Das Fotografieren von verlassenen Orten ist gerade oder immer noch sehr en vogue. Das verstehe ich auch nur zu gut, geht doch von diesen Orten ein ganz besonderer Reiz aus. Betritt man einen solchen Ort, wird man gefangen genommen von der Atmosphäre, die dort herrscht.

Es ist das Licht, es sind die Gerüche, die für jeden offensichtlich das Besondere an diesen Plätzen ausmachen. Für mich kommt aber noch etwas anderes, weniger Offensichtliches oder Greifbares hinzu.

Normalerweise würde ich von mir sagen, dass ich eher dazu neige, nur Dinge im wahrsten Sinne des Wortes zu begreifen, die man auch sehen, anfassen, riechen oder schmecken kann oder für deren Existenz in anderer glaubhafter Weise ein Beweis angetreten werden kann.

Hier ist es anders. Ich spüre irgendwie etwas, was die vielen Menschen, die an den unterschiedlichen Orten gelebt haben. Als hätte deren Wirken, Lachen oder vielleicht auch ihre Gefühle wie Schmerz, Trauer und Wut etwas hinterlassen, was untrennbar mit diesen Orten verbunden ist. Ihre Wände atmen förmlich spürbar diese gesammelten Erfahrungen der Menschen, die dort einst lebten.

Ich war einmal an einem Ort, einer ehemaligen sehr großen Kaserne, wo ich erst nach langem Durchwandern in einem Keller angelangte, der offensichtlich die Arrestzellen der Anlage beherbergte.

Niedrige Decken, wenig bis gar kein Tageslicht, einfache Holzpritschen, grob gezimmerte dicke Holztüren und die Wände voller eingeritzter Nachrichten derer, die an diesem Ort gezwungenermaßen Zeit zugebracht hatten.

Leider waren diese Inschriften alle in Kyrillisch, so dass ich nicht verstehen konnte, was sie bedeuten. Aber das war auch nicht notwendig, denn die ganze Atmosphäre dort sprach auch ohne Worte ganze Bände.

Oder da war dieses Krankenhaus. Viel war dort nicht mehr zu finden. Aber auch dort war das nicht unbedingt notwendig, um nachzuspüren, dass es sich um einen besonderen Ort handelte. Alte Liegen, die verlassene Kinderstation, OP- oder Seziertische – so etwas wirkt schon im Normalzustand in besonderer Weise auf einen ein.

Oder da war dieses ehemalige Kraftwerk von monströsen Ausmaßen. Es wirkte in seinen Dimensionen fast einschüchternd. Aber auch dort waren die kleinen Dinge zu finden, die daran erinnerten, dass das alles von Menschenhand geschaffen wurde und dass dort einst Menschen täglich zur Arbeit gingen.

Bei den Besuchen dieser Orte geht es mir nicht darum, diese zu dokumentieren und in ihrem Gesamtzusammenhang darzustellen. Mir geht es viel mehr darum, das Besondere dieser Orte, ihre Atmosphäre einzufangen und wiederzugeben.

Mich interessieren oft auch nur bestimmte Details, die man vielleicht auch an jedem anderen Ort finden könnte, die aber genau an diesem in Verbindung mit der Umgebung zu etwas Besonderem werden.

Wenn ich mir so meine gesammelten Bilder verlassener Orte anschaue, dann fällt mir auf, dass es vor allem immer auch wieder Türen, Fenster und Treppen sind, die meine Aufmerksamkeit auf sich lenken. Oft sind es aber auch nur Farben im Zusammenspiel mit Licht und Schatten.

Fotografisch betrachtet sind diese Orte oft eine Herausforderung. In Ermangelung künstlicher Lichtquellen, oftmals aber auch wegen teilweise verschlossener Fenster und Türen ist die Lichtsituation eher schwierig.

Oft sind es Motive mit großem Kontrastumfang, die abgebildet werden sollen. Vielfach komme ich für den Bildeindruck, den ich erzeugen möchte, nicht um Belichtungsreihen herum. Bei der Bearbeitung der Bilder achte ich jedoch darauf, möglichst eine dem normalen Sehen entsprechende Bildwirkung zu erzielen.

Man sieht oft Bilder gerade von verlassenen Orten, die (in meinen Augen) im Übermaß bearbeitet wurden. Mir geht es darum, die Orte möglichst so zu zeigen, wie ich sie tatsächlich gesehen habe.

Vielleicht gelingt es mir ja, mit den Bildern ein bisschen die Atmosphäre dieser Orte zu transportieren und diese Eindrücke zu konservieren, denn viele dieser Orten gibt es heute schon nicht mehr.

Wie sich Städte und urbane Räume abbilden lassen, erforschen Fotografen, seitdem es die Fotografie gibt. Ein selten gesehener Sonderweg ist die Montage ganzer Straßenzüge zu einem Bild. Das Online-Archiv PanoramaStreetline hat sich auf diese linearen Panoramen spezialisiert.

Hinter PanoramaStreetline steckt die simple Idee, Städte anders darzustellen. Gerade in Stadtzentren und historischen Altstädten, wo der Fokus nicht zwangsläufig auf einzelnen herausragenden Bauwerken liegt, drängt sich einem fast zwangsläufig die Frage auf, ob man all die unterschiedlichen Architekturen nicht irgendwie zusammen auf ein Bild bekommt und gleichberechtigt nebeneinander stellen kann.

Von einem Standpunkt aus ist das aus Platzgründen meist unmöglich und klassische Panorama-Fotografie ist dafür zu sehr durch Kurven und Fluchtpunkte geprägt. Es bleibt die Möglichkeit, Architektur von parallel versetzten, wechselnden Blickpunkten zu fotografieren und anschließend zu einer Gesamtansicht zu montieren.

Ich brauchte letztendlich sieben Jahre, um aus dieser Idee etwas Brauchbares zu machen. 2003 in der eng bebauten Leipziger Innenstadt schoss ich die ersten Fassadenserien mit einer Altkamera meines Vaters und einer Art abgeschwächtem Fisheye-Objektiv. Mit den entsprechenden Krümmungen waren sowohl ich als auch mein damaliger PC überfordert.

Sieben fotografiearme Jahre später hatte ich eine bessere Kamera, bessere Hardware und einige Künstlerbeispiele gesehen, die bestätigten, dass solche fotografischen Fassadenaufrisse möglich sind. Zudem war mittlerweile die Idee entstanden, ähnlich wie vergleichbare Panorama-Projekte, ein überregionales Archiv aus linearen Panoramen aufzubauen.

Also fing ich an, allerorts Fotoserien zu schießen und mit Freunden und weiteren Fotografen die Webseite zu entwickeln. Auf der Weltkarte des Projektes sind mittlerweile etwa 1000 dokumentierte Straßen markiert, während lediglich etwa 90 fertiggestellte Straßenpanoramen existieren.

Denn im Gegensatz zu klassischen Panoramen gibt es keine Softwarelösung, die die Bildserien automatisch zum gewünschten Ergebnis verarbeiten könnte. Das macht die Bildbearbeitung gegenüber der Fotografie in unserem Fall zu einem sehr zeitintensiven Faktor.

Dennoch bleibt es entscheidend, die Fotografie gut durchdacht und zügig durchzuführen. Logischerweise würde ein langer Zeitraum während der Dokumentation zu stark schwankenden Lichtverhältnissen führen. Daher ist es ratsam, bei Tagaufnahmen auf ein Stativ zu verzichten.

Für die gewählten Stadtansichten bleibt es natürlich wichtig, den geeigneten Fotografiezeitpunkt zu finden, man bleibt also wie immer von den Wetterbedingungen abhängig. Komplett sonnenbestrahlte Fassaden oder Früh- und Abendlicht machen sich da am besten.

Doch da der Fokus stärker auf der Architektur als auf der Lichtstimmung liegt, kann auch ein bewölkter Himmel funktionieren. Zudem wird das Resultat immer eine Montage und kein einzelnes Foto sein, also muss man sich auch nicht davor scheuen, den Himmel später nachzubearbeiten.

Damit man abschließend die einzelnen Gebäude und deren Linien auch passend zueinander montieren kann, ist es hilfreich, den Abstand zu den Fassaden und die Fotografiehöhe annähernd gleich zu halten, sich also beispielsweise am Bordstein zu orientieren. Außerdem ist es ratsam, die komplette Front in einer Reihe aufrechter Einzelfotos aufzunehmen.

Aufgrund der fehlenden automatischen Montagelösung wäre eine Bearbeitung mehrerer Reihen ein ziemliches Mammutprojekt. In unseren Beispielen wurden bisher maximal einzelne erhöhte Gebäude aus zwei vertikalen Fotos zusammen gesetzt.

Soviel zur Theorie. In der Praxis zeigt sich erst vor Ort, ob eine Straße tatsächlich auf diese Weise fotografierbar ist. Entscheidend ist dabei die Dreidimensionalität vor und hinter der Fassadenebene. Im Vordergrund stören Autos, Bäume, breite Straßenunterbrechungen, Straßenbahnen, Ampelverkehr, Straßenstände und Tunneleinfahrten.

In der Hintergrundebene können nach hinten versetzte Dachaufbauten, Hochhäuser und Bäume hinter flachen Gebäuden die Bearbeitung erschweren oder eine Dokumentation gar unmöglich machen. Andererseits lassen sich Vordergrundobjekte häufig durch geschickt gewählte Winkel in der späteren Montage eliminieren.

Straßenschluchten können, von einem mittigen Standpunkt aus fotografiert, als interessante Blickachse zur Kombination mehrerer Häuserblöcke dienen. Zudem ermöglicht es die Montage sogar, Knicke in der Straßenfront oder Platzbebauungen so zu fotografieren, dass sie wie eine gerade Bebauung wirken. So wird ein Zusammenspiel der Architektur im Bild sichtbar, wie man es vor Ort mitunter nie hätte sehen können.

Womit wir letztendlich bei der eigentlichen Montage landen, die im Kern aus den Schritten Geradestellen der Fotos, Überblenden und Montieren sowie Endbearbeitung mit Himmels- und Vordergrundkorrektur besteht.

Auch wenn die Theorie kurz klingt, die Bildbearbeitung kann je nach Komplexität der dokumentierten Straße das 20- bis 40-fache der Fotografiezeit betragen. Wer sich mit genannten Bearbeitungsschritten nicht auskennt, kann folgende Techniken recherchieren:

Für das Geradestellen von Fotos haben professionelle Bildbearbeitungsprogramme Perspektiv-, Dreh- und Schertools oder Plugins mit entsprechender Funktionalität. Beim Montieren der Fotos miteinander sollte man sich mit der Ebenenbearbeitung auseinandersetzen und wie man mittels Ebenenmasken Bilder überblendet.

Außerdem helfen Hilfslinien bei der Orientierung der an den Gebäuden vorhandenen Waagerechten und Senkrechten. Für die Nachbearbeitung helfen Kenntnisse im Weißabgleich, mit Histogramm-Kurven und mit Kontrasteinstellungen, für die Bearbeitung des Himmels findet man bei einer kurzen Recherche sicher zahllose Tutorials.

Trotz aller Bildfrickelei kann auch die Montage spannend bleiben. So entdeckt man gelegentlich wiederkehrende Personen im selben Bild oder stellt fest, dass die vier Uhren am Stuttgarter Bahnhof in der Montage unterschiedliche Zeiten anzeigen.

Letztendlich soll der Aufwand aber nicht davor abschrecken, es mal zu versuchen. Die Erstellung einer solchen Ansicht gleicht für sich einer kleinen Entdeckung, da man seine Stadt sicher nie zuvor so gesehen hat. Zudem sind wir als Projekt offen für interessierte Fotografen, die lineare Stadtansichten zu unserem Archiv beisteuern wollen.

Eine fotografische Nische wird es sicher bleiben, einerseits wegen der beschriebenen Komplexität, die eine Automatiklösung praktisch unmöglich macht und zum anderen auch, weil sowohl Google als auch Microsoft ihre Straßenblickprojekte ursprünglich in linearer Technik umsetzen wollten, dies dann aber aus technischen Gründen verwarfen.

In der Woche vor Ostern war ich für eine Woche in Rom, um meine Schwester, die dort seit zehn Jahren mit ihrem Partner lebt, zu besuchen. Ausgerüstet mit einer handlichen, unauffälligen EOS-M, der recht neuen spiegellosen Kamera von Canon, hatte ich eigentlich nur vor, moderne Architektur, Museen und einige Galerien in Rom zu fotografieren.

Nachdem ich am ersten Tag das MAXXI von Zaha Hadid fotografiert habe, standen am zweiten Tag das MACRO Museum und die Kirche Dio Padre Misericordioso von Richard Meier auf dem Plan.

Abends erzählte mir meine Schwester beim Essen von Corviale, eigentlich Nuova Corviale, einem gigantischen Wohnblock am Stadtrand von Rom. Corviale wurde von 1975 bis 1982 nach Plänen des Architekten Mario Fiorentino im Südwesten Roms errichtet.

Der Betonblock ist 958 Meter lang und gilt als das längste Hochhaus Europas. Es gilt vielen als der Inbegriff aller Verfehlungen moderner Architektur, als gescheitertes Experiment utopischer Stadtplanung. Ein Problem des Corviale ist seine isolierte Lage weit vor den Toren Roms.

Was den Stadtplanern als optimale Voraussetzung erschien, nämlich quasi auf der grünen Wiese zu bauen, also auf einem historisch und städtisch unvorbelasteten Gelände, erwies sich für die Bewohner eher als Nachteil: Wer hier wohnt, lebt in der Peripherie, am Rande des Geschehens und die vorhandene Infrastruktur bietet nur wenige Verbindungen ins Zentrum.

Aber nicht nur die ferne Metropole ist ein Problem, es erscheint auch fast unmöglich, den Corviale auf eine sinnvolle Weise in das unmittelbare Umfeld zu integrieren. Einsam überragt der Betonklotz die Landschaft, ohne Bindung und Bezug zur Umgebung.

Auf der einen Seite des Gebäudes erstreckt sich ein unübersehbares Meer schnell hochgezogener Durchschnittsbauten, meist wesentlich kleiner dimensioniert, aber ohne klar erkennbare städtische Struktur und wesentlich chaotischer als es die seinerzeit verpönten Altstädte jemals waren.

Corviale ist ein berühmt berüchtigtes Wohnviertel und als recht gefährlich verrufen. Illegale Wohnungen; Mieter, die keine Miete zahlen; Drogenhandel und ein Polizeipräsidium, das keinen wirklichen Schutz bietet, zeichnen Corviale, ironisch auch „Il Palazzo“ genannt, aus.

Auf zehn Geschossen leben offiziell 6.000 Menschen, man kann aber eher von 9.000 bis 10.000 Bewohnern ausgehen. So ist die komplette 4. Etage illegal bewohnt, denn hier sollten eigentlich Geschäfte, Praxen und Büros angesiedelt werden.

Allerdings wurde diese schon vor der Fertigstellung Corviales durch die Mietpreisexplosion in der Innenstadt illegal besetzt. Bei den Römern hat dieser Bau die Spitznamen Il Serpente (die Schlange) und auch Il Mostro (das Monster).

Ganz fertiggestellt war der Corviale auch zum Zeitpunkt der offiziellen Eröffnung 1982 nicht und bis heute finden sich hier und da noch vorläufige und improvisierte Lösungen, während an anderen Stellen schon der Zahn der Zeit nagt.

Der Komplex blieb in den folgenden Jahren weitgehend sich selbst überlassen, mit der fast zwangsläufigen Konsequenz, dass sich eine Grauzone aus Schattenökonomien, Illegalität und Rechtlosigkeit entwickelte.

In den italienischen Medien tauchte der Corviale fast nur noch im Zusammenhang mit organisierter Kriminalität, Drogenhandel und Prostitution auf und es gehört zum Standardrepertoire populistischer Kommunalpolitiker, die Umsiedlung der Bewohner und die Sprengung des gesamten Komplexes zu fordern.

Wir sind also noch am gleichen Abend dahin gefahren. Allerdings war es meiner Schwester zu riskant und sie riet mir davon ab, dort abends mit der Kamera herumzulaufen. Sie kennt eine Bewohnerin in Corviale und hat mir viel Erstaunliches erzählen können.

Am nächsten Tag sind wir vormittags hingefahren. Ausgerüstet mit einem 18-55 mm Objektiv und einem kleinen Blitz habe ich versucht, Corviale zu erfassen.

Und obwohl die Umgebung nicht einladend war, haben wir uns entschlossen, den Bau auch von innen zu erkunden. Da meine Schwester perfekt Römisch spricht, war es auch einfach, die Bewohner anzusprechen.

Es war etwa Mittagszeit und nur wenige Menschen waren anzutreffen. Zunächst haben wir sie angesprochen und gefragt, ob sie dort wohnen. Dann hat meine Schwester sie höflich gefragt, ob ich sie fotografieren darf. Die meisten waren aufgeschlossen und neugierig, eine Frau kam auf uns zu und wollte wissen, ob in Corviale nun was passiert.

Wir erklärten ihr, dass wir Fotos über Architektur am Rande Roms machen. In dieser unheimlichen Kulisse zeigten die Bewohner dennoch Stolz und Würde, auch wenn die Perspektiven in Corviale nicht wirklich aussichtsreich sind. Ein paar jüngere Männer hatten allerdings gar kein Interesse an Fotos, da sie wohl gerade von einem Dealer kamen.

Mir hat besonders gefallen, wie einige Bewohner mit Pflanzen vor der Wohnung etwas Farbe in diesen Block brachten und so etwas Natur ins Haus holen. Dazu muss ich sagen, dass ich in den letzten Monaten viele Landschaftsfotos gemacht habe.

Typisch für meine Fotos ist, dass sie (fast) nie Menschen zeigen. Hier war es anders, ich habe es als erforderlich empfunden, auch die dort lebenden Menschen zu zeigen.

Ich habe erst nach meiner Rückkehr mehr über Corviale gelesen und recherchiert. Mir ist dabei aufgefallen, dass es nicht wirklich viele gute Fotos aus dessen Innenleben gibt. Ich glaube, dass Corviale keine 50 Jahre mehr existieren wird. Sicher ist es ein Lösungsansatz, in großen Gebäuden wie Corviale viele Menschen unterzubringen. Aber für die Bewohner ist Corviale ein Stigma.

Wer in Corviale lebt, ist am Rande der Gesellschaft. Als Sohn eines Einwanderers kann ich das gut nachvollziehen und halte Ghettobildung für fatal. Integration findet dort nicht statt. Darum war es mir ein großes Bedürfnis, an diesem Beispiel zu zeigen, wie brutal diese Architektur am Rande der Stadt ist.

Die Bildbeschreibungen auf meiner Webseite sind sicher nicht objektiv. Aus meiner Sicht gibt es auch keine Objektivität in der Fotografie. Schon die Wahl eines Bildausschnittes ist subjektiv und niemals ist ein Foto die Abbild der Realität, sondern nur ein Blick auf eine bestimmte subjektive Wirklichkeit.



Mein Lieblingszitat, das ich auch als Motto auf meiner Facebook-Seite gepostet habe, stammt von Werner Heisenberg (dt. Physiker, Nobelpreis 1932):

Die Wirklichkeit, von der wir sprechen können, ist nie die Wirklichkeit an sich, sondern eine von uns gestaltete Wirklichkeit.

Das Château Lumière ist ein besonderer und faszinierender Lost Place und dem einen oder anderen in der Urbex-Szene wird dieses kleine Schloss sicherlich bekannt vorkommen, denn besonderes in den letzten sechs Monaten erlangte es größere Bekanntheit.

Château Lumière steht unscheinbar inmitten eines kleinen Dorfes irgendwo in Frankreich. Den genauen Standort kann ich leider nicht verraten, denn zu oft hat in der Vergangenheit das Publizieren von Locations diese innerhalb kurzer Zeit zerstört.

Als wir zur Mittagszeit nach einer gut dreistündigen Fahrt ankamen, herrschte starker Nebel und der Regen hatte sich gerade eine kurze Pause gegönnt. Es war noch so kalt, dass hier und da etwas Schnee vorzufinden war – also selbst das Wetter sorgte für eine spannende und passende Atmosphäre.

Nach einiger Zeit der Suche stellten wir fest, dass der Zugang von hinten über einen angrenzenden Wald, der einen ziemlich steilen Hang mit einschließt, gelingen müsste.

Diesen mussten wir möglichst unbeschadet bezwingen und das inzwischen wieder bei Regen, Nässe und massig nassem Laub. Nicht gerade einfach – aber genau das macht den Kick von Urban Exploration aus.

Es ist manchmal nicht ungefährlich; jeder muss für sich selbst entscheiden, wie weit er gehen möchte und bis wohin er sich selbst noch sicher fühlt. Oft ist es ein Nervenkitzel aus der Kombination von Spannung und auch Gefahr.

Am Schloss angekommen, erwartete uns ein völlig verwilderter Garten mit spärlich zu erkennenden Trampelpfaden, die andere Fotografen und Entdecker hinterlassen haben. Der erste Weg führte uns so an die Hintertür, diese war aber verschlossen.

Doch dann – man mag es kaum glauben – die Haupteingangstür auf der Vorderseite des Schlosses stand einfach offen und so konnten wir ohne weitere Probleme das Schloss betreten.

Das Schloss beeindruckt im Inneren durch tolle Räumlichkeiten, allein der lichtdurchflutete Flur ist schon ein Highlight: Aufwändige Verzierungen, durchaus noch vorhandene Einrichtung, eine spannende Lichtsituation und der fehlende Vandalismus (und das obwohl die Tür offen steht) – das alles macht die Location zu einem der besten Lost Places, die ich dieses Jahr besucht habe und rechtfertigte die längere Anfahrt voll und ganz.

Nun noch kurz etwas zur Geschichte: Laut mehr oder weniger verlässlichen Quellen wurde das Schloss in den 1930er Jahren von einer wohlhabenden Familie, die im Tabakanbau tätig war, erbaut.

Diese lebte bis in die 1970er Jahre in eben diesem Schloss, danach war es bis zur Schließung in städtischem Besitz. Unter anderem soll es angeblich für einige Zeit als Bibliothek genutzt worden sein, was ich jedoch für fragwürdig halte, denn nichts oder nur wenig des aktuellen Erscheinungsbildes spricht für die Nutzung als Bibliothek.

Das Schloss steht wohl seit Ende der 1980er Jahre leer und wartet nun bisher vergeblich auf eine erneute Nutzung, was – wie immer – sehr schade ist.

Als Gegengewicht zu meiner Tätigkeit als Landschaftsfotograf bereise ich mehrmals im Jahr Großstädte, um auf Motivjagd zu gehen. Architekturfotografie hat überraschend viele Parallelen zur Landschaftsfotografie. Es dreht sich ebenso alles um die Lichtverhältnisse und die Bildkomposition. Der größte Unterschied ist das Kunstlicht, was die Dämmerung zur idealen Zeit für Städtebilder macht.

Planung und Umsetzung von Motiven

Das wundervolle an meinem Beruf ist die Freiheit, meine Reiseziele selbst definieren zu können. Nicht nur einmal sah ich in einer Werbung oder auf einer Webseite ein Foto, welches mich so faszinierte, dass ich kurz darauf diesen Ort besuchen musste. Städte wie Paris, Rom oder Berlin sind voll von herausragender Architektur und die Fülle von Motiven lassen mich immer wieder in diese Metropolen zurückkehren.

Es muss aber nicht immer ein mehrtägiger Trip sein. Auf dem Weg von Wien nach Norwegen zum Beispiel liegt Prag, Dresden, Hamburg und Kopenhagen. So nutze ich die Abend- und Morgendämmerung, um das eine oder andere Bild zu knipsen, ohne mich in Unkosten durch Flug und Hotel zu stürzen.

Sternwarte Urania am Donaukanal, Wien.

Ich lebe nur eine halbe Stunde von der österreichischen Metropole entfernt. So kann ich jederzeit meinen Durst nach Architekturfotografie stillen.

Wenn ich eine Stadt mit dem Fokus Fotografie bereise, sind es meistens drei oder vier Nächte, die ich vor Ort verbringe. Nachdem ich mittels Recherche bei Bildagenturen oder lokalen Fotografen die geplanten Motive in den Stadtplan eingezeichnet habe, suche ich mir ein Hotel mit möglichst optimaler Lage. Die Entscheidung, welches Motiv ich wann umsetzte, treffe ich immer erst spontan je nach Witterungsbedingungen.

Die Ausrichtung des Motivs ist entscheidend. Sind ein paar Wolken am Himmel, kann Gegenlicht für einzigartige Stimmungen sorgen. Ist es strahlendblau, wähle ich Motive quer zur Sonne. Ist es bedeckt, bleibt nur die Blaue Stunde als nutzbare Zeit.

Das größte Stahlwerk Österreichs steht nie still. Gespenstisch war die Stille zum Zeitpunkt der Aufnahme. Echte Nachtaufnahmen mache ich sehr selten, mir sind die Kontraste zu hoch und ich bin kein Fan von HDR-Software. Dieses Bild wurde aus drei Einzelbelichtungen manuell in Photoshop überblendet. Arbeit, die ich mir gern spare.

Technischer und inhaltlicher Anspruch

Licht ist wie in jedem Bereich der Fotografie der wichtigste Faktor, ein Bild als herausragend zu markieren. Ich bin bezüglich der Qualität des Lichts zu keinen Kompromissen bereit und packe die Kamera nur aus, wenn ich überzeugt bin, dass es sich lohnt.

Anspruchsvoll zu sein ist anstrengend, zumal ich nicht wie übliche Touristen gemütlich nach dem Frühstück losziehe. Vor der Morgendämmerung geht es los, im Frühsommer läutet der Wecker nicht lange nach vier und am Abend komme ich selten vor halb elf ins Hotel zurück.

Mit über zehn Kilogramm Ausrüstung mehrere Tage hintereinander viele Kilometer auf Asphalt zu marschieren, ist auch nicht zu unterschätzen. In Zeiten, in denen jeder Zweite mit einer Spiegelreflexkamera durch die Gegend läuft und täglich Milliarden neuer Bilder entstehen, muss man sich die Latte hoch anlegen, um Erfolg zu haben.

Anders gesagt: Die Bilder müssen besonders gut sein, um sich von der Masse abzuheben. Es folgen fünf Tipps zur Bildgestaltung.

1. Getrennte Linien

Was haben annähernd alle guten Bilder gemeinsam? Ich behaupte, einen einfachen und starken Bildaufbau. Es heißt nicht umsonst „Großstadtdschungel“. Ordnung in die Komposition zu bringen, ist die Herausforderung, die es in der Städtefotografie anzunehmen gilt. In meinen Bildern versuche ich, dem Betrachter einen Weg vorzugeben, dem sein Auge folgen kann.

Wenn zu viel Information im Bild ist, erschwere ich es dem Betrachter, diesem Weg zu folgen. Deshalb ist ein klarer Bildaufbau von größter Bedeutung. Linien und Flächen, die dominanten Formen in der Architekturfotografie, lassen sich am deutlichsten abbilden, wenn darauf geachtet wird, dass sie sich nur an geeigneten Stellen berühren. Je weniger Berührungen, desto klarer die Bildsprache.

Olympia Hafen von Barcelona in der Morgendämmerung. Es war mir wichtig, dass sich die Palmen und Wolkenkratzer nur wenig „berühren“, um die Bildsprache so klar wie möglich zu halten.

2. Blaue Stunde – Mischlicht ist nicht gleich Mischlicht

Die viel zitierte Blaue Stunde ist leider in den seltensten Fällen eine Stunde. In Abhängigkeit vom Breitengrad und der Jahreszeit bewegt sich die Sonne in einem steilen oder flachen Winkel zum Horizont. Je flacher der Winkel, desto länger die Dämmerung und desto länger die Blaue Stunde.

Zwei Extreme als Beispiel: In Stockholm Anfang Juli sehen Abend- und Morgendämmerung nahtlos ineinander über. Drei Stunden Mischlicht sind das Ergebnis. In Singapur nahe dem Äquator fällt die Sonne wie ein Stein vom Himmel, kaum zehn Minuten gutes Licht ermöglichen nur ein paar Aufnahmen pro Tag.

Mischlicht geht immer! Auch ein grauer Tag ohne spektakuläre Lichtverhältnisse endet mit ein paar Minuten gutem Licht.

Das Licht hat nach Sonnenuntergang bei heraufziehender Nacht ähnliche Qualitätskriterien wie bei Sonnenschein. Quer zur Sonne lässt sich der Himmel mit einem Polfilter abdunkeln, auch nachdem die Sonne verschwunden ist.

Diese Tatsache nutze ich gern, um das magische, blaue Licht schon früher zu nutzen. Gegenlicht ist denkbar ungeeignet, da die Gebäudefronten kein Tageslicht mehr abbekommen, auch wenn der Himmel noch hell genug wäre. Zu hohe Kontraste sind die Folge.

Dank des Polfilters konnte ich den Himmel so weit abdunkeln, dass eine Mischlicht-Aufnahme schon kurz vor der Dämmerung möglich war.

3. Lange Brennweite

Ein Teleobjektiv ermöglicht uns zwei Gestaltungstricks: Das Freistellen (Isolieren) von Details und das Verdichten der Perspektive. Bei Brennweiten ab 100mm und besonders auffällig über 200mm erscheint ein Motiv mit Tiefe für das menschliche Auge komprimiert oder verdichtet.

Wir Menschen sehen immer mit derselben Brennweite, deswegen sind Aufnahmen mit Weitwinkel- oder Teleobjektiven auch besonders dynamisch. Vielleicht verwöhnt uns die Evolution in den nächsten tausend Jahren mit zoom-fähigen Augen, bis dahin erfreuen wir uns an spannenden Bildern mit langen Brennweiten als etwas Außergewöhnliches.

Details wie Muster isoliere ich mit einer langen Brennweite. Immer wieder halte ich auf der Motivsuche inne und versuche, bewusst interessante Details zu finden, da sie allzu leicht übersehen werden.

Westminster Palace aus 1,5 km Entfernung mit 300mm fotografiert. Die lange Brennweite lässt die hintereinander angereihten Bildelemente Bäume, Brücke, Riesenrad und Palace optisch zusammenrücken.

4. Rahmen

Ein gut gewählter Rahmen kann die inhaltliche Qualität eines Bildes erhöhen. Meistens erfüllt der Rahmen die Funktion des Vordergrunds, gleichzeitig gibt er dem Bild Tiefe und eine Dimension. Das Resultat ist ein weit dynamischer anmutendes Bild, als es ohne Rahmen wäre.

Nach der Regel der getrennten Linien eignet sich alles Mögliche als Rahmen, ob Bäume, Wolken, ein Tor, Säulen oder eine Brücke. Ich nutze nicht nur jede Gelegenheit, ein Motiv durch Rahmung zu optimieren, ich halte aktiv danach Ausschau.

Die Stadt der Wissenschaft und Künste im spanischen Valencia ist eine perfekte Kulisse, um moderne Architektur zu fotografieren. Flache Wasserbecken zwängen einem bei Windstille Spiegelungen geradezu auf. Die Brücke setzte ich in diesem Beispiel als Rahmen ein.

5. Bewegte Bildinhalte

Selbstleuchtende und bewegte Bildteile sind ideal, um sie als Teil der Komposition zu verwenden. Autos und Züge erfüllen das in jeder Hinsicht, nicht zu vergessen Schiffe. Beim Fotografieren im Mischlicht ergibt sich ein Zeitfenster, in dem die Scheinwerfer von Autos oder Zügen die optimale Helligkeit haben.

Da sie ähnlich hell wie Laternen oder beleuchtete Fenster sind, ergeben sich daraus keine speziellen Anforderungen an die Belichtung. Die Dauer der Belichtung ist ausschlaggebend für das Endergebnis. Experimentiert mit Belichtungszeiten von wenigen Sekunden bis zu mehreren Minuten!

Eines der meistfotografierten Motive in Venedig. Was soll’s?! Ich will es mit eigenen Augen sehen und die Erinnerung mit nach Hause nehmen. Tendenziell versuche ich, stark besuchte Sehenswürdigkeiten in der Morgendämmerung zu fotografieren. In diesem Fall unmöglich, da weder die Kirche im Hintergrund beleuchtet gewesen wäre, noch hätte ich die Boote einbauen können.

Der Kamerastandpunkt liegt auf einer hölzernen Brücke, die den Canal Grande überspannt. Da die Brücke mit jedem Fußgänger leicht schwankte, bestand die Herausforderung darin, einen Moment ohne Fußgänger abzuwarten. Kein leichtes Unterfangen in der Stadt mit den meisten Touristen weltweit! Ich positionierte mich direkt über einem Pfeiler, um die Vibrationen zu minimieren und schaffte es tatsächlich, ein scharfes Bild zu produzieren.

Weit mehr Tipps und Tricks für spannende Bildkompositionen findet Ihr in meinem eBook CITYSCAPES zu diesem Thema.

Am liebsten fotografiere ich Architektur in jeglicher Form. Und so kam es, dass ich das Foto einer Treppe sah, die sich geformt wie eine Glühlampe nach oben schraubte. Das wollte ich auch. Die Recherche nach dem Fundort ergab, dass sie sich in Prag befindet. Fortan suchte ich nach weiteren Fotozielen in Prag und fand eine ganze Menge. Futuristische Fahrstuhlschächte, schwedische Treppen und tanzende Häuser. Schnell wurde klar: Da muss ich hin!

Der Plan

Zuerst machte ich mich per Flickr und Google auf Locationsuche. In Ermangelung eines internetfähigen Telefons musste ich tatsächlich auf einen Oldschool-Stadtplan zurückgreifen, in dem ich erst einmal jedes in Frage kommende Motiv verzeichnete. Da man als Schüler praktisch immer knapp bei Kasse ist, hielt ich drei Tage mit Übernachtung im günstigen A&O-Hotel für angemessen.

Außerdem wollte ich die meiste Zeit unterwegs in der Stadt sein, es würde also relativ egal sein, wo ich nächtigte. Um einmal vorzugreifen: Tatsächlich reichten die drei Tage perfekt aus. Für die Hin- und Rückfahrt buchte ich den sehr praktischen Bus, der jeden Tag für nur 16 Euro vom Dresdener Hauptbahnhof nach Prag fährt.

Auch um die Fotos machte ich mir im Vorfeld erste Gedanken, um bereits beim Fotografieren auf das Endergebnis hinarbeiten zu können. Es sollte also hauptsächlich um interessante Architektur gehen. Diese wollte ich relativ schlicht und clean, mit möglichst wenigen störenden Elementen und ohne stürzende Linien darstellen.

Weitere Überlegungen betrafen die mitzuführende Fototechnik. Ich nahm mit: Die Canon EOS 550D. Allen mir innewohnenden Vollformat-Träumen zum Trotz leistet sie doch durchaus gute Dienste. Dazu ein 10 – 20 mm Weitwinkelobjektiv von Sigma für die Acrhitekturaufnahmen.

Das ist zwar nicht das schärfste Objektiv, das man haben kann, aber ich bekam es einst günstig und fokussiert man manuell, sollten die Schärfeprobleme zu minimieren sein. Als Stativ kam ein handliches Cullman Nanomax 260 zum Einsatz. Außerdem packte ich einen Graufilter der Stärke ND1000 der Firma Haida ein.

Und dann ging es Ende Juli 2012 zusammen mit meiner Freundin auf nach Prag.

Ort der Aufnahme

Die Reise – Tag 1

7 Uhr, der Bus mit der Aufschrift „Dresden – Prag“ setzte sich in Bewegung, verließ die Stadt, dann das Land. Tschechien begrüßte uns mit Nebelschwaden über der Elbe, alle zückten ihre iPhones. Mehrmals wäre ich am liebsten ausgestiegen, um die Landschaft zu fotografieren. Aber viel lieber wollte ich jetzt Prag sehen.

Die Fahrt dauert auch gar nicht lang, sodass wir nach etwas über einer Stunde auch schon ankamen. Der Bahnhof Holešovice sah zunächst nicht allzu vielversprechend aus, was die Schönheit Prags betrifft, doch führte uns die U-Bahn ganz schnell in attraktivere Gebiete der Stadt. Über den Wenzelsplatz ging es in die Staré Město, die Altstadt.

Wir verbrachten eine Weile in der U-Bahn-Station Staroměstská und warteten auf einen Moment, in dem keine Menschen vorbeilaufen würden. Ein geschäftiger Ort ist es allemal, aber es gelang mir, in dem kurzen Zeitfenster den Auslöser zu drücken und vier Sekunden zu belichten.

In der Nachbearbeitung hellte ich auf, entfernte störende Elemente und spiegelte das Bild in der Mitte, um die perfekte Symmetrie zu erreichen. Außerdem zog ich die Färbung der Lichter ein wenig ins Blaue.



Ort der Aufnahme

Das Einchecken im Hotel war erst später möglich, also besuchten wir noch ein Fotoziel, auf das ich mich sehr freute – den Turm des Altstädter Rathauses. Für 20 Kronen ging es nach oben zur hübschen Aussicht, doch noch besser fand ich das Innere des Turms, in dem sich ein verrückter Fahrstuhlschacht befindet. Das Ding ist halt schief gebaut, was sich auch auf dem Foto widerspiegelt, dennoch wirkt es ziemlich gut.

An dem Foto verfremdete ich im Nachhinein nicht viel, um den historischen Charakter der Gemäuer im Gegensatz zum modernen Fahrstuhl zu erhalten. Lustig übrigens, wie viele Leute plötzlich auch fotografieren, sobald man dort mit Stativ rumsteht und die richtige Perspektive sucht.

Auf dem Turm herrschte ein ziemliches Gedränge, schön war es trotzdem. Diese Aussicht würde mich mal im Winter reizen, mit Schnee auf den Dächern und rauchenden Schornsteinen.

Ort der Aufnahme

Angekommen im Bezirk Střížkov suchten wir erst einmal zwei Stunden lang unser Hotel. Ein blauer Plattenbau, auf dem der Schriftzug „A&O-Hotel“ prangen sollte. Schlecht nur, dass alle anderen Gebäude auch Plattenbauten und oftmals sogar blau waren.

Noch dazu kam unser Mangel an mobilem Internet und auch die Einwohner hatten leider keine Ahnung, wo das Teil steht. Auf dem Stadtplan war Střížkov nicht mehr verzeichnet.

Wir sponnen Verschwörungstheorien, man hätte uns abgezockt, wir müssten im Bahnhof schlafen und so weiter, als es schließlich – nach aller verlorenen Hoffnung – doch noch vor uns auftauchte.

Eigentlich wollten wir längst wieder im Stadtzentrum sein, um die blaue Stunde aufzunehmen, doch die verging zu dem Zeitpunkt schon. Also checkten wir ein und gingen schlafen, um am nächsten Morgen zu schauen, was Prag im Sonnenaufgang so zu bieten hat.

Tag 2

4 Uhr, der Wecker klingelte. Ja, um 4 Uhr. Aber wir waren ja nicht zum Entspannen hier oder was man sonst so im Urlaub macht. An die Moldau sollte es gehen, auf die allseits bekannte Karlsbrücke.

Die war überraschend bevölkert von anderen Fotografen, Betrunkenen und zwei amerikanischen Jungs, die uns ihre Deutschkenntnisse vorführten. Nur der erhoffte Nebel blieb aus. Immerhin kam es noch zu diesem silhouettenhaften Foto der Altstädter Turmlandschaft.

Ort der Aufnahme

Danach ging es im besten Morgenlicht zum nächsten großen Ziel – dem Dancing House. Erbaut nach Plänen von Frank Gehry und Vlado Milunić steht es irgendwie unpassend und doch ästhetisch zwischen den Altbauten. Ich bediente mich eines Graufilters, um den regen Verkehr auf der Straße unsichtbar zu machen.

Das gelang nicht völlig, aber ich mag die leichten Spuren, die übrig blieben. Ansonsten hellte ich auch hier auf und entfernte die doch sehr störend wirkenden Bahnleitungen. Vor allem hatte ich einfach nur Glück mit dem Licht.

Ort der Aufnahme

Nach dem Frühstück (und dem Mittagsschlaf) ging es endlich zur Glühlampen-Treppe im „Haus zur Schwarzen Madonna“. Ein Gebäude im kubistischen Stil, mit einem Museum, einem Cafe, in dem einst Kafka gastierte und natürlich dieser originell geformten Treppe. Ein tolles Teil. Von unten übrigens wesentlich besser zu fotografieren als von oben.

Man kann sich stundenlang dort aufhalten und die Perspektiven ausprobieren. Nach etwa 40 Minuten fand ich dann sogar eine, mit der ich ziemlich zufrieden war. In der Nachbearbeitung geschah nicht viel, lediglich den Beschnitt und die Kontraste passte ich an.

Ort der Aufnahme

Ein ebenfalls wichtiges Ziel war ein Aussichtspunkt auf einer Erhöhung im Stadtteil Holešovice. Auf dem Weg dahin fotografierte ich noch die U-Bahn-Station Hraděanská im Abendlicht, das einen schönen Kontrast zum blauen Glasdach darstellte.

Auch dieses Foto spiegelte ich der Symmetrie zuliebe in der Mitte. Außerdem sah die linke Seite einfach unschön aus. Weiterhin verstärkte ich die Farben und wählte den quadratischen Beschnitt.

Ort der Aufnahme

Nach einigem Suchen im fortschreitenden Sonnenuntergang erreichten wir endlich den Aussichtspunkt, den wir sogar ganz für uns hatten. Hatte ich anders vermutet. Jedenfalls sah das alles super aus von dort oben und ich machte mich ans Fotografieren. Es kam ein altes M42-Objektiv mit 50mm Brennweite zum Einsatz, das ich per Adapter an die Canon schraubte.

Wirkt, wie ich finde, sehr gut bei Nachtaufnahmen. In der Nachbearbeitung reduzierte ich die Intensität der Gelbtöne, hob das Blau hervor und färbte es gleichzeitig etwas metallischer.

Ort der Aufnahme

Dann schauten wir noch beim nunmehr nächtlich angestrahlten Dancing House vorbei, bevor wir schließlich schlafen gingen und ich bemerkte: „Oh, ich hab’ ja Fieber!“.

Tag 3

10 Uhr – keine Anzeichen einer Krankheit mehr vorhanden. Die Pizza in der Nacht hatte offenbar heilende Kräfte, also konnten wir die zwei verbleibenden Ziele doch noch abgrasen.

Erst einmal aus dem Hotel ausgecheckt, dann fuhren wir zur schwedischen Botschaft, wo sich eine schöne Treppe verbirgt. Leider konnten wir weder Schwedisch noch Tschechisch, was uns keine gute Ausgangssituation bot, als es galt, die Sekretärinnen von unserem Vorhaben zu überzeugen.

Die Treppe befindet sich nämlich in dem Teil des Gebäudes, in dem die Diplomaten wohnen, sodass man dort offenkundig nicht einfach mal so reinspazieren kann. Glücklicherweise sind wir aber total sympathisch und die First Secretary gewährte uns den Eintritt.

Ort der Aufnahme

Nun blieb nur noch die Narodni Technicka Knihovna, die Technische Nationalbibliothek, übrig. Ein recht großer, moderner Bau, in seiner Umgebung irgendwie unwirklich und deplatziert wirkend, doch gerade das fand ich reizvoll.

Das Wetter war mittlerweile nicht mehr so toll, ein Foto fand ich dann jedoch trotzdem ganz gut. Ich nutzte den Graufilter, nur sieht man das leider kaum, da große Wolkenbewegungen leider ausblieben. Ansonsten hellte ich vor allem den unteren Bereich auf.

Ort der Aufnahme

Wenige Stunden später fuhr der Bus. Es regnete nun sogar, wie das an letzten Urlaubstagen halt das Klischee ist und am Abend hatte Dresden uns mit drückenden Füßen, schmerzenden Schultern und vollen Speicherkarten wieder.

Fazit

Allgemein ausgedrückt: Prag ist super! Selbst ohne Fokus auf Architekturfotografie und meinen Location-Plan hätte ich mir dort die Speicherkarten vollpacken können, denn es steckt an jeder Ecke irgendein Motiv.

Die unzähligen schönen Altbauten, Details in den Gassen und Straßen und vor allem gibt es etliche Möglichkeiten für die Streetfotografie, die ja auch sehr interessant ist. Aber das mache ich dann beim nächsten Mal.

Was dem Fotograf in Prag wohl am meisten zugute kommt, ist die U-Bahn. Mit ihr kommt man von den Randbezirken innerhalb von maximal 15 Minuten ins Stadtzentrum. Zudem verkehren die Züge aller drei Minuten, sodass ein etwaiges Verpassen nicht wirklich schlimm ist.

Das hat mich als Bewohner einer Stadt ohne U-Bahn, in der jedes knappe Verpassen der Bahn mit mindestens zehnminütigem Warten gestraft wird, wirklich begeistert.

Prinzipiell ist Prag jedem zu empfehlen, nicht nur uns fotografisch Interessierten. Bisher besuchte ich noch nicht allzu viele Städte. Doch auch, wenn sich das vermutlich ändern wird, bleit Prag wohl immer eine der schönsten.

Hallo Josef. Schön, dass ich Dich für ein Interview gewinnen konnte. Erzählst Du uns ein bisschen was über Dich und wie Du zur Fotografie gekommen bist?

Ich habe, nachdem ich mich entschlossen hatte, mich der Fotografie zu widmen, an der Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Bernhard Becher und später auch bei Prof. Thomas Ruff studiert.

Mein Entschluss, mich der Fotografie zu widmen, kam relativ spät. Ich war zwar schon immer an Kunst interessiert, aber mir fehlte das passende Medium; erst, als ich mit Anfang 20 mit Fotografie in Berührung kam, stand meine Entscheidung fest, Kunst zu studieren.

Zu dieser Zeit gab es relativ wenige künstlerisch ausgerichtete Fotostudiengänge, mit der Wahl der Kunstakademie war ich aber sehr zufrieden. In der ersten Zeit habe ich relativ viel schwarzweiß fotografiert, aber im Laufe der Zeit hat sich mein Interesse zugunsten der Farbe verlagert.

Ein Blick in Deine Vita vermittelt den Eindruck, dass Dein Weg in die Kunstwelt seitdem recht gerade verlief. Ist das so und wenn ja, inwieweit hat Dir da das Studium an der Kunstakademie geholfen?

Ich bin mit der Situation, weltweit ausstellen zu dürfen, sehr zufrieden. Die künstlerische Tätigkeit impliziert schließlich auch das Zeigen dieser Arbeit.

Jede Ausbildungsstätte wird aufmerksam beobachtet, dies zeigen ja auch die Besuchszahlen bei den Tagen der offenen Ateliers in den Hochschulen, aber ich glaube, dass es eine Wellenform bei der Präsenz einer Hochschule gibt, aktuell werden, glaube ich, eher andere Hochschulen in Deutschland fokussiert.

Diese erhöhte Aufmerksamkeit hat meiner Meinung nach mit der aktuellen Qualität der Arbeiten einer Hochschule zu tun, dies zieht in Folge weitere gute Studenten an, die sich gegenseitig im besten Sinne „anspornen“ bei dieser hohen Qualität zu bleiben.

Irgendwann erreicht diese Entwicklung aber einen Einbruch, meist durch Wegfall eines Professors oder einer Professorin. Bis ein Nachfolger diese Arbeit aufnehmen kann, vergeht im Hochschulalltag meist zu viel Zeit. In der Zwischenzeit bilden sich dann Zentren an anderen Hochschulen.

Ich war in einer solchen Zeit des Aufbruchs gerade an der Akademie; dies hilft sehr, seine eigene Arbeit zu präzisieren. Gleichzeitig muss aber die Arbeit auch in einem zeitgenössischen Kontext stehen.

Das sind ziemlich gute Beobachtungen und Erkenntnisse. Josef, Deine Bilder haben eine starke Raumwirkung. Gerade bei Deiner Arbeit „terraform“ fasziniert, dass es eigentlich keine offensichtlichen Maßstabsindikatoren im Bild gibt und doch klar ist, dass es sich hier um kolossale Gebilde handelt. Was ist der Grund dafür, dass Du keine Menschen abbildest?

Das ist eine spannende Frage, die uns direkt zu den Möglichkeiten der Fotografie bringt und zu unserer Interpretation dieser Bilder.

Wir sehen seit jeher die Fotografie als Abbildung unserer Realität, als Dokument. Diese Funktion der Fotografie ist für mich Ausgangspunkt für einige Serien; mit einigen wenigen Fragen an die Fotografie selbst.

Was passiert denn, wenn wir dem Bild den Maßstab, die Relationen entziehen?

Können wir immer noch dieses Bild lesen oder verwirrt es uns eher? Ich bin selbst immer wieder erstaunt, wie wenig man einem Bild entziehen muss bzw. verändern kann, um eine gänzlich neue Aussage zu erhalten.

Schon unserer täglicher Umgang mit Fotografie zeigt dies, ein Retrobild mit der Hipstamatic App kann jeder von uns als solches wahrnehmen, nur wenige lassen sich vom vermeintlichen Charme des Vergangenen täuschen.

Mir geht es bei meinen Arbeiten auch um die Untersuchung, wo man die Grenze der Fotografie zieht.

Für mich ist die Fotografie eher auch als bildgebendes und weniger als abbildendes Verfahren wichtig. Als Endprodukt sollte dann ein möglichst faszinierendes Bild stehen.

Die Fokussierung auf Fotografien ohne Menschen hat mit der Tatsache zu tun, dass sobald Menschen auf den Bildern auftauchen, sich der Fokus unserer Betrachtung auf den Menschen richtet.

Ich bin eher an unserer Umgebung interessiert, an den Spuren, die wir hinterlassen.

Reist Du viel?

Das ist unterschiedlich, es gibt Jahre, da bin ich, abhängig vom Projekt, sehr oft unterwegs. „Übergang“ war das reiseintensivste davon, ich komme damit fast an 50.000 km plus Flüge, aufgeteilt in etwa einwöchige Trips.

Für „poststructure“ war ich länger am Stück unterwegs; sieben Wochen quer durch die USA. Es war ein sehr schöner Einblick in die Regionen abseits der Großstädte.

Meine Hauptarbeit findet aber im Atelier statt, dort verbringe ich die meiste Zeit, viel Laborarbeit und natürlich Bildverarbeitung. Geschätzt nimmt die Fotografie allein vielleicht 20-30 % der Zeit in Anspruch.

Welche Aufnahmetechnik(en) nutzt Du und wie verarbeitest Du das Bildmaterial anschließend weiter?

Seit vielen Jahren ist das Großformat mein Standard, ich fotografiere meist auf 4×5 Inch, mit einer Arca Swiss, viel seltener mit einer 8×10 Inch.

Bis vor Kurzem habe ich häufig auf Negativmaterial fotografiert, Prints auf 30×40 cm oder größer angefertigt, diese dann eingescannt und digital bearbeitet.

Der letzte Schritt ist dann die Ausbelichtung auf Fotopapier. Manchmal habe ich aber auch direkt Dias eingescannt.

Dieses Verfahren habe ich auch gewählt, um eine Art malerischer Qualität zu erreichen, das fotografische Korn wird gebrochen und es verbleiben reine Farbflächen.

Ich mag diese Art von stiller Auseinandersetzung mit dem Motiv über die Mattscheibe einer Großformat-Kamera und würde es sehr vermissen.

Inzwischen wird dieser analoge Ansatz relativ schwierig, meine favorisierten Filme sind entweder nicht mehr da oder haben ihre Eigenschaften verändert, mein Lieblingsfotopapier gibt es nicht mehr.

Für die Zukunft schließe ich nichts mehr aus, mein aktuell letzter Kauf war eine Nikon D800E, die ich vom Chip her überragend finde.

Für meine langsame Arbeitsweise ist sie hervorragend geeignet, aktuell ist aber die Frage sehr akut, welche Objektive überhaupt in der Lage sind, dieses Potential abzurufen. Für Tipps bin ich dankbar, auch Mittelformat-Varianten sind willkommen.

Für die Zukunft könnte ich mir eine variable Strategie vorstellen, die auch noch die analoge Welt mit einschließt.

Du verkaufst Deine Kunstwerke ja in Editionen. Wie ist Dein Standpunkt zur Limitierung von Bildern? Beziehst Du die Limitierung generell auf das Motiv oder nur auf eine bestimmte Abzugsgröße?

Als Fotograf bzw. Fotokünstler muss man sich grundsätzlich die Frage stellen: Wie kann ich sicherstellen, dass ich diese Arbeit langfristig durchführen kann? Für mich hat sich das Modell Galerie plus Fotokünstler angeboten.

Die Limitierung einer Arbeit finde ich grundsätzlich okay, sie sichert den Wert der Arbeit ab, die nachträgliche Erweiterung einer Edition würde den Wert einer Arbeit verwässern und das Vertrauen des Sammlers in den Künstler schmälern.

Bei meinen Arbeiten gibt es normalerweise pro Arbeit eine Edition von sechs in einer einzigen Größe, mit Ausnahmen: Bei „übergang“ gibt es nur einige Arbeiten in großer Größe, die komplette Serie ist in einer kleineren Größe (Auflage zwölf) erhältlich. Bei „terraform“ gibt es zwei Größen, bis zu einer Gesamtauflage von sechs.

Du arbeitest sehr konzeptuell. Wie entwickelst Du ein Thema? Was inspiriert Dich zu einer neuen Serie und welche Rolle spielen dabei Deine bisherigen Arbeiten?

Ich versuche, vor Beginn einer Serie ein Grundgerüst festzulegen ‒ dies kann thematisch, aber auch visuell sein ‒ und teste dann mit ein bis zwei Motiven vorab, ob meine Idee funktioniert.

Bei der jeweiligen Serie versuche ich dann die Orte vorab zu bestimmen, an denen ich entsprechende Motive finden könnte.

Es kann aber auch der Zufall sein, indem ich eine Fotoreise unternehme und vor Ort schaue, ob ich entsprechendes Material finde.

In der Phase der Nachbearbeitung verändert sich das Konzept meist noch relativ stark.

Die Inspiration ist eine zentrale künstlerische Frage, jeder hat da sicherlich eine andere Strategie.

Ich sammele häufig Ideen auf Reisen oder in Zeiten, zu denen ich nicht in einem Projekt stecke. Es ist eher selten, dass mir Neues beim konzentrierten Arbeiten an einer Serie einfällt.

Ich versuche nicht, meine bisherigen Serien in einer zukünftigen Arbeit zu spiegeln, aber mir ist bewusst, dass ich eine Arbeits- und Sichtweise entwickelt habe, die sich durch meine Fotografien durchzieht.

Als ein von außen Draufschauender kann ich das absolut bestätigen. Josef, zum Abschluss unseres Interviews hätte ich von Dir gern noch gewusst, was Schönheit für Dich ist und wie wichtig sie für Deine Arbeit ist.

Ich bin mir nicht sicher, ob ich schon einmal ein Foto mit dem Begriff „Schönheit“ in Verbindung gebracht habe und wenn ja, dann würde es eher dem Motiv selbst gelten.

Eine künstlerische Arbeit sollte neben der ästhetischen Ebene die inhaltliche nicht vergessen. Visuell suche ich die Herausforderung, mit minimalen Mitteln ein spannendes Bild zu schaffen.

Das Streben nach einem idealem Bild bleibt aber glücklicherweise unerreicht, ansonsten müssten wir unsere künstlerischen und gestalterischen Bemühungen einstellen.

Josef, ich danke Dir für dieses Interview und bin gespannt auf Deine zukünftigen Projekte.

~

Wer mehr von Josefs bisherigen Arbeiten sehen möchte, sei an dieser Stelle eingeladen, sich seine Webseite anzuschauen.

Nick konstruiert dabei in seinen Bildern sehr genau eine eigene und abstrakte Realität, er arbeitet mit dem Gegebenen – sehr oft mit Ausschnitten aus Gebäuden und Architektur – und setzt sie nach seinen genauen Vorstellungen in Szene.

„Ich dokumentiere nicht, viel mehr geht es mir um Interpretation durch Reduktion. Eine andere Realität, in der Konstruktion, Statik, Masse und Dreidimensionalität keine Rolle mehr spielen. Meine Ausschnitte brechen den Raum auf und lassen neue bildliche Orte entstehen. Prinzipiell arbeite ich als Fotograf und Bildbearbeiter genauso wie ich es in meinem eigentlichen Beruf als Art Director machen würde, ich reduziere so lange, bis das eigentliche Wesen der Sache zu erkennen ist. So erzielt man meiner Meinung nach den größten Effekt.“

Und diese Mühe, das Wesen und den Kern einer Detailansicht zu erfassen, erkennt man deutlich in seinen Werken, die nicht mehr abbilden, sondern selbst formen.

Aus diesem kreativen Prozess zieht Nick auch Inspiration und Kraft für den Rest seines Berufslebens: „Fotografie gibt mir Kraft, ich lasse mich treiben, bin schwerelos. Sonntagmorgen um 6:30 Uhr an einem verlassenen Platz zu stehen, menschenleer – für mich immer wieder ein schönes Erlebnis. Daraus ziehe ich die Energie, die ich für eine stressige Woche brauche.“

Die Schnittmengen zum Design sind dabei in Nicks Architekturbildern nicht zu übersehen: Klare Formen und Linien formen in den oft quadratischen Bildern eine ganz eigene minimalistische und klare Ästhetik, wie sie auch in modernem und zeitlosem Design überall wiederzufinden ist. Die Herangehensweise ist für Nick aber doch eine andere:

„Als Fotograf arbeite ich aus einem inneren Drang heraus. Natürlich kann man das nicht so trennscharf sehen und es gibt in den beiden Feldern immer Grenzüberschreitungen, beide Bereiche inspirieren sich und beschäftigen sich mit dem Zeitgeist auf ihre Weise. Das eine braucht das andere. Brillant wird es immer dann, wenn man innovativ ist, neu denkt und Bestehendes weiterentwickelt – im Design wie auch in der Fotografie.“

„Mein Stil hat sich über die letzten beiden Jahre hinweg entwickelt, dazu war Übung nötig, ein kritisches Auge und eine gute Portion Durchhaltevermögen. Ich würde nicht behaupten, schon wirklich angekommen zu sein, befinde mich aber auf einem guten Weg“, sagt Nick und man kann ihm zustimmen.

Seine Fotografien bilden, vor allem, wenn man sie in der Reihe betrachtet, eine sehr eigene und klare Sprache. Linien und Flächen, Formen und Farben sind so montiert, dass auch aus alltäglichen Objekt wie einer Tür an einem Lagerhaus ein kleines Puzzle von Nicks Bilderkosmos wird.

In seinem Job als Art Director ist Nick Frank ein Zahnrad in einer großen Maschine. In der Fotografie, so sagt er, „weiß ich genau, wer dafür verantwortlich ist“, nämlich nur er selbst. Seine Philosophie für seine eigenen künstlerischen Projekte? „Niemals aufgeben. Für die eigenen Ideen kämpfen. Hart an den Zielen arbeiten, dann wird alles gut… fast immer.“

Ich stehe vor einem Haus im 17. Wiener Gemeindebezirk. Baujahr 1894. Etwa ein Drittel des Daches fehlt. Wahrscheinlich ein Bombentreffer aus dem Zweiten Weltkrieg. Die Türe öffnet sich und ich werde vorbei an dorischer, ionischer und korinthischer Ordnung in ein Zimmer geführt. Das Zimmer ist einfach. Es ist eigentlich mehr ein Raum als ein Zimmer. Ich setze mich und starte:

Kann ich vielleicht einen Kaffee haben?

Nein, aber auf dem Schreibtisch steht ein Tee. Bedien Dich.

(Bäh, is der bitter.)

Wann hast Du das erste Mal Deine Leidenschaft für die Fotografie entdeckt?

Das erste Mal Freude am Knipsen hatte ich 2006, bei einer Besichtigung einer leerstehenden Spinnfabrik während meines Studiums.

Der Fotografie?

Nein. Firmitas, Utilitas & Venustas. Von Fotografie habe ich eigentlich keine Ahnung. Ich denke, ich könnte nicht einmal fünf Fotografen nennen. Andreas Gursky, Julius Shulman, David LaChapelle, Ed Ruscha? Tja, ich hab’s ja vermutet.

Julius Shulman durfte ich allerdings 2004 in seinem Haus in Los Angeles besuchen. Ich hatte damals leider überhaupt keine Ahnung von Fotografie, geschweige denn, wer da vor mir sitzt. Für diejenigen, die jetzt genauso wenig Ahnung haben, wie ich damals hatte: Julius Shulman ist, beziehungsweise war, einer der bedeutendsten Architekturfotografen. Sehr präzise, teilweise stark inszeniert und somit geschaffen für die Architektur der Nachkriegsmoderne.

Was mir von dem Besuch noch stark in Erinnerung geblieben ist, ist einerseits das wie von Zauberhand erschienene Reh in seinem Garten und, für dieses Interview wohl wichtiger, sein Zorn über das wilde Herumknipsen mit den Digitalen. Daran denke ich oft, wenn ich selbst einmal zu schnell den Auslöser betätige.

Zurück zu der Spinnfabrik. Ging es ab dem Zeitpunkt richtig los?

Nein. Es hat drei Jahre gedauert, bis ich wieder an einen Ort kam, der für mich dieses unbestimmbare Etwas hatte. Dieser Ort war Miramar am Mar de Chiquita in Argentinien. Vom Wasser verschlungene Hotelanlagen, verrostete Kutschen, Flamingos, vom Salz überzogener Schlamm… Alles, was das Herz begehrt.

Ich denke, Miramar war der Auslöser, von da an meine Reisen mit meinem Alphatier abzustimmen. 2009 war auch das Jahr, in dem ich mir meine Spiegelreflex gekauft habe. So richtig los ging es bis heute nicht. Neben meiner Arbeit als Architekt und Grafiker bleibt leider nur alle paar Wochen einmal Zeit, auf die Jagd zu gehen. Die meiste Zeit mit Fotografieren verbringe ich im Urlaub.

Alphatier?

Meine Kamera.

Ah ja. Darauf trink ich noch einen Schluck von dem Getränk mit den Unmengen an Gerbstoffen.

Wie es scheint, ist Fotografieren eine sehr persönliche Sache für Dich, oder?

Ja, das sollte es doch sein. Ich gehe auch nur fotografieren, wenn ich wirklich in der richtigen Stimmung bin. Wenn ich müde oder grantig bin, hat es eh keinen Sinn. Es kann manchmal auch ein bis zwei Tage dauern, bis ich es schaffe, meine Wahrnehmung umzustellen und anfange zu sehen, was ich auch schlussendlich am Foto, mit oder ohne Nachbearbeitung, sehen will. Wenn ich dann einmal drinnen bin, wird es regelrecht zu einem Rauschzustand. Das Sichtfeld verändert sich und das Verlangen, wieder einen dieser besonderen Momente zu erfahren, steigt und steigt.

Über die Jahre hat sich dieses Gefühl immer stärker ausgeprägt. Es hält äußerst kurz an, doch wenn ich Tage oder Wochen später auf das Foto blicke, kommt ein Teil dieses Moments wieder zurück zu mir. Jedes dieser Fotos hat einen ganz besonderen Platz in meinem Zentralspeicher. Ich denke, dieser Augenblick ist auch die Triebfeder für die meisten guten Fotografen, deren Namen ich nicht kenne.

Gibt es irgendwelche Pläne, diese Momente synthetisch herzustellen? Neben Deiner zeitintensiven Arbeit als Architekt und Grafiker wäre es wohl keine schlecht Idee.

Ich probiere momentan tatsächlich, etwas mehr System in meine Arbeit zu bringen. Yellow Submarine war diesbezüglich der erste Versuch. Eine weitere Serie ist in Arbeit. Ich habe eine Liste mit Ort, Tageszeit, Thema und Lichtintensität erstellt, welche Foto für Foto abgearbeitet wird. Sobald mir ein Ort, Bauwerk oder eine städtische Komposition interessant vorkommt, wird sie notiert und später in die Liste eingetragen. Ob es dann schlussendlich „klick“ macht, sehe ich, wenn ich nochmals vor Ort bin.

Bislang habe ich die Serien erst zusammengestellt, nachdem ich fotografieren war, was dazu führte, dass ich keine richtigen Serien mit einem übergeordnetem Thema und einer farblichen Einheit hatte. Das ist etwas, woran ich in Zukunft definitiv arbeiten möchte. Die wohl ansehnlichste Serie, CyanCali ist ebenso nur zufällig entstanden, auch wenn es auf den ersten Blick vielleicht gar nicht so scheint.

Forcieren möchte ich aber auch trotzdem nichts. Architektur und Grafik macht mir ebenso viel Freude wie das Fotografieren, was dazu führt, dass sich alle drei Disziplinen gegenseitig ergänzen.

Wie sieht eigentlich Dein Arsenal an Kameras aus?

Mein Arsenal ist mein Auge. „Klick“ machen sollte es schon vor dem Betätigen des Auslösers. Trinkst Du den Tee noch? Sonst trinke ich ihn.

Ja. Den trink ich schon noch.

Vor nicht allzu langer Zeit war Frank Machalowski schon einmal bei uns mit einem Artikel über seine fotografischen Exkursionen in den Teutoburger Wald Gastautor. Heute stellt er uns seine aktuelle Serie „Multiexpo“ vor.

Bei der Serie „Multiexpo“ handelt es sich um eine reine Stadtserie. Ich begebe mich also zurück zu meinen Wurzeln und setze mich mit dem urbanen Raum auseinander. Auf der Suche nach einer anderen Art der Stadtabbildung fing ich vor etwa einem Jahr an, mit einer Holga-Kamera Mehrfachbelichtungen zu machen.

Mit den ersten Ergebnissen war ich allerdings nicht zufrieden, unter anderem machten extreme Überbelichtungen das Weiterverarbeiten des Fotomaterials zur Qual. Die Idee wollte ich aber dennoch weiter verfolgen – es musste also anderes Equipment her!

Ich brauchte eine analoge Kamera, an der sich die Belichtungszeit manuell einstellen lässt und Mehrfachbelichtungen möglich sind. Also probierte ich verschiedene Kameras aus. Mit einer Nikon F80 erzielte ich zwar gute Ergebnisse, allerdings gefiel mir das Kleinbildformat nicht.

Also zurück zum Mittelformat. Mit der Abbildungsleistung der Hasselblad 500 war ich sehr zufrieden, jedoch ist es mit dieser Kamera nur mit einigen Tricks möglich, Mehrfachbelichtungen hinzubekommen, die zudem nicht besonders materialschonend sind.

Dann erinnerte ich mich an meine ADOX Golf, eine rein mechanische, etwa 50 Jahre alte Kamera. Bei ihr kann man Blende und Belichtungszeit frei wählen und mit einem Drahtauslöser ist es ohne Weiteres möglich, die Sperre für Mehrfachbelichtungen zu umgehen. Seitdem dient sie mir für diese fortlaufende Serie als zuverlässiges Werkzeug.

Beim Filmmaterial waren ebenfalls einige Versuche vonnöten, bis ich das richtige fand. Eine zu hohe Empfindlichkeit beispielsweise machte die Fotos zu körnig. Schlussendlich entschied ich mich für einen Film mit ISO 25 von Efke und habe dies bisher nicht bereut.

Bei der Motivwahl konzentriere ich mich bei dieser Serie auf Berliner Sehenswürdigkeiten, die wohl jeder kennt, sei es von Fotos, Gemälden oder in natura. Anfangs beobachtete ich Touristen, die sich an den üblichen Orten scharten, um ihre Erinnerungsfotos zu schießen. Dabei hatte jeder seine eigene Sicht auf das abzulichtende Objekt.

Aus dieser Beobachtung heraus stellte ich mir vor, wie es wohl aussehen möge, wenn man die Vielzahl der Einzelbilder zu einem Bild zusammenfassen würde. Gedacht, getan. Ich positionierte mich an all diesen Stellen, von wo aus man einen schönen Blick auf das Motiv hat und machte jeweils eine Belichtung.

Das Ergebnis überzeugte mich. Vertraute Strukturen und Formen, optische Dynamik und gedehnte zufällige Momente im Stadtgeschehen machen die Fotos spannend und individuell.

Mit dieser Serie habe ich das Rad zwar nicht neu erfunden – schaut man sich beispielsweise die Mehrfachbelichtungen von Pep Ventosa oder Stephanie Jung an – jedoch sind meine Arbeiten vom Charme der analogen Fotografie und der städtischen Verbundenheit geprägt.

~

Die Serie „Multiexpo“ wird im Rahmen einer Gruppenausstellung mit dem Titel „Stadtansichten“ vom 22. September bis zum 4. Oktober 2012 in der Neonchocolate Gallery in Berlin zu sehen sein. Die Ausstellung zeigt fünf fotografische Herangehensweisen an das Thema Stadt. Weitere ausstellende Fotografen und Fotografinnen sind Judith Krick, Andreas Goroncy, Robert Herrmann und Daria Olejniczak.