Ich weiß bis heute nicht, ob sie als Ganzes Teil einer Pflanze war oder ob der Wind und die Naturkräfte sie dort einfach neben einer Hecke so arrangiert hatten. Die ganze Fototour an diesem Tag entstand aus einem Experiment: Ich wollte an einen Ort fahren, an dem ich normalerweise keine Bilder machen würde und dort nach Dingen suchen, die es zu fotografieren gibt. Mein Auge dafür schulen, Motive zu finden und festzuhalten.

„The Rise“ ist im Anschluss Teil einer ganzen Serie geworden, die bis heute noch weiter wächst (sic!). Während die meisten Naturfotografen, die ich kenne, im Frühling und Sommer ihre Kameras auspacken und wild nach draußen laufen, um Blümchenbilder zu machen (was ich natürlich auch tue), habe ich mir angewöhnt, meinen Schwerpunkt auf den Herbst und den Anfang des Jahres zu setzen.

Ich gehe dann in Parks, in den Wald oder einfach an irgendeinen Ort, an dem Pflanzen wachsen und beobachte, was passiert, wenn die Blätter von den Bäumen fallen, die Blumen verwelken, die Blüten langsam verblühen oder wie die Flora aussieht, wenn sie nach dem Winter wieder aus der Schneedecke hervorkriecht. Ich versuche, diese ganz eigentümlichen Formen des Verfalls einzufangen, die meiner Meinung nach nicht weniger beeindruckend als die Blütezeit sind und zusätzlich viel ungewöhnlicher wirken, weil man sie nicht so oft auf Fotos vorgeführt bekommt.

Die Bearbeitung und die Technik, die hinter „The Rise“ stehen, sind nicht groß der Rede wert. Es ist technisch auch gar kein gutes Makrofoto (heute würde ich beispielsweise wohl die Spitze mit in den Fokus nehmen). Ich sah das Bild schon in schwarzweiß, als ich es aufnahm und habe es mit meiner üblichen Schwarzweißkonvertierung bearbeitet. Diese ist sehr stark darauf ausgelegt, die Details hervorzuheben und auch die Kontraste zu verstärken. Zusätzlich habe ich ihm einen leichten Sepia-Ton und eine Körnung für einen analogeren Look gegeben. Es verstärkt den Effekt, es hier mit einer Art abstrakten Installation zu tun zu haben.

Auf Facebook schrieb ich unter das dazugehörige Album, in das ich neue Bilder aus der Reihe oft hochlade, den Satz „Ich sehe tote Pflanzen“. Eine Anspielung auf einen Film, die eigentlich zunächst nur als spontaner Witz über mein eigenes Projekt gemeint war – Witze über sich selbst machen zu können, ist eine sehr wichtige Eigenschaft, glaube ich.

Je länger ich über den Satz nachdenke, desto besser beschreibt er aber doch sehr präzise, was das Projekt und das Bild sagen wollen: Als Fotograf die Dinge zu sehen versuchen, die sonst nicht gesehen werden, seinen ganz eigenen Blick auf die Welt zeigen.

Der Tag, an dem ich das Bild „The Rise“ und die ersten anderen Fotos aus der Reihe aufnahm, war ein grauer Herbsttag im Oktober. Ich lief durch das Industriegebiet der Stadt, in der ich damals wohnte und machte Bilder von einem kargen Gestrüpp, als ein älterer Passant an mir vorbeilief, mein Treiben beobachtete und fragte: „Was bilden Sie denn da ab? Da ist doch nichts.“

Genau dieses Nichts, das im normalen Kontext Nicht-Wahrgenommene will ich mit der Reihe einfangen, denn ihm wohnt meiner Meinung nach eine sehr fremdartige Schönheit inne. Pflanzen wissen, wie man elegant stirbt.

„Alles freuet sich und hoffet, wenn der Frühling sich erneut.“ – Friedrich Schiller

Gezwitscher klingt von überall her, ein feiner Duft von frischem Gras und den ersten Blumen liegt in der Luft. Es ist Frühling! Nichts ist so erfrischend wie diese jahreszeitliche Erneuerung der Natur. Während die letzten Schneereste schmelzen und die Temperaturen tagsüber den einstelligen Bereich verlassen, sprießt überall neues Leben hervor.

Auch für die Naturfotografen ist der Frühling eine wunderbare Zeit. Die Vögel singen und balzen um die Wette und während die Männchen um die Gunst der Weibchen buhlen, hat der Fotograf jedes Jahr aufs Neue die Möglichkeit und Chance, dieses Gebaren festzuhalten. Es ist ein faszinierendes Schauspiel, das sich jedes Jahr von Neuem abspielt.

Bei den Vögeln ist das Frühjahr geprägt von der Rückkehr aus den Überwinterungsgebieten. Kaum im Brutgebiet angekommen, beginnt der Streit um die besten Reviere. Die Männchen singen sich die Seele aus dem Leib und versuchen, die weiblichen Vögel mit sogenannten Brautgeschenken zu beeindrucken.

Es gibt aber auch Vögel, die nicht durch ihren Gesang auf sich aufmerksam machen, sondern andere Arten und Weisen finden, auf sich aufmerksam zu machen. Der Flussregenpfeifer ist ein Beispiel dafür: Das Männchen plustert sich auf, spreizt das Seitengefieder und lässt es seltsam hängen. Dies wird durch eigentümliche Bewegungen unterstützt.

Auch bei den Säugetieren beginnt im Frühjahr der Zyklus der Fortpflanzung von Neuem. Überall werden nun Tierkinder geboren, sei es bei den Wildschweinen, den Hirschen oder den Rehen.

Letztere legen ihre Kitze im hohen Gras der Wiesen ab, wo sie in den ersten Wochen, ohne sich zu bewegen, vollkommen von der Mutter abhängig sind. Dieses Verharren führt teilweise zu schrecklichen Ereignissen.

Nämlich dann, wenn die großen Mähmaschinen durch die Wiesen fahren, um die erste Mahd einzufahren. Kitze fliehen nicht und wenn zuvor die Wiese nicht durchsucht wurde, zerstört das dumpfe Geräusch eines stockenden Mähwerks die Idylle der Natur.

Von alledem bekommen die jungen Uhus im entfernten Steinbruch nichts mit. Sie sind bereits im April geschlüpft und verharren die erste Zeit in der Brutnische. Wenn es wärmer wird und sie bereits ausreichend groß sind, verlassen sie diese und sitzen zumeist gemeinsam an einer Stelle und üben das Flügelschlagen, während sie auf die nächste Fütterung durch die Mutter warten.

Nicht ganz so sicher sind die jungen Waldkäuze, die in der sogenannten Ästlingszeit das sichere Nest verlassen müssen, um fliegen zu lernen. In dieser Zeit können sie nur klettern und sind somit den Gefahren durch Füchse oder freilaufende Hunde schutzlos ausgesetzt.

Für uns Naturfotografen ist das Frühjahr die wohl schönste Zeit im Jahr. Es gibt Motive im Überfluss und oft weiß man nicht einmal, wo man als erstes anfangen soll. Da hilft nur eines: Konzentration auf einige Themen und diese Projekte konsequent durchziehen.

Nur so können ausdrucksvolle Bilder entstehen, die das Leben der Tiere in vielfältiger Weise darstellen. Dieses Jahr haben wir uns den Dachs vorgenommen, bereits jetzt suchen wir wieder nach besetzten Bauen, denn schon bald beginnt die Zeit:

Dann blüht das Schneeglöckchen wieder, es wird wärmer und Gezwitscher liegt in der Luft…

Von jagenden Geparden über meditierende Affen bis hin zu Mikroskopaufnahmen von Korallensand; staunend sehe ich mir immer wieder diese facettenreichen, starken Bilder an, die die Schönheit und Einzigartigkeit unserer Welt festhalten.

„Thomsongazelle im Fokus“ von Grégoire Bouguereau – Frankreich

„Korallensand“ von David Maitland – Großbritannien

Dieses Jahr ging der finnische Fotograf Tommy Vikars als Gesamtsieger hervor. Mit seinem Bild „Der Sterngucker“ setzte er sich gegen die anderen rund 12.500 eingereichten Arbeiten von Fotografen aus 27 Ländern durch.

Es war in der Dunkelheit oft nur sehr schwer zu erkennen, was sich am Futterplatz abspielte und so misslangen viele Bilder. Oft bewegten sich die Tiere während der langen Belichtung zu schnell oder in eine falsche Richtung.

„Sterngucker“ von Tommy Vikars – Finnland

„Entspannung“ von Jasper Doest – Niederlande

Der Gesellschaft Deutscher Tierfotografen geht es bei diesem Wettbewerb nicht nur um gute Fotos, sondern vor allem darum, den Sinn für Natur anzuregen und für den Erhalt von Arten und Lebensräumen zu werben. Deshalb unterstützt auch das Bundesamt für Naturschutz diesen Wettbewerb.

Wie zuvor werden die Gewinnerbilder in diesem Jahr erneut im Rahmen einer Wanderausstellung in neun verschiedenen Städten ausgestellt. Der Eintritt ist wie immer kostenlos, da die Ausstellungen in öffentlich zugänglichen Hauptbahnhöfen stattfinden. Zudem wird ein hochwertiger Katalog zur Ausstellung in den Bahnhofsbuchhandlungen erhältlich sein.

„Verfolgungsjagd“ von Cristobal Serrano – Spanien

„Rücken Front Rücken“ von Jérôme Guillaumot – Frankreich

Die Termine

• Erfurt Hbf – 11. – 21. März 2013
• Berlin Hbf 3. – 12. April 2013 ?
• Dresden-Neustadt 30. April – 11. Mai 2013
• Kassel Hbf 15. – 31. Mai 2013
• Köln Hbf 11. – 23. Juni 2013
• Mannheim Hbf 1. – 10. Juli 2013
• Karlsruhe Hbf 13. – 25. August 2013
• Frankfurt (Main) Hbf 21. – 31. Oktober 2013
• Düsseldorf Hbf 4. – 13. November 2013

Ihr habt selbst ähnlich beeindruckende Fotos auf Eurem Rechner? Dann bewerbt Euch als „Europäischer Naturfotograf des Jahres 2013“ bis zum 1. April 2013. Wir drücken Euch die Daumen und freuen uns auf neue atemberaubende Bilder!

Genau diesen, weit entfernten Phänomenen nimmt sich der Franzose Sylvain Girard an, der etwas aus dem Nähkästchen über Philosophie und auch Technik plaudert.

Um in den optimalen Genuss seiner Fotos zu kommen, empfehlen wir dringend, die Bilder ganz groß in der Lightbox zu betrachten, da die verkleinerte Anzeige hier leider bei den besonders detaillierten Bildern zu Artefakten führt!

Hallo Sylvain. Danke, dass Du Dir die Zeit für ein Interview mit uns nimmst. Zuerst, erzähl uns doch mal ein bisschen was über Dich: Wer bist Du, was machst Du?

Ich bin ein Astro- und Landschaftsfotograf. Schon seit meiner Kindheit war ich von Astronomie begeistert. Mein erstes Teleskop hatte ich im Alter von 12 Jahren. 2006 kaufte ich mir dann eine DSLR für Astrofotografie.

Sie ließ mich auch die normale – taghelle – Welt neu entdecken und meine Liebe für Natur und das Wandern brachten mich zur Landschaftsfotografie. Nun, wenn der Himmel klar und ohne Mond ist, fotografiere ich Objekte, die tief im Himmel versteckt sind. Und in der übrigen Zeit wandere ich in den Bergen und betreibe dort Landschaftsfotografie.

Warum Astronomie? Was fasziniert Dich an Sternen und Nebeln?

Das ist eine sehr gute Frage! Tatsächlich weiß ich es nicht so richtig. Ich denke, ich war schon immer fasziniert von Dingen, die dahinter sind: Hinter einem Wald, hinter einem Berg, hinter dem, was meine Augen sehen können. Die Unermesslichkeit des Universums bietet eine riesige Anzahl an Möglichkeiten.

Wenn wir mit den Augen durch ein Teleskop eine Galaxie betrachten, sehen wir nur einen undeutlichen, verschwommenen Punkt. Das ist weit entfernt von dem Anblick, den ein Foto bietet. Dieser undeutliche Punkt wird von Billionen von Sternen geformt. Aktuelle Erkenntnisse zeigen, dass die meisten Sterne auch Planeten haben, einige von ihnen könnten bewohnbar sein. Wie viele Zivilisationen könnten da draußen sein? Und das ist nur ein Beispiel.

Anders als die meisten anderen fotografischen Genres hat die Astronomie nur einen einzigen Himmel, in den wir alle hinaufschauen und es gibt auch nur eine Perspektive dafür. Fühlst Du diese Grenzen? Gibt es Dinge in der Astrofotografie, die das ausgleichen?

Ja, manchmal nehme ich diese Grenzen wahr und frage mich, was ich wohl tun werde, wenn ich einmal jedes Objekt fotografiert haben sollte, das ich fotografieren kann. Aber wenn man bedenkt, dass ich eine ganze Nacht für ein einziges Foto brauche, habe ich noch viel Arbeit vor mir!

Die wichtigste Einschränkung für mich ist der künstlerische Aspekt. Astrofotografie ist ziemlich technisch und es gibt wenig Raum für künstlerische Überlegungen. Man kann nicht mit Tiefenschärfe spielen, weil alle Objekte praktisch in der Unendlichkeit angeordnet sind und die Kompositionen etwas simpel sind.

Meistens besteht die Komposition daraus, das jeweilige Objekt in der Mitte des Bildes zu platzieren. Ich versuche, mit Kompositionen zu spielen, indem ich die Bildgegenstände außerhalb der Mitte positioniere, die Drittel-Regel anwende oder mit etwas anderem optisch ein Gegengewicht ins Spiel bringe. Eine kleine Galaxie in der unermesslichen Weite eines Sternenfeldes oder ein Nebel inmitten von Staub, zum Beispiel.

Die Deep-Sky-Fotografie kann spezialisiert werden. Was ich tue, nennt sich Wide-Field-Abbildung. Ich benutze kurze Brennweiten, um große Teile des Himmels aufzunehmen. Nunja, man sollte es vom astrofotografischen Standpunkt aus bewerten, denn die Brennweiten, die ich benutze – 387mm und 530mm – sind für die traditionelle Fotografie natürlich schon sehr lang.

Einige Astrofotografen benutzen Filter, um Falschfarbenaufnahmen zu machen, andere nutzen lange Brennweiten, bis zu mehreren Metern, um detaillierte Bilder von kleinen Objekten wie Galaxien und planetarischen Nebeln zu machen. Der Fortschritt der digitalen Abbildungstechniken erlaubt uns, Bilder zu machen, die selbst für professionelle Observatorien vor 10 oder 15 Jahren völlig unmöglich waren. Wir entdecken also Teile des Himmels ganz neu.

Wie bereitest Du eine Session vor? Wie wählst Du Deine Motive aus?

Ich wähle meine Motive vor allem abhängig von der Jahreszeit. Man kann Orion nicht im Sommer fotografieren, weil er einfach nicht sichtbar ist. Der Frühling ist die Galaxien-Jahreszeit und der Sommer ist am besten für Nebel und die Milchstraße geeignet. Das Zielobjekt muss für eine möglichst lange Zeitspanne der Nacht sichtbar sein.

Ich benutze auch Astronomie-Softwares wie Cartes du Ciel, WIKISKY oder Microsoft WorldWide Telescope, um meine Zielobjekte auszusuchen, zu planen, wie ich sie ins Format setze und um ihre Sichtbarkeit zu überprüfen.

Wenn der Neumond sich nähert, beginne ich, das Wetter im Auge zu behalten. Wenn der Himmel klar ist, packe ich meine Ausrüstung ins Auto und fahre zu einem meiner für Astrofotografie tauglichen Orte in den Bergen, wo es keine Lichtverschmutzung gibt.

Wahrscheinlich ist die eigene Ausrüstung in der Astrofotografie wichtiger als in vielen anderen Genres. Hast Du ein paar Tipps für Anfänger?

Ja, die Ausrüstung ist wichtig und kann auch schnell teuer werden. Die Qualität des verfügbaren Himmels und die Erfahrung des Astrofotografen kann auch große Unterschiede machen. Aber man kann mit einem relativ günstigen Teleskop anfangen. Ein 150/750mm Newton-Teleskop mit parallaktischer Montierung und eine günstige DSLR sind ein guter Anfang für die Deep-Sky-Fotografie. Damit habe ich auch angefangen.

Man kann es gut schrittweise aufbauen: Man beginnt erst damit, für ein paar Hundert Euro ein Teleskop zu kaufen und Erfahrung in der Beobachtung astronomischer Phänomene im Allgemeinen zu sammeln. Ich denke, dass es sinnvoll ist, eine solide Erfahrung in der Beobachtung zu haben, bevor man mit der Fotografie beginnt.

Danach versucht man sich am Fotografieren mit der DSLR, die man schon hat oder kauft sich eine günstige. Alles, was man an diesem Punkt noch braucht, ist ein Fotoadapter vom Teleskop auf den T2-Anschluss und ein T2-Adapter auf das eigene Kamera-Bajonett.

Wenn man dann immer noch der Astrofotografie verfallen ist, wird man wahrscheinlich die parallaktische Montierung gegen eine bessere austauschen, da sie der wichtigste Teil in der Abbildungskette ist. Danach wird man seine DSLR modifizieren, indem man den Infrarot-Filter entfernt, ein Autoguider-System (Anm.: zum Nachziehen bei langen Belichtungszeiten) nachrüsten, das billige Newton-Teleskop gegen einen High-End Apochromat-Refraktor austauschen, die DSLR durch eine teure Kamera mit CCD-Sensor ersetzen…

Nunja, wenn man noch Geld hat. Man sollte nicht vergessen, dass auch hier, wie in jedem anderen Genre, die Ausrüstung nicht den ganzen Job macht. Es braucht immer noch Feineinstellung und die Bearbeitung nimmt einen guten Teil der Zeit ein, die man braucht, um ein Bild zu machen.

Der Himmel ist auch sehr wichtig. Alles ist viel schwieriger, wenn man in einer Stadt lebt und nicht bereit ist, stundenlang zu fahren, um einen Platz zu finden, an dem der Himmel überhaupt dunkel genug ist.

Wie sieht’s mit der Nachbearbeitung aus? Welche Rolle spielt sie in Deinen Arbeiten?

Dieser Punkt ist der wichtig in der Astrofotografie, fast so wichtig wie das Bildmaterial an sich. Aber wie in anderen Genres auch, wird man nie ein gutes Bild machen können, wenn die Ausgangsdaten schlecht sind. In der Astrofotografie sind die Raws hässlich, völlig verrauscht. Die Details sind im Rauschen begraben. Die Farben sind schlecht, speziell mit einer umgebauten DSLR.

Grundsätzlich besteht die Technik nun darin, während der Nacht sehr viele Belichtungen des gleichen Objekts zu machen. Anschließend wenden wir Kalibrierungsbilder auf jede Belichtung an und überlagern sie, da Überlagern (Anm.: alle Bilder werden übereinander „gestapelt“) Rauschen drastisch reduziert. Dafür benutzen wir spezielle Software wie Iris oder PixInsight.

Nachdem wir das gestapelte Bild erstellt haben, bearbeiten wir es, indem wir die Farben anpassen, Verläufe entfernen, die Dynamik erhöhen, noch einmal Rauschen reduzieren und so weiter. Die abschließende Bearbeitung kann mit traditionellen Bildbearbeitungsprogrammen wie Photoshop gemacht werden.

Ich verwende so einige Stunden auf die ganze Nachbearbeitung. Normalerweise fange ich direkt am nächsten Tag, nachdem ich nachts draußen unterwegs das Ausgangsmaterial aufgenommen habe, damit an. Danach lasse ich das Bild ein paar Tage liegen und schaue es danach noch einmal an, um zu sehen, ob meine Bearbeitung gut war oder nicht.

Meistens habe ich danach noch einmal Änderungen gemacht. Manchmal mache ich sogar die ganze Nachbearbeitung komplett neu. Ein Bild kann eine Menge Informationen enthalten: Schwache Objekte im Hintergrund, Details in den hellen Bereichen. Es ist schwer, alle diese Dinge auch zu zeigen, aber das ist der besonders interessante Teil an der Nachbearbeitung.

Lässt Du Dich auch von anderen Astrofotografen inspirieren und tauschst Dich mit ihnen aus oder ist es eher ein Genre voller Einzelkämpfer, die alle allein durch ihre Teleskope blicken?

Andere Astrofotografen sind auf jeden Fall eine gute Quelle für Inspiration. Ich mag es, auf ihren Webseiten zu stöbern, um neue Objekte für meine Fotos zu finden und zu sehen, wie sie die Dinge angehen. Auch ist es sehr hilfreich, Tipps, Tricks und Kritiken in Foren auszutauschen.

Manchmal passiert es auch, dass ich draußen zufällig andere Astrofotografen treffe, aber meistens bin ich allein. Wenn nicht, dann bin ich mit anderen Amateurastronomen unterwegs, die keine Fotos machen, sondern nur beobachten.

Das Gefühl von Einsamkeit ist schon dominant, aber manchmal fühle ich mich auch privilegiert, verrückt genug zu sein, um ganze Nächte allein draußen in der Dunkelheit zu verbringen.

Letzte Frage: Was sind Deine Träume und Pläne für die Zukunft?

Ich habe schon ein paar Träume in Sachen Astronomie verwirklicht, zum Beispiel habe ich ein starkes Refraktor-Teleskop in einen großartigen Himmel über den Alpen, wo ich wohne, richten dürfen. Ein Traum wäre, es auf die Plattform des Very Large Telescope in Chile zu stellen.

In den nächsten Jahren würde ich gern nach Chile oder Namibia reisen, um den Himmel der südlichen Hemisphäre zu entdecken. Die Atacamawüste ist der beste Platz auf der Erde überhaupt für Astrofotografie. Ich träume davon, eine große Mosaikaufnahme des ganzen Orion-Sternbildes zu machen.

Ich wünsche mir mehr Gelegenheiten, um rausgehen und Astrofotos machen zu können. Ich habe angefangen, ein paar meiner Astrofoto-Abenteuer mit Zeitraffer-Sequenzen aufzunehmen. Und ich würde gern mehr Inspiration für meine Landschaftsfotografie bekommen.

Danke, Sylvain!

Ich habe das Interview mit Sylvain auf Englisch geführt und anschließend ins Deutsche übersetzt.

Mit meinem Wechsel von der Film- zur Digitalfotografie im Jahr 2009 und den neuen Möglichkeiten, die sich daraus ergaben, entwickelte ich eine Leidenschaft für besonders großformatige Bilder: Panoramen mit mehreren Hundert Megapixeln bis hin zu vollständigen Kugelpanoramen.

Im Sommer des vergangenen Jahres traf diese Technik auf meine Höhlenbegeisterung. Bereits seit einigen Jahren erkunde ich Höhlen in Baden-Württemberg sowie im französischen Jura. Und natürlich fotografiere ich auch unter der Erde.

An einem schönen Tag nach einer erfolgreichen Höhlentour entstand bei einem kühlen Weizen die Idee, einen virtuellen Höhlenrundgang zu erstellen. Gesagt, getan. Inzwischen sind die ersten 200 Meter der Falkensteiner Höhle bei Bad Urach und der Gouffre de Rappant in Frankreich abgelichtet.

Equipment

Ich verwende zwei verschiedene Kameras: In nassen Höhlen eine Canon PowerShot A620 in einem Unterwassergehäuse, in trockenen benutze ich eine Pentax K7 mit einem Sigma 17-70mm f/2.8 – 4.0 Objektiv. Dieses ist perfekt für einen solchen Einsatz geeignet. Der Brennweitenumfang deckt alles ab, was man braucht – von Weitwinkel bis Zoom. Zudem besitzt es eine gute Makrofähigkeit. So kann ich auch die winzigen Kristallstrukturen einfangen.

Ein Objektivwechsel kommt in der Höhle nicht in Frage. Die hohe Luftfeuchtigkeit und den feinen Lehmstaub will ich dem Inneren meiner Kamera nicht zumuten.

Um nun Kugelpanoramen zu machen, verwende ich für beide Kameras selbst gebaute Panoramaköpfe – für die Canon ein manuell zu bedienender Kopf mit Rasten für die Bildpositionen und für die Pentax einen vollautomatisch gesteuerten Kopf.

Im Freien ist das Aufnehmen von Panoramen in der Regel mit wenig Arbeit verbunden: Ich suche eine geeignete Stelle und schaue zu, wie sich der Kopf bewegt. In einer Höhle ist das nicht so einfach. Die geeignete Stelle zu finden, ist häufig schwieriger, manchmal kann ich mich gar nicht entscheiden oder das Stativ lässt sich nur schlecht an der perfekten Stelle aufstellen.

Als nächstes muss ich die Lampen positionieren und zwar am besten so, dass alles kontrastreich beleuchtet ist und die Lampe nicht direkt im Blickfeld der Kamera ist. Die Beleuchtung übernimmt eine Scurion und ein LED-Videolicht.

Bei den Fotos in der Falkensteiner Höhle hatte ich den LED-Scheinwerfer noch nicht, weshalb die Scurion während der Aufnahme des Panoramas bewegt werden musste. Das hatte zur Folge, dass die Bearbeitung der Bilder deutlich aufwändiger wurde und man im Panorama Kanten sieht, an denen sich die Beleuchtung ändert.

Unter die Erde

Bevor das Equipment zum Einsatz kommt, muss ich aber erst einmal rein in die Höhle. Gut, in eine Höhle zu gehen ist für mich ein routinierter Gang, allerdings normalerweise ohne eine zusätzliche, sechs Kilogramm schwere Fotoausrüstung, die manchmal auch noch durch Engstellen gebracht werden muss.

Ein weiteres Problem ist die Temperatur, denn viel Zeit verbringe ich mit Warten und dabei kühlt man langsam aus. In der Falkensteiner Höhle betrug die reine Fotografiezeit zirka zwei Stunden – danach war leider der Akku der Scurion leer.

Bearbeitung

Nach einer erfolgreichen Fototour beginnt am PC die Bearbeitung in mehreren Schritten. Zuerst korrigiere ich die Raw-Fotos in Lightroom 4 und exportiere sie als 16bit-TIFFs. Diese setze ich anschließend mit Panoramastudio 2 Pro zusammen und speichere sie als PSD.

Dieses Bild bearbeite ich dann in Photoshop: Belichtung und Kontrast werden angepasst, die Farben korrigiert (die beiden Lampen haben etwas unterschiedliche Farbtemperaturen) und das HöhlenAG-Logo wird unten ins Bild eingefügt. Mit diesem Logo wird der weiße Fleck am Boden bedeckt, der durch den Totwinkel des Panoramakopfes entsteht.

Das fertig bearbeitete Bild wird wieder mit Panoramastudio geöffnet. Dort versehe ich es mit Hotspots, die es später ermöglichen, in das nachfolgende Panorama zu wechseln oder ein einzelnes Foto, das an dieser Stelle aufgenommen wurde, zu betrachten.

Danach exportiere ich es als interaktives Bild zur Betrachtung im Browser in zwei Auflösungen. Einmal in voller Auflösung – bei mit der Pentax erstellten Panoramen sind das 470 MP (24mm Brennweite) – und einmal in 36% der Auflösung (60 MP) für die Betrachtung im Web.

Die meiste Zeit verbringe ich dabei mit Warten, denn diese hohe Auflösung lastet meinen Rechner mit 4×3 GHz und 12 GB RAM stark aus. Allein schon das Speichern einer 5 GB großen Photoshop-Datei braucht seine Zeit.

Die richtige Betrachtung erfolgt über einen Flash-Viewer, sodass man im Panorama herumzoomen und sich über Hotspots von einem Panorama in weitere bewegen kann. Alle meine Höhlenpanoramen sind unter HoehlenAG zu finden.

Ich hoffe, Ihr habt Freude beim Betrachten. Ihr findet dort auch noch „normale“ Bilder, die ich unter der Erde schieße. Weitere Panoramen sind übrigens schon in Planung.

Wie stark ist der Wald als mythischer Ort in unserer Kultur verankert? Kann man ihm die Bedeutung, die er einmal hatte, heute eigentlich noch beimessen?

Dies sind Fragen, die man sich stellen kann, wenn man sich die jüngste Arbeit des Fotografen Michael Lange anschaut.

Jedoch stellt man ziemlich schnell fest, dass er uns eigentlich nichts sagen oder zeigen will, der Wald. Er ist halt einfach da.

Und im besten Sinne ehrlich lakonisch sind Langes Fotografien von ihm. Doch es steckt auch noch etwas mehr in ihnen. Eine Art Meditation vielleicht.

Wie der Fotograf kürzlich selbst in einem Künstlergespräch mit dem Bildwissenschaftler Prof. Dr. Christoph Schaden erzählte, habe er die Serie vor einiger Zeit als ganz persönliches Projekt begonnen.

Ein Jahr lang habe er niemandem von seinem Projekt erzählt, um das Thema ganz in Ruhe und nur mit sich selbst allein zu entwickeln.

Er lege Wert darauf, dass der Betrachter die Bilder nicht als dokumentarische Arbeit missverstehe. Es seien „einfach meine Bilder vom Wald“, so Lange.

Aufgeräumt wirken die Bilder und zugleich ungestellt. Ihre visuelle Struktur enthält eine kompromisslose Natürlichkeit ohne künstliche Brüche.

Die Art, wie sich in ihnen allein durch das subtile Wechselspiel von hellen und schattigen Partien räumliche Tiefe abzeichnet, zeugt von einer hohen ästhetischen Intelligenz.

Viel Detail steckt in Langes Waldbildern. Ein Reichtum, den der Fotograf durch die Verwendung eines digitalen Mittelformatsensors an einer Fachkamera erzielte.

Eine subtile Bewegungsunschärfe zeichnet sich ab, dort wo der Wind die Äste kitzelt. Sie gibt Aufschluss darüber, dass Lange jedes der Bilder einige Sekunden belichten musste, um der Dämmerung Zeichnung abzugewinnen.

In den Wäldern von Schleswig-Holstein, Niedersachsen, Hessen und Rheinland-Pfalz fotografierte er, doch ist der eigentliche Ort irrelevant. Die Bilder beschreiben mit einer den Ort ignorierenden Selbstverständlichkeit das Phänomen Wald als einen Aspekt, in dem sich die Natur abbildet.

„Wald“* ist im Hatje-Cantz-Verlag erschienen, umfasst 72 Seiten und kostet neu 45 EUR.

Begleitend zum Buch ist auch die Ausstellung „Wald. Landschaften der Erinnerung“ sehenswert. Noch bis zum 23. Dezember werden Michael Langes großformatige Bilder im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie in der Niederlassung der Alfred-Ehrhardt-Stiftung in Berlin gezeigt.

Wilde Tiere in fernen Ländern abzulichten, das verbinden viele mit dem Thema Naturfotografie. Für mich bedeutet sie jedoch vor allem, die Natur vor der eigenen Haustür und in der näheren Umgebung zu entdecken und festzuhalten.

Aufgewachsen mitten im Ruhrgebiet, faszinierten mich dabei fotografisch von Anfang an vom Menschen beeinflusste und geschundene Gebiete. Im Jahr 2008 zog ich aus Nordrhein-Westfalen in den Osten Deutschlands. Seitdem interessieren mich vor allem die ehemaligen Truppenübungsplätze der Sowjetarmee.

Ihre Formen- und Artenvielfalt, die ich in einem Fotoprojekt zu porträtieren versuche, verdanken sie den Eiszeitgletschern und den Manövern der Roten Armee im gleichen Maße.

Der rege Übungsbetrieb des Militärs, zu dem Panzerfahrten und unbeabsichtigte Flächenbrände gehörten, rissen tiefe Wunden in die Landschaft und zerstörten diese wahllos. Stets war der Zufall mit im Spiel und sorgte für eine mosaikartige Ausprägung der Landschaft. Nachdem im Jahr 1994 die letzten sowjetischen Truppen abzogen, übernahm die Natur wieder das Kommando.

Inzwischen haben Truppenübungsplätze vor allem unter Naturschützern einen ganz besonderen Ruf, denn viele Tier- und Pflanzenarten, die andernorts bereits ausgestorben sind, finden hier einen letzten Rückzugsraum. Ideale Bedingungen also für Naturfotografen.

Heute prägen große Heideflächen, Sandwüsten, Moore und unberührte Birken-Kiefern-Wälder die ehemaligen Truppenübungsplätze. Größtenteils mit Blindgängern verseucht, sind viele Bereiche nur mit Sondergenehmigung zu betreten. In den Sommermonaten entzündet sich hin und wieder alte Munition, was zu Bränden führt und zeigt, dass auch nach zwanzig Jahren immer noch Gefahr besteht.

Dennoch bin ich so oft es geht auf den Truppenübungsplätzen Brandenburgs unterwegs, die aufgrund ihrer enormen Größe und der schlechten Wegenetze jede Tour zu einer zeitintensiven machen. Die meisten Motive erreiche ich zu Fuß, was im lockeren Sand auf Dauer mühselig ist und die Bedingungen zusätzlich erschwert.

Gerade aber der Sand ist eine Komponente, die ich fotografisch sehr gern in die Bilder einbaue. Kaum etwas ist typischer für diese Gegend und besonders das warme Abendlicht lässt jedes Sandkorn leuchten wie ein Diamant.

Beliebte Motive in den Sandheiden sind für mich die Springspinnen. Gerade einmal vier bis zehn Millimeter groß und immer „auf dem Sprung“, sind sie nicht leicht zu fotografieren. Schafft man es dennoch, sich ihnen in einem entsprechenden Abbildungsmaßstab von weit über 1:1 zu nähern, entstehen interessante Aufnahmen.

Besonders die großen Augen ziehen den Betrachter in ihren Bann. Mangels eines Lupenobjektives im Hause Nikon nutze ich dafür einen 1,4x-Konverter und einem 3dpt-Achromaten am Sigma 150mm f/2,8 EX DG Makro.

Auch die eher monotonen Kiefernforste, die in den Randbereichen der Truppenübungsplätze großflächig angebaut wurden, nutze ich gern als Motiv. Mit Hilfe von Doppelbelichtungen oder Wischern gelingen auch in auf den ersten Blick uninteressanten Wäldern besondere Bilder.

Ebenso geben die mit Nadeln, Kiefernzapfen und Rentierflechten bedeckten Böden mit dem richtigen Ausschnitt abwechslungsreiche Motive ab.

Alte Eichenwälder, die zu Zeiten der militärischen Nutzung keine Axt gesehen haben, existieren ebenfalls und bieten seltenen Arten wie Hirschkäfer und Großem Eichenbock einen geeigneten Lebensraum. Bei solchen dämmerungsaktiven Arten nutze ich gern einen Blitz.

In der Naturfotografie oft verpönt, halte ich ihn – solange er gut eingesetzt wird – für ein nützliches und oft sogar unverzichtbares Hilfsmittel.

Besonders für die Rückkehr des Wolfes nach Deutschland sind Truppenübungsplätze von großer Bedeutung. Die Gebiete sind unbesiedelt und kaum durch Straßen zerschnitten.

Auf den von mir oft aufgesuchten Plätzen Lieberose und Jüterbog gab es 2011 das erste Mal Wolfsnachwuchs. Sich mitten in einem deutschen Wolfsrevier zu bewegen, ist etwas ganz Besonderes, jede frische Wolfsfährte ein unglaubliches Erlebnis.

Neben zahlreichen Spuren gelang mir jedoch erst eine einzige kurze Beobachtung eines ausgewachsenen Wolfes. Die Hoffnung auf eine Wolfsaufnahme gebe ich natürlich nicht auf und habe somit neben der üblichen Ausrüstung für Makrofotografie stets auch das schwere Teleobjektiv dabei.

Doch die Fülle an Insekten, Spinnen, Reptilien und besonderen Pflanzenarten, die es auf Truppenübungsplätzen zu fotografieren gibt, entschädigen für das schwere Gepäck und lassen keine Tour vergeblich sein.

Besonders gern versuche ich dann, sehr tiefe Kamerapositionen einzunehmen und so eine leichte Vernebelung des Vordergrundes zu erreichen. Dies gibt den Aufnahmen einen luftig-leichten Charakter.

Bei Schmetterlingen auf Blüten nutze ich gern anderen Blüten im unscharfen Vordergrund, um diesen Effekt zu erzielen. Gerade Schmetterlinge verdienen dieses „Leichte“, was diese Bilder vermitteln.

Wohin mich mein Fotoprojekt letztendlich führen wird, ist noch unklar. Aufgrund der vielfältigen Motive werde ich sicherlich noch einige Jahre auf den Truppenübungsplätzen Brandenburgs unterwegs sein. Ich habe noch zahlreiche Bilder im Kopf, deren Umsetzung einige Zeit in Anspruch nehmen wird.

„Was magst Du denn bloß daran? Da ist es doch immer kalt und nass und so schrecklich einsam und erst die Mücken!“ Tja, wie soll man Menschen, die all diese Ressentiments haben, von seiner großen Liebe überzeugen? Und eine große Liebe ist es nun wahrhaftig, die mich seit so vielen Jahren mit den nordischen Ländern verbindet – mit Schweden, Norwegen und Finnland.

Die Kritiker haben nicht ganz unrecht: Es ist dort meistens wirklich ziemlich kalt und es regnet auch sehr oft. Von den geflügelten Plagegeistern gar nicht zu reden. Und tatsächlich, einsam ist es auch. Ich glaube, was mich an diesen entlegenen Regionen so unglaublich fasziniert, sind eben genau diese Umstände. Es ist alles andere als einfach, dort zu guten Bildern zu kommen.

Es ist manchmal sogar ziemlich hart. Die Distanzen, die man im Norden zurücklegen muss, sind riesig, die Witterungsbedingungen stellen Körper und Equipment oft vor echte Herausforderungen, die Tiere leben versteckt und sind in der Regel sehr scheu. Hinzu kommt die majestätische Weite dieser Landschaften, die Monotonie der endlosen Taiga, die brutale Schönheit der kargen Tundra und die grandiose Kulisse der sturmumtosten Küsten.

Man fühlt sich dort klein, unbedeutend und hineingeworfen. Und trotzdem so frei, auf eine ganz eigentümliche Art. Konfrontiert mit sich selbst, mit seinen persönlichen Grenzen, seien sie mental oder physisch. Die Kälte und Dunkelheit der Wintermonate, die irritierende Lichtflut der Mittsommerzeit, wenn an Schlaf gar nicht mehr zu denken ist – das alles mag an Seele und Körper zehren.

Und doch wird gleichzeitig eine ganz große Sehnsucht gestillt. Wer so fühlt, ist zweifelsohne vom „Nordland-Virus“ befallen, einer „Krankheit“, die fast jeden befällt, der einmal dort oben war, im fernen Norden und die einen zeitlebens nicht mehr freigibt.

Die Artenvielfalt im Norden mag nicht groß sein, doch die Vertreter der Fauna, die diese Regionen bevölkern, sind echte „Persönlichkeiten“: Bären, Elche, Adler, Kraniche und Singschwäne, Papageitaucher und Kampfläufer, Auerhähne und Doppelschnepfen. Diese außergewöhnlichen Geschöpfe in ihrem natürlichen Lebensraum zu fotografieren, ist für mich immer wieder Anreiz genug, nach Norden aufzubrechen.

Die meisten von ihnen sind ausgesprochen scheu, so dass es ohne Tarnversteck und großes Teleobjektiv mit Konverter kaum gelingt, sie einigermaßen erkennbar auf’s Bild zu bannen. Manche Tierarten – vor allem Bären und Adler – konnte ich nur mit Hilfe professioneller Anbieter von Fotoansitzen fotografieren.

Diese Tiere hinreichend gut ohne fremde Hilfe fotografieren zu können, dazu fehlte mir definitiv die notwendige Zeit, sofern dieses Vorhaben für einem ortsunkundigen und in Mitteleuropa beheimateten Fotografen überhaupt umsetzbar ist. Vor allem dann, wenn es um spektakuläre Verhaltensweisen oder intime Portraits geht. Doch die meisten Bilder entstanden „irgendwo im Nirgendwo“, auf Wanderungen und Pirschfahrten durch die Wälder oder auf der Tundra.

Wieder einmal bestätigt sich in diesem Zusammenhang die altbekannte Naturfotografen-Weisheit: Man kann gar nicht oft genug draußen unterwegs sein, irgendetwas Spannendes erlebt man fast immer, wie ich auch in meinem Buch „Nordische Momente“ festgehalten habe.

Die Fotografie aus gemieteten Ansitzen heraus ist in diesen Regionen noch die komfortabelste. Um ohne diese Annehmlichkeiten in Taiga und Tundra erfolgreich zu arbeiten, bedarf es schon einer gewissen Hartnäckigkeit. In vielen Augenblicken muss man die Zähne zusammenbeißen, geduldig bleiben und herbe Rückschläge wegstecken.

Es gab in den letzten Jahren immer wieder Momente, in denen ich einfach nur alles hinschmeißen und nur noch nach Süden, nach Hause, fahren wollte. Als beispielweise der Orkan wochenlang über die Varangerhalbinsel im äußersten Norden Norwegens tobte und gar kein Gedanke daran bestand, ein Tarnzelt am Balzplatz der Kampfläufer aufzubauen. Oder im Februar 2010, als mir beim Fotografieren bei -28°C gleich acht Fingerkuppen abgefroren sind.

Auch das Arbeiten in der Taiga im Frühsommer treibt mich jedes Mal wieder an den Rand des Wahnsinns: Wenn man vor einem kleinen Siebenstern liegt, um im Abendlicht eine stimmungsvolle Gegenlichtaufnahme zu machen und man das Motiv vor lauter Stechmücken gar nicht mehr richtig sieht, fragt man sich, warum man sich das alles eigentlich antut.

Dass die fotografische Ausbeute unter solchen Bedingungen in der Regel gering bleibt, lässt die einzelnen Erfolge umso wertvoller erscheinen. Und auch, wenn viele fotografische Vorhaben misslingen, es bleiben doch immer großartige Erinnerungen zurück, an die Begegnungen mit den scheuen Bewohnern des Nordens, an traumhafte Landschaften und einzigartige Lichtstimmungen.

Erlebnisse, die ich niemals vergessen und für immer im Herzen tragen werde. Und die mich motivieren, auch in Zukunft wieder dem Ruf des Nordens zu folgen.

Wie man bei meinen Fotos sieht, bin ich gern und meistens auch lange in der Natur unterwegs. Dass man das Ergebnis bei Polaroids sofort an Ort und Stelle in den bewundern kann, hat nur Vorteile. So sehe ich sofort, ob das Bild so geworden ist, wie ich es gerne hätte. Bildfehler fügen sich meist ungeplant optimal in das Motiv ein.

Außerdem liebe ich es, die Fotos in der Hand zu halten und zu begutachten. Ein weiterer, für mich wichtiger Aspekt ist, dass man sich, bevor man das Foto in der Hand hält, den ein oder anderen Gedanken dazu machen muss. Man kann nicht einfach darauf los schießen und bei Nichtgefallen auf „Löschen“ drücken.

Für meine Foto-Wanderungen bringe ich immer meine Fotoausrüstung mit, die meistens aus drei Kameras besteht. Da wäre zum einen eine SX-70 für Integralfilme wie Time-Zero oder Impossible, eine umgebaute Polaroid Pathfinder 110a für Packfilme wie 669, 665, 664, Chocolate 100 und eine 4×5 Wista Field für die Sheetfilme wie 79, 55, 64. Letztere ist meine Lieblingskamera. Auch wenn es die größte und schwerste ist, man hat so viele verschiedene Fokussierungsmöglichkeiten, die sich super in der Natur einsetzen lassen.

Meine Anregungen beziehe ich zumeist von der mich umgebenden Natur. Ich lasse meinen Gedanken freien Lauf, um in einem Foto eine kleine Geschichte entstehen zu lassen. Gerade hierfür eigenen sich die abgelaufenen Filme hervorragend. Sie geben teilweise ihre eigenen, kleinen „Kommentare“ und lassen so wie durch Magie eine surreale Welt erscheinen – was man darin entdeckt, ist jedermanns Fantasie selbst überlassen.

Heckel selbst bevorzugt es, nur mit Bildern und nicht mit Texten zu kommunizieren, weshalb wir heute Auszüge seiner Serie „Vegetal“ vorgestellt haben.