bei dieser Arbeit am meisten beschäftigte.

Die immer gleiche Grammatik von Hochformat und Zentralperspektive auf den Altar unterstreicht dabei den sakralen Raumeindruck und vereint die Bildserie zu einer gelungenen typologischen Studie.

Klaus Thymann – i-D Iceland

Bärtig, rau und sagenhaft gut gekleidet steht das Modell des dänischen Fotografen Klaus Thymann in der schroffen Landschaft Islands.

Im Auftrag für eine Modemarke fotografiert, definiert die Arbeit die Grenzen der Modefotografie neu und beweist: Es braucht nicht zwangsläufig faltenlose Hochglanzmodelle, um gute Kleidung auch gut in Szene zu setzen.

Ernest Goh – Cocks!

Der Fotograf aus Singapur konnte mit seiner Fotoserie über Zierhühner in der Kategorie Natur & Tierwelt überraschenderweise nicht punkten.

Ich zeige die Arbeit hier dennoch, weil sie wunderbar humorvoll und nicht zuletzt auch technisch höchst professionell umgesetzt ist.

Ausleuchtung und Bildsprache unterstützen den Portraitcharakter der Bilder und veranlassen uns als Betrachter unwillkürlich, eine Persönlichkeit in dem uns entgegenblickenden Vogel zu erkennen.

Positiv überrascht war ich übrigens auch, die Arbeit „Dreaming of Dubai“ unseres Gastautors Johannes Heuckeroth in der engeren Auswahl der Kategorie Travel zu entdecken. Dafür herzlichen Glückwunsch von uns!

Wer mehr Gewinnerbilder sehen möchte, kann sich online in den Award Galleries umschauen.

Und wer es bis zum 12. Mai noch nach London schaffen sollte, dem sei unbedingt ein Besuch der Ausstellung im Somerset House ans Herz gelegt.

Die Serie begann als Einzelbild mit der Tochter eines befreundeten Paares in der Toskana. Die Eltern baten ihn um ein Bild der Tochter, also zog er mit seiner Kamera los und besuchte sie im Kuhstall, wo sie gerade den Kühen spielerisch Futter brachte.

Einige Monate später erst, als er einen Trip um die Welt plante, überlegte er sich, mit diesem Bild eine Serie zu starten. Er wollte Kinder auf der ganzen Welt zusammen mit ihrem Lieblingsspielzeug fotografieren.

Gabriele reiste zwei Jahre lang durch 58 Länder und portraitierte dabei etwa 50 Kinder. Die Bilder zeigen große Unterschiede: Kinder mit einem abgenutzten Stofftier und andere mit einer fast unüberschaubaren Ansammlung von diversen Spielsachen.

Gabriele macht jedoch vor allem auf die Gemeinsamkeiten aufmerksam. „Sie alle wollen nur spielen“, fasst er es zusammen. Ob der 6-jähige Junge aus Texas oder das 5-jährige Mädchen aus Malawi. Beide hatten Plastikdinos in ihrer Auswahl, die sie vor Gefahren beschützen. Alle Kinder schaffen sich eine eigene Realität, in der sie spielen.

Den größten und überraschendsten Unterschied sah Gabriele darin, dass die Kinder in den ärmsten Ländern weniger an ihren Spielsachen hingen. Oft spielten sie kaum damit und trafen sich lieber mit anderen Kindern, während Gabriele manche Spielsachen reicherer Kinder zunächst nicht berühren durfte. Viel mehr sagen die Spielsachen für Gabriele über die Eltern als über die Kinder aus.

Was hätte Gabriele fotografiert, wäre er vor 20 Jahren nach Sachsen gekommen, um mich zu portraitieren? Murmeln, Lego, Stofftiere, Bücher, Barbies, eine Kiste mit verschiedensten Knöpfen – damals ein großer Schatz für mich.

Wenn ich die Fotoserie ansehe, hat sich seit meiner Kindheit kaum etwas verändert. Auch Gabriele kam bei seiner Arbeit zu dieser Auffassung: „Ich sah oft die Art von Spielsachen, mit denen ich auch spielte. Es war schön, zurück in meine Kindheit zu gehen, irgendwie.“

Und dann stehe ich in Bonn auf dem Marktplatz vor dem Rathaus nur ein paar Meter von meiner Universität entfernt und weiß, dass es doch genau so war. Hier an dieser Stelle. Unter Leitung des damaligen Professors für Kunstgeschichte.

Jan Schenck ist freier Fotograf aus Berlin und möchte alle Orte dokumentieren, an denen damals von den Nationalsozialisten Bücher verbrannt wurden. Das Geschehene soll nicht in Vergessenheit geraten. Auch die Frage, ob wir diese Plätze anders betrachten, wenn wir um deren Geschichte wissen, treibt ihn an.

Dass diese Dokumentation nicht einfach sein wird, ergibt sich nicht nur aus der erschreckende großen Anzahl von 93 Orten, an denen Bücherverbrennungen stattfanden.

Nur ein Beispiel von vielen: Wo heute Kinder am Kaiser-Friedrich-Ufer in Hamburg spielen, wurde am 15. Mai 1933 um 23 Uhr der Scheiterhaufen angesteckt und Bücher von 131 Autoren vebrannt. Heute ist an dieser Stelle eine Parkanlage. Hinter dem Kinderspielplatz erkennt man die Gedenktafeln, die an die Verbrennung erinnern sollen.

In der Redaktion waren wir uns schnell einig, dass wir dieses Projekt unterstützen möchten. Deshalb machen wir Euch auf seinen Aufruf auf Krautreporter aufmerksam. Hier erklärt Jan genau seine Beweggründe und sein Vorhaben und sammelt Spenden. 3.000 € benötigt er, um mit seinem Vorhaben beginnen zu können.

Neben der Entwicklung der Onlineplattform sollen von dem Geld die Recherchen und die Erstellung der Fotografien zu den ersten acht Orten finanziert werden. Er plant 360°-Kugelpanoramen und Großformataufnahmen. Dafür wird er er eine Nikon D200 mit einem 85mm Nikkor und eine Sinar F2 nutzen.

Jan möchte zu den Fotos Texte und Hintergründe sammeln und online stellen. Es soll ein Atlas werden, eine interaktive Plattform mit Erinnerungen und Zeitzeugenberichten. Wer nicht mit Geld helfen kann, hat vielleicht Materialien, die er Jan zur Verfügung stellen will.

Wir behalten das Projekt im Auge und hoffen, bald wieder davon berichten zu können: Wenn die Seite gewachsen ist und erste Orte dokumentiert sind.

Wachstum ist noch immer das Leitmotiv unserer Zeit. Nur wirtschaftliches Wachstum kann uns aus der Krise holen, eine Firma vorm Bankrott retten, unsere Bildung und Altersvorsorge sichern.

Ohne Wachstum keine Zukunft. Die Weltbevölkerung wächst und wächst, aus Städten werden Großstädte, aus Großstädten werden Mega-Cities. Wachstum ist +, Wachstum ist positiv, Wachstum ist gut, Wachstum ist groß, ist hoch, ist weit.

Doch gleichzeitig gibt es Orte der Schrumpfung, Orte an denen die Dinge irgendwie anders funktionieren müssen. Weil die großen Firmen nicht mehr da sind, weil die Arbeitslosigkeit langweilig wird, weil die Sterberate über der Geburtenrate liegt, weil die Menschen wegziehen.

Auf mich haben diese Orte schon immer einen großen Reiz ausgeübt. Ich stellte mir vor, dort alternative Lebens- und Überlebenskonzepte finden zu können. Es müssten Orte sein, an denen man frei ist, sich zu entfalten.

Denn es gibt genug Platz. Das Leben kostet nicht viel. Die Zeitungen berichten nicht mehr. Es ist kein Geld da für staatliche Kontrolle. Und auch die sich ständig beschwerenden Nachbarn sind längst weggezogen.

Doch die Bilder der Fotografen, die sich seit dem Beginn der aktuellen Wirtschaftskrise diesem Thema gewidmet haben, entsprechen so gar nicht meinen Fantasien dieser Orte.

Ihre Fotoserien zeigen leere Häuser, „zu verkaufen“-Schilder, Junkies und gelangweilte Jugendliche auf dem Weg zum Junkie. Verlassenheit, Depression, Schatten, Verfall, Trauer. Eine visuelle Untermauerung der Wachstumsdoktrin.

Doch wo sind die Potenziale, die neuen Ideen, die Querdenker? Im Frühjahr 2010 habe ich mich auf die Suche begeben und bin nach Dessau gefahren. Und tatsächlich: Die leerstehenden Gebäude drängen sich mir geradezu auf und auch in den Gesichtern der Passanten sehe ich mehr Leere denn sprudelnde Ideen.

Ein Viertel der Einwohner haben seit der Wende die Stadt verlassen und ich spüre, dass sich auch die Menschen hier verlassen fühlen. Dessau hat es auch wirklich nicht leicht gehabt: Die meisten Betriebe haben den überstürzten Wechsel vom Sozialismus zum Kapitalismus nicht überlebt.

Die Lokalpolitiker wollten die Schrumpfung nicht als Zukunftsszenario akzeptieren und haben für immer weniger Einwohner immer mehr Einkaufszentren gebaut.

Bis zum Jahr 2002. Mit einem Paukenschlag kündigten Politiker und staatliche Institutionen ihren Kurswechsel an: „Less is future“ lautete das Motto der Internationalen Bauausstellung.

Internationale Experten und Künstler gaben über die Köpfe der lokalen Bevölkerung hinweg mehr als 200 Millionen Euro aus, um ein altes Konzept neu zu verkaufen: Abnahme an Bevölkerung = Abriss von Gebäuden.

Nur sollten diesmal „von grünen Bändern umgebene urbane Kerne“ entstehen, es sollte also gezielt abgerissen werden. Das Ergebnis war ein Desaster: Durch Aufrechterhaltung der flächenmäßigen Ausdehnung der Stadt bei abnehmender Einwohnerdichte wurde die Instandhaltung der Infrastruktur zu teuer.

Und so könnte Dessau bald so aussehen wie ein Foto der Krisenfotografen: Stillgelegte Bushaltestellen, verstopfte Kanalisation und verrottende Straßen.

Aber vielleicht auch nicht. Denn es gibt Leute wie Alex, der zusammen mit seinen Freunden auf einem stillgelegten Güterbahnhof eine Dirtramp gebaut hat. Agi, deren „erotischer Sozialservice“ sich auf eine ältere Kundschaft spezialisiert hat.

Einen Verein, der eine Bierbrauerei zu einer Kletterhalle umgebaut hat. Und Sergej, ein Ex-Balletttänzer, der mittlerweile einen hervorragenden Automechaniker abgibt.

Es sind vereinzelte Leute, ihre Gesten, ihre Ansichten und Projekte, die meine Fantasien der schrumpfenden Städte als Orte enormer Potenziale gerettet haben. Aber es sind Fantasien geblieben.

Und so wusste ich, dass ich soeben den Titel meiner Fotoserie gefunden habe, als ich im Staub einer Fensterscheibe las: „Es ist so weit, holt mich hier raus.“

Meine Suche geht weiter.

Dokumentarische Portraits sollten etwas von den Portraitierten erzählen. Von dem, was sie tun und wer sie sind. Von ihren Lebensumständen, ihrer Umwelt, davon, wie sie sich fühlen und wie sie die Welt um sich herum wahrnehmen. Es sollte den Portraitierten ein Gesicht geben.

Ab und an muss man dafür jedoch Umwege beschreiten: Um den illegalisierten Migranten im französischen Calais ein Gesicht zu geben, schien es mir das Beste, den Bildern eben dieses vorzuenthalten.

Hocksha* aus dem Sudan war 16 Jahre alt als ich ihn 2010 in Calais kennenlernte. Das Portrait entstand während dem Wacheschieben am Eingang des alten African House. Mittlerweile hat Hocksha es nach Großbritannien geschafft.

Vor zwei Jahren kam ich das erste Mal in die nordfranzösische Küstenstadt Calais. Zusammen mit dem Frankfurter Fotografen Philip Eichler wollte ich hier im Sommer 2010 das Leben derer dokumentieren, die in unserer Gesellschaft kein Gesicht haben. Calais ist eine ihrer Hauptstädte.

Jedes Jahr stranden Tausende der sogenannten „illegalen“ Migranten in der kleinen Stadt am Ärmelkanal. Geflohen aus den Ländern Nord- und Zentralafrikas, des nahen und mittleren Ostens, haben sie sich bis hierher durchgeschlagen. Viele andere sind zurück geblieben.

Zuhause in Krieg, Armut und Unterdrückung, in den Flüchtlingslagern vor den Toren der Festung Europa oder im nassen Massengrab Mittelmeer. Hier am Ärmelkanal wartet die letzte hohe Hürde auf die Übriggebliebenen: Die Seegrenze zwischen Frankreich und England.

Nach sieben Jahren Zwangswehrdienst desertierte Habte* aus dem eritreischen Militär. Obwohl er der erste war, den ich 2011 in Calais kennenlernte, dauerte es lange, bis ich ihn portraitieren durfte. Mittlerweile hat Habte in Frankreich Asyl beantragt, lebt jedoch immer noch mit den anderen auf der Straße.

Zwei Wochen lang begleiteten Philip und ich die Bewohner des African House, einer halb verfallenen Möbelfabrik, die überwiegend von sudanesischen und eritreischen Flüchtlingen besetzt war. Wir erlebten mit ihnen die Härten des Alltags ohne Papiere, die täglichen Überfall-Razzien der französischen Polizei und die niederschmetternde Erfahrung, auf dem Weg ins vermeintliche Glück immer und immer wieder zu scheitern.

Wir hörten Geschichten von jungen Menschen, die unsere Vorstellungen dessen, was ein Mensch ertragen kann, weit strapazierten. Doch gerade diese jungen Flüchtlinge schafften es immer wieder auch, uns positiv zu beeindrucken. Mit ihrer scheinbar grenzenlosen, völlig unangebrachten Zuversicht, mit ihrer Offenherzigkeit und ihrer Gastfreundschaft – trotz alledem.

Und dann war da noch die „Calais Migrant Solidarity“, ein kleines Häufchen „NoBorder!“-Aktivisten, die ohne nennenswerte finanzielle Mittel, dafür aber unter umso größerem persönlichen Einsatz, praktische und wirkungsvolle Solidaritätsarbeit vor Ort leisten. Ein kleines Leuchtfeuer der Courage im tiefen Dunkel der europäischen Asylpolitik.

Amin* kam, wie so viele hier, aus Darfur. Während seine Schicksalsgenossen aus dem African House das Essen für das abendliche Ramadan-Fastenbrechen abholten, entstand dieses Bild im provisorischen Wohnzimmer des ungeliebten „Zuhauses“.

Mit dem Gefühl, diese vielschichtige und aus meiner Sicht bedeutsame Geschichte 2010 noch nicht umfassend genug erzählt zu haben, zog es mich 2011 erneut für mehrere Wochen in den Norden Frankreichs. Dieses Mal auf eigene Faust. Ich erarbeitete eine zweite Reportage, ergänzt um ein weiteres Medium und mit dem hoch gesteckten Ziel, die komplexe Situation der Flüchtlinge und ihrer Helfer möglichst umfänglich und der Lage entsprechend eindringlich zu erzählen. Das Ergebnis ist die Audio-Slideshow „City of the Faceless – living illegally in Calais“:

Sowohl die Fotoreportage aus 2010 als auch dieser Fotofilm leben von den Portraits der „Sans Papiers“ (franz. „Papierlose“). Und das, obwohl keines davon ein vollständiges Gesicht zeigt. Schon während der Planung für die erste Reportage hatte ich mich aus verschiedenen Gründen dazu entschlossen, die Flüchtlinge so zu portraitieren, dass sie auf den Bildern nicht identifizierbar sein würden:

Zuerst einmal haben viele Flüchtlinge Angst, ihre Gesichter öffentlich zu zeigen. Sie sind als „Illegale“ sowieso schon ständigen Schikanen der Staatsmacht ausgesetzt und zudem schwebt auch noch ständig das Damoklesschwert der Abschiebung über ihnen. Viele von ihnen hoffen zudem, es trotz allem noch nach Großbritannien zu schaffen und dort Asyl zu beantragen.

Sollten die britischen Behörden bei der Prüfung des Asylantrages allerdings herausfinden, dass ein Flüchtling durch einen anderen EU-Staat – in diesem Fall Frankreich – auf die Insel gekommen ist, gibt ihnen die EU-Verordnung „Dublin II“¹ die Möglichkeit, den Betroffenen ohne weitere Prüfung des Antrages dorthin zurückzuverfrachten.

Mit diesem Bild wurde das Eis gebrochen. Nach neun Tagen war Karim* 2010 der erste, den ich in Calais portraitieren durfte. Die Flüchtlinge forderten uns auf, seine Verletzung zu dokumentieren. Er hatte versucht, einer Polizei-Razzia – der dritten an diesem Tag – zu entkommen und wurde kurzerhand mit dem Knüppel gestoppt.

Doch Frankreich ist für viele Flüchtlinge keine Option. In Frankreich ist es weitaus schwerer, Asyl gewährt zu bekommen und selbst wenn man es schafft, ist die Unterbringung und Versorgung in vielen Fällen mehr als mangelhaft. Abgesehen davon, haben die meisten Sans Papiers noch ganz andere Gründe für die Flucht nach England:

Viele kommen aus ehemaligen Kolonien des britischen Empire, sprechen bereits Englisch, sind mit der Kultur ein wenig vertraut. Einige haben Familie in Großbritannien: Onkels, Tanten, Geschwister, die ihnen mit Unterkunft, Sprache und Behördengängen helfen können.

Der zweite, für mich noch ausschlaggebendere, Punkt war, dass die Anonymität der Bilder genau das ausdrückt, was die Situation der sogenannten „Illegalen“ ausmacht: Keine Papiere, keine Identität, keine Rechte. Das ist die kalte Realität, sowohl im Land von „Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit“ als auch im Rest des „in Vielfalt geeinten“² Kontinents.

Arbeit, Wohnung, Sozialhilfe, medizinische Versorgung – Pustekuchen. Ohne Aufenthaltsstatus bleiben einem die grundlegendsten Bürgerrechte verwehrt und man ist gut damit beraten, nicht aufzufallen.

Mohammed* lebte als Händler in Lybien. Mit der aufkommenden Revolte gegen Gaddafi floh er 2011 vor dem aufflackernden Hass gegenüber Schwarz-Afrikanern. Das Bild entstand während dem Kochen für die Essensausgabe mit der Calais Migrant Solidarity.

So war es auch nicht leicht, die Sans Papiers zu portraitieren. Zwar war die Gastfreundschaft der Flüchtlinge jedes Mal auf’s Neue bewundernswert, doch sobald eine Kamera ins Spiel kam, wurde die Situation zur Gratwanderung. Es dauerte beide Male über eine Woche, bis mir das nötige Vertrauen entgegengebracht wurde, um relativ unbehelligt in den Squats und Camps fotografieren zu können.

Wenn sich dann jemand zu einem Portrait bereiterklärte, musste das Bild möglichst auf Anhieb passen. Gelassenheit ist ein Luxus für den Teil der Gesellschaft, der sich frei bewegen kann.

Undokumentierte Flüchtlinge hingegen führen in ganz Europa ein Leben unter der Oberfläche der Gesellschaft, ein Leben im Versteck. Sie haben keine Lobby, kaum jemanden, der sich für sie einsetzt. Was ihnen bleibt, ist der unerschütterliche Durchhaltewillen derer, die nichts mehr zu verlieren haben. Nicht einmal ihr Gesicht.

Weitere Infos und Anmerkungen

Pro Asyl | Borderline Europe | Calais Migrant Solidarity

* Name geändert.

¹ Die EU-Verordnung Nr. 343/2003 (Dublin II) vom 18.02.2003 besagt im Wesentlichen, dass jeder Asylsuchende seinen Asylantrag in dem Land stellen muss, in dem er erstmalig seinen Fuß auf europäischen Boden setzt. Für die meisten Flüchtlinge würde das bedeuten, in Ländern wie Griechenland oder Italien Asyl beantragen zu müssen, in denen unhaltbare Zustände in der Flüchtlingspolitik und -unterbringung herrschen. Die EU-Kernländer wie Deutschland, Großbritannien und Frankreich schieben somit die Verantwortung für die Flüchtlinge auf die völlig überforderten Randstaaten ab.

² „Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit“ – Ideale der französischen Revolution. „In Vielfalt geeint“ – Wahlspruch der Europäischen Union.

Ich mag Bilder, die nicht um meine Aufmerksamkeit buhlen, es ist ein bisschen wie mit den Menschen: Diese Bilder tragen keinen Glamour oder Glanz. Sie sind immer ein bisschen unter Sand begraben und erst derjenige mit einem Entdeckerherz schiebt die Staubschicht hinfort und befreit sie aus ihrer Lethargie.

Solche Bilder entdeckte ich im Fundus meines Freundes, der ebenfalls fotografiert. Oft gehen wir gemeinsam raus, reisen zusammen und bringen immer ganz andere Blickwinkel unserer Umgebung mit. Dabei könnten wir nicht unterschiedlicher sein: Während ich detailverliebt mit dem Objektiv auf dem Boden klebe, entdeckt er in der Gänze surreale, merkwürdige Momente, die mir oft verborgen bleiben.

Da ist der Blick aus unserem Fenster in den Hof. Tentakelartige Schatten umgreifen den kinderleeren Sandkasten. Eine stille Unruhe geht in mir vor, ich kann den Gedanken nicht ganz greifen.

Linien, die Straßenzüge, Fenster und Türen formen. Ein Mann in einem Rollstuhl. Etwas stimmt nicht. Ich betrachte es genauer und sehe es dann, mir fröstelt beim Gedanken, der sich anschickt, sich aufzubauen.

Die Bilder erfassen einen Moment, doch der Betrachter zieht seine Schlüsse. Er kann darin die Nuance einer Unmöglichkeit entdecken. Nichts ist verändert, geschönt oder hinzugefügt.

Ganz allein der Gedankenschatz, die Fantasie des Betrachters ist notwendig für das, was sich daraus entwickeln kann. Das Fotografierte ist dabei wie eine Schablone, die Möglichkeit, etwas zu sehen, das nicht da ist.

Der wolkendurchwirkte Himmel dient als Hintergrund. Wieder Linien, ein Wirrwarr, das Ordnung schafft. Ich erinnere mich an diesen Ort; weiß, wie ich dort gestanden habe. Doch die Thronende, die mit einer Selbstverständlichkeit über all das wacht, hatte ich nicht bemerkt.

Erst zuhause, als das Bild an unserer Wand hing, bemerkte ich sie mit einem Aufschrei: „Da ist ja… hast du die gesehen?“ Er quittierte es mit einem süffisanten Lächeln.

Es macht mir Freude, Bilder dieser Art und Form zu betrachten. Sie geben nicht alles preis, sind immer auch ein bisschen Geheimnis. Standbilder eines Films, der erst noch geschrieben werden muss.

Jedes Jahr kommen ein oder zwei neue hinzu. Nicht, weil sie müssen, sondern weil diese Momente da sind und im richtigen Moment festgehalten werden. Ein Film, der über Jahre geschrieben wird und vielleicht nie ein Ende haben wird.

~

Wer ebenfalls auf Entdeckertour gehen möchte, dem sei dieses Blog empfohlen.

Im Jahr 2005 begann eine moderne Märchengeschichte. Der Amerikaner Robert Fleming half einer schwangeren Frau aus Uganda, die nicht in der Lage war, ihr Kind zu behalten. Die kleine Malayaka fand sich kurze Zeit später im Hotelzimmer von Robert Fleming wieder, zusammen mit einigen anderen Kindern, die Robert aus allen möglichen Winkeln der Umgebung mit besten Wünschen in die Arme gelegt bekam.

Ohne seine Hilfe wäre ein Überleben nicht möglich gewesen. Die Kinder waren krank, verletzt oder ausgesetzt. Er fasste den Entschluss, ein Haus zu mieten und einen Platz zum Leben zu finden für sich und diese Kinder. Es entstand das Malayaka-Haus in Entebbe. In den folgenden Jahren kamen mehrere Kinder hinzu, es wurden Arbeitskräfte angeheuert und Volontäre aus der ganzen Welt aufgenommen.

In diesem Malayaka-Haus verbrachte ich Ende Oktober zwei Wochen.

In den letzten Tagen wurde ich öfter gefragt, wie mein Aufenthalt in Entebbe (Uganda) war. Ich antwortete immer mit demselben Wort: „Krass.“ Nicht schön, sondern krass. Am Anfang musste ich mich an die Bedingungen sehr anpassen.

Oft keinen Strom zu haben und falls das Haus Strom hatte, machte ein Diesel-Generator enormen Lärm. Oder jeden Tag eiskalt zu duschen und trotzdem bei absoluter Dunkelheit mit meinem Laptop mit UMTS-Geschwindigkeit zu surfen. Verrückte Welt.

Warum war ich aber dort? Mein ehemaliger Mitbewohner hatte durch zahlreiche Erzählungen das Feuer für dieses Fotoprojekt in mir entfacht. Er selbst war schon vier Mal in Entebbe geweseb, er war als Volontär in Uganda und seitdem kommt er jedes Jahr zwei Mal für zwei Wochen wieder an diesen Ort zurück.

Ein Waisenhaus mitten in Ost-Afrika. Für mich ging es primär darum, das Haus mit seinen Kindern zu fotografieren, diese Bilder sollten erstes Futter sein, für einen Verein, der zur Unterstützung des Hauses in Deutschland gegründet wird.

Wie fotografiert man in einem Waisenhaus? Diese Frage hatte mich Wochen vorher beschäftigt, ich wollte eben nicht die Standardklischees erfüllen, ich wollte auch keine gestellten Szenen erschaffen. Es forderte trotzdem für mich eine enorme Überwindung, diese Fotos zu machen.

Es schwang ständig das Gefühl mit, sich an dem Leid der Kinder zu bereichern, indem ich von diesen kleinen Knirpsen Fotos machte. Daher waren die ersten zwei, drei Tage sehr hart, es prasselte viel zu viel auf mich ein, um es gescheit in ein Bild zu verpacken.

Nach dieser Eingewöhnungsphase fing ich an, mich auf Details zu konzentrieren. Dabei hatte ich den Entschluss gefasst, die Kinder, Volontäre und Aunties eher als stiller Beobachter zu fotografieren. Keine Anweisungen, keine Kommandos, einfach das Leben 1:1 darzustellen.

Ich habe mich mit meiner Kamera hingesetzt, die Kinder beim Essen, Hausaufgaben machen oder spielen beobachtet. Immer, wenn ich dachte, das wäre ein gutes Motiv, habe ich die Kamera angesetzt und auf den Auslöser gedrückt. Nach ein paar Minuten haben mich die Kinder auch nicht mehr wahrgenommen und haben sich normal verhalten.

Das forderte dann am späteren Abend seinen Tribut, ich war von den Gästen und Volontären des Hauses meist der erste, der ins Bett wanderte. Die visuellen Eindrücke, die ich über den Tag gesammelt hatte, mussten in einer ruhigen Minute, vor meinen geistigen Auge aufgearbeitet werden. Dies war für meine tägliche Arbeit enorm wichtig.

Diese Reise hat mich persönlich enorm nach vorn gebracht. Die Herzlichkeit der Menschen ist atemberaubend. Kinder im Alter von 14 oder 15 Jahren, die mich zum ersten oder zweiten Mal in ihrem Leben sahen, rannten auf mich zu und umarmten mich.

Sie schrieben Briefe oder schenkten mir kleine Armbänder. Menschen, die fast nichts Materielles besitzen, gaben etwas von sich. Ja, davon konnte ich mir selbst noch eine Scheibe abschneiden.

Was steht am Ende der Reise nun für mich? Der Gegensatz zwischen arm und reich, glücklich und satt. Ich konnte den Kindern einiges über Deutschland erzählen und man konnte sich gegenseitig austauschen. Den Kindern in dem Haus geht es mittlerweile sehr gut, trotzdem lassen sich die einzelnen Schicksale in einer so kurzen Zeit nicht erfassen. Daher steht der Entschluss fest: Ein zweiter Besuch wird definitiv stattfinden.

Am meisten überrascht von meiner Paris-Reise und den dabei entstandenen Fotos war ich selbst. Schon bevor ich das erste Mal in Paris war, hatte ich eine genaue Vorstellung der Stadt, geprägt durch Filme, Bücher und Fotos.

Bevor es Mitte August letzten Jahres früh morgens losging, haben meine Freundin und ich Reiseführer und Stadtkarten gewälzt, um die ideale Route durch die Stadt zu planen und so viel wie möglich zu sehen – an den zweieinhalb Tagen die wir in dieser Stadt hatten.

Von unserem Hotelzimmer aus konnten wir den Eiffelturm sehen. „Das beste Zimmer im Hotel“, wurde uns an der Rezeption versichert. Ein schönes Extra, aber schlussendlich waren wir nicht in Paris, um die Stadt von unserem Hotelzimmer aus zu bestaunen. So ging es dann also los, von den äußeren Stadtgebieten ins Zentrum. Ausgerüstet mit einem Stadtplan, Metro-Tickets und einer Kamera Richtung Eiffelturm.

Fotografisch hatte ich mich nicht wirklich auf bestimmte Motive festgelegt. Einfach fotografieren, was mir vor die Linse kommt, schöne Erinnerungen festhalten, man ist ja schließlich nicht jeden Tag in Paris. So ging es dann durch belebte Gassen, vorbei an kleinen Cafés. Durch das geschäftige Treiben in der Metro und ab und an wurden wir mit der Masse mitgezogen und sind dann doch von unserem strengen Reiseplan abgewichen.

Je näher wir dem Zentrum kamen, desto deutlicher zeigte sich aber auch ein anderes Bild der Stadt. Vielleicht unbemerkt, vielleicht aber auch einfach toleriert oder gar ignoriert, bevölkern Menschen die Straßen, im Gepäck ihr gesamtes Hab und Gut oder das, was davon übrig ist. Mir wurde eine andere Facette der Stadt bewusst, weit abseits von Romantik, Fashion und verträumten kleinen Cafés mit Blick auf den Eiffelturm, aber doch irgendwie mitten drin und ein immer präsenter Teil davon. Zumindest, wenn man es zulässt.

Im ersten Moment war ich irgendwie schockiert, denn dieser Aspekt wurde in keinem Reiseführer oder Film, den ich kannte, thematisiert. Und ehrlich gesagt war ich darauf auch nicht wirklich vorbereitet. Ich weiß nicht genau wieso, aber ich fing an, auch diese Seite der Stadt zu fotografieren, schließlich wollte ich meinen gesamten Eindruck der Reise dokumentieren.

Viele der Fotos sind sehr spontan entstanden. Im ersten Moment habe ich mich auf die allgegenwärtigen Sehenswürdigkeiten konzentriert, aber schon beim zweiten Blick fielen mir Situationen auf, die irgendwie nicht so recht in meine Erwartungen passen wollten.

Mit jedem Druck auf den Auslöser, der nicht einem der prachtvollen Bauten gewidmet war, veränderte sich auch der Blick auf mein eigenes Tun und Handeln. Probleme, über die ich mir vorher den Kopf zerbrochen hatte, wirkten auf einmal ganz banal.

Ich kann mich zum Beispiel daran erinnern, dass ich mich kurz nach der Ankunft am Flughafen tierisch darüber aufgeregt hatte, dass wir noch knapp drei Stunden mit unserem gesamten Gepäck durch die Stadt laufen mussten, ehe wir es sicher im Hotelzimmer verstauen können würden.

In Anbetracht der Tatsache, dass ich immer wieder Menschen sah, die tagein, tagaus ihr gesamtes Leben verstaut in einigen Taschen mit sich herumtragen, kam mir die Sorge um die fünf T-Shirts in meiner Reisetasche plötzlich sehr lächerlich vor.

Ende März dieses Jahres war ich wieder in Paris, dieses Mal beruflich. Ich war mit einer Band dort, wir haben ein Musikvideo gedreht und Promo-Fotos gemacht. Ich habe gemerkt, dass sich mein Blick auf die Stadt verändert hat und ich mit einer anderen Sichtweise als der Rest der Gruppe an die Sache herangegangen bin.

Es fiel mir anfänglich schwer, die romantische Stimmung einzunehmen, die das Konzept vorgesehen hat. Mir ist bewusst geworden, dass meine Illusion der Stadt zerstört war, auch wenn ich in diesem Moment wieder eine neue aufgebaut habe.

Documenting Delight, also „Freude dokumentieren“ heißt die Homepage der Australierin Georgia. Und der Name der Seite ist absolut berechtigt, denn sie zeigt dort Fotos ihrer Familie, sowie ihrer Arbeit als Geburtsfotografin.

Ja, Ihr habt richtig gelesen: Geburtsfotografin. Fotos von Geburten waren mir bisher auch unbekannt. Als ich jedoch Georgias Bilder sah, überzeugten sie mich so sehr, dass ich unbedingt ein Interview mit ihr führen wollte. Ich bin so froh, dass sie zugestimmt und mir so einen Einblick in diese seltene Arbeit gewährt hat.

Georgia filmt die Geburten zusätzlich, aber ich entdecke gerade bei der Dokumentation einer Geburt die Stärke der Fotografien. Sie sind nicht aufdringlich und dennoch nah und emotional. Georgia macht aus einmaligen Erlebnissen so unbeschreibliche Fotos und ich glaube, dass das jeder sieht, auch wenn er noch nie eine Geburt miterlebt hat.

Hallo Georgia. Ich habe noch nie von Geburtsfotografie gehört, bevor ich Deine Bilder sah. Wie bist Du auf die Idee gekommen, Geburten zu fotografieren?

Meine älteste Schwester ist Fotografin und fragte mich, ob sie bei meiner ersten Geburt dabei sein und sie fotografieren dürfte. Ich war nicht begeistert von der Idee, sagte aber zu, denn ich fand den Gedanken schön, einige erste Bilder meiner Tochter zu bekommen. Ich hatte keine Ahnung, wie kostbar die Bilder der ersten Begegnung mit meinem Baby sein würden. Danach wusste ich, dass ich meine nächste Geburt auch dokumentiert haben wollte. Meine Geburtsbilder sind aussagekräftiger als meine Hochzeitsbilder.

Ich stelle es mir schwierig vor, Fremde in einer so intimen Situation zu sehen. Für Dich als Fotografin, aber auch für die Eltern ist es sicher nicht einfach. Wie gehst Du damit um? Kennst Du die Gedanken der Eltern?

Ich treffe mich mit jeder Mutter vor ihrer Geburt, so dass wir eine Beziehung aufbauen können und ich nicht ganz fremd bin. Einige Frauen sind besorgt, dass jemand anderes sie in den Wehen sieht. Aber die meisten fühlen sich wohler, wenn sie wissen, dass ich das alles schon gesehen habe und sie meine bisherige Arbeit online sehen können, wenn sie möchten.

Was liebst Du an der Geburtsfotografie, was bewegt Dich, weiter zu fotografieren?

Ich liebe die Seltenheit, die Emotion, die Freude. Es gibt nichts im Leben, das so real und wunderbar ist, wie die Momente, in denen ein Kind auf die Welt kommt. Da ist so viel Emotion und Liebe.

Gibt es auch schwierige Momente für Dich?

Schwer für mich ist es manchmal, 24 Stunden am Tag auf Abruf bereit und nicht in der Lage zu sein, einfach aus der Stadt zu fahren oder das Handy mal auszuschalten.

Was ist die schönste Erfahrung, die Du bisher bei diesem Job hattest?

Ich denke, als eine meiner Frauen eine vaginale Geburt nach einem Kaiserschnitt in ihrem Wohnzimmer hatte, liebevoll unterstützt von ihrem Mann, der auch Arzt ist. Der Moment, als sie in Tränen ausbrach, weil sie ihr Baby im Arm hielt, wohlwissend, dass es ihr Körper war, der dies vollbracht hat.

Geburten beginnen meist überraschend und dauern mehrere Stunden. Wie organisierst Du solch ein Geburtsshooting?

Ich bin 24 Stunden am Tag per Telefon erreichbar, wenn eine Geburt ansteht. Ich begleite die Mütter, sobald die Wehen anfangen, bis das Baby geboren ist. Manchmal sind das drei Stunden, manchmal sind es auch 26. Dieser Job ist nicht vorhersagbar!

Bist Du nach der Geburt weiter in Kontakt mit den Familien, nachdem Du mit ihnen diese einmalige Erfahrung der Geburt geteilt hast?

Ja, meistens bilden sich schöne Beziehungen zu den Familien, die mich eingeladen haben, bei der Geburt ihrer Kinder dabei zu sein. Ich finde es toll, sehen zu dürfen, wie die kleinen Babies wachsen!

Vielen Dank, dass Du Dir Zeit für meine Fragen genommen hast!

Als ich Anja Beutler anschrieb, hätte ich nicht damit gerechnet, sie persönlich treffen zu können. Denn sie lebt teils in Hamburg und teils an der Ostsee. Doch wie es der Zufall wollte, hatten wir doch die Chance, uns persönlich zu treffen und überwiegend über die Fotografie zu sprechen.

Ich begegne Anja gespannt und fühle mich sogleich wohl mit ihr. Wir trinken einen Tee und sitzen an der vom Herbst angereicherten frischen Luft. Der Himmel ist blau und ein paar Bienen baden in unseren Honigschälchen. Ein schönes Foto, stellen wir gemeinsam fest und da sind wir auch schon beim Thema.

Anja hat Visuelle Kommunikation in Augsburg studiert, in diesem Rahmen einem Auslandsstudienjahr in Belfast gemacht und ist so zur Fotografie gekommen, wenn auch nicht gleich, sondern ein paar Jahre später. „Ich war schon als Kind eine Beobachterin.“ Diese Beobachtungsgabe spiegelt sich in den Fotos von Anja wider. Ihre Motive sind kraftvolle Bewegungen, der Ausdruck und die Leidenschaft von Menschen, die sich auf der Bühne tanzend offenbaren.

„Rough Cut“ von Pina Bausch

Tanz ist schon lange ein Thema in Anjas Leben. Um zu tanzen, verließ sie bald nach ihrem Studium ihre Stelle als Grafikerin bei einer bekannten Berliner Werbeagentur und lernte in Paris Argentinischen Tango. Der Tango wurde schnell sehr wichtig für sie und bestimmte ihr Leben für die nächsten Jahre. Wenn sie nicht tanzte, zeichnete sie Portraits von Touristen am Montmartre und verkaufte dort Bilder von Paris. „Das war eine sehr schöne, aber auch eine harte Zeit.“

„Hell“ – Dance Company Emio Greco | PC Amsterdam

Als sie nach Berlin zurückkehrte, begann sie in Eigenregie Tanzproduktionen von „Tanz im August“, einem großen Festival für zeitgenössischen Tanz zu fotografieren. Plötzlich war die Liebe zu allem Visuellen mit der Leidenschaft für den Tanz verknüpft. „Die Tanzfotografie verband für mich alles, was mich faszinierte.“

„Es war keine bewusste Entscheidung, viel mehr fügte es sich alles auf natürliche Art und Weise. Die Tanzfotografie bot mir die Möglichkeit, körperlichen Ausdruck visuell darzustellen.“ Anfangs fotografierte Anja vor allem Tango, entdeckte aber bald, dass ihre Faszination allen Tanzformen galt. Sie fotografiert seitdem nationale und internationale Tanzproduktionen, unter anderem in Hamburg, Berlin und Amsterdam, wo ihre Schwester, die Choreographin Nicole Beutler lebt.

„Unspelled“ von Yuko Kaseki

Aktuell hat Anja ein neues Stück, „Shirokuro“ (japan. „weißschwarz“) ihrer Schwester (in Zusammenarbeit mit der Pianistin Tomoko Mukaiyama und dem Lichtdesigner Jean Kalman) fotografiert, das gerade bei der Dance Triennale Tokyo Premiere hatte.

„Shirokuro“ von Tomoko Mukaiyama / Nicole Beutler / Jean Kalman

„Shirokuro“ von Tomoko Mukaiyama / Nicole Beutler / Jean Kalman

„Shirokuro“ von Tomoko Mukaiyama / Nicole Beutler / Jean Kalman

Ihr ist es besonders wichtig, die Atmosphäre des jeweiligen Stückes festzuhalten, gleich einem Standbild aus einem Film, das ein Gefühl für die Geschichte des jeweiligen Stückes vermittelt. Dabei möchte sie in der Tanzbewegung enthaltene ausdrucksstarke Momente festhalten, die vom Betrachter sonst nur flüchtig wahrgenommen werden können. In ihrer Ausstellung „tanz stills“ 2011 in K3 auf Kampnagel und in der Gemeinschaftsausstellung mit der Malerin Ana Sonor in Wismar in der Galerie auf Zeit 2012 sind diese Bewegungsmomente auch in großformatigen Bildern gezeigt worden.

„Hell“ von Dance Company Emio Greco | PC, „Sacre“ von John Neumeier, „Lost is my quiet forever“ von Nicole Beutler

Für Anja entstehen die besten Fotos, wenn sie ein Stück direkt fotografiert, ohne es zu kennen und somit ins kalte Wasser springt. Die so entstehenden Fotos haben für sie die größte Intensität und Ausdrucksdichte. Aus dieser Vorliebe entstand auch die Zusammenarbeit mit der Regisseurin Hélène Harmat, bei der sie in zwei Stücken als Teil der Bühnensituation fotografiert hat. Dabei wurden die Fotos live auf Leinwände im Bühnenbild projiziert, um somit wiederum Teil des Bühnenbildes zu werden.

Die Tanzfotografie hat es ihr einfach angetan und so wird sie auch in Zukunft an weiteren Projekten mitwirken und als Fotografin zum Einsatz kommen. 2013 wird wieder der große Tanzkongress stattfinden, dieses Mal in Düsseldorf, fotografiert von Anja Beutler. Nach einem sehr interessanten Gespräch verabschiede ich mich dankend von Anja und wünsche ihr eine gute Heimreise in das gar nicht so weit entfernte Hamburg.

alle Fotos © Anja Beutler