In einer Zeit, in der fast jeder seine Bilder in Buchform präsentieren kann oder zahlreiche Fotoplattformen unzählige Uploads verzeichnen, ohne einen fachkundigen Kurator zur Seite zu haben, sind diese Mammutwerke von besonderem Interesse.

Diese Bücher sind etwas Besonderes. Sie enthalten Geheimnisse. Sie inspirieren uns. Sie geben uns einen Überblick über eine Schaffensperiode. Es sind Zeugnisse von Menschen, die etwas von ihrem Handwerk verstehen oder verstanden haben. Wir sollten ihnen zuhören, wann immer wir können, von ihnen lernen und ab und an kurzweilig in Demut versinken.

Jedes Genre hat seine eigenen Helden. Meine Helden sind zwei Damen: Deborah Turbeville und Sarah Moon. Beide haben in den Wirren des zweiten Weltkrieges, die eine in den USA und die andere in Frankreich, das Licht der Welt erblickt. Beide waren früh in der Modeszene involviert, beide haben ihre eigene Sprache entwickelt und das Genre damit stark bereichert.

(c) Deborah Turbeville

Im Oktober 2011 erschien „Deborah Turbeville: The Fashion Pictures“* im Rizzoli Verlag. Ich bin mir sicher, würde man ihre Bilder heute in einer der vielen Fotocommunities zeigen und besprechen, sie wären wohl dem Zeriss ausgesetzt.

Sie liebt die Unschärfe und man findet sie in vielen ihrer Bilder. Oft aber sind sie auch zerkratzt, geklebt, mit anderen verbunden, bruchstückhaft, träumerisch, verloren. Sie werden auch bemalt oder beschriftet. Auf einigen sieht man sogar Fingerabdrücke. Sie selbst sagte dazu: „I destroy the image after I’ve made it.“

© Deborah Turbeville

Sie kam erst spät zur Fotografie. Mit 28 Jahren nahm sich Richard Avedon ihrer an. Er mochte ihre verschwommenen Bilder und lehrte ihr das Handwerk. Anfang der 1970er Jahre konnte sie sich offiziell Fotografin nennen. Einen Namen machte sie sich 1975 mit ihrer Serie „Bathroom“ für die amerikanische Vogue und weitere Aufträge folgten.

In ihrem Buch kann man wohlig in diese Unschärfen stürzen. Es werden die bekanntesten Modestrecken gezeigt sowie unveröffentliche Bilder, die für Chanel entstanden. Ihre Bilder, die nie ganz da wirken, haben die Modefotografie nachhaltig beeinflusst und ich bin froh, sie zwischen all den Fotografen entdeckt zu haben.

© Deborah Turbeville

Sarah Moons Retrospektive Sarah Moon 12345 erschien 2008 in einem fünf-bändigen Buch zusammen mit ihrem Film „Mississipi One“ im Verlagshaus Thames & Hudson.

Die Bände sind als Film in Buchform gestaltet und jeder Band steht für ein Genre oder für eine Schaffensperiode in Moons Leben. Denn sie war nicht nur Fotografin, sondern auch Model und Filmemacherin.

Leider besitze ich ihr zusammenfassendes Werk bis heute nicht, weil mir der stolze Preis von über 150 Euro zu schwer im Magen liegt. Aber darin geblättert habe ich schon allzu oft und bin immer wieder überwältigt.

Die Menschen auf ihren Bildern werden behutsam betrachtet. Sie holt sich den Moment, der unbemerkt bleibt. Im Weggehen einer Person fängt sie das Zögerliche, im Augenblinzeln das Nachdenkliche ein. Ihre Bilder können aus tanzenden Farben bestehen, sind aber niemals aufdringlich, wenn auch fordernd.

© Sarah Moon

Ihre Schwarzweißwelten sind dunkel, träumerisch und verwirrend. Wie ein Zerrspiegel erscheinen die Menschen darin und man glaubt, es reiche, nur die Hand auszustrecken, um ebenfalls auf die andere Seite des Bildes gezogen zu werden.

Auch außerhalb der Modewelt legt sie ihre Kamera nicht aus der Hand, denn nicht nur Menschen sondern auch Landschaften und Tiere finden ebenso Zutritt in ihre schöpferische Welt.

Ich könnte noch ewig weiter über ihre Arbeiten und sie selbst schreiben, lege Euch aber lieber das Interview ans Herz, erschienen 2011 in der ZEIT.

© Sarah Moon

In den Werken beider Fotografinnen habe ich etwas gefunden, das mich berührte. Die Beschäftigung mit ihren Arbeitsweisen und Ansichten haben mich beruhigt und darin bestätigt, weiter zu gehen und mir selbst treu zu bleiben.

Und nun seid Ihr dran. Erzählt mir: Wer sind Eure Helden? Wer inspiriert Euch, von wem lernt Ihr?

Die Bilder von Deborah Turbenville stammen alle aus dem Buch „The Fashion Pictures“. Die Bilder von Sarah Moon aus „Sarah Moon 12345“. Ich danke den beiden Verlagshäusern Rizzoli und Thames & Hudson für die Bereitstellung der Bilder.

* Das ist ein Affiliate-Link zu Amazon. Wenn Ihr darüber etwas kauft, erhalten wir eine kleine Provision, Ihr zahlt aber keinen Cent mehr.

Nicht zuletzt auch ihre Tochter Kirsty. Als Kirstys Mutter im November 2008 an einem Hirntumor starb, zog sie sich zurück in diese alternative Wunderlandwelt, die sie nur durch das Portal ihrer Kamera besuchen konnte. Kirsty nennt die Serie selbst ein Märchenbuch ohne Worte und widmet es ihrer Mutter.

Die Serie wurde zu einem Wendepunkt in ihrer Art des Fotografierens und veränderte letzendlich Kirstys ganzes Leben. Sie fand durch sie neue Freundschaften, wie die zur Haar- und Make-up-Künstlerin Elbie Van Eeden.

Jedes Kostüm und jedes Accessoire stellten sie gemeinsam her. Nach ihren Vollzeitjobs arbeiteten sie abends und an den Wochenenden an Perücken, Requisiten und den restlichen Materialien. Als Kulisse diente der Wald nahe Kirstys Zuhause.

Die Bilder sind immer das Ergebnis verschiedener Eindrücke. Buchillustrationen, Gedichte, Gemälde und verschwommene Erinnerungen an märchenhafte Königinnen inspirieren Kirsty. Aber auch die Natur beeindruckt sie immer wieder auf’s Neue.

Besonders faszinieren sie die wilden Blumenfelder, die nur wenige Wochen im Jahr blühen. In einigen Fällen wartete sie viele Monate auf den richtigen Moment und bereitete in dieser Zeit die passenden Kostüme vor, bis es dann endlich zum Shooting kam.

Diese wochenlange Planung und die Liebe zum Detail sieht man ihren Bildern an. Kirsty dokumentiert sie auch in ihrem Online-Tagebuch. Hier kann man die einzelnen Arbeitsschritte fast jedes ihrer Kostüme ansehen. Oft entstehen die märchenhaften Kleider aus ganz simplen Dingen, wie Fächern, Büchern oder Blüten. Die Ergebnisse beeindrucken umso mehr. Kein Wunder, dass in Kirstys Ausstellungen nicht nur die fertigen Fotos hängen, sondern in Schaukästen auch die Kostüme und Accessoires gezeigt werden.

Zu Hilfe kamen ihr bei der Verwirklichung ihrer Ideen ihre Studien der Bildenden Kunst, Fotografie und Kunstgeschichte. Aber besonders die vielen Freunde, die ihr unentgeldlich bei der Entwicklung und während der Shootings halfen, waren für sie unentbehrlich.

Im Dezember 2011 entschloss sich Kirsty, ihre Karriere als Fashion-Designerin zu beenden, um sich vollkommen der Fotoserie widmen zu können. Die Konzepte wurden größer, neue Charaktere sollten in maximal fünf Monaten entstehen. Zudem plante sie ein Buch. Das alles war zu viel, um es nur in der Freizeit zu verfolgen.

Im September 2012 war es dann soweit. Das Ende ihrer Serie war absehbar. 60 Arbeiten zählte ihr Wunderland, zehn weitere waren noch in Arbeit.

Aus einem kleinen Projekt, um mit dem Tod ihrer Mutter besser umgehen zu können, entwickelte sich ein enormes Werk. Das Wunderland verselbstständigte sich, wurde groß und real. Kirsty freut sich nun darauf, den Namen ihrer Mutter auf der Innenseite des Wonderland-Buches zu lesen.

Es wird sich anfühlen, als hätte ich endlich mein eigenes Versprechen erfüllt… und ihre kostbare Erinnerung…

Hallo Malte. Einige unserer Leser werden Dich noch aus kwerfeldein-Tagen kennen, schließlich warst Du bei uns als Redakteur aktiv. Für diejenigen, die Dich nicht kennen: Welche Person steckt hinter dem Namen Malte Pietschmann?

Jemand, der vor ungefähr vier Jahren angefangen hat, zu fotografieren und einfach Spaß daran hat. Ich habe Medienmanagement studiert, aber schon im Studium gemerkt, dass ich noch einen gestalterischen Ausgleich für mich brauche. So bin ich dann zu Portrait und Reportage gekommen. Bis vor einem Jahr habe ich noch in der Türkei und davor in den Niederlanden gelebt. Im letzten Jahr habe ich dann damit begonnen, mehr in Richtung Mode zu arbeiten.

Mode. Kein leichtes Sujet. Warum suchst Du Dir ausgerechnet dieses aus?

Weil die Modefotografie visuell freier arbeitet als viele andere Bereiche der Fotografie und dementsprechend vieles möglich ist, was in anderen Genres undenkbar wäre. Die Mode arbeitet am Puls der Zeit und zeigt damit was gestalterisch möglich ist, das ist natürlich immer spannend.

Auf der anderen Seite ist die Mode natürlich auch sehr aufwändig, was für mich aus produktionstechnischer Sicht einfach interessant ist. Im Team arbeiten hat mir schon immer Spaß gemacht und wenn es dann noch fordernde Projekte sind: wunderbar!

Was meinst Du genau mit „freier arbeiten“?

Reportage hat ja beispielsweise einen Wahrheits- und Neutralitätsanspruch, im Portraitbereich steht der Mensch und seine Persönlichkeit im Vordergrund. Das bestimmt die Bildgestaltung natürlich maßgeblich und schränkt sie zu einem Stück weit auch ein. In der Modefotografie geht es ja viel darum, die Mode und ihre Features in einem möglichen Kontext darzustellen.

Wie genau dieser Kontext nun aussieht bzw. inszeniert wird, ist dann Interpretationssache. Mit Mode lässt sich einfach sehr schön spielen und man kann ein Thema ja auf ganz unterschiedliche Weisen umsetzen.

Malte, wer Dir ein wenig in den sozialen Netzen folgt, kann nicht übersehen, dass Du regelmäßig in aller Welt unterwegs bist. Bist Du einfach gern unterwegs oder was treibt Dich in die Ferne?

Ich glaube, ich bin einfach neugierig, wie das Leben anderswo so ist, wie Menschen in anderen Kulturen denken, wonach sie streben, was sie motiviert. Wie verhalten sich die Werte, mit denen ich aufgewachsen bin, im direkten Vergleich zu dem eines Inders? Eines Thais? Eines Venezianers? Was eint uns und was trennt uns? Was bedeutet „leben“ für dich, was für mich?

Und das Wichtigste: Wie kann man voneinander lernen? Für mich sind das sehr spannende Fragen und wir können ja nicht erwarten, einander zu verstehen, wenn wir nicht miteinander reden. Ich mag es einfach, neue Perspektiven kennen zu lernen und brauche regelmäßig neue Denkanstöße. Die Fotografie ist da natürlich einer der schönsten Gründe, rauszukommen und mal etwas genauer hinzusehen.

Was bedeutet „leben“ für Dich – und was bedeutet das für Dich als Fotografen?

Haha, eine etwas große Frage für einen 26-Jährigen. Ich glaube, das kann man in meinem Alter noch gar nicht so genau sagen. Ich glaube jedoch daran, dass das Leben, also dieser winzigkleine Augenblick, der uns gegeben wird, ein riesengroßes Geschenk ist und dass man es auch so behandeln sollte.

Je mehr ich reise, desto mehr verstehe ich, was für ein großes Privileg wir in unserer Gesellschaft haben, die Freiheit zu haben, genau das zu tun. Erzähl das mal einem Seilträger aus Chittagong. Was das für die Fotografie und mich derzeit bedeutet? In den Zug einsteigen und sehen, wohin die Reise geht. Breathe and evolve.

Was ist Dir beim Fotografieren von Menschen in anderen Ländern besonders wichtig? Gibt es da etwas, wonach Du suchst oder schaust Du einfach, was passiert?

Ich glaube nicht, dass es darauf ankommt, was man sucht, sondern was man sieht und was einem selbst interessant erscheint. Das kann man nicht so pauschal sagen. Ich arbeite sehr intuitiv und versuche einfach, mit dem Fluss zu gehen, das heißt, nicht zu konkrete Vorstellungen haben und offen bleiben.

Die Sachen, die viel Seele haben, kommen eigentlich immer aus dem Bauch und der Situation heraus. Was mir also wichtig ist? Authentische Momente einfangen.

Was ist ein authentischer Moment? Woran machst Du das fest, außer am Bauchgefühl?

Wenn Menschen sich einfach natürlich verhalten, als würden sie sich unbeobachtet fühlen.

Wie sehen Deine Pläne für die nächste Monate aus? Was hast Du vor?

Es geht wieder zurück nach Asien. Dieses Mal reise ich mit einem kleinen Produktionsteam bestehend aus Philipp Lunch (Foto) und Jonas Harmsen (Video), beide sehr enge Freunde, von Indien über Bangladesh nach Hong Kong und China. Wir haben eine sehr breite und abwechslungsreiche Palette an Projekten geplant.

Allzu viel kann ich da natürlich noch nicht verraten, aber wer uns während der nächsten sechs Monate folgen möchte, kann ja demnächst mal bei BASMATI HAZE vorbeischauen. Wir haben alle eine sehr unterschiedliche Herangehensweise, das könnte also recht spannend werden.

Das hört sich gut an, Malte. Wo siehst Du Dich in zehn Jahren in fotografischer Hinsicht?

Wie schon gesagt, man steigt in einen Zug ein und lässt sich überraschen, wohin die Reise geht. Das ist ja gerade das Schöne an der Fotografie: Man kann sie immer wieder neu für sich entdecken. Von daher: Alles kann, nichts muss.

Erinnerst Du Dich noch an den ersten Fotografen, der Dich inspiriert hat?

Da gibt es sicher viele. Wirklich bewusst war das allerdings Nick Knight. In einer Ausstellung in Groningen hatte ich einige seiner Arbeiten gesehen, das hat meine Sicht auf die Fotografie grundlegend verändert. Davor wusste ich einfach nicht, dass so etwas überhaupt möglich ist.

Welche Länder, die Du bisher noch nicht besucht hast, würdest Du in Zukunft gerne bereisen?

Eigentlich so ziemlich alle. Ich weiß nicht wieso, aber irgendwie reizt mich der Nahe und der Mittlere Osten mittlerweile mehr und mehr. Die Berichterstattung ist immer noch sehr einseitig und beschränkt sich leider oft auf Kriegsszenen und Fundamentalismus.

Projekte wie die von Salome und Lukas Augustin finde ich sehr spannend und wichtig. Denn wenn in den Medien fast ausschließlich ein Bild von Gewalt und Terror vermittelt wird, dann kann das doch gar nichts werden.

Siehst Du für Dich auch die Aufgabe, eine eigene Sicht auf den Mittleren Osten zu zeigen? Was spornt Dich diesbezüglich an?

Der Nahe und Mittlere Osten ist kein konkretes Projekt, erst einmal nur ein kleiner Traum. Ich glaube einfach, dass diese Kulturen unglaublich viel Schönes und Interessantes zu erzählen haben. Durch eine eher einseitige Berichterstattung werden die bestehenden Vorurteile gegenüber diesen Ländern weiter gestärkt. Und zumindest aus meiner Sicht können Vorurteile keine Basis für einen nachhaltigen Dialog sein.

Malte, ich bedanke mich für das Interview und wünsche Dir viel Erfolg bei Deinen Projekten und Reisen!

Warum ich meinen Blog nach vier Jahren intensiven Schreibens und 140.000 Besuchern pro Monat von einem Tag auf den anderen geschlossen habe, verstehen sicherlich nur enge Freunde. Das alte Ding von „Aufwand vs. Nutzen“, „in den Spiegel schauen“ und dem eigenen Bild, welches man im Netz hinterlässt, warf mehr Fragen auf, als es Antworten gab. Zu zynisch wurden meine Kommentare und zu bissig meine Blogposts. Das war nicht ich. Vielleicht – wenn überhaupt – nur ein kleiner Teil von mir.

Besser man geht, ehe man getrieben wird. Doch „niemals geht man so ganz“, sang schon Trude Herr und so konnte ich mir sicher sein, dass es reichlich Gelegenheiten geben würde, meinen Kopf immer mal wieder aus der Versenkung zu holen und mich mit einem kleinen Hallo an die (Fotografen-)Welt zu wenden. Aber dass es so schnell gehen sollte…

Die Blumen auf meinem Blog-Grab sind noch nicht verwelkt, da fällt mir ein, dass ich noch ein Video-Interview liegen habe, das ich im Rahmen meiner „Fotografen-Walz“ mit dem Hamburger Fotografen Paul Ripke geführt hatte. Doch wollte ich die Totenruhe bei mir nicht stören und so läuft der Streifen dank liebenswerter Unterstützung durch die KWERFELDEIN-Redaktion eben hier.

Im Rahmen meiner diesjährigen „Fotografen-Walz“ lud ich mir vor ein paar Wochen den Freak of Cook in den Hamburger Industriehafen und ließ meinen Gast Paul Ripke an einer selbstgezimmerten weißen Tafel unter einem Industriekran Platz nehmen. Wir verbrachten schöne Stunden bei leckerem Rotwein und Spare-Rips und ich unterhielt mich mit Paul überraschend offen und ehrlich über seine Arbeit, Fotografie und Selbstvermarktung.

Dass mein Shirt und meine Sitzposition etwas auftragen und ich einen seltsamen Zettel unter meinem Schuh kleben habe, soll Euch nicht stören. Macht es Euch bequem und lauscht den knapp 90 hoffentlich unterhaltsamen Minuten zum schönsten Thema der Welt: Fotografie.

Ich stieß auf ihn durch ein Making-Of von Mario von Endeffekt, der David bei einem Fashion-Shooting im Wald begleitete. Die dabei dokumentierte Fotoserie “A Winter’s Tale” hat mir so gut gefallen, dass ich sie Euch vorstellen möchte.

“Zwei junge Frauen in prächtigen weißen Kleidern vor der Kulisse kahler graublauer Buchen und roten Laubs. Dieses Wintermärchen ist eine Mischung aus Fashion, Fantasy und Barock”, beschreibt David selbst seine Serie.

Die Bilder sind auf jeden Fall märchenhaft und jedes erzählt eine kleine Geschichte. Und genau das ist David bei seiner Arbeit wichtig. “Die Bilder müssen etwas haben. Sei es die Farbe, sei es die Geschichte, das Dargestellte, Mimik und Gestik; auf die Details kommt es an”, betont David im Video.

Die Mädchen schauen nicht stur in die Kamera, sondern spielen mit ihrer Mimik, schauen erstaunt oder lachen (fast hörbar) laut. Genau das gefällt mir an den Bildern sehr, sie wirken echt und ich spinne mir die Geschichte weiter.

Das für solche Fotos ein gutes Konzept und viel Vorbereitung nötig war, sieht man den Bildern an. Und bedenkt man, dass sie an einem kalten Dezembertag entstanden, ist sie auch unabdingbar. Beteiligt waren die Maskenbildnerin Judith Kröher, mit der David schon oft zusammengearbeitet hat und die zwei Modelle Fee und Caro. Die Kleider wurden von Calesco Dresden zur Verfügung gestellt.

Zu dem Buchenwald hat David eine persönliche Verbindung, schon als Kind spielte er dort oft. Als die Idee eines Wintermärchens Gestalt annahm, wusste er daher sofort den richtigen Platz dafür.

Trotz Vorbereitung lässt David bei seinen Shootings aber auch gern zufällige Ideen und Möglichkeiten mit einfließen. Als eine Frau mit Pferd am Set vorbeiging, wurde sie kurzerhand angehalten und ihr Pferd für einige Aufnahmen vor die Kamera gestellt.

Während wir Einzelbilder machten, wollte das Pferd immer wieder kuscheln, trat auf die Schleppe des Kleides und rieb seine grasgrüne Schnodderschnauze schön über die Spitze des Kleides… die Reinigung war dann preisintensiv. Aber wir haben ein schönes Bild machen können und das ist das, was zählt!

Die etwas kühle Bildstimmung der Bilder passt schön zum Wintermärchen. David hat dafür bei der Bildbearbeitung die Farbtemperatur runtergesetzt. Er arbeitet viel mit Teiltonung und hat bei den Fotos etwas Gelb in die Lichter und Violett in die Schatten gemischt.

Meist nehme ich ein Bild als “Dummy” und probiere zunächst aus einer Sammlung von mir angelegter Einstellungen, stimme sie dann auf die Serie ab, bis sie mir gefallen und übertrage sie danach auf die weiteren Bilder. Und dann kommt das Feintuning jedes einzelnen Bildes, von der Hautretusche bis zu Kontrast, Farbtonung und Schärfung.

Die gesamte Serie findet Ihr auf Davids Homepage. Zum Abschluss noch das besagte Making-Of:

Schaute ich an einem Kiosk über die unzähligen Cover der Modemagazine, stellte sich für mich nur eine Frage: Wie mag es wohl auf so einem Modeshooting zugehen und wie produziert man solche Bilder?

Die ersten eigenen Erfahrungen in diesem Bereich waren weit weg von der Welt der Mode und ihrem Charme. Erst mit dem sich einstellenden Lernerfolg durch die Zusammenarbeit mit unterschiedlichen Personen aus der Modewelt gelangen mir Produktionen, die durchaus veröffentlichungsreif waren.

Vielleicht schafft man es nicht mit allen der entstandenen Editorials in ein Printmagazin, aber anstatt eins der unzähligen „Fake-Editorials“ zu erstellen, besteht die Möglichkeit, seine Bilder in Online-Magazinen zu veröffentlichen und sich somit eine „echte“ Referenz zu sichern.

Zunächst einmal soll gesagt sein, dass ich an dieser Stelle nicht über die Sinnhaftigkeit von Online-Magazinen diskutieren möchte. Sie können Fluch und Segen zugleich sein und jeder kann für sich entscheiden, ob er dieses Medium nutzen möchte. Ich habe von Veröffentlichungen in den verschiedensten Online-Magazinen nur profitieren können.

Weiterhin bieten viele Online-Magazine inzwischen auch Printausgaben an, was sich bei dem einen oder anderen Kunden als Türöffner herausgestellt hat. Viel wichtiger als die Sinndiskussion ist die richtige Auswahl des Magazins und die Frage, ob der eigene Stil in dieses Format passt.

Meine Favoriten sind hierbei Fine Taste Magazine, Glossy, Soko, BG Magazine. Anhand des Beispiels „by the woods“ (Fine Taste Magazine) möchte ich kurz die Entstehung einer Serie erläutern.

Ich beginne meine Entwicklung der Bildideen für Online-Magazine mit der Sichtung von „tausenden“ Moods, die ich immer wieder auf den verschiedensten Blogs, I-Seiten und Magazinen finde. Viele Online-Magazine haben spezielle Themen pro Ausgabe und somit ist eine gewisse Grundorientierung vorgegeben.

Wichtig bei der Konzepterstellung ist eine gute Mischung aus Moods und eigenen Ideen. Bilder, die einfache Kopien sind, haben auch nur geringe Chancen, veröffentlicht zu werden. Wenn die Richtung klar ist, entwickle ich eine Art „Storyboard“, übertreibe es aber nicht mit dem Zeitaufwand.

Anhand dieser Zusammenstellung frage ich in meinem Kreis von Visagisten und Stylisten nach, wer Lust auf eine freie Produktion hat. Ich habe das Glück, nach drei Jahren in der Fashionfotografie auf einen kleinen Kreis an Kooperationspartnern zurückgreifen zu können, ohne bei Agenturen anfragen zu müssen.

Ich empfehle jedem die Zusammenarbeit mit Visagisten, da es eine deutliche Qualitätsverbesserung und Zeitersparnis bei der Retusche ist. Visagisten gibt es mittlerweile zu Hauf und viele Schüler an Make-Up-Schulen suchen auch Testshootings zum Aufbau ihrer Mappe oder Abschlussarbeit. Zugang zu guten Stylisten hingegen ist viel schwieriger zu bekommen und bedarf eines guten Portfolios.

Ich habe für meine Ideen binnen kurzer Zeit Rückmeldung von Interessenten und setze mich anschließend mit ihnen zusammen, um eventuell Ideen ihrerseits einzuarbeiten. Ich gehe hierbei auch auf die Wünsche meines Teams ein, da es sich um eine freie Arbeit handelt und jeder einen Nutzen daraus ziehen sollte.

In diesem Fall sind es Jaqueline und Sandra gewesen, mit denen ich bereits zu Beginn meiner fotografischen Tätigkeit zusammengearbeitet hatte. Sandra hat hierbei dunkle, geradlinige Mode zusammengestellt. Gezielt sollten diese Formen in eine natürliche Umgebung eingebunden werden.

Ist der Prozess der Modeauswahl abgeschlossen, kümmere ich mich um die Locationsuche, falls es sich nicht um eine Studioarbeit handelt. Dieser Teil bedeutet für mich den größten Zeitaufwand. Telefonieren, Rumfahren, Besichtigungen usw. sind unumgänglich, um sich mit den Gegebenheiten vor Ort vertraut zu machen.

Für dieses Editorial habe ich in einem Waldgebiet geeignete Lichtungen und Vegetation gesucht und bin dabei unter anderem auf Springkraut gestoßen, das einen farbigen Akzent in den Bildern setzt.

Gleichzeitig zur Locationsuche habe ich Anfragen bei Modelagenturen laufen, um ein geeignetes Modell zu finden. Sollte man am Anfang seines fotografischen Schaffens stehen, ist es so gut wie unmöglich, gute Agenturmodelle zu bekommen. Anfänger können dann über einschlägige Internetcommunities Modelle finden.

Vor dem Tag des Shootings mache ich mir intensiv Gedanken um die Lichtführung und Posen. Man sollte die Location genau besichtigt haben und möglichst viele Bilder haben, um z.B. zu wissen, wann und wie sich der Sonnenstand verändert und wo man das Modell positioniert. (Dafür gibt es sogar nette iPhone Apps!)

Am Shootingtag geht es zeitig los, Make-Up und Styling brauchen eine gewisse Vorlaufzeit. Aufgrund meiner sorgfältigen Vorarbeit an den Tagen zuvor bin ich als Fotograf zeitlich mit meinem Aufbau nicht unter Druck und habe für dieses Shooting auch keine Assistenz benötigt. Die vorhandene Zeit nutze ich zur Wahl des geeigneten Blickwinkels für die ersten Motive.

Die Witterung spielte an unserem Termin mit und ich konnte in diesem Editorial gezielt direkte Strahlung und diffuse Bedingungen mischen. Ich arbeite sehr gern mit direktem Sonnenlicht und Schatten spendenden Hilfsmitteln, um einen starken Kontrast- und Schatteneffekt zu bekommen.

Zum Beispiel kann man mit Ästen, Blättern usw. besondere Schattenformen kreieren. Für die vorliegenden Bilder habe ich außer einem Diffusor (California Sunbouncer) und natürlichem Licht keinerlei Kunstlicht benötigt. Damit im Hintergrund nicht zu viel Tiefe entsteht, habe ich gleichzeitig ein Hintergrundsystem mit einer Art Batik-Stoff genutzt.

Anhand des Storyboards sind die groben Posen und Bewegungen des Models definiert. Dennoch muss man sich darauf einstellen, dass manche Vorstellungen nicht zum Model passen. Für diesen Fall sollte man alternative Ideen für Posings haben. Am Anfang sind auch hier Moods-Sammlungen hilfreich.

Für eine Veröffentlichung in einem Magazin sollte man immer Serien entstehen lassen. Gut sind hierbei zwischen acht und zwölf Motive mit möglichst unterschiedlichen Posen und Stylings. Die Bildauswahl mache ich final mit meinem Team und beginne anschließend mit der Retusche. Alle Bilder sind mit einer Canon 5D II und den Optiken 50mm f/1.4 und 24-70mm f/2.8L entstanden.

Zum Schluss: Man sollte sich von Absagen nicht entmutigen lassen. Lieber noch einmal genau bei dem Magazin nachfragen, warum die Strecke nicht veröffentlicht wurde.

Ich mache am liebsten das, was man Modefotografie nennt: Professionelle Modelle, tolles Make-up, schöne Kleidung, interessante Umgebung. Um eine solche Inszenierung umzusetzen, müssen die einzelnen Faktoren eines Shootings geplant werden und es bedarf der Zusammenarbeit mit verschiedenen Menschen.

Trotzdem oder gerade deswegen ist man immer wieder mit überraschenden Situationen konfrontiert, auf die man spontan reagieren muss. Genau das macht aber auch den Reiz des Fotografierens aus.

Als Tessa Bergmeier mich anschrieb und fragte, ob ich sie fotografieren mag, freute ich mich. Ich hatte sie im Fernsehen und auf Fotos gesehen und fand, dass sie ein ausdruckstarkes Modell mit jeder Menge Energie ist. Wir verabredeten uns für einen Mittwoch um 14.00 Uhr. Da es fast noch Sommer war, sollte das Shooting draußen am Elbstrand stattfinden.

So weit, so gut. Leider regnete es am geplanten Tag in Strömen, so dass man draußen nicht fotografieren konnte. Ich fragte Tessa, ob wir das Shooting verlegen können, aber sie war an den anderen Tagen schon ausgebucht. Wir warteten noch zwei Stunden, aber das Wetter wurde eher schlechter als besser.

Währenddessen zerbrach ich mir den Kopf, wo wir hingehen könnten. Eine Blitzanlage besaß ich zu dem Zeitpunkt nicht, ebenso wenig ein Fotostudio, so dass wir nicht ohne weiteres drinnen fotografieren konnten. Aber wo war es trocken und hell genug, um schöne Bilder zu machen?

Mir fiel das Auditorium meiner Uni ein; die Außenmauern sind von einer Glasfront umgeben und in den ca. 2m breiten Zwischenraum fällt viel Licht. Natürlich hatte ich dort noch nie fotografiert und bei dem Gedanken, während des Vorlesungsbetriebs mit Kamera und Modell rumzuturnen, war mir nicht ganz wohl. Eine andere Möglichkeit fiel mir aber so schnell nicht ein.

Ich holte Tessa von der S-Bahn ab, als sich das nächste Problem stellte: Da wir das Shooting um zwei Stunden verschoben hatten, hatte die Visagistin, die eigentlich Haare und Make-up machen wollte, keine Zeit mehr. Wir versuchten, zu zweit ein gutes Foto-Make-up hinzubekommen und durchforsteten meinen Kleiderschrank nach einem schönen Outfit. Schließlich machten wir uns auf den Weg zur Uni.

Glücklicherweise fanden dort gerade einige andere Termine statt, so dass wir uns relativ unbeachtet eine Nische suchen konnten. Beim Shooting selbst war Tessa derart positiv, gut gelaunt und professionell, dass sie sich durch die widrigen Umstände kein bisschen beirren ließ. Schnell stellte sich der berühmte Moment ein, wenn die Chemie zwischen Fotograf und Modell stimmt und wenn man merkt, dass die Bilder mehr werden als eine bloße Abbildung des Vorhandenen.

Ich bereite meine Shootings in unterschiedlichem Maße vor: Manchmal habe ich sehr genaue Vorstellungen davon, wie eine Serie aussehen soll, manchmal fertige ich mir sogar eine Skizze für ein einzelnes Bild an. Manchmal lasse ich mich aber auch vom Moment überraschen.

Es kommt natürlich auch darauf an, welchem Zweck ein Shooting dient: Wenn ich z.B. für junge Modedesigner fotografiere, sollen alle Teile einer Kollektion abgebildet werden. Wenn ich für Visagisten fotografiere, müssen die Haare und das Make-up besonders zur Geltung kommen. Insofern hatte ich bei diesem Shooting größtmögliche Freiheit: Es ging nur darum, dass wir Bilder machen, die uns beiden gefallen.

Bei den ersten Aufnahmen probierte ich verschiedene Kameraeinstellungen aus. Ich arbeite grundsätzlich sehr gern mit Tageslicht, in diesem Fall fand ich eine Unterstützung durch meinen Aufsteckblitz (Metz mecablitz 48 AF-1) aber sehr passend. Das Blitzlicht lässt die Bilder künstlicher wirken und da wir Kleidung in knalligen Farben gewählt, mein Modell starke Posen und Gesichtsausdrücke konnte und die Umgebung eher strenge geometrische Formen aufwies, schien mir der Effekt sehr passend.

In einer kurzen Regenpause gingen wir auch nach draußen vor das Gebäude und fotografierten nur mit natürlichem Licht; die dort entstandenen Bilder haben eine andere Stimmung, auch sind die Farben reduzierter. Nach etwa zwei Stunden wurde es endgültig zu dunkel zum fotografieren; auch der Blitz konnte die Bilder nicht mehr ausreichend aufhellen und ich wollte den Isowert meiner Kamera nicht noch höher stellen.

Die entstandenen Bilder habe ich später in Photoshop relativ wenig bearbeitet. Hauptsächlich habe ich die Kontraste verstärkt und das eine oder andere Bild gedreht. Die endgültigen Bilder sind zwar ganz anders zustande gekommen, als wir es ursprünglich geplant hatten, aber wir mögen die Ergebnisse beide sehr gerne. Auch Tessas Agentur hat eins der Bilder für ihre Sedcard gewählt.

Heute möchte ich Euch die bereits verstorbene Toni Frissell vorstellen. Frisell war eine amerikanische Fotografin, deren Bilder noch heute große Aufmerksamkeit genießen und nicht zufällig hohen Wiedererkennungswert haben.

Toni Frisell, die eigentlich Antoinette Frissell Bacon hieß, wollte 1931 als Texterin bei der Modezeitschrift Vogue arbeiten – doch ihre Fähigkeiten waren zu begrenzt, sodass sie den Betrieb verlassen musste. Doch Frissell lies nicht locker und bekam eine zweite Chance, diesmal als Fotografin.

Weekie Watchee Spring, Florida 1947: Eins der bekanntesten Fotos, welches seither häufig verwendet wurde.

Mit ihren Modeaufnahmen von Frauen erregte die Fotografin hohes Aufsehen, denn sie lichtete ihre Damen nicht im sicheren Studio, sondern vorzüglich draussen in der Natur ab. Ihre Unterwasseraufnahmen sind bis heute bekannt und haben kein bisschen an Tiefe verloren.

“Fashion model underwater in dolphin tank, Marineland, Florida”, 1939

Im Laufe der Zeit wurde Frissell zunehmend frustrierter über ihre Arbeit in der Fashion- und Modebranche. Sie sagte:

“I became so frustrated with fashions that I wanted to prove to myself that I could do a real reporting job.”

1941 entschloss sich die erfolgreiche Fotografin, beim amerikanischen Roten Kreuz den Krieg zu dokumentieren und wurde später offizielle Fotografin des Women’s Army Corps. Nicht selten gab es deshalb Spannungen in ihrer Familie, die sie lieber zu Hause gesehen hätte. Frissell aber war es wichtig, Probleme zu zeigen und hielt an ihrer Bestimmung fest.

“Battersea incident, England, January 1945–girl among the ruins, British flag overhead. Corresponds to V2 rocket bombing of Battersea, in London, of 27 January 1945: 17 people killed, 20 houses destroyed, dozens more houses damaged.”

Toni Frissell erklärt Kindern die Funktionen ihrer Kamera. Irgendwo in Europa.


“Members of the 332nd Fighter Group attending a briefing in Ramitelli, Italy, March, 1945.”

Berlin, Oktober 1961

“Rua Medieval em Alfama, Lisboa, Portugal”

Frissell war unter anderem auch als Sportfotografin tätig und portraitierte zusätzlich wichtige Persönlichkeiten.

Pferdezüchter Ambrose Clark, 1953


Liz Taylor, Liza Todd and Mike Todd, 1957


“Michael Todd, half-length portrait, facing front, at the Jones Beach Theater on Long Island”, 1952

Lilli Palmer & Rex Harrison, 1950

Später in den 70er Jahren bekam Toni Frissell Alzheimer und wagte einen bedeutsamen Schritt: Sie spendete ihre gesamte Kollektion ihrer Fotos – ca. 300.000 Stück der Library of Congress, der amerikinischen Nationalbibliothek. Damit eingeschlossen war eine Auswahl ihrer 1.800 besten Fotos. Diese Fotos gehören daher der Public Domain und sind gemeinfrei.

Stellungnahme
Ich persönlich finde es superspannend, immer wieder mal einen Blick “nach hinten” zu richten und zu schauen, welche Fotografen den roten Faden bis zur heutigen Zeit gesponnen haben. Toni Frissell ist sicher eine der FotografInnen, die die Fotografie mit ihren Bildern, aber auch mit ihrer Persönlichkeit geprägt hat – und wir können deshalb auch über ihre Fotos hinaus viel von ihr lernen.

Quellen: Wikipedia (de, en); Library of Congress; Shorpy; arts.jrank.org; Wikimdia Commons