Ich mag es, wenn scheinbar alltägliche und langweilige Dinge durch die richtige Inszenierung in ein neues Licht gerückt werden. Die sehr reduzierte Art der Darstellung und die zentrierte Abbildung im quadratischen Format betonen hier ganz wunderbar die Schlichtheit der abgebildeten Motive.

„Die Aufnahmen wirken auf den ersten Blick sehr konzeptionell, sind sie aber nicht, zumindest war diese Zusammenstellung nicht geplant.

Zum Thema der Beleuchtung: Oft gibt es ambivalente und überflüssige Diskussionen über das beste Lichtequipment, hier genügte die Kombination aus einer billigen Neonstableuchte und ein wenig Übung.“

Der erste Schritt, um ein gutes kulinarisches Foto zu machen, hat nicht nur etwas mit Gestaltung oder ausgefallenen Requisten zu tun. Das Wichtigste ist, den Umgang mit der Kamera zu lernen und wie man Licht und Lichtsituationen nutzen kann, um das perfekte Bild festzuhalten.

Ein richtig gutes kulinarisches Bild aufzunehmen ist ein Prozess mit vielen Elementen und jedes bedarf gleicher Aufmerksamkeit und Sorgfalt. Wenn ich auf Konferenzen und unseren Plate-to-Page-Workshops spreche, sind eine Sache, die wir besprechen die sechs grundlegenden Aspekte der Lebensmittelfotografie:

1. Kamera
2. Licht und Beleuchtung
3. Farbe
4. Textur
5. Fokus
6. Gestaltung und Requisiten

Es ist wichtig, jeden der Aspekte zu beherrschen, aber erst der Prozess, die Einzelelemente verstehen zu lernen und wie sie sich gegenseitig ergänzen, verspricht eine bessere gestalterische Kontrolle über die resultierenden Bilder. Sobald man weiß, wie man jeden Aspekt für sich arbeiten lässt, wird es sehr viel einfacher, den eigenen Stil zu finden.

Bevor man jedoch beginnt, seine Bilder zu sehr zu überstylen, sollte man sich vergewissern, dass man alles über jedes Element weiß, was man wissen muss. Die Beleuchtung beispielsweise hat den größten sichtbaren Einfluss auf das Bild und Fakt ist: Wenn die Beleuchtung nicht stimmt, wird auch das Bild nicht gut; da hilft dann auch keine ausgefallene Gestaltung mehr.

Es ist nicht so kompliziert, eine gute Gestaltung zu finden und die richtige Auswahl an Requisiten für das Bild zu treffen. Diese sind kreative Elemente und es ist eine Kunst, die man entwickeln kann. Wie beim Malen – oder jeder anderen kreativen Arbeit – muss man experimentieren und üben, bevor man ein Meisterwerk erschaffen kann. Man muss sein Auge trainieren, um den richtigen Stil zu finden und die richtigen Requisiten auszuwählen, die die für das Bild gewünschte Stimmung oder Atmosphäre erzeugen.

Für gewöhnlich wird man kaum das Budget für einen Schrank voller Requisiten haben, zu denen ein professioneller Gestalter vielleicht Zugang hätte. Ich muss jedoch warnen, dass das Sammeln von Requisiten durchaus süchtig machen und schnell teuer werden kann.

Dennoch wird man schon mit einigen schlauen Tricks und einigen nützlichen Dingen erste erschwingliche Schritte machen können, um ein Bild zu gestalten. Wann beginnt man also, über die richtige Gestaltung und Ausstattung für ein Bild nachzudenken? Ich beginne damit meist auf dem Markt oder im Lebensmittelgeschäft.

Während ich die Zutaten auswähle, denke ich über das Gericht nach, das ich aus ihnen zaubern möchte. Ich absorbiere ihre Farbe und Textur und beginne mir dazu passende Requisiten zu überlegen und vor welchem Hintergrund ich das fertige Gericht positionieren werde.

Natürliche Gegenstände sind eine gute und einfache Möglichkeit, dem Bild subtile Highlights zu geben. Alles von Kräutern, Gewürzen, Früchten, Nüssen und Gemüse bis hin zu Zucker, Pfefferkörnern und anderem kann man nutzen, um die Szene zu komponieren.

Vor dem Zubereiten sollte man sich einige der bestaussehenden Zutaten des Gerichtes beiseite legen. Auch wenn man sich vielleicht nicht entschließt, sie für die finale Bildkomposition zu verwenden, nützt es immer sie zu haben, nur für den Fall, dass man sie vielleicht doch verwendet.

Während man das Gericht zubereitet, sollte man in Gedanken die Atmosphäre erkunden, die man schaffen, die Stimmung, die man erzeugen und die Geschichte, die man erzählen möchte.

Dabei sollte man sich fragen:

• Ist das Gericht, der Kuchen, das Rezept sommerlich, ländlich, herbstlich … ?
• Aus welchem Anlass macht man es – Geburtstag, Valentinstag, Picknick … ?
• Welche Erinnerungen verknüpft man damit?

In neun von zehn Fällen wird einem diese Methode die Richtung weisen, um Komposition und Stil für das Foto zu finden.

Nun, da man seine ersten natürlichen Requisiten beiseite gelegt und eine Vorstellung von der Atmosphäre und Stimmung hat, die man im Bild erzeugen möchte, kann man sich Gedanken über die Gegenstände machen, die die Komposition des Bildes unterstützen.

Es ist immer wichtig daran zu denken, dass das Essen der wahre Star ist und die Requisiten nur helfen, das Erscheinungsbild der Szene aufzuwerten.

Man sollte das Bild einfach und sauber gestalten, anstatt es mit extravaganten Requisiten zu überladen. Man fängt mit einigen wenigen Stücken an und wertet dann die Szene erstmals aus. Anschließend baut man sie weiter aus – allerdings nur, wenn notwendig.

Man sollte Geschirr mit einfachen Farben verwenden: Weiß und pastellfarben wirken am besten und heben das Essen mehr hervor. Farbenfrohe Servietten, Accessoires, Tücher und Hintergründe benutzen, um gezielte Farben zu setzen, wo es erforderlich ist.

Durchdenkt die Stimmung und Atmosphäre, die Ihr herstellen möchtet: Sich an tiefe, warme, braune und erdene Töne halten, um eine intensive, reiche oder dramatische Anmutung zu erzielen oder hübsche Pastelltöne verwenden für ein schickes, feminines oder witziges Erscheinungsbild.

Allen, die das Gestalten mit Requisiten gerade erst für sich entdecken, genügen einige wenige Grundrequisiten, die sich miteinander vermischen und kombinieren lassen und einen schon weiter bringen. Beginnt man mit knappem Budget, kann man nicht in viele Dinge auf einmal investieren.

Die Grundausstattung für den Anfang:

Einfache Teller, Schüsseln, Tassen und Gläser, bevorzugt mit hellen Farben; ich persönlich finde weiß und pastellfarben in sehr einfachem Design großartig. Sie sehen elegant und sauber aus und lassen mich sie mit kühner farbigen Accessoires wie beispielsweise Servietten kombinieren.

Einige wenige einfache Besteckteile und etwas klassisches Tafelsilber; daran denken, dass man nicht nach sechs- oder achtteiligen Sets schaut, sondern nur nach einem Teil von jedem und vielleicht ein paar Kuchengabeln und Teelöffeln.

Servietten, Stoff, Geschirrtücher oder Papierservietten sind mitunter witzige Accessoires, die das Bild leben lassen; ich steuere meist den Stoffladen meines Vertrauens oder ein großes schwedisches Möbelhaus an und besorge mir einen oder zwei Meter farbigen und gemusterten Stoff, der gut als Serviette oder Hintergrund funktioniert.

Das wäre also die Basis, auf der es nun losgehen kann. Ich möchte nicht lügen; das Sammeln von Requisten wird hier nicht aufhören und sicherlich wirst Du noch viele andere Dinge zusammentragen.

Ich sage immer “Das Leben ist wie eine Kiste voller Requisiten; man weiß nie, was man darin vielleicht findet!” Dies im Sinn schaue ich in die Welt um mich herum wie in eine riesige Requistenkiste. Bei der Suche nach einzigartigen und originellen Dingen, die sich als Requisiten oder Kulisse nutzen lassen, hilft es, über den Tellerrand hinauszuschauen und kreativ zu denken.

Ich habe keine Vorbehalte gegenüber dem Durchstöbern des nachbarlichen Sperrmülls. Ich habe schon so manch fantastisches alte Stück gefunden, das viele Zwecke erfüllt. Die natürlich gealterte Tür eines antiken Küchenschranks beispielsweise macht sich prima als Kulisse, genauso wie Reste von Retrotapete, alte Küchen- und Badfliesen, Geschenkpapier, alte Holzkisten … die Möglichkeiten sind endlos.

Man sollte sich nicht allein auf Dinge beschränken, die man nur in Geschäften kaufen kann, sondern in die Welt um sich herum schauen als wäre sie die eigene Requisitenkiste.

Es ist wichtig, nicht bloß Farbe und Textur des Essens zu untersuchen, sondern auch die der gesamten Szene. Farbe und Textur sind zwei wichtige Aspekte der Fotografie, weil beide auf mehreren Ebenen eine lebhafte Rolle spielen.

Zum Beispiel hat die Textur der verwendeten Zutaten und die Art wie man sie positioniert, Auswirkung darauf, wie das Licht auftrifft und reflektiert wird. Genauso verhält es sich mit dem Licht auch bei den verwendeten Requisiten. Glänzendes Geschirr und ein leuchtender Hintergrund werden eher Glanzlichter aufweisen, wohingegen vergleichsweise matte, farbige Teile eher eine dezente Anmutung haben.

Es gilt, Farben mit Bedacht und eher zurückhaltend zu verwenden. Zu viel Farbe wird das Bild überladen, schnell kitschig wirken lassen und vom eigentlichen Motiv ablenken – dem Essen. Oft werden es die Farbtöne des Essens sein, die ein Farbschema für das Foto vorgeben.

Man beginne zuerst mit einer Analyse der Farben und Farbkombinationen des Gerichtes und wähle danach die Kulisse aus, dann passend dazu das Geschirr und die Servietten. Hier gibt es einen großen Spielraum für Kreativität, da man mit Komplementärfarben spielen oder alles Ton in Ton halten kann.

Für das Farbschema ziehe ich machmal den Color Scheme Designer zu Rate, der eigentlich fürs Webdesign entwickelt wurde, aber ich finde er funktioniert auch wunderbar für die Farbgestaltung meiner Szenen. Wichtig ist, sich die Szene durch den Sucher der Kamera anzuschauen. Man sollte den Hintergrund als Leinwand begreifen und anfangen zu malen.

Mein wichtigster Rat ist jedoch: Während man experimentiert und nach dem richtigen Erscheinungsbild für sein kulinarisches Foto sucht, sollte man sich vergewissern, seinem Stil treu zu bleiben und bei der Erfoschung der eigenen Vielseitigkeit Spaß zu haben.

Es ist nicht wichtig, gleich von Anfang an perfekt gestaltete Bilder zu machen. Wichtiger ist, sich Zeit zu nehmen, um die Technik zu lernen und herauszufinden, was für einen gut funktioniert.

Ich glaube stark daran, dass es definitiv nicht der richtige Weg ist, Stile anderer Blogger und Fotografen zu kopieren. Beim Kopieren geht etwas sehr Lebhaftes verloren – man verliert seine Vorstellungskraft, Kreativität und vielleicht sogar die einen antreibende Leidenschaft.

Wenn man den Sprung zur Professionalität schaffen möchte, braucht man all das und auch Flexibilität und Techniken, um viele verschiedene Szenen, Stimmungen und Atmosphären zu erschaffen, die von Magazinen und Agenturen gefragt werden.

Ich saß morgens an einem freien Tag vor meinem Frühstück im Wohnzimmer und überlegte, was ich machen könnte. Ich saß da mit meinem Müsli, der Fernseher lief im Hintergrund und ich schaute mich im Zimmer um.

Neben mir auf dem Schrank lag meine Kamera, sie blinzelte mich an und ich konnte nicht anders und holte sie mir. Dann fiel mir auf, dass da vor mir auf dem Tisch noch mein Müsli auf mich wartete. Ich hatte bis dahin kaum etwas davon gegessen, weil mich meine Kamera mal wieder abgelenkt hatte.

Also fing ich an, die Schale mit Inhalt zu fotografieren, anstatt zu frühstücken. Nur irgendwie gefiel mir das alles nicht so ganz. Ich schaute mir die Bilder an und stellte fest, dass mir die Bilder mit geringer Tiefenschärfe besonders gut gefielen. Aber ich war trotzdem noch nicht ganz zufrieden und nahm den Löffel aus der Schüssel in die Hand und fotografierte die Schale von oben.

Während ich so bei der Sache war, rutschte mir der Löffel aus den Fingern vor die Linse. Also stand ich da, gebeugt über dem Tisch: Den Löffel mit dem leckeren Müsli in der linken Hand, die Kamera in der rechten Hand mit dem Finger auf dem Auslöser. So kam ich auf die Idee, die Fotos so zu machen wie sie jetzt sind.

Auf die eigentliche Serie kam ich erst später, nachdem ich gemerkt habe, dass mir das Spaß gemacht hat. Und da mir die Fotos gut gefallen haben, habe ich mich entschlossen, alle möglichen mir unter die Hände kommenden Müslis zu fotografieren. Es werden bestimmt auch noch mehr, aber man kann ja morgens nicht immer dasselbe essen.

Wenn ich dann mein Foto habe, öffne ich es in Photoshop und schneide es als erstes zu einem Quadrat zurecht. Danach bearbeite ich die Schatten ein wenig und bastele an der Schärfe herum. Zum Schluss bearbeite ich noch die Farben und fertig.

Und wenn er sich nicht verschluckt hat, dann macht er auch heute noch seine Müslibilder.

Wer kennt das nicht? Man möchte mal wieder etwas bei eBay verkaufen (z.B. ein altes Objektiv) und möchte sich mit seinem Produktfoto von der Masse an Bildern abheben, die das zu verkaufende Objekt frontal totgeblitzt auf dem Küchentisch zeigen.

Für solche schattenarmen bzw. -freien Aufnahmen vor einem neutralen Hintergrund, die das Produkt gekonnt in Szene setzen, eignet sich besonders eine Lichtbox. Damit lassen sich außerdem Stillleben bzw. Makros isoliert ablichten.

Ich habe seit einiger Zeit mit dem Gedanken gespielt, mir solch eine Lichtbox bzw. ein Lichtzelt zuzulegen. Einfache Modelle sind schon recht günstig online zu erwerben, aber dann habe ich mich kurzerhand dazu entschlossen, das Ganze als spontanes Wochenend-Projekt selbst zu bauen. Kann ja nicht so schwer sein! Oder doch?

Los ging’s also: Ein bißchen googlen, ne grobe Skizze gezeichnet und schon ging’s einen Samstag morgen ab in den Baumarkt meines Vertrauens.

Gekauft habe ich:

• 4 Kanthölzer, 17x35mm, 180cm langvielleicht etwas groß, aber sehr günstig; ich habe mir vor Ort direkt 12 Stücke à 50cm Länge zuschneiden lassen
• 2 Sperrholzplatten, 4mm dick, 50x52cm auch direkt vor Ort zugeschnitten
• doppelseitiges Klebeband
• nen Batzen Schrauben (3x25mm und 5x50mm)
• 1,5m Klettband

Dank einer unerwarteten 20%-Aktion gab’s das Ganze für 19,33 EUR.

Danach habe ich noch im Bastelladen Folgendes gekauft:

• 4 Bögen Tonpapier, 50x70cm (weiß, schwarz, rot, blau)
• 1 Bahn einfachen Baumwollstoff, 60x150cm

Dafür hatte ich 6,56 EUR zu berappen. Die Gesamtkosten liegen also 25,89 EUR, ohne den Rabatt bei knapp über 30 EUR.

Bevor man loslegt, sollte man daran denken, den Akkuschrauber aufgeladen zu haben! Ansonsten muss man wie ich mit der Hand schrauben warten, bis der Akku voll ist. Zunächst werden aus jeweils 4 Kanthölzern zwei Quadrate zusammengeschraubt (2 Schrauben 3x25mm je Verbindung).

Die beiden Quadrate werden dann mit den restlichen Kanthölzern zu einem Würfel verbunden (1 Schraube 5x50mm je Verbindung).

Kleiner Tipp: Die Löcher am Besten vorbohren, dann splittert das Holz beim Schrauben nicht so leicht.

Die Unter- und die Rückseite des Würfels werden dann mit den Sperrholzplatten dichtgemacht, das sorgt gleichzeitig für Stabilität (je Platte 6 Schrauben 3x25mm, verteilt auf 2 Kanten).

Nun werden noch mit Hilfe des doppelseitigen Klebebands Teile des Klettbands am Würfel fixiert, und zwar an den Außenseiten für den Stoff und innen für den Reflexbogen.

Die Gegenstücke zum Klettband werden dann auf dem Stoff (Nähen, Juchu!) und an den Bögen Tonpapier (Klebeband) befestigt.

Ich musste allerdings feststellen, dass das Klettband auf dem doppelseitigen Klebeband nicht sonderlich gut hält. Ich habe das Klettband auf den Papierbögen zusätzlich mit einem Tacker fixiert, auf dem Holz hilft Heißkleber.

Die fertige Lichtbox sieht dann so aus:

Man kann den Stoff und den Reflexbogen im Hintergrund dank des Klettbandes je nach Bedarf austauschen und frei experimentieren, wie das Objekt am besten wirkt.
Man arbeitet am Besten mit 3 Lichtquellen: eine über der Box und jeweils eine rechts und links. Man muss dann nur noch ein wenig mit der Lichtintensität und der Belichtungszeit experimentieren.

Hier sind einige erste Beispielfotos von einem meiner Objektive, ich habe in der Nachbearbeitung lediglich den Kontrast etwas erhöht. Die Reihe wäre ein prima Beispiel für neutrale Produktfotos für eine eBay-Auktion.

Ich habe mich außerdem mit einem Freund an einigen Stillleben bzw. Makro-Aufnahmen versucht. Hier steht dann eher der künstlerische Aspekt im Vordergrund, die Ergebnisse könnt Ihr hier sehen.

Der Zusammenbau der Box hat ca. 1,5 Stunden gedauert, trotz zweier linker Hände. Ich persönlich bin mit dem Ergebnis sehr zufrieden, die Box erfüllt ihren Zweck voll und ganz.

Vielen Dank für Euer Interesse und für’s Lesen und viel Spaß beim Nachbauen!

Also für mich gibt es kaum etwas entspannenderes, als am Wochenende loszuziehen, in unserer Haus-und-Hofkonditorei „Der Süsse Löwer“ ein paar Edeltörtchen einzukaufen, in der Gärtnerei nebenan noch ein paar Requisiten zu besorgen und mir einen schönen Tag mit einer Food-Session zu machen. So sind auch die Fotos unten entstanden, und im weiteren Text möchte ich hierzu den Hintergrund zu Licht und Beleuchtung, Optik und Photoshop erklären.

Food ist oft nicht einfach zu beleuchten, weil es je nach Art transparent, reflektierend oder lichtschluckend sein kann. Manche Früchte brauchen Gegenlicht, andere eher frontales Licht oder Licht von der Seite. Diffuses Licht wie Tageslicht von einem Nordfenster ist besonders schön, aber nicht immer verfügbar. Mit Blitzlicht wird das Essen entweder totgeblitzt, oder der Aufbau wird schnell relativ komplex und teuer (Schirmchen, Softboxen).

Nicht so im Beispiel: Auch wenn man es den Fotos nicht ansieht, so kam ein ganz normaler E-TTL-Aufsteckblitz zum Einsatz, nicht entfesselt, sondern einfach auf der Kamera. Der Blitz war rund 45 Grad zur Seite geneigt, fürs erste Foto nach links, für das zweite nach rechts, und hat dort eine Styroporplatte als Reflektor angeblitzt. Dadurch wird dieser Reflektor zu einer großen und wunderbar weichen Lichtquelle, die in der Wirkung einer Softbox recht nahekommt.

Als weitere Lichtquellen finden sich im Setup das Tageslicht durch einer Balkontür gegenüber der Kamera (zartes Gegenlicht) und ein Schminkspiegel, der hier als Aufhellreflektor auf der Seite gegenüber des Reflektors etwas aufhellt und ein paar Akzente setzt. Im Hintergrund stehen ein paar Gläser, um die begehrten Bokeh-Unschärfekreis’chen zu erzeugen.

Zur Optik und zu den Kameraeinstellungen: Hier habe ich die klassische Festbrennweite 50 mm f/1.4 verwendet und habe das Objektiv abgeblendet auf 2.8. Dies erzeugt eine schöne geringe Schärfentiefe, lässt aber den scharfen Bereich auch wirklich knackig werden. Ansonsten: Canon APS-C-Kamera, Raw-Format, Av-Modus, ISO 100 für geringes Rauschen. Das Verhältnis Blitzlichtanteil versus Tageslichtanteil kann man entweder im Av-Modus über die Belichtungskorrektur und Blitzbelichtungskorrektur oder auch, wenn die Werte nach ein paar Probeschüssen festliegen, im M-Modus vorgeben.
Das Licht ist grundsätzlich ausreichend für Fotos aus der Hand und ohne Stativ, bei einigen habe ich dann aber doch die ISO-Zahl auf 200 erhöht, um auf eine wackelfreie Belichtungszeit von 1/80tel Sekunde zu kommen.

Am Ende der Foto-Session steht der Raw-Import und ein dezentes Photoshop-Touch-up. Schick ist es, die Sättigung oder Dynamik leicht zu erhöhen, das Bild mit einem warmen Fotofilter etwas sonniger zu gestalten und nach dem goldenen Schnitt ins gewünschte Format (2:3, 3:4 …) zu croppen (hier hilft Atrise GoldenSection). Ein sehr vorsichtiger Einsatz des Abwedlers (Lichter, 2%) kann im Beispiel die Johannisbeeren noch leuchtender machen, aber weniger ist hier oft mehr.

Bis hier findet sich kaum etwas neues im Touch-up, jetzt folgen aber noch zwei kleine Tricks:
Einmal verstärkt eine ausgeprägte negative Vignette, ausmaskiert, nur für die Lichtseite wirkend, den Eindruck, dass dort ein helles Nordfenster leuchtet: Filter, Objektivkorrektur …, Wert ca. +35.

Abschließend wird noch geschärft. Entweder selektiv über Hochpass (Ebenenkopie, entsättigen, Hochpassfilter mit Wert um die 4, Verrechnungsmodus „Ineinanderkopieren“, Deckkraft ca 50 % , Ebenenmaske anlegen, nur relevante Teile einmaskieren) oder, schicker, über die frei verfügbare Photoshop-Penum-Scharfzeichnungsaktion.

Wer noch mehr zu Tricks und Links und Quellen zur Food-Fotografie lesen möchte, der findet unter fotopraxis.net in der Workshop-Rubrik einige weitere Workshops zu Sushi, Limonade, Sahne-Splashes, Toast und Keksen.