Obwohl die australische Fotokünstlerin Jessica Tremp lieber Bilder als Worte sprechen lässt, konnten wir ihr im Interview ein paar Sätze entlocken. Darüber, wie die Natur sich immer wieder einschleicht, wie Bilder entstehen, die Arbeit mit Menschen vor der Kamera und das Leben an sich.

Hallo Jessica. Danke, dass Du Dir die Zeit für ein Interview mit uns nimmst. Zuerst, erzähl uns doch mal ein bisschen was über Dich: Wer bist Du, was machst Du?

Hallo, mein Name ist Jessica Tremp, kürzliche habe ich die magische 30-Jahre-Grenze überschritten und lebe mit meinem gütigen Musiker-Mann, unserem Sohn Syd und einem geretteten ehemaligen Renn-Windhund namens Soda in Melbourne in Australien. Ich bin praktizierende Fotokünstlerin.

Ich habe schon immer das Bedürfnis verspürt, mich selbst kreativ auszudrücken, angefangen von Tanzen und Singen über Schreiben und Zeichnen, jedoch ist die Fotografie das einzige Medium, das sich fest bei mir eingehakt und mich nicht mehr losgelassen hat.

Was tut Fotografie oder was gibt sie Dir, was andere Ausdrucksformen nicht können?

Es ist einfach so passiert, dass die Fotografie am meisten hängen geblieben ist unter all den Formen der Kreativität, in denen ich mich versucht habe. Sie alle geben mir die Möglichkeit, Dinge auf unterschiedliche Arten auszudrücken.

Wäre ich ein besserer Maler, wäre das vielleicht auch ein interessanter Weg gewesen, den ich hätte einschlagen können. Aber ich denke, dass die Fotografie einfach etwas ist, worin ich ganz natürlich besser war.

Was sind wiederkehrende Themen in Deinen Arbeiten?

Natur, Tiere, Menschen und ein bisschen Melancholie.

Natur in der Form von Pflanzen oder Tieren schafft es immer, sich einzuschleichen. Selbst, wenn ich versuche, mal ein Portrait in einem eher sauberen, minimalistischen Stil zu machen, finden ein paar Blumen oder etwas Blattwerk ihren Weg in den Bildausschnitt. Ich würde gern eine Erklärung dafür abgeben, aber es scheint eine eher unterbewusste Liebesaffäre zu sein, die ich damit habe.

Themen scheinen sich auch ohne meine direkte Lenkung zu entwickeln, aber ein bisschen Melancholie ist meistens offensichtlich. Oft ist das, was ich mitteilen möchte, das Bedürfnis, von etwas ziemlich Außergewöhnlichem gewiegt zu werden oder Teil von etwas Einfacherem, aber viel Größeren zu sein als wir im Alltäglichen zu sein scheinen.

Ich finde es wirklich schwer zu erklären, daher fotografiere ich auch, anstatt zu schreiben.

Wie entstehen Deine Arbeiten? Planst Du vorher jedes Detail oder drückst Du nur im richtigen Moment auf den Auslöser?

Normalerweise gehe ich mit einer vagen Idee los, aber das Endresultat ist ziemlich selten das, was ich erwartet habe. Es ist manchmal so viel besser und manchmal schrecklich. Aber das ist es auch, was ich am Fotografieren am meisten liebe: Es lenkt viel mehr mich als anders herum. Ich mag es auch sehr, einfach das zu benutzen, was direkt um mich herum ist, also schätze ich, dass es meistens ziemlich spontan ist.

Entwickeln sich Deine Serien auch so oder arbeitest Du an ihnen anders?

Lustigerweise denke ich, dass die besseren sich vollkommen natürlich und organisch entwickeln. Diejenigen, bei denen ich dazu neige, zu lange darüber nachzudenken und sie zu planen, enttäuschen mich immer ein bisschen.

Als ich angefangen habe, habe ich erst in Einzelbildern gearbeitet und über den Verlauf der Jahre wurde ich glücklicher mit mehreren Bildern, die alleinstehend vielleicht nicht besonders spektakulär sind, aber etwas vermitteln, wenn sie zusammenstehen. Auch, wenn es vielleicht nur eine kleine Studie statt einer tatsächlich durchdachten Serie ist.

Welche Rolle spielt Nachbearbeitung in Deinen Arbeiten?

Definitiv eine große. Für mich wäre es ohne sie, als würde man den Teig zusammenrühren, ohne anschließend auch den Kuchen daraus zu backen. Genauso wie beim Fotografieren selbst lasse ich mich dabei vom Bild lenken. Manchmal verwende ich etwas mehr Zeit darauf und manchmal mag ich es, alles etwas zurückhaltender und minimalistischer zu halten.

Kannst Du uns etwas darüber erzählen, wer die Menschen vor Deiner Kamera sind? Was sind Deine Gedanken und Gefühle darüber, mit Modellen, Freunden oder auch Dir selbst zu arbeiten?

Ich bevorzuge es, mit Freunden oder mir selbst zu arbeiten anstatt mit Modellen, einfach, weil ich das Gefühl habe, dass ich mich dann weniger erklären muss, dass es okay ist, wenn etwas misslingt, es gibt einfach mehr Freiheit, zu entdecken und zu kreieren.

Wenn ich mit Modellen arbeite, kann ich fühlen, dass ich mit einer vorbereiteten Idee in die Begegnung gehen muss, um in der Lage zu sein, etwas abzuliefern, für mich selbst und auch für sie, damit ihre Zeit es auch wert ist.

Ich arbeitete auch sehr viel mit mir selbst als Modell, einfach, weil ich ja immer da war, wenn ich das Bedürfnis hatte, zu fotografieren und etwas zu kreieren. Ich muss aber auch sagen, dass ich hier und da mit einem Modell gearbeitet habe, das ich nie vorher getroffen, mit dem ich aber sofort eine Verdingung hatte.

Das ist eigentlich eine unglaubliche Sache, wenn man mal darüber nachdenkt: Man kann Menschen seit Jahren kennen und wenn man sie dann auf der Straße trifft, kann man nur über das Wetter reden.

Andererseits kann man mit einem Fremden, der manchmal sogar nackt vor einem steht, in einem Raum sein und beide müssen sofort ihre Schutzpanzer ablegen. Es gibt nicht viele Situationen, in denen man sich so verletzlich fühlt, ohne jemanden vorher kennengelernt zu haben. Gelegentlich entsteht Magie aus so aufgeladener Energie.

Ich habe gesehen, dass Du auch Hochzeiten und Auftragsarbeiten fotografierst. Wie balancierst Du das mit Deinen freien Arbeiten?

Ich versuche, nicht mehr als zwei Hochzeiten pro Monat anzunehmen. So bleibt es immer noch Spaß und erfrischend, sie zu fotografieren. Eigene Projekte und Aufträge zu jonglieren, ist mir in der Vergangenheit nicht immer leicht gefallen, aber ich denke, dass ich nun mehr und mehr eine gute Balance zwischen ihnen finde.

Ich fühle mich sehr glücklich, in der Lage zu sein, meinen Lebensunterhalt mit dem zu verdienen, was ich liebe und ich genieße auch die unterschiedlichen Herangehensweisen an die Fotografie, zum Beispiel bei einer Hochzeit. Anstatt ein Bild ganz von Neuem zu erschaffen, nehme ich auf, was vor mir dort schon da ist, auf eine neue und interessante Weise.

Als Du 18 warst, bist Du von der Schweiz nach Melbourne umgezogen. Zurückblickend, was denkst Du, welchen Einfluss große Veränderungen wie diese im Leben haben?

Ich denke, dass es in diesem speziellen Fall eine Mischung aus dem Gefühl, unglücklich zu sein mit dem Weg, den ich bildungsmäßig eingeschlagen hatte (ich studierte auf Lehramt), dem Bedürfnis, die Welt zu entdecken und der reinen, alten Teenager-Rebellion war. Es hat eine Weile gedauert, bis ich in Melbourne Fuß gefasst hatte, aber inzwischen finde ich es schwer vorstellbar, irgendwo anders zu wohnen.

Obwohl ich mich auch schon dabei erwischt habe, davon tagzuträumen, in Paris oder New York Teller zu waschen, um mein Leben zu finanzieren, das voller zeitgenössischem Tanz, dem Füttern streunender Katzen und dem Ausgeben eines Monatsgehaltes für ein Gemälde wäre.

Ich denke, dass der Umzug mich auf eine Art definitiv frei gemacht hat. Als ich ankam, nahm ich ein Jahr lang in Vollzeit Tanzkurse. Etwas, das ich in der Schweiz nie hätte tun können, weil es zu verpönt gewesen wäre. Natürlich wäre ich nie ein Tänzer geworden, aber die Tatsache, dass es in Ordnung war, anzustreben was auch immer ich wollte, war es, die mein Leben komplett verändert hat.

Nun konzentriere ich mich auf die nächste Verändung, die vor mir liegt: Ein Flecken Land zwischen den Gummibäumen der australischen Landschaft, inmitten einer kleinen, aber blühenden und aufgeschlossenen Gemeinschaft. Ein Esel namens Gloria, den ich jeden Morgen mit meinem Sohn füttere. Große, offene Fenster, durch die Musik vom Plattenspieler hinausdringt. Zwei Studios: Eines für meinen Mann, der darin aufnimmt und eines für mich. Große Speisen für Freunde kochen, die vorbeikommen. Und mehr lesen.

Was hast Du noch für Pläne für die nähere und fernere Zukunft?

Abgesehen vom Umzug genieße ich wirklich, wie alles gerade ist und wohin es geht. Ich liebe es mehr, eine Mutter zu sein, als ich je gedacht hätte, dass ich es würde. Ich denke, dass meine Zukunftspläne sind, noch viel mehr Entdecker der Welt zu sein. Ob das nun durch Musik, Reisen, Lesen oder Kreativität geschieht.

Was die Fotografie angeht, hoffe ich, weiterhin zu lernen, mich selbst technisch zu verbessern und auch, meinen freien Arbeiten tiefere Gedanken zu geben.

Vielen Dank, Jessica, und alles Gute für die Zukunft!

Vor ungefähr einem Jahr durchblätterte ich meine beiden Negativordner, angefüllt mit zwei Jahren von Freude, Tränen, Spaß, Willkür, Wehmut und Fernweh. Mit vielen Bildern verband ich natürlich entweder ein persönliches Ereignis, eine Reise, ein Spaziergang oder meine vielen Treffen mit zunächst fremden Menschen, die zu mir kamen und die ich fotografierte und so näher kennenlernen durfte.

Die Frage war, was mache ich mit den vielen noch unentdeckten und nicht für sich selbst sprechenden Bildern und Schnipseln meines Lebens? Natürlich das, was man mit Schnipseln im Allgemeinen tut – nein, nicht wegwerfen. Ich setzte sie zusammen. Schnipsel für Schnipsel zu einer Geschichte und ich hatte Spaß daran. So entstanden neue Geschichten, für sich Stehende und Erzählende.

Eine meiner Lieblingsgeschichten ist die von Anne. Wir lernten uns 2011 kennen und sie brachte mir eine Geschichte mit. Die Geschichte des schwarzen Hochzeitskleides. In meinem Kopf überschlug es sich und auch meine Kamera überschlug sich bei all den vielen Fotos, die ich seitdem von ihr machte.

Wir schreiben jetzt das Jahr 2013 und die Geschichte geht weiter. Immer wieder finden wir Zeit füreinander, sitzen dann beieinander oder durchwühlen den Wäscheberg, den sie mitbringt, nehmen einen Ring nach oben oder eine Schleife. Wir durchstöbern meine Wohnung nach Dingen, die uns jetzt in diesem Moment gefallen und zu der Stimmung, in der wir uns befinden, passen.

Und so entstand die Serie „Verwaistes Herz“ mit offenem Ende. Denn ich weiß nicht, wann und ob sie überhaupt einen Schlusssatz haben wird. Doch habe ich mich in diese Geschichte, ich muss es zugeben, einfach verliebt. Mit ist ja selbst schleierhaft, wie sich diese Geschichte entwickeln, welcher Schnipsel angefügt wird und welcher lieber im Geheimen bleibt.

Aber ihr Gesicht, ihre Hände und vor allem ihr Mund sind für mich reine Poesie. Und so schaukeln die Bilder zwischen Traurigkeit und Wehmut. Zeigen Verlorenes und Vergangenes. Ein Herz, das nach Leben ruft und all die angeschwemmten Dinge des Lebens in sich trägt und versteckt vor der Welt.

Oft finde ich dann in meinen Negativordnern Bilder, die zur Geschichte passen und die schon längere Jahre darin ruhen und nie gezeigt wurden. Sie passen zum Gefühl der Portraits, spinnen die Worte weiter, lassen Freiraum für das nächste Bild.

Auffällig ist, dass ich mich oft für körnige Bilder entscheide. Vielleicht, weil sie mich an den Film Noir erinnern. Immer ein wenig entrückt, seltsam, schwermütig und das pefekte Medium zur Darstellung der Realitätsfremde.

Ich frage mich alledings auch, ob ich nicht genau das demnächst durchbreche. Denn die sehr konspirativen Treffen sind auch gern mit einer Spur Aufbruchstimmung durchtränkt. Ich bin deswegen recht zuversichtlich, dass wir der Serie noch einige andere Aspekte des Lebens hinzufügen werden. Immerhin bricht draußen gerade der Frühling aus und es wird Zeit für einen Waldspaziergang.

So habe ich vorerst meinen fotografischen Weg gefunden. Aus Einzelbildern etwas Neues formen. Ich fühle mich dabei wie ein Regisseur und Autor zusammen und hoffe. einfach weiter zu spinnen wie bisher.

Vor allem deshalb, weil sich ein anderes Bild bereits in meinem Hinterkopf festgesetzt hatte. Dieses.

Ich würde jetzt gern erzählen, dass ich das Konzept dazu schon lange im Kopf hatte, dass alles genau geplant war und eine Leiter schon bereit stand, dass die Visagistin, das Model und der Stylist vor Ort waren und tolle Utensilien dabei hatten. Naja, so war es eher nicht.

In Wirklichkeit war ich in einem kleinen Secondhandladen gewesen, hatte mir drei alte Vorhänge gekauft und saß ein paar Tage später uninspiriert mit einem Stoffhaufen im Wohnzimmer. Das ist also die Realität.

Woher dann diese Idee kam, kann ich gar nicht sagen. Vielleicht muss man nur lange genug auf Dinge starren, dann formt sich von selbst eine Idee aus ihnen. Aber wenn die Idee erst einmal da ist, geht es ganz schnell: Stoffe bügeln und ausbreiten, Kamera auf’s Stativ, Funkauslöser suchen, sich hinlegen, zudecken, Pose, abdrücken!

Leider stieß ich mit meinem 50mm-Objektiv trotz Stativ schnell an gewisse Bildausschnittgrenzen. Das Stativ zusätzlich auf einen der wackeligen Stühle zu stellen war mir dann aber doch zu mutig, also gab ich mich mit dem nahen Ausschnitt zufrieden.

Dachte ich zumindest. Als ich dann später die Bilder durchsah, wurde klar, was ich schon vermutet hatte: Der Ausschnitt war einfach nicht das, was ich mir eigentlich vorgestellt hatte.

Also machte ich mich an die Arbeit, das Bild zu kreieren, das ich in meinem Kopf hatte. Ich baute Haare und Füße aus einem anderen Bild der Serie ein, bastelte ein zweites Knie und fügte eine leere Hintergrundaufnahme ein, um das Bild zu erweitern.

Hier ein kleiner Eindruck des Zwischenstandes, bei dem noch deutlich das Originalbild am inneren Rahmen zu erkennen ist:

Schließlich stimmten nach einer Stunde Überarbeitung – statt geplanten fünf Minuten – das Bild in meinem Kopf und das auf dem Bildschirm doch noch überein.

Ich glaube, dieses Bild ist für mich so wichtig, weil es mir einmal mehr gezeigt hat, dass ich noch am Anfang meiner Entwicklungsphase stehe. Pre-birth eben. Eingewickelt in eine Hülle aus Träumen, Wünschen und Illusionen, aber auch aus Blockaden, Ängsten und Unsicherheit.

In das Gefühl, teilweise eher unprofessionell und improvisiert zu arbeiten, mischt sich der Stolz, es aber ganz allein zu schaffen. Früher hätte ich entschuldigend erklärt, dass es nicht ohne die Bearbeitung ging. Heute bin ich mehr denn je verliebt in die modernen Möglichkeiten der Bildbearbeitung, die ich mir selbst beigebracht habe und stolz darauf, was ich damit realisieren kann.

Trotzdem begreife ich, dass sich langsam meine künsterlischen Wehen einleiten. Raus aus meiner von Illusionen getränkten Hülle – also quasi raus aus meinem Wohnzimmer – rein in die echte Welt. Das könnte eine lange, schwierige Geburt werden, aber ich bin gespannt, was mich da draußen alles erwartet.

Das hier ist ein prozessorientiertes Interview oder eher ein Kwertext in Interviewform. Zusammengetragen aus mehreren Gesprächen. Unterhaltungen, die bis tief in die Nacht geführt wurden, während sich in Hamburg die Schiffe friedlich an die Kaimauern schmiegten und Möwen blinzelnd den Mond betrachteten.

Herr Beckmann ist ein freundlicher Geselle. Er ist vor allem aufgeschlossen und ungezwungen in der Unterhaltung, das muss man ihm lassen. Seine Küche ist ein Ort der Erzählungen und Gedanken.

Ursprünglich sollte dieses Interview auch ein Gastartikel werden und die Gespräche eher zur Essenz des Gesagten führen. Aber Herrn Beckmann lag etwas auf der Seele.

Du bist ein sehr gastfreundlicher Mensch und kommunizierst gern, so jedenfalls mein Eindruck. Ist das richtig?

Rüdi lacht. Ob das wirklich stimmt, kommt sehr darauf an, wen Du da fragst. Das ist sehr stark von meinem Gegenüber abhängig.

Ich rede sehr gern über das, was ich tue, denn ich komme dem Ganzen dabei selbst näher und sehe, was für andere verständlich ist, wo ich falsch abbiege oder wo ich komplett auf dem Holzweg bin.

Kommunikation, ihre ganzen Facetten und vor allem ihre Missverständnisse finde ich spannend. Um den Dialog geht es ja im Grunde auch in meinen Bildern.

Aber ein persönliches Treffen ist viel direkter als die Internet-Schreiberei. Die haptische Komponente ist mir zum Erfühlen der Situation sehr wichtig. Ein Abend in meiner Küche lässt keine Fragen offen. Da sehen wir ganz schnell, ob wir uns verstehen oder nicht.

Am schönsten ist wohl, wenn beide etwas davon haben. Wenn sie sich wahrnehmen und gegenseitig bereichern und auch stehen lassen können.

Problematisch wird’s, wenn ich merke, dass jemand nur schnell etwas abgreifen will, ohne von sich selbst das kleinste Fünkchen zu geben. Dann werde ich ungeduldig und richtig barsch.

Und weil das im Internet gar nicht so selten vorkommt, kann ich mir sogar ganz gut vorstellen, dass die meisten Leute mich so beschreiben würden. Aber ich kann auch umgänglich sein. Echt.

Siehst Du Dich eher als Fotograf oder als Psychologe?

Doch, ich bin Fotograf. Menschen kommen in erster Linie zu mir, um fotografiert zu werden. Sinn der Sache sind die Bilder.

Inhalt und Zweck der Bilder ist aber nicht die Oberfläche der Dinge, sondern die Befindlichkeit darunter. Und um die sichtbar zu machen, braucht es einiges an Reflexion und Beschäftigung mit sich selbst. Das kann dann je nach Stimmung auch mal etwas therapeutisch ablaufen.

Und das ist bestimmt auch der Grund, weshalb einige diese Erfahrung besonders suchen, während andere ganz schön Angst davor haben. Man muss dafür schon etwas bereit sein. Ich schätze, die meisten Leute sind hier gewesen, weil sie auch etwas über sich selbst herausfinden wollten.

Deine Bilder findet man oft unter den Stichworten Akt und Erotik.

Ich finde, das Thema Nacktheit wird sehr verzerrt und überbewertet, das ist oft ziemlich unpassend. In Communities finden wir diese Schubladen meist aus organisatorischen Gründen (z.B. Jugendschutz), aber es macht auch etwas mit den Menschen, das mir unangenehm ist.

Wenn ich ein Aktbild zeige, landet es automatisch in einer Sektion mit diesen ganzen Hobbymodels, die „Akt nur auf Pay“ machen. Und so müssen sich alle damit auseinandersetzen, ob die eigene Nacktheit einen monetären Wert haben sollte, selbst wenn ihnen solche Gedanken bisher völlig fremd waren.

Das finde ich schwierig, weil die Leute ohnehin immer mehr drauf getrimmt werden, sich möglichst gut zu „verkaufen“. Auch beim Fotografieren versuche ich, mich dem konsequent zu entziehen. Da möchte ich möglichst keine Kategorien im Kopf haben. Die Bilder sollen sich damit beschäftigen, wie man sich in der Session gut fühlt. Ob die Person dabei bekleidet ist, muss sie entscheiden. Das ist für sie selbst viel wichtiger als für mich. Im Grunde mache ich immer nur Portraits.

Gut, Du machst Portraits und dennoch ist den Bildern eine gewisse Erotik nicht abzusprechen. Dabei wird sicher oft eine große emotionale Nähe aufgebaut. Wie geht man mit dieser Nähe im Nachhinein um, wenn der Mensch wieder in die Bahn steigt und wegfährt?

Diese Nähe ist ein Geschenk. Sie kann einen erfreuen, aber auch überwältigen, verwirren und sogar weh tun. Es braucht deshalb viel Zeit, um zu reflektieren, sich darüber klarzuwerden, was das Ereignis für jeden Einzelnen genau bedeutet. Meist lässt sich das gar nicht richtig in Worten ausdrücken. Am passendsten erscheinen mir Diane Arbus’ Worte: „Fotografie ist ein Geheimnis über ein Geheimnis.“

Die einzelne Session ist für mich nur Teil von etwas Größerem, einem Prozess des Kennenlernens, der viel länger dauert, einem Weg, der weiter führt. Ich mache deshalb sehr wenige Sessions und in der Regel auch keine Bilder mit Leuten, von denen ich erwarte, dass sie nicht wiederkommen.

In den letzten 3 Jahren habe ich bis auf einige Tests lediglich eine einzige neue Person richtig kontinuierlich fotografiert. Das Einlassen braucht Zeit. Sonst wäre die Intimität wohl wirklich nicht auszuhalten.

Und auch der Betrachter und Kommentator ist in der Pflicht. Aber er realisiert es oft nicht, weil er viel zu beschäftigt ist mit seinen eigenen Bedürfnissen.

Alle Beteiligten tragen zusammen die Verantwortung, dass wir überhaupt unbeschadet Bilder zeigen können. Vertrauen entsteht und darf bleiben, wenn es sich wohlfühlt. Es kann aber auch jederzeit wieder zerstört werden. Weil wir Menschen sind, weil wir verstehen wollen, weil wir teilen und auch abgrenzen, verändert sich die Sicht auf uns und die anderen unaufhörlich. Dieser fragile Prozess ist der eigentliche Sinn beim Fotografieren für mich.

Ich versuche, das behutsam zu machen, das beinhaltet „behüten“. Deshalb bin ich beim Zeigen in Foren, in denen Fotografie viel funktionaler, klinischer und abgeklärter verstanden wird, oft sehr beschützerisch unterwegs. Und es kommt nicht selten vor, dass ich mit Menschen aneinandergerate, wenn sie – unbedacht oder extra – respektlos, böse und beleidigend werden. Dann werde ich das auch.

Das Internet hatte sicher einen Einfluss auf Deine Bekanntheit. Hat Dich das nachhaltig beeinflusst?

Auf jeden Fall. Wir haben uns alle über das Internet kennengelernt. Ich kann mir kaum mehr vorstellen, dass es mal anders war, als ich mit Fotografie anfing. Wer früher Gleichgesinnte kennenlernen wollte, musste so eine Zeitschrift mit Kleinanzeigen kaufen.

Dann konnte man Leute raussuchen und anschreiben. Mit dem Internet ist alles viel einfacher und direkter geworden. Jeder kann, so scheint es, Kontakt mit der ganzen Welt aufnehmen, kann ohne großes Eigenkapital on demand ein paar Bücher herausbringen. Dadurch haben sich unsere Wertigkeiten immens verschoben. Und schließlich auch unsere Jobstrukturen.

Die „Generation Praktikum“ trifft unseren kreativen Bereich besonders. Überall machen die Menschen etwas Kreatives, um ein Ventil zu finden und sich zu verwirklichen, aber sie machen es eher so „nebenbei“, aus Passion und Interesse, weil es selten etwas abwirft.

Sie bemühen sich zwar redlich, aber so richtig fundiert in die Materie einzusteigen, bleibt allein schon aus Zeitmangel auf der Strecke. Man kriegt es gerade eben hin, ein PDF-Magazin oder einen Blog zu zimmern, um die Aufmerksamkeit eines Publikums zu wecken.

Dann verselbständigt sich das Ganze und plötzlich musst Du Dich entscheiden: Bist Du noch Fotograf oder eher schon Fulltime-Redakteur? Und wenn Vision und genügende Erfahrung dahinter fehlen, versenkt sich das ganze Schiff irgendwann wieder selbst. Ich finde heute auf Festplatten immer noch alte Projekte von mir, die irgendwann aus Zeitmangel eingeschlafen sind.

Ich habe Fotocommunities am Anfang als etwas Gutes empfunden. Ein Ort, an dem man lernen kann, um am Ende selbst zu geben. Wie bewertest Du die Entwicklung dieser Fotocommunities, Du warst ja selbst lange sehr aktiv, oder?

Ja, ich fing 1998 ernsthaft an zu fotografieren und ging mit den Bildern 2004 ins Internet.

Fotocommunities sind am Anfang nützlich, um sich zu positionieren und Leute kennenzulernen, die sich gegenseitig bestätigen, weiterbringen und inspirieren. Der eigenständigen fotografischen Entwicklung helfen sie aber wenig.

Das liegt wohl in der Natur der Sache. Neulinge produzieren und teilen die meisten Bilder. Sie wollen sich beweisen und zeigen quasi dauernd unaufgefordert ihre Hausaufgaben vor: Unfertige Bilder.

Sie orientieren sich an dem, was sie Erstrebenswertes vorfinden und machen es nach, emulieren, und sorgen dadurch für eine Inflation des bereits vorhandenen Bildstils. So bestätigt sich das System konstant selbst. Das ist der Matthäus-Effekt in Aktion: „Der Teufel scheißt immer auf den größten Haufen.“ Alle schmoren zusammen im eigenen Saft.

Ich glaube nicht, dass man in diesen Menschensammlungen einen repräsentativen Querschnitt bekommt, in dem alle Strömungen, alle Bedeutsamkeiten, alle Facetten der Fotografie korrekt gewichtet sind. Das wäre so falsch wie anzunehmen, dass die FC-Galerie die besten Bilder europäischer Fotografen zeigt.

Zusammengenommen ergibt sich höchstens ein Durchschnitt dessen, worauf sich viele Menschen einigen können. Dieser Mittelwert ist so etwas wie ein Postkartenständer, aber kein guter Leitfaden und sicher kein Geschmacksratgeber. Und die ewige Wiederholung liegt so sehr neben meinen persönlichen Bedürfnissen wie die 20 Rucksäcke, die mir Amazon jetzt immer vorschlägt, weil ich da dummerweise mal einen gekauft habe. Amazon denkt: Dem Mann kann geholfen werden, er steht offenbar auf Rucksäcke. Und ich frage mich: Meinen Rucksack habe ich jetzt doch schon. Welchen Teil von Kundenbetreuung versteht ihr denn nicht?

Es fängt ja auch schon ganz falsch an. In erster Linie treffen wir an diesen Orten nicht auf Bildkonsumenten, sondern auf Leute, die selbst auf der Suche nach einem Publikum sind. „Tolle Bilder, weiter so, schau auch mal bei mir vorbei.“ Was schert es mich denn, ob mein Gegenüber meine Bilder auch mag, nur weil ich seine toll finde?

Inspiration funktioniert doch selten so direkt auf beiden Seiten. Aber der Kleinbildzüchter investiert sehr viel Zeit und deshalb fordert er diese Leistung Quid pro Quo zurück. Die Auszeichnungen, die vergeben werden (die Galeriesternchen bei FC und View, die Blink-Awards bei Flickr, das Rating bei 500px), sind in der Regel eher Fleißpunkte, die aufzeigen, wieviel Zeit bereits im jeweiligen System verbracht – verschwendet – wurde. Und die Mehrheit honoriert das Gewohnte und Altbekannte. Inspirierendes finde ich dort nur in Einzelfällen, es kommt meist von außerhalb dieser Systeme.

Die meisten Menschen, die ich kenne, haben sich nach ihrem Weg durch die Community von ihr wieder emanzipiert, sie fallen quasi oben wieder heraus, wenn sich der Zweck für sie erfüllt hat. Egal, ob das Selbstfindung war, fotografische Anerkennung oder einfach Kontakt zu Leuten.

Irgendwann haben sie ihren Weg gefunden, das Studium beendet und einen Vollzeitjob angetreten, sie haben sich verliebt und verheiratet. Die Prioritäten ändern sich. Und dann sind sie weg, schauen in die alte Umgebung immer seltener, weil im Job auch nicht mehr so viel Zeit bleibt wie damals im Studium.

Und du hast Recht: Zu Anfang nimmt man eher und später gibt man dann zurück. Aber irgendwann ist auch damit Schluss, weil das Ungleichgewicht von Geben und Nehmen immer größer wird. Über Jahre gleichbleibend präsent in Communities bleiben in meinen Augen in erster Linie nur Leute, die etwas davon haben, weil sie hier irgendeine Dienstleistung anbieten:

Der Workshopfotograf, der Kurse leitet oder How-To-Bücher an den Mann bringt; der Erotikfotograf, der immer neue Nackedeis für seine Paysites akquiriert; der Beautyfotograf auf der Suche nach bezahlten Aufträgen; das Hobbymodel, das sich das Studium finanziert – quasi die Serviceindustrie am Rande.

Die Anfänger schauen zu ihnen auf, weil sie hoffen, etwas von ihnen zu lernen, aber fotografisch gesehen sind sie nicht die Meister – diese sind meist irgendwann ganz weg aus dem System, weil sie noch mehr suchen als sie dort bekommen können.

Sind Facebook und Co. nicht eher ein Abbild unseres momentanen Gesellschaftssystems, in dem lieber genommen als gegeben wird?

Ich glaube nicht. Für mich geht der Trend woanders hin. Foodsharing, die Umverteilung von Gütern, Organisation von Hilfen und die Verbreitung alternativen Gedankenguts – in den neuen Medien wird das uneigennützige Teilen derzeit sehr großgeschrieben. Ich denke, wir lernen langsam, die ganze Vernetzung konstruktiver zu nutzen.

Zusammen mit einer „Generation Y“, die nicht mehr blind in irgendeine Arbeitsmaschine eingespannt werden will, sondern den Sinn der Sachen hinterfragt und Karmapunkte vergibt. Ich finde den Optimismus toll, der damit verbunden ist. Man muss sich den aber auch leisten können.

Viele großartige Fotografen, die ich kenne, sind noch am Anfang. Sie machen tolle Sachen, haben aber noch nicht raus, was es bedeutet, daraus wirklich über viele Jahre einen lukrativen Job zu machen und die wenigsten werden diesen Beruf ergreifen.

Selbst erfahrene Fotografen wissen ja gar nicht genau, was die Zukunft bringen wird, so schnell verändert sich alles. Wir müssen auch alle jeden Monat unsere Miete zahlen und diese Kosten entwickeln sich zumindest in Hamburg gerad krass anders im Vergleich zu unseren Honoraren.

Ich bin also gespannt darauf, wie sich unser Arbeitsmarkt neu strukturiert und welche Möglichkeiten für die Zukunft daraus entstehen. Wenn ich mich umschaue, geht es vielen lange nicht mehr so gut wie noch vor einigen Jahren. Wenn sogar der Paul Ripke gerade pleite ist.

Am Ende muss jeder sehen, wo er oder sie bleibt. Ich wurde ja allen Ernstes letztens auf einer Ausstellung gefragt, ob ich denn von meinen Fotos leben könne. Da musste ich wirklich herzlich lachen.

Aber zurück zur Frage: Ich denke, Facebook erzieht uns heimlich Verhaltensweisen an, die wir bewusst hinterfragen sollten. Wir kamen da an, um uns als Menschen auszutauschen und inspirieren zu lassen. Leider haben wir als Fotoschaffende auch Dinge, die wir an den Mann und die Frau bringen wollen und so verschwimmen die Grenzen zwischen den Menschen und ihren Produkten immer mehr.

Facebook treibt damit leider sehr konsequent Schindluder. Es erlaubt sich die Frechheit, mir nur noch ausgewählte Beiträge meiner Kontakte zu zeigen und haut mir stattdessen Werbeposts dazwischen. Da kommt also öfter mal nicht die Sendung, die ich eigentlich eingeschaltet habe, stattdessen läuft Home-Shopping.

Das Neue daran ist, dass Facebook mir personalisierte Werbung zeigen kann. Die wissen ja, dass ich Fotograf bin, also bekomme ich im Wechsel Bildverschlimmerungssoftware, Wald-und-Wiesen-Hochzeitsfotografie und Erotik-Anfängerworkshops angeboten. Eine schöne neue Welt ist das.

Und was soll man laut Facebook tun, um nicht unterzugehen? Für Reichweite bezahlen. Oder selbst mehr posten. Wenn Du mehr teilst, wirst Du mit größerer Verbreitung belohnt. Das ist natürlich totaler Quatsch, kann aber eine Zeit lang durchaus süchtig machen.

Mir wurde von einem Typen erzählt, der noch schnell Hunderte von Like-Vorschlägen annehmen musste, die Facebook ihm anbot. Auf die Frage „Warum?“ meinte er: „Ich muss das machen, sonst schlägt mir Facebook ja nicht mehr so viel vor.“

Facebook macht komische Dinge mit uns, es erzieht uns zu Spammern nach dem Gießkannen-Prinzip, wie im Direktmarketing: Möglichst breit streuen, damit irgendwo etwas hängenbleibt. Das Abstruse ist, dass sich die Menschen dabei immer noch als gebend wahrnehmen. Kommunikation wird ad absurdum geführt.

Und das Freundekonzept von Facebook ist doch auch grotesk, wenn man mal drüber nachdenkt. Weil sich niemand schutzlos ausliefern mag, verschanzen sich alle hinter der ersten Schwelle der Befreundung, aber sobald man über zwei Ecken miteinander verbandelt ist, steht das ganze Ding offen wie ein Scheunentor.

Weil Facebook in Wirklichkeit kein Interesse an Privatsphäre hat, sondern daran, dass möglichst viel geteilt wird. Wer fünfzig Freunde hat, merkt davon noch nicht viel, aber mit achthundert Freunden aus verschiedensten Kreisen wird die Freundeslisten-Bürokratie undurchschaubar. Sind die Freunde von Freunden automatisch die Freunde von allen? In den seltensten Fällen.

Ich hätte einige Funktionen wirklich gern ausgeschaltet wie z.B. diesen Kasten oben rechts, diesen Liveticker der Freundesaktivitäten, der zum schnellen Reingrätschen in anderer Leute Gespräche ermuntert. Jede Aktion von mir zog immer ein Rinnsal von Likes und Kommies der Facebook-Poweruser nach sich. Wie ein Rudel inkontinenter kleiner Hunde, die überall nochmal draufpischern müssen, um zu beweisen, dass sie auch dabei sind.

Diese redundante Selbstvermarktung auf Autopilot geht mir voll auf den Keks. Ist das noch Kommunikation? Bei Facebook automatisch retweeten lassen, dass man es auf die Startseite der FC geschafft hat? Oder an einem Tag 30 Mal ein Posting geteilt bekommen, weil das die Bedingung dafür ist, ein romantisches Beautyshooting im Wert von 75 € zu gewinnen?

Dieses Mitmach-Web wird uns eingeimpft, denn die Beliebtheit der Beiträge ergibt sich aus den Responsen und die bewirken eine sofortige Optimierung. Schlaue Unternehmer formulieren ihre Facebook-Teaser jetzt immer mit „Und was meinst Du dazu?“ Ob die unsere Meinung wirklich interessiert?

Ich musste wirklich etwas lachen, als letztens ein kwerfeldein-Bericht über Vintage-Fotografie mit so einem „Probier’s doch auch einmal!“-Mitmachsatz endete.

Natürlich betreibt auch kwerfeldein dieses „Participation Web“ mit und für das Publikum, in dem die Grenzen zwischen Interviewbeiträgen, ausgewähltem Kuratieren und Feedback-Content verschwimmen. Oft ist nicht mehr klar zu erkennen, ob der Artikel der Sinn der Sache ist oder ob’s eigentlich eher um den Kommentar-Rattenschwanz geht, wie er beispielsweise etwas vorhersehbar auf Martins Pervers-Artikel folgte.

Das macht mich jetzt natürlich etwas gespannt auf die Kommentare zu diesem Interview. Ich werde sie alle lesen, ich schwör’s. Und Ihr müsst mich auch nicht liken.

Glücklicherweise lässt sich jetzt auch auf Facebook der Trend zur Selbstreinigung erkennen. Scott Kelby spricht sich „Für das Signal und gegen das Rauschen“ aus.

Und Jeriko hat sich in seinem neuen Interviewkonzept komplett gegen eine Feedback-Funktion entschieden. Das finde ich gut. Wir haben doch eh genug Mitteilungsmöglichkeiten untereinander. Warum mir Leute auf sechs verschiedenen Plattformen dieselben Sachen unter die Bilder schreiben, habe ich eh nie verstanden – außer unter dem Aspekt der Selbstvermarktung.

Facebook hat durch das Fördern dieser nervigen Mechanismen bei mir genau das Gegenteil seiner Bemühungen erreicht. Ich nutze es gar nicht mehr privat, ich teile nur noch öffentlich und für alle gleich. Meine private Kommunikation ist komplett zum direkten Kontakt ohne Mitlesen und Gruppenkuscheln zurückgekehrt.

Ich finde es sehr angenehm, jemandem zu schreiben, wenn ich an ihn denke und nicht, weil er sich mir dauernd aufdrängt. Mir fiel dazu gerade ein schönes Zitat in die Hände: „Don’t strive to make your presence noticed, just make your absence felt.“

Networking wird heute ganz groß geschrieben, Du hast das vorhin schon so schön in Bezug auf die Kreativen bei Facebook und Co. angesprochen. Da kennt sich jeder über irgendeine Ecke und jeder hat über den anderen etwas zu berichten. Das kann Vorteil als auch Nachteil sein. Wie schafft man da die Balance zwischen dem eigenen Schaffen und der Vermarktung, ohne peinlich oder gar grotesk zu wirken?

Ich denke, wir haben im Laufe unseres Onlinelebens verschiedene Strategien, die wir ausprobieren, bis wir glücklich werden. Ich habe eine wirklich lange Zeit damit verbracht, die sehr chaotisch war. Das Fazit aus allem ist zum Schluss bestimmt so etwas ganz Banales wie: „Be who you are and say what you feel because those who mind don’t matter and those who matter don’t mind.“ Man muss sich einlassen können, aber auch abgrenzen. Meine Devise ist: „Man muss jeden nehmen, wie er ist. Aber man muss nicht jeden nehmen.“

Prinzipiell denke ich, man darf keine Angst davor haben, sich auch mal richtig unbeliebt zu machen und sehr vielen Leute nicht zu gefallen, solange man sich treu bleibt und die anderen dabei wahrnimmt. Es gibt sicher sehr viele Menschen da draußen, denen ich es überhaupt nie rechtmachen könnte. Aber das ist auch nicht mein Job. Und gerade wenn Du mal wieder denkst, Du sabbelst Dich um Kopf und Kragen, kommt einer um die Ecke, dem genau das, was Du sagst, viel bedeutet. Während Dich der Rest der Welt total doof findet.

So ist das halt mit der Meinungsfreiheit. Aber so einfach es klingt, so schwierig ist das am Anfang umzusetzen. Du kennst weder Deine Bedürfnisse noch Deine Stärken und bist höflich, weil Du es Dir nicht mit allen versauen willst. Aber die Grenze zwischen Höflichkeit und Unehrlichkeit ist fließend.

Manchmal kommen ganz komische Verrenkungen heraus, die Du im Nachhinein als lächerlich unehrlich empfindest. Aber das ist ja menschlich. Wirklich grotesk wird es nur, wenn man sein Fähnchen immer nach dem Wind hängt und keine eigenen Grundsätze vertritt. Weil man dann diffus und nicht fassbar bleibt. Wenn Du Dich selbst kennst, kannst Du Dich anderen gegenüber auch konsistent verhalten.

Am besten lernst Du Dich selbst kennen, wenn sich Deine äußeren Umstände radikal verändern. Wenn Du aus dem Studium kommst und in einen Job gehst. Wenn es Dir erst blendend geht und dann total dreckig oder anders herum.

2011 gab es bei mir wohl die größte Veränderung, als ich quasi aufhören musste zu fotografieren. Das war eine gute Gelegenheit, ein paar Mechanismen klarer zu sehen, weil ich nicht mehr so in diesem Trott drin war, den ich dann bei anderen befremdlich fand. Mein Umgang mit Facebook hat sich in dieser Zeit sehr verändert, weil diese Community so rapide wuchs und sich dabei insgesamt in eine Richtung entwickelte, die mir nicht behagte.

Facebook will das Netzwerk des Lebens sein, also sitzen da alle wild durcheinander in einem Topf – Klassenkameraden, Arbeitskollegen, Fotografen, Modelle, aber auch Firmen, Museen, Ausstellungsräume, Zeitungen, Medien und Magazine. So überschneiden sich viele Kreise, die eigentlich gar nichts miteinander zu tun haben.

Und nicht einmal erklärte Interessensgruppen sind kompatibel. Wenn ich sage, dass mich die meisten Fotografen überhaupt nicht tangieren, wird das gern als Arroganz gewertet, aber ich denke, es ist wichtig, das zu realisieren. Mit den meisten habe ich wirklich höchstens gemeinsam, dass wir Kameras benutzen.

Ich habe keine Assistenzstellen und Fotojobs zu vergeben, teile mir kein Studio und gebe keine Workshops. Ich kaufe mir nicht andauernd neue Kameras und Equipment, tauge also weder als Kunde noch als Test-Autorität. Und man landet bei mir auch nicht, um eine lukrative Modellkarriere zu starten oder Personen empfohlen zu bekommen, denn ich arbeite gar nicht mit »Models«. Unter Facebook-Fotografen bin ich also gar nicht netzwerktauglich. Ich kann da nur meine Bilder zeigen und die von anderen anschauen.

Mein Netzwerk besteht eher aus Leuten, die ähnlich unterwegs sind wie ich. Die ich verstehe und die mich verstehen. Die auch kreativ arbeiten, Ausstellungen machen, Kunst schaffen. Oder die auf Schulen gehen, um das zu lernen. Und aus den Leuten, für die die Kunst gemacht wird, die sie anschauen und genießen. Die sich Bilder von mir ins Zimmer hängen, die selbst ausstellen wollen, die begeistert sind und Artikel schreiben, um Kunst vorzustellen und zu verbreiten.

Viele von ihnen kenne ich bisher nur virtuell, einige habe ich gerade persönlich auf meiner Ausstellung in Dresden kennengelernt. Ich bin begeistert, wie viele Leute bei der ganzen Vorbereitung und der Durchführung mitgeholfen haben. So konnten wir etwas auf die Beine stellen, das einer allein gar nicht schaffen würde. Das verbindet. Das gefällt mir wirklich.

Die eigene Kreativität wird durch die Möglichkeiten des Internets auf eine harte Probe gestellt. Jeder kann sich am anderen bedienen. Und man muss sich selbst oft genug fragen, wo der eigene Weg eigentlich hingeht, um nicht selbst Opfer des ständigen Outputs anderer zu werden.

Auf uns prasseln täglich tausend Einflüsse gleichzeitig ein. Wir müssen ihre Bedeutung für uns richtig einordnen, damit es Sinn macht. Was ist Lob, was ist Kritik? Was ist wichtig und was nicht? Was gibt Dir und was zieht nur Kraft?

Als mir im ersten Semester der Prof in mein Bild hineingemalt hat, war ich schockiert, dass er mein wunderbares Kunstwerk nicht respektiert. Irgendwann wurden wir etwas cooler damit, konnten unser Können und die Rolle des Profs besser einschätzen und waren schließlich sogar dankbar, wenn wir von ihm wertvolle Impulse bekamen.

Aber damals auf der Schule waren die Rollen auch sehr klar verteilt. Auf der einen Seite gab es die Profs, Mentoren, Autoritäten. Und dann gab es uns Schüler, die langsam lernten, was sie selbst der Welt zu geben hatten. Und im Laufe der Jahre wurden wir irgendwann selbst zu Lehrern.

Im Internet gehen alle diese Rollen komplett durcheinander. Wenn Du Anfänger bist und Deinen Weg suchst, suchst Du vergeblich Klarheit, Stärke und Anleitung. Und Du bist links und rechts von Leuten umgeben, die alle selbst etwas wollen und sich genauso wie Du einfach nur durchwurschteln.

Du musst andauernd entscheiden, ob Du es noch annimmst, was Dir die Leute am Zeug flicken oder ob Du es schon als Mumpitz diskreditieren und total drüber stehen kannst. Das ist anstrengend, weil man kontinuierlich von anderen inspiriert und beeinflusst werden will, auf der anderen Seite aber immer sein eigenes Zeug verteidigen muss. So wollen wir in diesem Netz alle halbwegs Freunde sein, sind dabei aber ständig unter Beobachtung und gleichzeitig irgendwie auch Konkurrenten.

Und je mehr wir uns austauschen, desto austauschbarer wird alles. Und künstlerisch suchen wir eigentlich gar keine Übereinstimmung, sondern unsere eigene Einzigartigkeit. Das ganze Ding ist schrecklich verwirrend.

Die Menschen sind Konsumenten, Produzenten, Schüler, Lehrer, Arbeitgeber und -nehmer zugleich und jeder versucht zu bekommen, was er braucht und dabei einigermaßen gut wegzukommen. Lernen findet nicht mehr linear statt, sondern allgegenwärtig. Output = Input = Output. Wie findet man da durch? Um zu erkennen, ob eine Beeinflussung gut oder schlecht ist, gibt es eine sehr einfache Faustformel: Wenn Du Dir etwas holst, ist es Inspiration. Wenn sich die anderen etwas holen, ist es Plagiarismus.

Du kannst natürlich nicht ernsthaft erwarten, von anderen inspiriert zu werden, ohne Deinem Publikum das Gleiche zu erlauben.

Um aus diesem Widerspruch heil herauszukommen, solltest Du den anderen zur Sicherheit immer ein paar Schritte voraus sein. Lacht Aber was können wir im Internet lernen und was nicht?

Die Technik des Fotografierens kannst Du Dir besorgen, Du kannst Dir in der Community Feedback zu Deinen Bildern holen und so Grundlagen der Komposition und Bildkonzepte begreifen und Du kannst haufenweise Modelle akquirieren und viele Jahre vor Dich hin fotografieren, aber ohne fachliche Anleitung kannst Du auch komplett am Sinn der Sache und an Dir selbst verzweifeln, wenn Du immer nur hirnlos Bildideen kopierst, nur weil das Shareweb mal wieder „Mitmachen!“ gerufen hat.

Welche Schöpfungshöhe kann etwas denn haben, wenn es dazu schon ein Youtube-Tutorial gibt? Wer soll bei dem Gewimmel schon durchsteigen? Lehrgeld zahlen wir alle, bis uns wirklich keiner mehr viel vormacht.

Die verbreitete Währung im Internet ist Erfahrung. Wir hören gern auf Leute, wenn wir zu ihnen aufschauen, es gibt auch Respekt für die, mit denen wir uns auf einer Höhe vermuten und auf die anderen schauen wir tendenziell eher hinunter.

Ich fand’s immer etwas skurril, wenn eine Fotografin bei mir prahlte, dass sie jetzt gutes Geld macht und es endlich nicht mehr nötig hat, for free zu arbeiten, während sie sich von mir selbstredend ohne Bezahlung fotografieren ließ.

Oder wenn einer, der gerade einmal seit sechs Monaten knipste, plötzlich für horrende Summen Fine-Art-Workshops anbot. Das fühlte sich für mich irgendwie nicht stimmig an und dann kam es mir manchmal so vor, als sei das Internet nur eine große Firma: Nach oben schleimen und nach unten treten. Ein Spiegel-Artikel* über Facebook schloss mit der schönen Formulierung: „Von der Gemeinschaft bleibt nur noch das Gemeine übrig.“

Martin Sonneborn würde ja sagen: Das regelt der Markt. Aber wonach streben wir eigentlich? Haben wir von vornherein eine Vision oder strampeln wir nur solange diffus herum, bis es kommerziell halbwegs erfolgreich wird und entspannen uns dann ein bisschen? Wo ist das Ziel?

Wie können wir das Ziel formulieren, worin liegt denn unser persönlicher Erfolg? Vor allem als Künstler ist das zeitweise schwierig festzumachen. Sven Regener beantwortete das so: „Der künstlerische Erfolg ist nicht messbar, den musst Du selber postulieren. Du musst sagen: Dieses Buch ist mir gelungen. Aus die Maus.“ Ein Publikum kommt da als Instanz höchstens ganz am Rande vor.

Ich denke, diesen Werdegang macht jeder für sich durch, mit temporärer Selbstunter- und -überschätzung, mit eigenen Lernkurven und persönlichen Leidenswegen, bis irgendwann der strahlende Moment kommt, in dem Du Dich „fertig“ fühlst.

Ich weiß noch ziemlich genau, dass ich zu meiner ersten Ausstellung fast gezwungen werden musste. Ich hielt mich damals noch nicht für bereit. Aber wenn Du soweit bist, merkst Du es. Irgendwann fühlte ich, dass es genug ist mit studieren. Ich hatte, was ich brauchte, um allein weiterzumachen. Ich hatte meine Stimme gefunden. Das ist ja die wichtigste Frage, die Du Dir beantworten kannst: WARUM fotografiere ich eigentlich? Wenn Du das beantwortet hast, teilen sich Deine Bilder plötzlich in sehr wichtige, eher unwichtige und total überflüssige. Weil Du weißt, was Du zu tun hast.

Das ist natürlich von mir jetzt sehr leicht dahingesagt und das ist eh die Tücke beim Erfahrungen sammeln: Andere können einem dabei kaum helfen. Ich habe für mich persönlich etwas gefunden; bei anderen wird es ganz anders sein. Aber es gibt Autoritäten, die Deine Arbeit begleiten können, die Dir profunde Tipps mit auf den Weg geben, was Du Dir anschauen solltest oder in welche Richtung Du gehen kannst. Im Studium wird diese Funktion von Professoren wahrgenommen. Sie sind erfahren und unparteiisch und vor allem ist es ihre Aufgabe, sich mit Dir zu beschäftigen, Dich zu beraten und anzuleiten.

Vom Internet kann man das nicht verlangen, hier kommt diese Rolle tendenziell zu kurz, denn jeder vertritt in erster Linie seine eigenen Belange. Kuratieren wird da nur gegen Geld angeboten, Wettbewerbe kosten Mitmachgebühren und Awards und Vanity-Galerien warten eigentlich auch nur auf Dich, um Deine Brieftasche zu erleichtern.

Die Bedeutung dieser ganzen Dinge ist unklar und es ist nicht einfach, da durchzufinden. Heute verbringt jedes Fotokind schon mit 16 vom ersten Tag an mindestens so viel Zeit mit Selbstvermarktung wie mit der Arbeit an seinem Œuvre und der Kram hängt schon öffentlich an der Wand, bevor überhaupt klar ist, was er bedeuten soll.

Sich bei all dem Blingbling selbst zu finden, stelle ich mir sehr anstrengend vor. Ich habe den Eindruck, ich hatte im Studium und in der Laufbahn etwas mehr Zeit, die eigene Position und die Bedeutung der Dinge zu erkennen, ohne jeden Fitzel gleich vor der ganzen Welt rechtfertigen zu müssen.

Ich denke, was ich in Bildern suche, hatte ich im Groben schon gefunden, bevor ich mich dem Internet stellte. Das empfinde ich im Nachhinein als sehr günstig. Und auch, wenn ich das Internet zur Präsentation nutze, findet das Kreative ganz woanders statt. Ich finde es wichtig, diese beiden Prozesse komplett zu trennen, so kann ich dem Internet dann etwas zeigen, was es noch nicht kennt.

Aber die ganzen Begegnungen mit den Menschen, auch im Internet, haben zu meinen Bildern beigetragen. Es ist schön, diesen Einfluss überall zu spüren. Und ich bin allen sehr dankbar, die direkt oder indirekt dabei mitgemacht haben.

~

Wer sehen möchte, was Rüdiger Beckmann an die Wand bringt, der sollte sich morgen schleunigst auf den Weg nach Dresden machen und ihm die Hand schütteln. Finissage zu „Beyond Vanity – Jenseits von Eitelkeit“ – eine Ausstellung zu seinem Buch am Freitag, den 26. April 2013 bei Adam Ziege, Louisenstraße 87 – 01099 Dresden.

Ich verfolge Dich ja jetzt schon eine Weile bei Facebook. Fast jede Woche gibt es dort wieder neue Konzert- und Festivalbilder zu bewundern. Klingt, als hättest Du einen Traumjob. Ist er das?

Das ist tatsächlich ein Traum, allerdings kein Job, denn ich arbeite nur im eigenen Auftrag für mein eigenes kleines Onlinemagazin. Das verschafft mir einerseits die Freiheit, nur die Konzerte zu fotografieren, die mich interessieren, hat teilweise aber auch den Nachteil, nicht alle Künstler vor die Linse zu bekommen. Zumindest nicht die Herrschaften, die noch immer im Internet eine Bedrohung sehen und nur Printmedien akkreditieren.

Mitunter fragen nach meiner eigenen Veröffentlichung auch Printmagazine an und ich gehe darauf ein, aber im Auftrag anderer arbeite ich nur sehr ungern. Noch besser ist die Situation natürlich dann, wenn man einen persönlichen Draht zur Band bzw. deren Management hat.

Dann findet man vor Ort auch ganze andere Bedingungen vor. Aber um zum Ausgangspunkt zurückzukommen; ja, es ist traumhaft, da es mir Gelegenheit gibt, großartige Konzerte zu besuchen und gleichzeitig zumindest einen Teil zum Ganzen beitragen zu können.

Bekommst Du denn bei der Arbeit überhaupt etwas vom Konzert mit? Die unberechenbaren Lichtsituationen, schnelle Bewegungen der Musiker – das alles erfordert ja eine hohe Konzentration. Kann man dabei die Musik genießen?

Gute Frage. Wenn ich das komplette Konzert fotografieren kann, bekomme ich nicht wirklich viel mit vom Geschehen. Aber das ist nicht die Regel, denn meistens ist ja nach drei Songs Schluss und man kann sich dem Konzert selbst widmen. Allerdings ist auch dann nicht ausgeschlossen, dass man den Lichtsituationen auf der Bühne mehr Beachtung schenkt als der Musik.

Um diese wirklich zu genießen, bin ich ohnehin lieber zuhause und höre in aller Ruhe ein Album auf CD oder Vinyl an. Bevor ich mit der Konzertfotografie begonnen habe, war ich daher auch kaum mal bei einem Konzert dabei. Und ich mag das eigentlich auch gar nicht. Zu viele Menschen auf engem Raum, der Sound ist meist übersteuert, die Luft schlecht… beim Fotografieren kann man das alles ausblenden, aber ohne das würde ich vermutlich nie Konzerte besuchen.

Interessant, ein Konzertfotograf, der an sich keine Konzerte mag. Muss man denn die Bands kennen und mögen, um gute Bilder zu machen?

Es ist vor allem motivierend, Bands zu fotografieren, die man mag oder vielleicht bislang noch nicht fotografieren konnte. Aber für gute Bilder reicht allein das nicht aus, manche Künstler sind aufgrund ihrer Statur oder ihres extremen Bewegungsdrangs generell schwieriger zu fotografieren und andere mögen keine guten Lichtbedingungen. Da nützt dann mitunter das Wollen auch nicht viel.

Manchmal sind die Ergebnisse aber trotzdem ganz passabel, das darf man dann gern der eigenen Tagesform zuschreiben oder ein paar glücklichen Momenten. Aber selbst bei perfekten Bedingungen, viel Zeit und guter Form wird es immer ein Foto geben, das man nicht gemacht hat. Vielleicht ist das auch der Grund für den bleibenden Antrieb, beim nächsten Mal wiederzukommen.

Die Leute auf der Bühne zu kennen, ist schon ein Vorteil. Es ist gut, wenn man weiß, wer gern auf welcher Seite das Mikro hält, wie groß die Bandmitglieder sind, ob sie dazu neigen, in den Graben oder ins Publikum zu springen und dergleichen mehr. Ein zu viel an Vorbereitung könnte allerdings die nötige Spontaneität ein wenig hemmen, so dass ich mir meistens nicht allzu viele Gedanken mache.

Gibt es da eine Band, bei der es Dir besonders viel Spaß macht?

Derzeit muss ich da unbedingt die Band IAMX nennen, die mir auch musikalisch am meisten bedeutet. Ich habe sie erst einmal fotografiert, aber demnächst erfährt die Zusammenarbeit eine Fortsetzung. Gute Ergebnisse und daher viel Spaß gab es in der Vergangenheit mit den Bands Diorama, Project Pitchfork, Laibach oder Lacrimosa. Von den bekannteren Künstlern ist mir vor allem ein Abend mit Nick Cave in guter Erinnerung. Auf der Wunschliste stehen die Nine Inch Nails ganz oben.

Wie wichtig ist die Technik bei Deiner Arbeit und mit welcher Ausrüstung arbeitest Du?

Wichtig ist sie insofern, als dass sie mich in die Lage versetzt, unter teilweise extremen Bedinungen ordentliche Fotos zu machen. Derzeit benutze ich eine Nikon D700, eine Nikon D200 sowie einige lichtstarke Festbrennweiten. Damit bin ich derzeit zufrieden. Ich würde dennoch sagen, dass ein gutes, schnelles Auge sowie Erfahrung weitaus wichtiger sind als die optimale Ausrüstung.

Aber ein gutes, schnelles Auge nützt nichts, wenn die Kamera nicht über ISO 400 hinausgeht, oder?

Es ist schon beides wichtig, keine Frage. Komisch sind immer so Äußerungen, wie „Du machst ja bessere Fotos, weil Du die bessere Kamera hast.“ Das ist sehr wirklichkeitsfern, denn ein ambitionierter Fotograf wird eher Wege und Mittel finden, bessere Technik zu verwenden, als neidvoll auf andere zu schielen.

Ich frage mich oft, warum so viele Fans auf Konzerten ihr Handy um Fotos bemühen. Gute Bilder schafft man damit aus der meist doch sehr großer Entfernung nicht, oder?

Die Handy-Knipser und Filmer sind ein ganz anderes Thema. Ich denke mal, denen geht es nicht so sehr um Qualität, sondern um den Beweis der eigenen Teilnahme. Mit Web 2.0 Apps wie Facebook und YouTube ist das Dabeisein und Mitmachen ganz wichtig geworden, wichtiger offenbar, als das pure Konzerterlebnis selbst.

Einige Künstler sprechen sich daher auch gegen die Verwendung von Handyknipsen aus, was ich ihnen hoch anrechne. Aber es gibt nicht nur zu viele Handyknipser, es gibt auch deutlich zu viele Leute, die sich um den Einzug in den Fotograben drängeln. Da ist in den letzten Jahren leider vieles in eine fragwürdige Richtung gelaufen.

Ja, von den Kämpfen im Fotograben hört man selbst als Nicht-Konzertfotograf in der Tat häufig. Woher kommen die ganzen Fotografen auf einmal und wo kann man ansetzen, um das Problem aufzulösen?

Die Zugangsbarierren sind einfach wesentlich niedriger als früher. Digitalfotografie und Internet sind zwei wichtige Gründe dafür, dass es in diese Richtung gegangen ist. Veranstalter sehen sich daher mit weitaus mehr Anfragen konfrontiert und soweit es möglich ist, wird diesen Anfragen auch entsprochen.

Denn im Zweifel sind mehr Vorabwerbung und Nachberichterstattung immer lukrativer als die zwei, drei Lokalmedien, die zur Analogzeit berichtet haben. Da die richtige Auswahl zu treffen, ist sicher nicht einfach und auch mal nein zu sagen leider nicht die Regel.

Wenn man die Zugangsbarierren erhöht, wäre Deine Arbeit nicht auch in Gefahr? Als eigener Auftraggeber für ein Online-Magazin bist Du doch wahrscheinlich einer der vielen neuen Fotografen im Graben, oder?

Das könnte man meinen, allerdings haben sich in den vergangenen Jahren einige gute Kontakte entwickelt, die mich zumindest innerhalb der alternativen Musikszene zuvorkommend behandeln. Das Online-Magazin war aber letztlich immer nur Mittel zum Zweck, denn ich bin dort weit davon entfernt, richtigen Journalismus zu betreiben.

Wesentlich lieber wäre mir daher die nähere Bindung an einzelne Bands, das würde dann auch eher zu einzigartigen, außergewöhnlichen Fotos führen und die beschriebene Situation gar nicht erst entstehen lassen.

Möchtest Du als eine Art persönlicher Fotograf Bands für eine Tour oder zumindest ein paar Konzerte begeleiten oder wie kann ich mir das vorstellen?

Für einzelne Konzerte ist das bereits schon so geschehen, eine komplette Tour wäre allerdings eine neue Erfahrung, die ich unter gegebenen Umständen gern machen würde.

Auch wenn bereits zu viele Fotografen im Konzertgraben stehen: Hast Du vielleicht Tipps für angehende Konzertfotografen?

Ein Tipp wäre eventuell, nicht so sehr die anderen Fotografen und ihre Fotos als Vorbild vor Augen zu haben, sondern eher zu versuchen, so früh wie möglich einen eigenen Weg der Bildsprache zu entwickeln. Ich war am Anfang sehr aktiv in der Fotocommunity, was letztlich aber ein Fehler war, denn dort wird eher das Streben nach einem Konsensgeschmack gefördert als die eigene Entwicklung.

Passend zur Musik würde ich Deine Bildsprache als düster und kontrastreich beschreiben. Wie würdest Du sie charakterisieren?

Düster und kontrastreich, genau. Das hat wohl mit meiner Persönlichkeit zu tun, die gern schwarz oder weiß malt, aber niemals grau und selten farbig. Farbe gibt es vermehrt dann zu sehn, wenn es mir bei dem Ereignis gut ging, aber im Nachhinein sind das meist die schlechteren Fotos. Persönliche Krisen hingegen haben sich meist positiv auf die fotografischen Ergebnisse ausgewirkt.

Ich finde ja auch Deine wenigen farbigen Bilder schön. Entscheidest Du bereits während des Konzertes, ob die Bilder am Ende schwarzweiß werden? Und wieviel Nachbearbeitung steckt überhaupt in den Bildern?

Das ist zunächst davon abhängig, welche Bedingungen vor Ort herrschen. Im Gegensatz zur oftmals vertretenen Meinung, schwarzweiß sei nur eine Notlösung, ist es bei mir eher umgekehrt: Ich versuche fast immer, die Fotos im Ergebnis schwarzweiß zu bekommen.

Aber manche Farbkonstellationen lassen dies einfach nicht in genügendem Maße zu. Wenn das Ergebnis farbig ausfällt, kann es also nicht nur an der guten Verfassung während des Ereignisses liegen, sondern auch schlichtweg daran, dass die Umwandlung nicht geglückt ist.

Nachbearbeitet werden alle Fotos, zunächst meist im Schnitt, was eine Folge der Festbrennweiten ist. Dann wird nachgeschärft, verkleinert und der Kontrast erhöht. Von Bildmanipulationen halte ich aber nicht so viel. Mir ist der rauhere Charakter sowieso lieber als eine glattgebügelte HDR-Anmutung.

Generell halte ich Farbe für problematisch, weil es den Betrachter viel zu sehr vom Geschehen selbst ablenkt. Ich habe auch manchmal den Gedanken, einfach von vornherein schwarzweiß und analog zu fotografieren. Vielleicht werde ich das demächst wieder versuchen.

Das klingt für mich nach einer großen Herausvorderung. Was steht denn in nächster Zeit noch an?

Ja, letztlich werde ich aber der Konzertfotografie weiter treu bleiben. Es gibt dann auch immer mal Anfragen der Musiker für gestellte Fotos. Ich habe mich allerdings nie so richtig wohl gefühlt, wenn es darum ging, selbst Regie zu führen, so dass ich das lieber anderen überlasse.

Falls alles klappt, werde ich in der nächsten Zeit Konzerte von IAMX, Rammstein und Dead Can Dance besuchen. Zudem freue ich mich auf verschiedene Open Air Events im Sommer auf einer malerisch gelegenen Festung in der Nähe meiner Heimatstadt, zu denen mich der Veranstalter bereits eingeladen hat.

Dann viel Erfolg dabei! Ich bin gespannt auf die neuen Bilder.

Vor einer Weile schon ist mir etwas aufgefallen. Etwas, das mich überrascht hat und eigentlich doch ganz logisch ist.

Ich saß zufrieden in eine Decke gekuschelt auf dem Sofa und habe eine Zoosendung angesehen – ich finde, es gibt nichts Entspannenderes als Zoosendungen! – als mir plötzlich auffiel, dass ich schon seit fast zwei Wochen kein einziges Foto gemacht hatte. Über Jahre hatte ich nie länger als drei Tage keine Bilder gemacht. Wenn es sonst nichts gab, bin ich für Selbstportraits mit meiner Kamera losgezogen.

Wieso also lag das arme Wunderding nun so lange unbeachtet im Schrank? Ich hatte nicht weniger Zeit als sonst gehabt. Ich hatte einfach kein Bedürfnis, Fotos zu machen.

Ich fing an, mich zu fragen, was mit mir los sei, suchte nach allen möglichen Gründen, fand aber nichts. Es dauerte noch eine ganze Weile bis mir etwas auffiel: Ich war zufrieden und ausgeglichen. Mir fiel kein einziges Problem ein, das mich beschäftigte, es ging mir einfach nur gut.

Zum ersten Mal begriff ich, dass das erste, was ich immer tat, wenn es mir schlecht ging, wenn ich traurig oder verwirrt war, wenn mich etwas sehr beschäftigte, war, dass ich mir meine Kamera schnappte und Fotos machen ging. Je mehr ich darüber nachdachte, desto offensichtlicher wurde es.

760 Fotos in meinem Flickrstream, davon 500 Selbstportraits und dennoch kennt fast keiner der Betrachter mein Lächeln. Wenn jemand über meine Fotografien schrieb, fielen Worte wie „ausdrucksstark“, „ehrlich“, „ungefilterte Emotion“, „verletzt“ und „dunkel“.

Und sie haben Recht. Vor meiner Kamera lasse ich jede Fassade fallen, erzähle mit Blicken und Bewegungen davon, was mich bedrückt und sie hört zu, versteht mich und antwortet mit leisem Klicken. Es fühlt sich gut an, alles zeigen zu können und so ehrlich zu sein, wie man es nicht einmal zu seinem Spiegelbild ist. Während diesen Therapiestunden lasse ich alle Gefühle zu, die ich im Alltag hinter einem Vorhang verschleiere. Es fühlt sich an, als könnte ich meine Gefühle während des Fotografierens analysieren und ordnen.

Wenn ich meine Kamera dann schließlich ausschalte, geht es mir besser. Ich habe einen Teil der Trauer, der Wut, der Unsicherheit an meine Bilder abgegeben. Sie sind darin festgehalten und werden für immer eine Erinnerung sein. Ich kehre oft zu ihnen zurück und sehe, was sich verändert hat und was ich daraus gelernt habe.

Wenn ich mir jetzt dieses Bild von meinem halbjährigen Auslandsaufenthalt in Cardiff ansehe, weiß ich wieder genau, wie ich mich gefühlt habe: Ich hatte Heimweh und vermisste Freunde und Familie, ich schaffte es einfach nicht, mich einzugewöhnen und der tägliche Regen trug nicht unbedingt zu einer besseren Stimmung bei.

Ich war so unglücklich wie lange nicht, wollte einfach nur weg. Abends auf dem Weg von der Uni zu meinem Zimmer hatte die Kamera wie immer im Rucksack dabei und als ich den kleinen von Laternen gesäumten Weg entlang ging, war es plötzlich glasklar, dass ich sie herausnahm, auf das Stativ stellte und mir selbst eine Therapiestunde verschrieb. Es tat unglaublich gut, die Alles-okay-Fassade abzulegen und zu zeigen, was ich fühlte.

Wenn man dann erst einmal alle negativen Gefühle freigesetzt hat, ist auch endlich wieder Platz für positive.

Ja, wahrscheinlich würde ich mich nun auch selbst für ein wenig komisch halten und nach Tassen in meinem Schrank suchen, wenn ich nicht unter vielen Fotos im Netz die Notiz „self portrait therapy“ gefunden hätte.

Es geht also nicht nur mir so. Es scheint, als würde diese Therapie bevorzugt mit Hilfe von Selbstportraits funktionieren. Wahrscheinlich, weil man sich so intensiv mit sich selbst auseinandersetzt. Es wäre jedoch sehr interessant zu erfahren, ob auch Fotografen aus ganz anderen Genres diese Erfahrung machen.

Ich bin jedenfalls dankbar, dass ich zwei meiner Fotografenfreunde überreden konnte, im Folgenden auch ihre Erfahrungen preiszugeben.

Nikolas: „Fotografie als Therapie – für mich? Ich könnte jetzt so ganz plump sagen: Alle meine Fotos und der Prozess dahinter, der ganze Gedanke, all das wirkt auf mich wie eine Therapie. Und das wäre nicht mal gelogen. Gerade diese Wirkung von Kunst, neben der Ehrlichkeit, die durch das Fotografieren ermöglicht wird, ist enorm wichtig für mich.

Aber speziell diese eine Serie, ‚memorials‘, entstand in erster Linie aus dem Antrieb, Gefühle und Erinnerungen zu verarbeiten. Zu sehen sind Orte allseits gewöhnlich; eine Straße, eine Wiese, für andere nichts Besonderes. Aber eben genau diese Orte sind für mich so viel mehr als nur ein wenig Asphalt oder ein paar Grashalme, wild aneinander geordnet.

Nein, diese Orte sind ein Teil von mir. Also fing ich an, diese Teile genauer zu betrachten: An was erinnern sie mich, welche Gefühle geben sie mir, wie fühle ich mich eigentlich gegenüber diesen Orten? All das habe ich in das Endergebnis mit einfließen lassen. In Licht, Schatten, Ausschnitt, Komposition. In diesen Moment, in dem ich nun da stand, die Kamera im Rücken, wie eine Statue. All das für ewig einzufangen, ein Denkmal zu erschaffen.

Wenn ich jetzt an diesen Orten bin, sind sie nicht mehr wirre Gedanken – noch weniger sind es die Erinnerungen, die an ihnen stattfanden. Es ist nicht mehr dieser Kuss, all diese unverständlichen Tränen, dieses flatternde Gefühl in meinem Bauch, sein Gesicht, unser Abenteuer – es ist alles verpackt, geordnet. Schön und ordentlich zusammengekehrt wie welkes, nasses Laub, dekorativ zu einem Haufen.

Jetzt habe ich damit abgeschlossen. Ferner, aber immer noch nah. Greifbar eben, immer wieder abrufbar. Diese Orte sind jetzt mehr das Foto und all das, was dieses Foto für mich bedeutet. Nicht mehr und nicht weniger. Ich denke, kein Therapeut könnte mich dazu bringen, in dem Maße mit etwas abzuschließen, wie ich es mit dieser Serie tue.

Und das Schönste an all dem ist, dass sie kein Ende nimmt. Es werden immer neue Orte kommen, neue Erinnerungen und es werden immer neue Fotos entstehen. Es ist wie ein Tagebuch, wenn auch in einem anderen Maße und wenn ich so darüber nachdenke, werde ich wohl niemals damit aufhören. Niemals dieser Serie ein Ende setzen. Und das ist irgendwie ein positiver Gedanke, der allein so schon beruhigend auf mich wirkt.“

Rona: „Es gibt nicht viele Dinge in meiner Welt, die mir so wichtig sind wie Freundschaften und wenn ich abends mit einem Lächeln auf dem Gesicht einschlafe, weil ich eine anregende und aufschlussreiche Konversation mit einem guten Freund hatte, dann hätte der Tag fast besser nicht sein können.

Und trotzdem stehe ich oft vor demselben Problem, auszudrücken, was mir am meisten bedeutet, in Worte zu fassen, was ich eigentlich unbedingt loswerden will und Informationen zufriedenstellend zu übermitteln, weil ich vielleicht nicht einmal selbst genau weiß, wie es mir mit einer bestimmten Situation wirklich geht.

Über die Jahre habe ich gelernt, auf eine andere Art zu kommunizieren, aber vor allem zu reflektieren. Erster Ansprechpartner ist bei wichtigen Ereignissen in meinem täglichen Leben oft meine Kamera, die mir unendliche Möglichkeiten bietet, mich durch sie auszudrücken, im fertigen Foto übermittelt, was ich nicht in der Lage war zu sagen und mir oftmals sogar neue Sichtweisen eröffnet. Manche Dinge können und sollen nicht in Worten ausgedrückt werden. Und manche Fotos müssen nicht in Worten, sondern in Gefühlen geschrieben werden.

Es tut gut zu wissen, dass es zum Beispiel Rona und Nikolas ähnlich geht. Mit ihnen ist das gegenseitige Verständnis unserer Bilder auf einer ganz anderen Ebene. Aber nicht jeder kann sehen, was sie sehen und wissen, was sie wissen und genau deshalb kommen mir manchmal Zweifel.

Geht dieser emotionale Exhibitionismus zu weit? Gebe ich zu viel preis? Vermittle ich ein falsches Bild von mir? Menschen, die nur meine Bilder kennen, würden sich wundern, wie glücklich ich mit meinem Leben bin und wie viel ich lächle. Aber scheinbar brauche ich für all die positiven Momente eben keine Therapie.

Und nur um der Sache wegen, den Millionen von künstlichen Grinsebildern ein eigenes hinzuzufügen, in meinen Fotos quasi zu lügen? Nein, danke. Ich will echt sein. Und weil sie einfach so gut tun, diese echten Bilder, schiebe ich jeden Zweifel zur Seite.

Und ich glaube, genau deshalb schreiben mir immer wieder Menschen, dass sie sich in meinen Bildern wiedererkennen und dass sie die Emotionen darin berühren. Und gibt es etwas Schöneres, als die Betrachter mit einem Werk zu berühren? Für mich ist es das schönste Kompliment. Erst jetzt wird mir bewusst, wie sehr das Motto meiner Fotografie genau dieses Gefühl wiederspiegelt: „Don’t look at me, just feel my soul.“

Also falls Ihr irgendwann denkt, Ihr könntet einen Therapeuten brauchen, schnappt Euch Eure Kamera. Diese Therapie ist kostenlos und die Schweigepflicht wird in 100% aller Fälle eingehalten. Ihr müsst Euch nicht auf ein Sofa legen, es gibt keine befristete Stundenanzahl und Euch muss absolut nichts peinlich sein. Für die kleinen Alltagssorgen ist sie jedenfalls ein Hausmittel, das es zu testen lohnt.

„Wenige Menschen selbst in Indien wissen überhaupt, dass es den Ort Baltistan gibt. Erst kürzlich wurde Baltistan von der Außenwelt abgeschnitten und die Armee gestattet nur sehr begrenzten Zugang zur Region“, berichtet Vasudev über das Gebirge in Pakistan. Als er zum ersten Mal in diesem Teil des Kaschmirgebirges zwischen Karakorum und Himalaya eintraf, wusste der Fotograf nicht, was er überhaupt erwarten sollte, denn es gab für ihn nichts wirklich Interesstantes zu sehen.

„Ich lief erst einmal fünf Tage herum und versuchte, Zugang zu den Menschen zu bekommen, einfach abzuhängen. Das war aber gar nicht leicht, denn die Leute sind nicht an Fremde gewöhnt – geschweigedenn, fotografiert zu werden.“ Irgendwann brach dann aber doch das Eis und trotz brüchiger Kommunikation mit den Menschen entdeckte Vasudev die wundervolle Welt der Balti.

Zum fotografischen Ablauf bemerkt Vasudev nur, dass er seine Aufahmen niemals plane. „Alles hängt davon ab, wie ich auf einen bestimmten Ort und die Menschen emotional reagiere.“ Es habe schon Zeiten gegeben, in denen er über einen Monat voll ausgerüstet reiste, ohne ein einziges Bild zu machen. Es scheint, als müssen viele Dinge zusammenkommen und dann, im entscheidenden Moment, entsteht ein Portrait.

Ich freue mich, dass sich Vikas Vasudev den Menschen und dem Land geöffnet und dort großartige Portraits gemacht hat. Sein Tumblr werde ich jedenfalls weiter verfolgen.

Ich habe irgendwo gelesen, dass Selbstportraits so ein Frauending wären. Umso schöner, dass wir diese Theorie mit Euch widerlegen konnten, denn unsere Auswahl zeigt vorrangig Männer. Der jüngste davon ist gerade einmal 14 Jahre alt und ziert unser Titelbild.

Jeder Redakteur hat für unsere Auswahl seine Favouriten ins Rennen geschickt und hier seht Ihr nun alle Bilder mit Mehrfachnennung – was wie immer nicht heißt, dass diese Bilder nach irgendeinem objektiven Maßstab die besten wären, sondern einfach nur, dass sie uns persönlich angesprochen haben.

Foto: Jan Plähn

Jan schrieb:

Als ich von Eurer Aktion gelesen habe, wusste ich sofort, was für ein Foto ich schießen möchte. Ich nahm mir einen der Stöcke, die wir normalerweise für Stockbrot verwenden und suchte im Schuppen meines Vaters eine passende Schnur. Ich schaute mir im Internet noch einige Bilder von Anglern an, da ich davon echt absolut keine Ahnung habe und fuhr dann mit meinem Fahrrad zu „Liesbeth eern Diek“, einem Teich, etwa fünf Kilometer von meinem Zuhause entfernt.

Dort angekommen merkte ich erst einmal, dass mir irgendwo auf dem Hinweg der Stockbrotstock vom Gepäckträger gefallen ist und ich suchte mir im Wald einen neuen geeigneten Stock. Ich knotete die Schnur an die Angel, zog mir Socken und Schuhe aus, krempelte meine Hose hoch und nach ein paar Versuchen und komischen Blicken der vorbeikommenden Waldspaziergänger war das Bild in der Tasche. – Den Fisch habe ich natürlich nachträglich eingefügt.

Foto: Petra Holländer

Petra schrieb:

Als ich diese Meeresschnecke zum ersten Mal sah, wusste ich sofort, dass ich mit ihr ein Foto machen musste. Und zwar in Verbindung mit nackter Haut. Ich hatte noch kein wirkliches Konzept im Kopf, aber ich wollte das Schneckenhaus unbedingt auf meinem Körper platzieren und so mit dem Licht arbeiten, dass harte Schatten entstehen. Besonders fasziniert hat mich das Aussehen der Meeresschnecke, da sie einerseits etwas furchteinflößend wirkt, anderseits aber auf der Innenseite wirklich schön ist und dort auch verletzlich wirkt.

Das entstandene Foto hat somit zweierlei Bedeutung für mich: Es geht, wie der Titel schon verrät, zum einen um die dunkle Seite eines Menschen, um grauenhafte Dinge, zu denen er fähig ist. Zum anderen stehen das Schneckenhaus und die nackte Haut aber auch für Verletzlichkeit und innere Schönheit.

Foto: David Uzochukwu

David schrieb:

Als ich von dieser Aktion gelesen habe, dachte ich mir: Das ist doch mal was für mich! Ich mache gerne Selbstportraits – oder wie Laura so schön geschrieben hat: Nichtichselbst-portraits. Wenn ich mich vor die Kamera stelle, will ich nachher nicht mehr mich im Bild sehen, sondern jemand ganz anderen – in dem dann aber meistens ein Teilchen von mir steckt.

Ich habe meistens ein ziemlich klares Konzept vor Augen, lasse mich dann aber beim Fotografieren und Bearbeiten einfach fallen und behalte das Thema im Hinterkopf. Auf jeden Fall hat mich diese Aktion dazu gebracht, mich mal wieder aufzurappeln, die elende Wintermüdigkeit abzuschütteln und ein Foto zu machen, mit dem ich zufrieden bin.

Foto: Thomas Lüttig

Thomas schrieb:

Bereits vor einigen Tagen hatte ich Euren Aufruf hier gesehen und mir gedacht, da mache ich auch mal mit. Man macht als Fotograf ja gelegentlich auch mal ein ein Selbstportrait und sei es nur, um mal etwas zu testen… aber meist ist man mit seinen Fotos dann nicht wirklich zufrieden – zumindest mir geht das oft so.

Dann kam ganz schnell die Frage: Was mache ich für ein Selbstportrait? Ich saß also bei einem Kaffee in der Küche und dachte darüber nach und letztendlich kam ich auf die Idee, genau diese Situation zu fotografieren: Das Nachdenken über ein Selbstporträt, ein Moment der Reflexion über sich selbst und über die – naja, zweitschönste – Sache der Welt, das Fotografieren.

Die Bearbeitung sollte auch etwas mit mir zu tun haben und ich habe mich für diesen matten Schwarzweiß-Look entschieden. Warum? Seit meiner frühen Jugend bin ich immer noch beeindruckt von einigen Platten-Covern der Band „The Smiths“, die ich auch musikalisch immer noch sehr mag. Also kam dieses Bild heraus. Wie gesagt: Zu 100% zufrieden ist man wohl nie, aber ich mag es.

Foto: Martin Melcher

Martin schrieb:

Seit gut einem halben Jahr studiere ich nun Medienkunst und Gestaltung an der Bauhaus-Universität Weimar und habe dort im ersten Semester einen Fotokurs besucht, in dessen Rahmen wir verschiedene Aufgaben umsetzen sollten. Eine davon war die des Selbstportraits. Eine für mich zum damaligen Zeitpunkt kaum zu meisternde Aufgabe, da ich mich selbst nie auf einem Bild sehen konnte. Hiermit ist nicht gemeint, dass ich mich hässlich finde oder ähnliches, nur eben, dass die Person, die ich auf Bildern sehe, irgendwie nicht ich bin.

Im Rahmen meiner Abschlussarbeit für den Fotokurs arbeite ich nun seit Wochen ununterbrochen an einer guten Serie von Selbstportraits, um diese emotionale Hürde zu meistern, allerdings in einem anderen Kontext, und beschäftige mich in den Abendstunden sehr intensiv mit mir und meinem Gesicht und halte dies in Portraits fest.

Mittlerweile merke ich, dass ich selbstbewusster geworden bin; fange an mich zu sehen, beginne zu hinterfragen, wer ich wirklich bin, wie ich gesehen werde, gesehen werden möchte. Daher freue ich mich, hier auch einen Beitrag beisteuern zu können.

Wer sich an technischen Infos erfreut: Pentax K-5, ISO 80, 1/160 s, f/8, zusammen mit einem Yongnuo 560 II und Softboxschirm oberhalb der Kamera.

Foto: Michael Bergmann

Michael schrieb:

Ich habe mir den CamRanger für’s iPad zugelegt, um eigentlich Landschaftsaufnahmen mit ihm zu machen. Portraits sind meiner Meinung nach für diese Lösung geeignet. Nach mehreren Anläufen habe ich das Ganze doch noch einmal probiert – und zwar mit einem Modell, das entsprechend geduldig ist für Experimente. Und das war ich am Ende selbst.

Foto: Ljuba Gonchar

Ljuba schrieb:

Mit einem meiner Modelle hatte ich vor einiger Zeit bei mir zu Hause Fensterbilder gemacht, weil das Wetter einfach nur unglaublich schlecht war. Heute sah ich, dass Eure tolle Aktion abläuft und wollte unbedingt mitmachen. Draußen wütete der Wind bei knapp 3°C, also wollte ich solch ein Fensterbildchen von mir selbst ausprobieren. Alles viel leichter als gedacht…

Zunächst musste natürlich das neue Glätteisen ausprobiert werden. Zwei Stunden später und die Hälfte meiner Haare weniger, hatte ich es geschafft, mir zwei kleine Löckchen zu zaubern. Dann begann die richtige Arbeit. Ich bin fast wahnsinnig geworden bei der Fokussuche. Als Fokuspunkt musste meine halbtote Palme herhalten. Bei knapp 60 Bildern waren nur zwei scharfe dabei! Eines davon seht Ihr hier.

Foto: Benjamin Zapf

Benjamin schrieb:

Mit der Kamera in der Hand bin ich durchs Haus gelaufen und dann ist mir zufällig die Spiegelung in einer Glastür aufgefallen. Mit dem Gedanken an den Artikel hier wusste ich sofort: Das isses. Das 50mm war schon drauf, Kamera auf’s Stativ und mit Fernauslöser ein paar Testbilder gemacht, bis ich wusste, wo ich mich hinsetzen muss.

Um das Fokussieren zu erleichtern, habe ich eine Schnur mit einem kleinen Gegenstand am Ende an die Decke geklebt und dorthin hängen lassen, wo mein Kopf sein sollte. Dann noch ein paar Bilder mit unterschiedlichen Positionen gemacht und letztendlich habe ich mich für dieses entschieden.

Die Bearbeitung war überschaubar, eine einfache Konvertierung nach schwarzweiß in Lightroom, um das Bild auf das Wesentliche zu reduzieren.

Foto: Tobias Pohl

Tobias schrieb:

Ich liebe Pinhole und der nächste World Pinhole Photography Day ist ja auch bald wieder. Was liegt da näher als ein Lochbild?

Damit es nicht völlig verwackelt, habe ich mit Pinhole und Blitz experimentiert. ISO: Keine Ahnung, aber verdammt hoch. Leitzahl 45 und volle Leistung aus ca. 1,5 Metern Entfernung. Aua, das flasht, aber es funktioniert…

Dass bei unserer Aktion leider viele Fotos, die wir auch super fanden, nicht Einzug in diese Auswahl erhalten haben, liegt in der Natur der Sache. Wir empfehlen Euch daher, selbst noch einmal die Kommentare und Einreichungen zur Leseraktion durchzusehen. Am besten mit einer Tasse Tee oder Kaffee.

Nachdem hier auf kwerfeldein vor Kurzem über das Thema „Kopie, Inspiration und Idee“ diskutiert wurde, wollte ich mich ausführlicher damit beschäftigen, was passiert, wenn man vom Bild eines anderen inspiriert wird. Und was daraus entstehen kann.

Ob es das spezielle Format, ein Accessoire, der Bildaufbau, die Thematik oder das Konzept ist – etwas an einem Bild fesselt den Betrachter so sehr, dass es bewusst oder unbewusst gespeichert wird. Entweder man entscheidet sich dann bewusst, einen Aspekt aufzugreifen und ihn zu einem eigenen Bild zu entwickeln oder es geschieht, ohne dass man es merkt. Es ist mir selbst schon passiert, dass ich erst Wochen, nachdem ich ein Foto gemacht habe, einen Teil meiner Idee in einem altbekannten Bild wiedergefunden habe.

Ich habe unzählige Beispiele gefunden von Fotografen, die unter ihrem Bild das Foto eines anderen Fotografen als Quelle der Inspiration angegeben haben. Für mich hat dieser Hinweis die Bilder umso spannender gemacht, da es toll ist, zu sehen, was aus der Idee eines anderen werden kann. 
Acht Bildpaare habe ich ausgewählt und den jeweils inspirierten Fotografen um ein paar Worte zu seinem Werk, der Intention und zur Inspiration an sich gebeten.

Einen tollen Gedanken von Thomas Mann, möchte ich Euch noch auf die Reise durch die folgenden Bilder mitgeben: 
„Fantasie haben heißt nicht, sich etwas auszudenken, es heißt, sich aus den Dingen etwas zu machen.“

Growing thoughts – Mister Sullivan

Half Kiwi – Chloe Smith

Chloe: „Als ich Michaels Foto sah, musste ich schmunzeln. Ich sah den Baum als Erweiterung des Kopfes. Es könnten Adern sein oder das Gehirn oder einfach eine krause Haarpracht. Ich mochte die Eigentümlichkeit der Kombination und wie zwei zusammenhangslose Dinge so gut harmonieren können. 
Also nahm ich diesen Aspekt, ein Objekt als Erweiterung eines Fotos zu nutzen, als Inspiration für mein Bild.
 Meine Interpretation ist eine Anspielung auf meine Herkunft. Die Kiwi steht für Neuseeland, woher meine Mutter stammt.
“

rorschach. – Robby Cavanaugh

This Is Only A Test – Joel Robbinson

Joel: „Die Idee meines Fotos entstand nicht direkt als eine Inspiration aus Robbys Foto, aber nachdem das Konzept in meinem Kopf anfing, Form anzunehmen, erkannte ich, dass es große Teile seiner Idee und Vision widerspiegelte. Ich wollte aber, dass es eine Kombination aus einem von ihm inspirierten Foto und meiner ganz eigenen Geschichte und Symbolik wird. Ich nahm sein Foto also als Leitfaden für die Gestaltung (schwarz und weiß) meines Bildes, aber ich versucht auch sehr stark, meinen eigenen Stil in der Bearbeitung und im Konzept einzubringen.

Mein Konzept basierte auf der Idee, getestet zu werden und war inspiriert von Rorschachtests und was sie über Dich aussagen. Ich hatte noch nicht viele konzeptionelle Bilder gesehen, die dieses Prüfverfahren als Inspiration nutzten, aber Robbys hat mich eindeutig dazu inspiriert, meine eigene Version zu erschaffen.“

pollen covered – Laura Zalenga

reanimation – Ana Santl


Ana: „Ursprünglich hatte ich nicht vor, das Foto von Laura ‚nachzumachen‘, wie man das gern sagt. Es war eher intuitiv: Ich bewunderte die kleinen Minzenblätter und erst dann hatte ich mich entschieden, sie unter die Augen aufzukleben. Währenddessen war das Bild von ihr irgendwo in meinem Hinterkopf, es war aber doch anwesend und beeinflusste mich.“

makes light and, life. – imfreelykeely

untitled – Gibson Regester

Gibson: „Nun, jeder Künstler muss das, was er oder sie durch die eigenen Augen sieht, übersetzen. Daher musste auch ich, was ich gesehen hatte in mein eigenes Kunstwerk übersetzen. Es erwies sich nicht als schwieriger, sondern sogar einfacher, ein Bild zu produzieren für das ich eine feste Quelle der Inspiration hatte. 
Sofort nachdem ich Keelys Foto gesehen hatte, erschien in meinem Kopf ein Bild, das ich machen wollte. Ich nahm also die Quelle der Inspiration und nutzte sie, um mein eigenes einzigartiges Stück zu schaffen. Denn was bedeutet einzigartig wirklich?

Es ist etwas, das aus dem riesigen Eintopf des Lebens entsteht, den wir, aus den Zutaten unzähliger anderer Menschen, machen. Wir lassen ihn den ganzen Tag lang ziehen und dann haben wir endlich unser eigenes einzigartiges Gericht, das sich in unsere Persönlichkeit, unsere Kunstwerke, unsere Verwendung von Sprache usw. übersetzen lässt. In diesem speziellen Fall waren es die Zweige, die scheinbar aus dem Kopf des Mädchens zu wachsen scheinen, die mich inspirierten. Es sieht einfach so schön und organischen aus und inspirierte mich sehr. Also musste ich meine eigene Wald-Frau aus meiner eigenen rothaarigen Schönheit machen.“

In need of rescue – Sophie Ellis

untitled – Noukka Signe

Noukka: „Sophies Arbeiten waren schon immer eine Inspiration für mich. Die Art und Weise wie sie die Welt und sich selbst einfängt, ist wunderbar und sehr einzigartig. 

Als Herausforderung für mich habe ich beschlossen, ein Foto, inspiriert von der Weite in ihren Fotos und der Tatsache, dass sie darin sehr klein erscheint, zu versuchen.
 Ihr Stil ist ganz anders als meiner, da ich meistens mit Nahaufnahme arbeite, bei denen der Hintergrund keine solch bedeutende Rolle spielt.

Also bin ich mit einem anderen Objektiv als üblich losgezogen und suchte nach neuen Locations, in die Sophie in meiner Vorstellung hineinpassen könnte. Die Dinge, die ich im Auge behielt, waren ‚kleines Mädchen in einer großen Welt‘ und ‚versuche verschiedene Posen‘, denn das waren die Dinge, die ich so sehr an Sophies Bildern liebte. – Das und natürlich, die Landschaft wunderschön wiederzugeben. Es gestaltete sich als eine echte Herausforderung! Ich hatte schon vorher eine Menge Respekt für Sophie gehabt, aber nach dieser Aufnahme noch viel mehr.
“

Fragile Wings – Kyle Thompson

Invisible Wings – Moritz Aust

Moritz: „Ich denke, der größte Punkt, warum ich Kyle als Inspiration genommen hatte war, dass seine Fotos schon immer eine große Inspiration für mich waren. Ganz besonders haben mich seine ‚cloth wings‘-Fotos begeistert. Gerade diese Ungewissheit, ob man diese Flügel mit dem Stoff überhaupt auch hinbekommen würde, hat mich angespornt. Die Umsetzung war nicht ganz einfach für mich, da ich selbst nicht genau wusste, wie man solche Stoffflügel macht.

Nach unzähligen Versuchen hatte ich dann endlich ein Foto, auf dem der Stoff wie Flügel aussah. Ich bin auf jedem Fall mit dem Vorsatz losgezogen, Kyle als Inspiration zu nutzen. Ich wollte mich eigentlich sehr von Kyles Foto absetzen und nur die Flügel als größtes Element aus seinen Fotos nutzen. Doch zum Schluss habe ich dann auch Teile seiner Pose übernommen, da ich mit keiner anderen zufrieden war.

Von was ich mich aber auf jeden Fall absetzten wollte, ist die Bearbeitung. Ich wollte auf keinen Fall eine ‚Kopie‘ seines Fotos erzeugen und habe deshalb meinen eigenen Bearbeitungsstil gewählt. Inspiration ist für mich ein großes Thema. Viele Personen haben mich bereits inspiriert und viele wurden von mir inspiriert. Für mich ist sich inspirieren zu lassen nichts Schlechtes, solange man nicht versucht, eine Kopie des Fotos zu erstellen. Man sollte sich nur soweit inspirieren lassen, dass das Foto noch eine persönliche Note hat.“







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Eigentlich gibt es nicht viel mehr zu sagen; die Bilder und ihre Geschichten sprechen für sich. Ich hoffe, Ihr seid genauso positiv überrascht wie ich, was aus der Idee des einen im Verstand des anderen entstehen kann.
 Mich zumindest hat all diese ‚Inspiriertheit‘ sehr inspiriert.

Es wird Zeit für einen langen Spaziergang durch den Flickr-Wald und am 500px-Feld vorbei. Vielleicht trifft man sich ja beim Ideensammeln. 
Solange wir am Ende die Quelle unserer Inspiration nennen, gibt es doch nichts Schöneres, als eine Idee von Kopf zu Kopf wandern zu lassen.

Heute ist Normen als freier Redakteur fester Bestandteil der kwerfeldein-Redaktion. Er hat sich eingelebt und bringt immer wieder neue Gedanken in unsere Konferenzen. Auch ist die Qualität seiner Artikel weiter auf hohem Niveau und ich wurde erst kürzlich dazu beglückwünscht, dass wir Normen aufgenommen haben.

Vorbildhaft finde ich, dass Normen sich und seine Art zu Fotografieren regelmäßig hinterfragt und bereit ist, neue Wege zu gehen. Dass er bereits jetzt großartige (Selbst-)Portraits macht, steht außer Frage.

Ich bin gespannt, wie es mit Normen und kwerfeldein weitergeht und übergebe ihm nun das Mikrofon.

Martin Gommel, Herausgeber

Der erste Gedanke an diesen Artikel ließ mich an den Buchtitel „Wer bin ich und wenn ja, wie viele?“ von Richard David Precht denken. Und so wurde mir schnell klar, dass ich mich selber kennenlernen würde, während ich diesen Artikel schreibe.

Bei mir gibt es schon seit Ewigkeiten eine kleine Diskrepanz zwischen „Wer bin ich?“ und „Wer will ich sein?“. Kennt Ihr das? Immer besser sein zu wollen, als man ist? Mein Problem in dieser Fragestellung ist es, dass ich immer möglichst viel machen will und das auch möglichst gut, dadurch habe ich manchmal das Gefühl, dass mir die Zeit wegläuft, andere Dinge zu machen. Aber bevor sich jetzt jemand Sorgen macht – mir geht es sehr gut damit. Ich bin glücklich.

Wofür beanspruche ich Zeit? Neben der Arbeit bei kwerfeldein ist das bei mir noch mein Beruf als Chemietechniker, ein Stadtratsmandat und die eigene Fotografie. Die Zeit für Familie, Freunde und die Partnerschaft darf man natürlich auch nicht vergessen.

Zur Fotografie bin ich gekommen, weil ich schnelle Bewegungen nicht mehr verschwommen aufnehmen wollte. Die Kompakt- wurde gegen eine Spiegelreflexkamera ausgewechselt. Es folgten ein paar Jahre, in denen ich alles fotografierte, was nicht bei drei auf dem Baum war.

In die ambitionierte Fotografie stieg ich ein, als ich Fotos von Alex Stoddard sah. Seine Selbstportraits beeindruckten mich so sehr, dass ich Lust bekam, die Fotografie noch weiter zu entdecken. Es war der Start in eine Zeit, in der ich keinen Tag ohne einen Gedanken an die Fotografie verbrachte. Dieser Zeitraum begann vor zwei Jahren und setzt sich bis jetzt fort.

Mein Fokus liegt momentan auf Selbstportraits und Portraits. Portraits mag ich vermutlich besonders, weil ich mir abseits der Fotografie gern Geschichten von Menschen anhöre. Ich liebe es einfach, wenn Menschen Anekdoten erzählen.

In meinen Fotos versuche ich, Situationen zu erschaffen, die eine Stimmung vorgeben, jedoch noch genügend Spielraum für die eigene Interpretation bereithalten. Grundsätzlich bin ich der Meinung, dass Bilder, abhängig vom Betrachter, immer ein wenig anders interpretiert werden. Für mich eine schöne Vorstellung und einer der Gründe, warum ich meine Fotos nur selten mit Text unterbaue.

Für kwerfeldein schreibe ich gelegentlich meine Gedanken zur Fotografie in Form eines Essays auf oder führe Interviews mit Fotografen durch. Was natürlich eine tolle Sache ist, weil ich so zum einen Talente präsentiere und zum anderen erfahrenen Fotografen die Fragen stellen kann, auf die ich gern eine Antwort hätte.

Zum Schluss möchte ich noch all den Lesern danken, die mit ihren Kommentaren einen Artikel noch lesenswerter machen. Am Ende ist es immer wieder schön, wenn man nach der Veröffentlichung eine Rückmeldung zum Artikel bekommt.