Ein Faible für Langzeit-Belichtungen besteht bei mir schon länger. Das in Kombination mit meiner Experimentierfreude produziert manchmal sogar vorzeigbare Bilder. Diese möchte ich Euch hier vorstellen.

Auslöser des Ganzen war der Bau eines Quadrocopters, mit dem ich ein wenig Luftfotografie betreiben und in die FPV-Welt hineinzuschnuppern möchte. Was ist ein Quadrocopter?

Dabei handelt es sich um ein Fluggerät mit vier fest montierten, nach unten gerichteten Propellern. Diese werden über eine elektronische Lageregelungen so angesteuert, dass ein stabiler Flug möglich ist. Der Vorteil gegenüber einem herkömmlichen Hubschrauber ist die Tatsache, dass keine komplizierten mechanischen Komponenten nötig sind.

Bei der von mir eingesetzten Steuerung handelt es sich um eine DJI – NAZA, die mit einem Barosensor sowie einem GPS-Modul ausgestattet ist. Somit ist die Steuerung in der Lage, den Quadrocopter eigenständig auf einer Position sowie in der Höhe zu halten. Weiterhin ist es auch möglich, den Quadrocopter eigenständig zum Startplatz zurückfliegen zu lassen.

Als Zugabe kann der Quadrocopter noch mit einem Videosender ausgestattet werden, was in Verbindung mit einer Videobrille ermöglicht, den Quadrocopter aus der Ich-Perspektive zu fliegen. Genannt FPV: „first person view“.

Ein weiteres Ziel ist es, den Quadrocopter reisetauglich zu machen, was heißt, dass er in meinem Standard-Fluggepäck Platz finden soll. Aus diesem Grunde ist er möglichst kompakt bzw. klappbar gebaut. Als Kamera kommt eine leichte GoPro Hero 3 zum Einsatz.

Nach der Fertigstellung wollte der Quadrocopter natürlich auch getestet werden, was in der Winterzeit nach Feierabend mangels Tageslicht nicht einfach ist. Da ich keine Geduld hatte, bis zum Wochenende zu warten, wurden fix die Arme des Quadrocopters mit LEDs ausgestattet.

Der Test des Quadrocopters war schnell abgeschlossen und so war noch Zeit für ein paar Bilder. Dank des eingebauten GPS wartete der Quadrocopter geduldig in ca. vier Metern Höhe, während ich die Kamera aus dem Auto holte und selbige auf ein Stativ montierte.

Soweit die Vorgeschichte. Die eigentliche Entstehung der Bilder ist relativ einfach, nur das benötigte Flugequipment ist etwas aufwändiger. Jeder, der sich schon einmal mit Lightpainting beschäftigt hat, wird das Vorgehen kennen:

• Kamera auf ein Stativ
• Automatikprogramme ausschalten
• ISO möglichst niedrig einstellen
• Fokus manuell auf den Bereich einstellen, in dem das Lightpainting erscheinen soll

Dazu kann man als Fokushilfe eine kleine LED-Leuchte oder alternativ einen mit GPS, Beschleunigungssensoren, Barosensor und Kompass ausgestatteten Quadrocopter nutzen. Was man halt gerade zur Hand hat – ich entschied mich für letzteres.

Das erste Bild entstand bei einer Brennweite von 10mm und einer Belichtungszeit von 5 Sekunden unter Einsatz eines externen Blitzes. Die Kamera war etwa 40° nach oben geschwenkt und der Quadrocopter schwebte in etwa 40 cm Entfernung zur Kamera, nach der Auslösung flog ich den Quadrocopter von der Kamera weg.

Das Ergebnis ist ein durch den Blitz eingefrorenes Bild des Quadrocopters. Durch die weitere Belichtung wurden die Lichtpuren sichtbar, das Ganze erzeugt den Anschein eines anfliegenden Quadrocopters, der die Spuren hinter sich herzieht. Dieses Bild war geplant, das nächste purer Zufall.

Die Einstellung waren bis auf eine andere Ausrichtung der Kamera identisch, nur die Belichtungszeit wurde verlängert, dieses Mal auf 25 Sekunden. Der Quadrocopter wurde mit einer langsamen Drehbewegung, einmal von unten nach oben und wieder zurück, gesteuert. An diesem Bild gefällt mir persönlich der gleichmäßige Wechsel der Farben, sowie die Tatsache, dass der Quadrocopter selbst nicht zu erkennen ist. Dieses Bild ist als erstes einer Serie entstanden.

Bei Nachflugaufnahmen mit Modellen kommt es darauf an, sich vorstellen zu können, in welchem Bereich das Modell bewegt werden kann, ohne aus dem Bild zu fliegen. Weiterhin sollte man versuchen, die Figuren möglichst gleichmäßig zu fliegen, da es sonst zu unschönen Zacken kommen kann. Das ist zum Beispiel im nächsten Bild links zu sehen – es war aber auch nicht einfach, den Quadrocopter halbwegs dynamisch zwischen den Baumstämmen zu bewegen.

Ich versuche, mir vor dem Flug vorzustellen, was in der gewählten Belichtungszeit fliegerisch zu bewältigen ist und wie das Ergebnis aussehen könnte. Realistisch muss ich aber zugeben, dass eine gehörige Portion Zufall mitspielt.

Die Bilder selber sind alle im Raw-Format aufgenommen und in Adobe Lightroom entwickelt. Außer Beschnitt und einer leichten Erhöhung der Farbsättigung wurden nichts weiter verändert. Ein paar Ideen schwirren mir noch durch den Kopf, somit wird es auf jeden Fall eine Fortsetzung geben.

Hier war es schwierig, nicht in an den Ästen hängen zu bleiben. Bei dem Bild ist der Wunsch aufgekommen, die Beleuchtung noch schaltbar auszuführen, um dadurch noch mehr Gestaltungsspielraum zu haben.

Während ich diese Zeilen schreibe, bin ich nördlich des Polarkreises in Kipisjärvi unterwegs und der Quadrocopter ist auch mit dabei. Nachdem wir jetzt schon einige Tage hier sind und auch einige Polarlichter fotografieren konnten, wollte ich den Quadrocopter zu Einsatz bringen. Leider ist die Kamera beschädigt, somit bleibt nur die Möglichkeit, ein paar Nachtflugaufnahmen zu machen.

Diese Bilder sind unter extrem widrigen Bedingungen entstanden. Es fing schon damit an, dass der Quadrocopter sich bei einem Testflug am Tage nicht wie gewohnt verhielt. Ein Blick in die Anleitung offenbarte, dass der GPS/Kompass am Polarkreis nicht funktionsfähig ist, also bleibt nur die manuelle Steuerung.

Am letzten Abend am Kipisjärvi warteten wir wieder auf die Polarlichter und – endlich! – um kurz vor 23Uhr war es soweit. Also schnell den Quadrocopter, die Kamera sowie das Stativ bei -30°C zum zugefrorenen See geschleppt.

Leider waren die Polarlichter nicht so extrem wie an den Vorabenden. Trotzdem versuchte ich, einige sinnige Figuren zu fliegen, was sich bei den Bedingungen als nicht wirklich einfach erwies.

Der inzwischen eingebauter Schalter zum Ein- und Ausschalten der LED verweigerte den Dienst, auch der Akku war bei den niedrigen Temperaturen wenig motiviert. Aber für ein paar Beweisfoto hat es dennoch gereicht.

„Wenn weniger mehr ist, ist nichts dann alles?“ Diesen Ausspruch des niederländischen Architekten Rem Koolhaas fand ich so interessant, dass ich ihn gern auf meine fotografischen Arbeiten beziehen wollte.

Nun ist es natürlich wenig sinnvoll, „nichts“ abbilden zu wollen. Aber ich habe den Ausspruch so interpretiert, dass eine deutliche Reduktion dessen, was man abbilden könnte, gleichzeitig ein Mehr an Ausdrucksmöglichkeiten bietet.

Das fand ich sehr interessant, weil bis dahin mein bisheriges Hauptthema – die Fotografie von verlassenen Orten – eine andere Herangehensweise erforderte.

Mit Koolhaas’ Ausspruch im Hinterkopf ziehe ich also los und suche mir meine Motive. Ich fokussiere mich dabei auf die Architektur oder architektonische Details.

Das Schöne daran ist, dass man diese wirklich überall findet. Ich trete auf die Straße und schon kann es losgehen: Fassaden, Mauern, Zäune, Wände und vieles andere mehr.

Ich bin mir aber gar nicht sicher, ob es denn Architekturfotografie ist, was ich da mache. Denn streng genommen hat diese Spielart der Fotografie eigentlich eher dokumentarischen Charakter.

Das ist es aber nicht, was ich möchte. Mir ist es nicht wichtig, das große Ganze so abzulichten, wie es jeder sieht. Ganz im Gegenteil, ich möchte mit der Auswahl von geeigneten Bildausschnitten die Motive auf Flächen, Formen, Farben und Strukturen reduzieren und damit das Gesehene abstrahieren.

Die Architektur in meiner Stadt bietet mir viele Möglichkeiten für solch eine Umsetzung. Bei einigen Motiven erkennt man dann noch, um welche Sachen es sich handelt, bei vielen aber auch nicht.

Das ist mir aber auch nicht wichtig, wenngleich die Verfremdung nicht mein eigentliches Ziel ist. Mir geht es darum, mit dieser Art der Fotografie eine veränderte Wahrnehmung der Objekte zu erreichen.

Die Motive werden hierdurch zu etwas Neuem und erhalten eine Eigenständigkeit. Das Haus, das Dach, das Fenster – alles bekommt eine neue Funktion, indem es zum Fotomotiv wird.

Die so fotografierten Objekte bieten Raum für Assoziationen und erhalten für jeden Betrachter eine andere Aussage oder entfalten eine andere Wirkung. Vielleicht enthalten sie auch keine Aussage, sondern werden nur als schön oder interessant empfunden.

Wenn es mir gelingt, das Interesse des Betrachters zu gewinnen, die Aufmerksamkeit auf ein Foto zu lenken, dann bin ich zufrieden. Und es freut mich, wenn ich dem einen oder anderen mit einer Aufnahme ein Rätsel aufgebe und ihn so zu einer weitergehenden Auseinandersetzung mit dem Motiv anrege.

Diese mittelbare Interaktion mit Betrachtern meiner Bilder macht für mich auch einen der Reize der Fotografie aus.

Wenn ich also für diese Art von Aufnahmen losziehe, dann habe ich meistens keine konkrete Idee im Kopf, bestenfalls vielleicht einen Ort, an den es mich zieht. Ich bereite solch eine Tour auch nicht weiter vor, weder gedanklich noch konzeptionell.

Wenn ich erst einmal fündig geworden bin, dann entwickelt sich die Sache meist von allein. Ich fange vorsichtig an, zu fotografieren, taste mich an das Motiv oder die Motive heran und dann passiert oft etwas, was für mich den ganz großen Reiz an der Fotografie ausmacht:

Die Sache bekommt eine eigene Dynamik, ich überlege nicht mehr lange, was ich fotografiere, ein Motiv ergibt das nächste und ganz schnell nimmt mich dieser Prozess gefangen und ich merke gar nicht, wie sich meine Speicherkarte füllt.

So können dann ganz schnell ein paar Stunden ins Land gehen. Das merke ich dann meist erst, wenn das Licht verschwindet oder die Speicherkarten an ihre Kapazitätsgrenzen kommen. Am Ende steht dann ein tiefes Gefühl von Zufriedenheit.

Zuhause geht es dann am Rechner weiter, wobei das Motiv für mich die Art und den Umfang der Bearbeitung vorgibt. Meistens bearbeite ich nur sehr wenig. Ich ziehe Belichtung und Kontraste an, schärfe etwas nach, korrigiere stürzende Linien und passe vielleicht auch mal den Bildausschnitt an; das sehe ich ganz undogmatisch.

Für mich gehört die Ausarbeitung einer Aufnahme am Rechner als zweiter Schritt in dem Prozess dazu. Ganz am Ende steht dann die Präsentation der Aufnahmen, denn wie schon ausgeführt ist mir ein Austausch über die Sachen, die ich mache, irgendwie wichtig.

Und anders würde ich ja beispielsweise nicht erfahren, ob ich mit meiner Umsetzung des eingangs erwähnten Zitats richtig liege: Ist weniger an dieser Stelle tatsächlich mehr?

Literaturfotografie muss nicht zwingend die Handlung eines Werkes widerspiegeln; die Atmosphäre eines Buches einzufangen war mir in der folgenden Serie wichtiger.

In seinem Roman „Die Stadt der Blinden“ beschreibt der Literatur-Nobelpreisträger José Saramago eine durch eine Epidemie wie in ein weißes Meer gehüllte, erblindete Stadt.

Die Erblindeten werden in die Quarantäne einer verlassenen Irrenanstalt geschickt und als das Chaos ausbricht, stellt sich eine Frau, die sehen kann, der Anarchie entgegen. Als das System in der Abschottung auseinanderbricht und kein Soldat mehr da ist, der die wehrlosen Blinden zurückhalten kann, brechen die Blinden aus in eine blinde Welt, metaphorisch für eine Welt, die unfähig ist, Gut und Böse zu unterscheiden.

Die Bildserie zur „Stadt der Blinden“ wird, mit den vorliegenden, teilweise gekürzten Zitaten aus selbigem Buch, im Sommer auf einer Gruppenausstellung der Hochschule Hannover gezeigt.

Sollte es je dazu kommen, dass ein Soldat die verschossenen Kugeln zu rechtfertigen hat, dann wird er sicher bei der Fahne schwören, er habe aus Notwehr gehandelt, und hinzufügen, auch zur Verteidigung seiner unbewaffneten Kameraden, die in einer humanitären Mission unterwegs gewesen seien und sich plötzlich von einer Gruppe von Blinden bedroht sahen, die ihnen zahlenmäßig überlegen war. Am besten wäre es, die verhungern zu lassen, mit dem Tier stirbt auch das Gift.

Es gibt viele Arten, zum Tier zu werden, das ist nur der Anfang.

Sie klopfte diskret an die Tür, zehn Minuten später war sie nackt, nach fünfzehn stöhnte sie, nach achtzehn flüsterte sie Liebesworte, die sie nicht mehr vorzutäuschen brauchte, nach zwanzig geriet sie ausser sich, nach einundzwanzig fühlte sie, wie ihr Körper vor Lust zerbarst, nach zweiundzwanzig schrie sie,
Jetzt, jetzt,
und als sie wieder zu Bewusstsein gelangte, sagte sie, erschöpft und glücklich,
Ich sehe noch immer alles weiß.

Wie geht es Ihnen, Herr Doktor,
wir sagen dann
Gut,
dabei liegen wir im Sterben, das nennt man im Volksmund,
aus dem Herzen eine Mördergrube machen.

Wenn wir nicht in der Lage sind, ganz wie Menschen zu leben, dann sollten wir wenigstens versuchen, nicht ganz wie Tiere zu leben.

Blind sein bedeutet nicht tot sein, aber tot sein bedeutet blind sein.

Wir würden uns schon beim ersten Gedanken kaum vom Fleck rühren, könnten wir immer alle Folgen unseres Handelns voraussehen, würden wir ernsthaft darüber nachdenken. Gute und Schlechte Ergebnisse unserer Worte und Werke verteilen sich über alle Tage der Zukunft, eingeschlossen auch jene endlosen, an denen wir schon nicht mehr hier sein werden.

Dann drehte er sich zum Spiegel um, diesmal fragte er nicht,
Wie kann das sein,
er sagte nicht,
Es gibt tausend Gründe dafür, dass das menschliche Gehirn sich verschliesst,
er streckte nur die Hände aus, bis er das Glas berührte, er wusste, dass sein Abbild dort war und ihn anschaute, das Abbild sah ihn, doch er sah sein Abbild nicht.

Die Augenlider aufgerissen, das Gesicht in Falten, die Augenbrauen jäh zusammengezogen, alles, jeder kann es sehen, durch Angst verzerrt. Mit einer plötzlichen Bewegung wird all das, was zu sehen war, hinter den beiden geballten Fäusten des Mannes verborgen, als wollte er noch im Innersten seines Hirns das letzte Bild festhalten, ein rotes, rundes Licht an einer Ampel.
Ich bin blind, ich bin blind.
Nichts, als wäre ich mitten in einem Nebel, als wäre ich in ein milchiges Meer gefallen.

Da kommt der Nachbar am Arm geführt, aber keine kam darauf zu fragen,
ist Ihnen etwas ins Auge gekommen, das fiel ihnen nicht ein, und so konnte er auch nicht antworten,
Ja, ein milchiges Meer.
In dieser Nacht träumte der Blinde, er sei blind.

Ich hörte, dass es Menschen gibt, die erblindeten, da dachte ich darüber nach, wie es wohl wäre, wenn auch ich erblindete, ich schloss die Augen und probierte es aus, und als ich sie öffnete, war ich blind.

Er versuchte sich vorzustellen, wie der Ort, an dem er sich befand, aussah, für ihn war alles weiß, leuchtend, strahlend, die Wände waren es und der Boden, den er nicht sehen konnte, und er ertappte sich bei dem absurden Gedanken, dass das Licht und das Weiß dort stanken.
Wir werden hier noch vor Entsetzen verrückt.
Er wusste, dass er schmutzig war, schmutzig wie wohl noch nie in seinem Leben.
Die Welt ist ganz hier drin.

Veröffentlichung mit freundlicher Genehmigung der Nachfahren von José Saramago.

Dass geometrische Abstraktionen ihren Reiz haben, erkannte ich für mich bereits relativ früh nach dem Kauf meiner ersten Digitalkamera. Hausfassaden und andere urbane Elemente standen seitdem im Zentrum meines Interesses. Ein besonderes Formelement im städtischen Raum, das ich in einer Serie versucht habe zu studieren, ist die Linie.

Auf den ersten Blick eröffneten sich mir nicht die Vielfalt und die gestalterischen Möglichkeiten, die Linien innewohnen, was sich aber nach einigem Experimentieren bei ausgiebigen Spaziergängen mit der Kamera schnell änderte.

Linien kommen in gerader, gewellter, gebogener oder gewinkelter Form vor, sie können in ihrem Erscheinungsbild breit oder schmal, unterbrochen oder durchgängig – und sicherlich noch vieles von mir Unerwähntes mehr – sein.

Ein klassisches Beispiel ist hier für mich die wellenförmige Linie, die Dynamik ausstrahlt und bei einer ganzen Serie von aufeinanderfolgenden Wellenlinien auch eine Art von Macht verkörpert, die in eine Richtung wirkt.

Hier drängt sich mir das Meer auf, das seine ganze Kraft an den Kliffen entfaltet. Gleichzeitig denke ich aber auch an Organisches, wie Rückenpartien oder die Wirbelsäule, die dem gebogenen Charakter der Linie entsprechen.

Von dieser geschmeidigen Art der Linie weg, beherbergt die gerade oder verwinkelte Linie eher Eigenschaften der Präzision bzw. der Konstruiertheit.

Geraden, die in einem ferneren Punkt zusammenzulaufen scheinen, können hier einen Eindruck von Unendlichkeit vermitteln und Verwinkelungen eine Verborgenheit oder einen labyrinthartigen Charakter entfalten.

Gleichzeitig kann die Beschaffenheit der Breite einer Linie maßgeblich dazu beitragen, ob etwas Filigranes oder viel mehr eine Standhaftigkeit und Stabilität von uns wahrgenommen wird.

Das Abstrakte hinter diesen Attributen hat sich auch in den allgemeinen Sprachgebrauch übertragen. So wird nicht selten eine „geradlinige Politik“ gefordert oder „in den entlegensten Winkeln des Landes“ nach etwas gesucht. Wer ein „Strich in der Landschaft“ ist, wird sicherlich mehr als zart denn robust wahrgenommen…

Fotografisch lassen sich solche Bilder natürlich hervorragend im städtischen Umfeld erforschen. Die Linie spielt in der Architektur eine herausragende Rolle und die gewählte Linienform kann den Charakter eines Gebäudes maßgeblich bestimmen.

Ich denke hier beispielsweise an Wolkenkratzer, die durch ihre Geradlinigkeit und auch Höhe endlos erscheinen oder das „Shell-Haus“ in Berlin, das durch seine Bauweise einer einzigen „Welle“ gleichkommt.

Es ist lohnenswert, sich einem Gebäude (oder einem anderen Objekt) auch mal ausschnitthaft zu nähern und das große Ganze mal außer Acht zu lassen, da durch solche Aufnahmen nicht selten das Abstrakte besser zur Geltung kommt.

Ganz puristisch bin ich in meiner Serie zugegebenermaßen nicht immer vorgegangen. So kommen zur reinen Linienform nicht selten noch weitere Elemente wie Farbe und Fläche hinzu, ohne die manche Bilder nicht ihre volle Wirkung entfalten könnten.

Hier ist in jedem Einzelfall zu entscheiden, ob man die minimalistische Variante zur Präsentation wählt oder ob weitere Formelemente den Liniencharakter unterstreichen können.

Auch in der Nachbearbeitung ist durch den Einsatz von Kontrasten möglich, dass ein Bild einen sehr grafischen, beinahe schon computergenerierten Eindruck vermittelt und die Natur der Linie noch besser erkenntlich gemacht wird.

Hier lässt sich beispielsweise durch eine hoch-kontrastierte, schwarzweiße Farbgebung der Linienverlauf noch besser herausarbeiten.

Abschließend bleibt mir nur zu sagen, dass meine Studie der Linie sehr abwechslungs- und spannungsreich gewesen ist. Es ist erstaunlich, wie alltägliche, meist gar nicht wahrgenommene Elemente auf einmal ihren Reiz entwickeln können.

Als ich mich gedanklich spezialisiert und meinen Fokus auf genau diesen Themenbereich gerichtet hatte, eröffneten sich ganz neue Perspektiven – selbst an mir wohlbekannten Orten.

Die Beschäftigung mit der Linie lohnt sich, da sie als Element in fast jedem Foto und auch vielen anderen Kunstformen vorkommt. Enden möchte ich daher mit einem in meinen Augen sehr passenden Zitat von Walter Crane aus seinem Buch „Line and Form“* (1914, S. 47, 48).

We see, therefore, that line possesses a constructive and controlling function, in addition to its power of graphic expression and decorative definition. It is the beginning and the end of art.

Wir schlussfolgern, dass die Linie über ihr grafisches Ausdrucksvermögen und ihre dekorative Funktion hinaus, auch eine konstruktive und kontrollierende Funktion erfüllt. Sie ist der Anfang und das Ende von Kunst.

* Das Buch steht beim Projekt Gutenberg frei zum Download zur Verfügung.

Dass es sich bei den Objekten der Serie „Devour“ des norwegischen Fotografen Christopher Jonassen mitnichten um weit entfernte Himmelkörper und fremde Welten handelt. Gut, fremde Welten schon, allerdings befinden diese sich direkt unter unseren Nasen. Genauer: In unseren Küchen.

Dort kam ihm auch die Idee zur Serie, als ihm der Zustand der Kochutensilien in der WG-Küche auffiel, in der er während eines Aufenthaltes in Australien lebte. Der Anblick der abgenutzten, abgekämpften, müde gewordenen Oberflächen der Bratpfannen lenkte ihn auf den Weg tieferer Überlegungen.

Er war fasziniert davon, wie der tägliche Gebrauch das Metall der Pfannen abtrug, mit jedem winzigen Kratzer, den man ihnen nach und nach zufügt. Seit 2004 fotografiert er bereits Objekte – Hunderte, seitdem – mit dem grundlegenden Gedanken, über die sich ständig wiederholenden und banalen Tätigkeiten unseres täglichen Alltags zu meditieren.

Christopher sagt, er wollte eine Verbindung herstellen zwischen den kleinen Wunden, die wir jeden Tag hinterlassen und dem enormen Effekt, zu dem diese sich über die Zeit aufsummieren.

Indem er diese kleinen Dinge, die uns täglich umgeben, auf diese Art genauer untersucht, unter die Lupe nimmt und im Großformat als Hauptakteure einer Serie präsentiert, lässt er ihnen die Aufmerksamkeit zukommen, die ihnen meistens fehlt.

Der geistige Sprung von den Schnitten, die wir unseren Bratpfannen zufügen hinüber zur stellvertretenden Darstellung der Schäden, die wir Mutter Erde antun, war dann nur noch ein kleiner.

Seine Sorge darum, wie wir mit unserem Planeten umgehen, findet sich auch im Namen seiner Serie wieder. Devour: Auffressen, vertilgen, verschlingen. Gefräßig zerstören, verbrauchen und verschwenden; etwas wahrhaftig ausbeuten.

Um die Strukturen und Details hierfür besonders hervorzuheben, hat er verschiedene Öle und Flüssigkeiten benutzt. Als er auf der Suche nach weiteren Pfannen für sein Projekt war, überraschte es ihn schier, wie viele seiner Freunde und Familienmitglieder alte Pfannen in ihren Kellern und Dachböden aufbewahrten.

Sie wurden nicht mehr benutzt, aber aus irgendeinem Grund trotzdem nicht weggeworfen. Scheinbar schienen sie die Schönheit der benutzten, ausrangierten Alltagsgegenstände irgendwie zu schätzen, ohne genau zu wissen, warum überhaupt und ohne genau darüber nachzudenken.

Für seine Fotoserie am besten geeignet waren die schweren Pfannen, die er aus den Winterlagern der Pfadfinder bekam. Sie waren schwarzgebrannt und von Messern zerkratzt. Auch eine Art von Ehrenabzeichen.

Damit zu kochen würde Christopher allerdings nicht empfehlen. Er selbst kocht am liebsten mit rohen, frischen Zutaten, nach Möglichkeit auch aus lokalem Anbau. Der Schlüssel zu einer gesunden Ernährungsweise.

Kurzes Vorwort, langes Interview: Manchmal findet man als Interviewer erst im Gespräch selbst heraus, dass der Künstler, den man sowieso vorstellen möchte, noch viel interessanter ist als man dachte. Und jede Menge spannende Gedanken hat, die er im Folgenden mit uns und Euch teilt.

„Contact“ aus der Serie „The Silence Of Many“

Hallo Samuel. Danke, dass Du Dir die Zeit für ein Interview mit uns nimmst. Zuerst, erzähl uns doch mal ein bisschen was über Dich: Wer bist Du, was machst Du?

Mein Name ist Samuel Poromaa, ich bin ein schwedischer Künstler und lebe in Stockholm. Ich wurde 1960 in Kiruna geboren, das ist eine kleine Bergbau-Gemeinde weit oben im Norden von Schweden nahe dem Gebirge, das die natürliche Grenze zwischen Schweden und Norwegen bildet.

Ich bin eigentlich wirklich kein Fotograf. Na gut, man könnte wohl sagen, dass ich ein Fotograf geworden bin, da ich ja Fotos mache, aber in meiner Vorstellung bin ich ein konzeptioneller Künstler, dessen Handwerkszeug im Moment die Kamera und die digitale Dunkelkammer sind.

„Bones“ aus der Serie „The Site“

Obwohl ich schon seit den späten 70er Jahren mit einer Kamera Schnappschüsse mache, vor allem, um Fotos als so eine Art Skizzenbuch für meine Gemälde zu benutzen, habe ich damals nicht eine Sekunde daran gedacht, dass die Kamera selbst auch das hauptsächliche Werkzeug für Kunst sein könnte.

Nachdem in den 1990er Jahren mein Studium abgeschlossen war, habe ich im Grunde nur gemalt und alles, was ich machte, um mir eine Karriere mit Ausstellungen in ganz Schweden aufzubauen, drehte sich ständig um Farben und Pinsel und Leinwände und das ganze Zeug.

Daher denke ich heute auch mehr wie ein Maler, wenn ich mit der Kamera und der digitalen Dunkelkammer arbeite – und ich bin überzeugt davon, dass es einen Unterschied im Denken gibt. Das ist meine Erfahrung, nachdem ich Künstler und Fotografen getroffen und mit allen über die Fragen der Gemeinsamkeiten diskutiert habe. Heute fühle ich mich etwas zwischen zwei Welten hängend, aber im Herzen werde ich wohl immer ein Maler sein.

„Yellow Skeleton“ aus der Serie „Playground“

Wie bist Du denn überhaupt zur Kunst – also zuerst zur Malerei – gekommen?

Als Kind und Jugendlicher in Kiruna drehte sich mein Leben ziemlich um die Kunst der Cartoons, ich habe eine Menge gezeichnet und mochte Superhelden sehr gern, habe also Comics (vor allem von Marvel) gesammelt, die zumindest damals dort sehr schwer zu bekommen waren.

Genau genommen war es so eine Art Wettstreit zwischen uns Jungs, an die Magazine heranzukommen, sie aus den Staaten zu importieren, sie untereinander zu tauschen oder sie manchmal sogar zu stehlen. Ich denke, dass mein heutiges großes Interesse und die Inspiration aus aktueller Popkultur damals angeregt wurden, als ich Mitte der 70er als Teenager von den Fantastischen Vier oder Captain America las und davon träumte, Cartoonzeichner zu werden.

„12“ aus der Serie „Numbers“

Meine erste echte Begegnung mit der Malkunst trug sich auf einer Schulexkursion nach Amsterdam zu. Ich war 15 und es war meine erste Reise außerhalb Schwedens ohne meine Eltern. Daher drehten sich meine Gedanken natürlich nicht primär um Kultur und Kunst. Aber wir landeten trotzdem im Rijksmuseum und dieser Besuch änderte einfach alles für mich: Ich entschied, Maler zu werden.

So studierte ich nach meinem Abitur zwei Jahre lang an der Sunderby Folkhögskola die technischen Grundlagen der Kunst und später Malerei am Konstfack University College of Arts, Crafts and Design in Stockholm, wo ich 1989 meinen Abschluss als Master of Fine Arts MFA machte.

„Reserved“ aus der Serie „Keep On Walking“

Wie ist es passiert, dass sich dieser Maler dann in einen Fotografen verwandelte?

Etwa um 1997 habe ich die Malerei aufgegeben, weil ich genug von dem hatte, was ich tat und weil die Galerie, mit der ich seit fast acht Jahren zusammengearbeitet hatte, geschlossen wurde. Es war also Zeit für mich, weiterzuziehen und ich wollte auch, dass sich etwas änderte; ich wollte diesen ziemlich traditionellen Kunstweg verlassen und andere Möglichkeiten erkunden.

Also begab ich mich in die virtuelle Welt und machte quasi alles, was nichts mit Malerei zu tun hatte: Video, digitale Bilderzeugung, Fotografie und sogar Grafikdesign. Ich bewegte mich also von eher klassischen Landschaftsmalereien beinahe romantischer Tradition hin zu Dingen, bei denen es eher um Konzepte und Ideen ging. So weit wie möglich weg von den ästhetischen Auffassungen, die bisher mein Alltag gewesen waren.

„Together“ aus der Serie „Keep On Walking“

Aber auf diesem Weg fühlte ich mich irgendwann auch, als würde ich genau die Dinge machen, die ich machen musste, um „zeitgenössisch“ zu sein. Ich hatte mehr und mehr ein Gefühl der Unzufriedenheit, fragte viele „Warums“ – und mich selbst, was ich machen muss, um mir treu zu bleiben.

Es war dann etwa um das Jahr 2000, dass ich anfing, nach einem Weg zu suchen, Kunst so zu machen, dass ich nicht zurück zu den Landschaften, mich aber trotzdem auch nicht dem Strom der anti-ästhetischen oder sogar anti-visuellen Kunst anschließen musste. Die Fotografie schien ein Medium zu sein, das zwischen diesen beiden Extremen liegt und das ich genauer entdecken wollte.

„Composed“ aus der Serie „Keep On Walking“

Als ein Künstler, der schon mit so vielen verschiedenen Medien gearbeitet hat, hast Du eine ganz grundlegende Philosophie bei allem, was Du machst?

Ich bin ein Ästhet. Die Ästhetik eines Bildes ist das Herzstück dessen, worum ich mich als Künstler immer kümmern muss. Aber gleichzeitig glaube ich, dass es mehr geben muss als nur das visuelle Vergnügen der Ästhetik, um ein interessantes Bild oder Kunst zu machen.

Manchmal denke ich, dass die Ästhetik die Funktion einer Tür hat, die bestenfalls zu einem Raum führt, wo das Konzept des Kunstwerks auf das Publikum wartet. Man kann ohne diese Tür nicht in den Raum mit dem Konzept gelangen, aber andererseits ist eine Tür, die nirgendwohin führt, ziemlich sinnlos.

„Square One“ aus der Serie „Square One“

Für mich ist die Fotografie das Bild in seiner reinen Form und es geht dabei auch um visuelles Vergnügen und die Kunst, zu sehen, aber sie kann auch einer konzeptuellen Art, die Welt und seine eigenen inneren Gedanken zu erkunden, dienen.

Die Fotografie wird immer mit dem Auge und mit „Realität“ verbunden sein, was eine interessante Abgrenzung ist, mit der man umgehen muss, weil die Arbeit mit der Kamera immer durch das definiert ist, was man selbst und was die Kamera sieht. Das ist aber per Definition nicht das Gleiche, wie die Realität objektiv oder wahrheitsgetreu zu beschreiben.

Das ist nicht möglich; es ist und wird immer eine Sache der Subjektivität und der Komplexität, eine dreidimensionale Wahrnehmung auf die flache Oberfläche eines Fotos zu übertragen, sein. Dadurch entfernt sich alles umso weiter von Objektivität. Die Wahrheit über die Realität wird immer ein offenes Problem sein. Das ist ein wichtiger Faktor und das, was mich antreibt, künstlerisch zu arbeiten.

„Omen“ aus der Serie „Underneath“

Was für ein Fotograf bist Du, was willst Du zeigen?

Ich versuche, das zu benutzen, was ich sehe, dabei erkunde ich das urbane Umfeld, dessen Teil ich auch bin und versuche, eine andere Geschichte zu erzählen, die dann aber fast immer auf meiner eigenen Türschwelle endet, wenn man so will.

Zum Beispiel war eines meiner ersten Projekte, Fotos von der Straße zu machen. Aber nicht so, wie es vielleicht ein Straßenfotograf tun würde, sondern indem ich die Kamera auf den Boden gerichtet und Aufnahmen vom Asphalt gemacht habe. Also den Beton als eine Art Repräsentation für eine Landschaft oder sogar einen alternativen Atlas der Welt benutzt.

„The Monument“ aus der Serie „Underneath“

Ich erhalte viele Kommentare, dass meine urbanen Fotos sehr leer und fast immer auch ohne die Präsenz von Lebens seien. Und das ist natürlich richtig, zumindest oberflächlich betrachtet. Ich habe darüber viel nachgedacht: Ich meine, mit Urbanität zu arbeiten, sollte das nicht gerade vom Leben und der Anwesenheit der Menschheit handeln?

Wenn man das einen Straßenfotografen fragt, ist die Antwort zweifelsfrei „ja“, aber für mich ist die Frage nicht so leicht zu beantworten. Wenn man genau hinsieht, stellt man fest, dass meine Bilder indirekt auch vom Leben handeln. Das ist auch die Idee dahinter und sehr wichtig für mich.

„Perimeter Patrol“ aus der Serie „Schematics“

Was inspiriert Dich?

Diese Idee, das Leben auf indirekte Art darzustellen, wurde bei mir von der Welt eines Spiels inspiriert. Genauer gesagt eines Spieles, das ich 2000 gespielt habe und auch durch einen Film, der um die gleiche Zeit hier im schwedischen Fernsehen ausgestrahlt wurde.

Das Spiel war die erste Ausgabe von „Deus Ex“, einem Computer-Rollenspiel, das eine dunkle Story über eine Verschwörung und Technologie und die Andeutung vom Gott in der Maschine hat, angesiedelt in einer urbanen und dystopischen Umgebung. Die Ästhetik dieses Spiels hat mich sehr inspiriert, obwohl ich jetzt weiß, warum die Umgebung dort so dunkel und leer war – eine Konsequenz der unzureichenden Technologie zu dieser Zeit.

„Proboscis II“ aus der Serie „The Elephant Song“

Der Film, den ich sah, war „Langoliers“, nach einem Buch von Stephen King, in dem es um eine Gruppe von Menschen geht, die irgendwie in einem Zwischenraum von Jetzt und Damals gefangen werden. Sie treiben in einem Limbus, in dem alles schon passiert ist und Dinge, die erst kommen, noch nicht passiert sind. Also ist die Welt leer bis auf die Spuren der menschlichen Aktivität, die man auch in leeren Räumen in der Realität vorfindet.

Diese Ideen sind sozusagen der Schlüssel dazu, wie ich mit meinen urbanen Erkundungen umgehe. Ich versuche, die Umgebung zwischen zwei Ereignissen zu benutzen, indem ich nach Überresten suche, die für mich viel interessanter sind als die Ereignisse selbst. Ich würde sagen, dass fast jedes Bild aus meiner Serie „Urban Walks“ das Ergebnis der Suche nach diesen Spuren zwischen den Ereignissen, nach Spuren des Lebens, menschlicher Aktivitäten ist.

„Out“ aus der Serie „A Place Of None“

Du scheinst immer in Serien zu arbeiten.

Um ehrlich zu sein, kann ich mich gar nicht daran erinnern, wann ich das letzte Mal nur ein einzelnes Bild gemacht habe. Diese Art zu arbeiten sagt natürlich alles über mich aus, der ich immer versuche, eine Geschichte zu erzählen. Obwohl die meisten dieser „Geschichten“ in ihrer Form recht frei sind – eher wie fragmentierte Ideen oder Fragen in visueller Form – bin ich mir sicher, dass diese Arbeitsweise meinem Kindheitstraum, ein Cartoonzeichner zu werden, entspringt.

Irgendwie bin ich wieder da, wo ich angefangen habe – nur ohne die Superhelden.

Da sind Serien, die wie Comicstrips sind: Kurz und hoffnungsvoll süß wie etwa „The Elephant Song“ oder „Schematics“ und dann sind da auch die niemals endenden Geschichten. „Urban Walks“ ist eine, an der ich ständig weiterarbeite und 2011 ein Buch mit 144 Bildern dieser fortlaufenden Geschichte veröffentlicht habe. Das Gleiche gilt für die Serie „Resonance“, die ich gerade für eine Ausstellung hier in Stockholm vorbereite.

„Red Devil“ aus der Serie „A Place Of None“

Welche Funktion haben die Titel der Bilder und Serien in Deinen Arbeiten?

Titel sind essentiell und ich muss sogar sagen, dass ich manchmal Bilder, die ich eigentlich mochte, aus einer Serie oder überhaupt ausgeschlossen habe, weil ich es nicht geschafft habe, den richtigen Dreh für den Titel zu finden. Sie sind also sicherlich ein zentraler Teil meines künstlerischen Konzeptes.

Aber es gab auch Zeiten, in denen ich meinen Bildern überhaupt keine Namen gegeben habe. Ich hatte diese Idee, das Feld für den Betrachter komplett offen zu lassen, damit er selbst eine Idee entwickeln oder meine Arbeit selbst konzeptuell erleben kann. Vollkommen getrennt von jeglichen Ideen, die ich vielleicht hatte, als ich das Bild kreiert habe.

„Take A Seat“ aus der Serie „Urban Walks“

Und da Worte, die geschriebene Sprache, in ihrer Natur so suggestiv sind, wenn sie in den Kopf kommen, weil sie so viel stärker als Bilder sind, dem Publikum eine Idee zu suggerieren oder sogar in den Geist zu pflanzen, hatte ich entschieden, gar keine Titel zu vergeben. Ich wollte auch klar machen, dass ich nicht Literatur mache, sondern ein visueller Künstler bin.

Diese Idee, dass die Kunst zwangsläufig so etwas wie eine offene Frage ist, ist natürlich immer noch im Zentrum dessen, was ich tue. Ich glaube, dass man als Künstler seine Arbeiten an einem bestimmten Punkt „aussetzen“ und sie den Betrachtern übergeben muss. Für die Umsetzung der Idee von offenen Fragen wiederum sind Bilder sehr viel stärker, verglichen mit dem geschriebenen Wort.

„Biscuit“ aus der Serie „Urban Walks“

Warum setzt Du Titel heute in Deinen Arbeiten dann doch wieder ein?

Wenn ich ehrlich bin, mag ich es ja, Ideen anzuregen und Geschichten zu erzählen. Ich bin ein konzeptueller Künstler und Ideen kommen in diesem Territorium von ganz allein, sozusagen. Wenn man also nicht gerade Kunst in Form von Installationen macht, sondern Bilder allein, dann können die Titel eine Möglichkeit sein, das Erlebnis einer übertragenen Idee oder – präziser – einer gestellten Frage, zu verbessern.

Titel funktionieren für mich auf die gleiche Weise für das Konzept eines Werkes wie die Ästhetik dazu beiträgt, das Konzept zu erreichen; also wieder so etwas wie eine Tür für den Zugang. Und obwohl ich immer noch nicht sicher bin, ob das wirklich notwendig ist, finde ich es fesselnd, Titel als Teil oder zur Verbesserung der Erfahrung zu benutzen. Oder sogar, um Dinge zu problematisieren, die Frage genauer zu stellen.

Wenn Du all das bedenkst, kannst Du die Komplexität des Prozesses, Bilder mit Titeln für eine Serie zu versehen, verstehen und wie schwer das sein kann. Aber gleichzeitig auch, wie interessant es ist, diese Gegensätze auszubalancieren. Den Drang zu haben, über Ideen zu „sprechen“, Fragen zu stellen oder zumindest, sie sichtbar zu machen, gleichzeitig dem Betrachter aber nicht vorgeben zu wollen, was er denken soll, die Antwort zu verraten oder die ganze Geschichte auf einem Silbertablett zu präsentieren.

„Happy Days I“ aus der Serie „Urban Walks“

Deine Serien wie auch die Bilder innerhalb der Serien haben eigene Titel – da stellst Du aber viele Fragen!

Es gibt da einen feinen Unterschied in meinem Denken, wenn es darum geht, Titel für Serien zu finden oder für einzelne Bilder. Die Serie ist sozusagen der Körper und die Titel dieser Körper entspringen fast immer Dingen, die nicht zwingend offensichtlich sind.

„Urban Walks“ ist natürlich ein Titel, der ist, was er ist: Ich laufe in der urbanen Landschaft rum und versuche, diese Spaziergänge irgendwie zu visualisieren. Aber selbst hier ist eine leichte Störung im Titel, da die Art der Darstellung gerade nicht dokumentarisch ist. Wenn man Titel wie „The Village“, „The World Map“ oder „Resonance“ betrachtet, sind sie schon eher am offensichtlichen Ende der Skala angeordnet.

„Happy Days II“ aus der Serie „Urban Walks“

Kannst Du noch mehr über diese Beispiele sagen?

Als ich „The Village“ machte, war mein erster Gedanke, es irgendwas um „The Ghost Town“ herum zu nennen, weil der Ort, an dem ich fotografierte, eine Ahnung von genau dem hatte: Einer Stadt voller Geister. Und ich stellte mir vor, wie die Graffiti auf den Wänden und in der Umgebung so eine Art fortdauernde Unterhaltung der Geister an diesem Ort wären, dass die Tags, Krakeleien und unvollständigen Nachrichten in einer Geistersprache geschrieben wurden oder sogar ihre visuellen Stellvertreter sind.

Aber als ich dann mit der Nachbearbeitung begann, fühlte ich eine auffällige Ähnlichkeit mit dem Ort und dem dargestellten Milieu, an das ich mich aus dem Film „The Village“ erinnerte. Der Film spielt an einem Ort, der von hohen Wänden und einem „beobachtenden“ Wald umgeben ist. Das Licht und die Atmosphäre vor Ort erinnerten mich auch sehr an meine Erfahrung des Films und die Idee seiner darunterliegenden Geschichte war nicht so weit von meinen ursprünglichen Gedanken entfernt, aber offener, soweit die Ideen ähnlich sind.

„It’s A Living“ aus der Serie „Urban Walks“

„The World Map“ ist ein Titel, der sich ganz darum dreht, die Welt auf eine alternative Art als Landschaften oder Orte wahrzunehmen. Die Bildebene beschäftigt sich auch mit dem Wechsel der Perspektive. Oberflächlich betrachtet sind es Bilder, die zeigen, was man sieht, wenn man die Kamera auf die Asphaltoberfläche oder einfach den Boden richtet. Aber ich habe die Bilder immer als fast topografische Ansichten eines alternativen Universums gesehen.

„Resonance“ entstand aus einer Idee von Geräuschen und Musik. Ich erinnere mich daran, dass ich sehr viel über die verschiedenen Klänge nachdachte, die die Container machen, wenn man auf ihnen klopft – je nachdem, ob sie leer oder mit etwas gefüllt sind. Diese fundamentale Idee funktioniert seitdem für die Serie, obwohl es um so viel mehr geht als nur ein Metallecho, das durch die Stille hallt.

Aber da der Titel so offen gehalten ist wie ich es mag, habe ich ihn behalten und denke inzwischen auch nur sehr selten an Klänge, wenn ich neue Bilder zur Serie hinzufüge. Wenn man sehr lange an einer Serie arbeitet, tendiert sie immer dazu, sich zu bewegen und zu verschieben, ein Eigenleben zu entwickeln – und das ist ja gerade das wirklich Interessante daran.

„The Ballad Of Yang Ming“ aus der Serie „Resonance“

Steckst Du manchmal besondere Wendungen oder Hinweise in Deine Titel, um den Betrachter etwas mehr in eine bestimmte Richtung zu lenken?

Wenn ich meinen Bildern Titel gebe, versuche ich alles, um Hinweise zu geben, zu problematisieren oder die Wahrnehmung des Betrachters vom Offensichtlichen abzulenken und etwas von der Realität in die imaginäre Welt zu ziehen. Verbunden damit, wie ich meine Vorstellungskraft benutze, wenn ich Dinge sehe, aber ohne ein Dogma.

Das kann alles sein von Ironie über Humor bis zu poetischen Reflexionen oder schlichtem Unsinn. Es kann darum gehen, etwas zu sagen, das im Widerspruch zum Sichtbaren steht oder etwas, das ich direkt vom Bild aufgreife, nicht immer das Offensichtliche, eher Dinge, die hinter den Kulissen warten – die kleineren Dinge, sozusagen.

Beispiele wären die zwei Bilder „Happy Days“ 1 und 2 und „It’s A Living“ aus der Serie „Urban Walks“, dort sind die Titel ein bisschen ironisch oder, um genauer zu sein, tragi-komische Reflexionen dessen, was ich gesehen oder erlebt habe.

„There Is A Zebra Outside My Window“ aus der Serie „The World Map“

Im Kontrast dazu hat „The Ballad Of Yang Ming“ aus „Resonance“ einen Titel, der einen anderen, eher romantischen und poetischen Ton anschlägt, ein Hauch von Zeit und Reise, die Echos des Jetzt und Damals.

Aus „The World Map“ ist „There Is A Zebra Outside My Window“ erwähnenswert; der Titel ist fast eine direkte Reflexion dessen, was man im Bild sehen kann, aber er suggeriert etwas anderes.

Und schlussendlich fällt mir noch „Let Us Enter“ aus der Serie „The Village“ ein, bei dem der Titel sehr eng mit der Idee der Geister verbunden ist. Es geht um meinen Eindruck, dass die Geister sich in Form der Graffiti materialisieren, darauf drängen, einzutreten, vielleicht nur in den Raum hinter der Metalltür, aber vielleicht auch in Deinen Kopf. Wer weiß?

„Let Us Enter“ aus der Serie „The Village“

Titelbild: „You Shall Not Pass“ aus der Serie „The Village“.

Ich habe das Interview mit Samuel auf Englisch geführt und anschließend ins Deutsche übersetzt.

Meine Serie, die ich euch heute vorstellen möchte, entstand in einem Blockseminar an der Freien Fotoschule Stuttgart. An dieser Schule belegen wir in einem Semester drei solcher Seminare. In einem dieser Seminare müssen wir innerhalb von vier Tagen eine Serie von fünf bis sieben Fotos vorlegen.

Das Thema wird von unseren Dozenten gestellt und wir erarbeiten dann innerhalb einer Stunde ein Konzept unserer ersten Ideen. Danach heißt es, an Abgabe und Präsentation fleißig zu arbeiten. Dabei sollen wir auch lernen, die Fotografien richtig zu präsentieren. An der Wand, im Rahmen, im Buch und so weiter. Wir sollen auch lernen, über diese Fotos zu sprechen, Kritik zu üben, Kritik anzunehmen und das Kritisierte beim nächsten Mal erneut anzuwenden und zu verbessern.

In dieser dargestellten Aufgabe sollten wir sieben Bilder mit dem Thema „Erzählungen über mich“ fotografieren, darin etwas über uns erzählen. Innerhalb einer Stunde hatte ich mein Konzept geschrieben, es meiner Dozentin vorgelegt und 1000 Ideen im Kopf entwickelt.

Da ich jeden Tag eine Stunde von Ulm nach Stuttgart im Zug sitze, habe ich dort genügend Zeit, mir Gedanken über mich und meine Fotos zu machen. Meine eigentliche Idee war, die Lieblingsorte meiner Kindheit zu fotografieren.

Aber wie? Wie fotografiere ich so etwas, ohne dass es nach langweiligen Landschaftsfotos aussieht? Wie bringe ich einen Eyecatcher hinein? Wie kann ich die anderen davon überzeugen, meine Fotos anzusehen? Und wie schaffe ich es überhaupt, die Lieblingsorte meiner Kindheit erkennbar rüberzubringen? Viele Fragen, keine Antworten.

In meinem Konzept stand zwar, dass ich die Orte meiner Kindheit fotografieren wollte, aber noch nicht genau wie. Meine erste entscheidende Idee war es, nachts zu fotografieren – damit ich Verwischungen ins Foto bekomme und durch die künstliche Beleuchtung andere Schatten und sowas erhalte.

Mir fehlte also noch das gewisse Etwas. Die nächste Idee war, mich selbst in die Fotos mit einzubauen. Aber wie baue ich mich in ein Foto ein, das durch eine Langzeitbelichtung entstehen soll, ohne zu verwackeln? Wenn ich mich bewege, verwische ich und werde eventuell sogar durchsichtig. Verwischt, durchsichtig – das erinnerte mich an einen Geist.

Wie kann ich mich aber als Geist in ein Foto einbauen – ohne Photoshop? Das Foto belichten, ganz schnell hineinspringen, umher hüpfen und wieder rausspringen? Dazu müsste ich mich hell kleiden, damit etwas im Foto zu erkennen ist. Soll ich dazu eine Taschenlampe benutzen, um eine helle, ausbegrannte Stelle zu erzeugen? Wieder Fragen über Fragen.

In einem Artikel auf kwerfeldein habe ich einmal bei einer Serie gesehen, was bei einer längeren Belichtungszeit von 1/8 oder 1/6 Sekunde und mit einem Vorhang entstehen kann. Das Modell darin hatte sich einen weißen Vorhang übergeworfen und bewegte sich. Durch diese Bewegungen bei einer langen Belichtungszeit kamen Verwischungen zustande.

Es waren nur noch Umrisse, Schatten und dunkle Teile des Gesichtes zu erkennen. 
Genau das, was ich wollte! Ich startete mit meiner Kamera, einem Stativ und einem alten, stinkenden Vorhang an meinen ersten Lieblingsort.

Dworzak wurde einmal gefragt, wie man Fotograf wird.
Seine Antwort fiel knapp aus: Man nimmt einen Fotoapparat und fährt irgendwohin.

Das erste Foto entstand auf dem Spielplatz hinter unserem Haus. Ich richtete meine Kamera – ein 50mm f/1.4 an einer Canon EOS 5D Mark II – aus und schoss erste Testfotos zur Kontrolle der Belichtungszeit, des Ausschnitts und der Schärfe. Und nun – Vorhang schnappen, Selbstauslöser an und sprinten!

Zur Info: Es ist wirklich nicht einfach, während des kurzen Sprints vor die Kamera den Vorhang umzuwerfen und nicht hinzufallen, so mitten in der Nacht…

An der richtigen Stelle angekommen, mit dem Vorhang über mir, beobachte ich die Kamera – in der Hoffnung, dass ich selbst nicht beobachtet wurde. Das blinkende Licht bleibt stehen, das heißt in drei Sekunden belichtet die Kamera, das Licht geht aus – klick. In einer gebückten Stellung bewegte ich mich langsam hin und her. Klick – nach 20 bis 30 Sekunden ist die Kamera fertig.

Also schnell wieder zurück, um mir das Ergebnis anzuschauen. Ich war begeistert! Ich hatte einen Geist in ein Foto gezaubert!

Einige Versuche, Änderungen an den Kameraeinstellungen und meiner Position später, ging es weiter zur nächsten Location. 20 Meter nach rechts, zur Schaukel. Dort und auch bei den anderen Locations: Jedes Mal das gleiche Spiel.

Bei meiner Ausführung habe ich auf den gleichen Bildausschnitt, die Größe des Geistes, die Höhe des Horizontes und ähnliche Dinge geachtet. Die letzten beiden Fotos, in der Badewanne und bei meinen Eltern im Bett, musste ich leider eine Ausnahme machen. Für mich persönlich gehören sie dennoch zur Serie, sie erzählen so viel über mich und meine Kindheit. Und das ist für mich in meiner Serie essenziell.

Für die Bearbeitung habe ich in Lightroom nur die Sättigung etwas rausgenommen, das Schwarz und Weiß leicht angehoben und einen dezenten Grünstich mit eingebaut. Diese Färbungen sind mir sehr wichtig.

Vor zwei Jahren bin ich in der Türkei während der Fahrt von meinem Roller gefallen, und soweit ich mich erinnern kann, habe ich in diesem „Moment des Sturzes“ alles mit einem Mix aus Grün und Sepia gesehen.

Bei der Präsentation meiner Serie in der Schule wussten alle Dozenten und Kommilitonen sofort, dass es sich um Erzählungen aus meiner Kindheit handelt. Ziel erreicht, oder? Ein paar wenige meinten, ich solle alle Fotos noch einmal neu fotografieren, allerdings ohne diesen Geist. Sind es dann nicht nur langweilige Landschaftsfotos?

Die Serie ist für mich noch nicht vollständig. Es fehlen vor allem noch einige Fotos von meinem allerliebsten Lieblingsort auf der Welt – der Türkei – meiner zweiten Heimat. Außerdem werde ich noch Fotos meiner Jugend, dem Erwachsenwerden und so weiter fotografieren. So wird das dann hoffentlich auch bis zum Schluss weitergehen.

Für mich persönlich ist diese Serie eine wundervolle Bereicherung. Alte, fast vergessene Erinnerungen kommen wieder hoch. Hoffentlich gefällt Euch meine Serie, vielleicht konnte ich den einen oder anderen inspirieren, auch so etwas oder Ähnliches zu fotografieren.

Auf Kritik und Anregungen in den Kommentaren freue ich mich schon sehr!

Bauhaus oder Baustofflager? Für mich eine einfache Entscheidung. Statt Postkartenmotiven suche ich lieber das Abseitige. Denn Häfen, Gewerbe- und Industriegebiete sind fotogener, als man zunächst glauben mag.

Seit Jahren fahre ich mit der S-Bahn zur Arbeit. Immer dieselbe Strecke, vorbei an den endlosen Hafenanlagen links und rechts des Rheins. Meine routinierten Mitpendler lässt das Industriepanorama kalt. Ich hingegen drücke mir die Nase an der Scheibe platt, wenn ISO-Container und Schüttgutsilos in der Abendsonne leuchten.

Irgendwann habe ich mir Kamera und Stativ gegriffen und bin hier mal ausgestiegen. Besser gesagt: „gelandet“. Denn das riesige Areal wirkt wie ein fremder Planet.

Was hier errichtet wurde, unterliegt ausschließlich funktionalistischen Ansprüchen. Nichts davon ist gemacht, um zu gefallen. Keine Erker, keine Bäume, keine Türmchen und keine Glasfassaden. Stattdessen stählerne Exoskelette, Betonmonolithen, Dreck, Rauch und Dampf.

Auf manche Menschen wirkt das abstoßend, die meisten nehmen es gar nicht wahr. Ich finde es großartig. Denn hier, wo alles auf Zweckmäßigkeit getrimmt ist, wimmelt es geradezu vor spannenden Motiven. Mal sind es abstrakte Strukturen, mal sind es die reduzierten Formen und Farben der Industriearchitektur.

Und zwischendurch entdeckt man immer wieder überraschende Stillleben. So wie den Tanklastwagen, der vor den drei Tannen wie drapiert wirkt – ein fotografischer Glücksfall, dem lediglich ein bisschen Sonnenlicht fehlte.

Beim Fotografieren konzentriere ich mich gern auf das Wesentliche. Ich wähle meine Bildausschnitte so, dass das Motiv möglichst isoliert steht. Details werden aus ihrem landschaftlichen Kontext gerissen und zum – Achtung, großes Wort – „Kunstwerk“ erhoben. Dazu gehört natürlich auch das entsprechende Licht.

Ich fotografiere vorzugsweise in den Morgen- oder Abendstunden, an sonnigen, leicht bewölkten Tagen. Das tief einfallende Licht macht Details noch plastischer, hebt Strukturen hervor und wirft oftmals bemerkenswerte Schatten. Vermeintlich unspektakuläre Objekte werden so zu spannenden Motiven.

Anschließend verbringe ich nochmals diverse Abende vor dem PC, um die fotografische Ausbeute zu selektieren und nachzubearbeiten. Dabei gilt das gleiche Prinzip, wie schon beim Fotografieren: Inszenieren statt dokumentieren.

Natürliche Farben interessieren mich nicht. Stattdessen drehe ich schwungvoll an den Reglern für Tonwert, Weißabgleich und Gradiationskurven. Je artifizieller, desto besser.

All das tue ich aus Spaß an der Fotografie. Ohne professionellen Anspruch, ohne professionelle Kamera, aber immer mit einem klaren Ziel: Ich möchte den Blick auf die Dinge lenken, die normalerweise übersehen werden. Und mit jedem Foto zeigen, dass es sich lohnt, genauer hinzusehen – sogar im Baustofflager.

Als ich mir Stefan Paulus’ Arbeiten zum ersten Mal anschaute, war ich fasziniert von seinem Ansatz, die Fotografie für etwas zu nutzen, das man eigentlich nicht sehen kann. Seine Bilder – insbesondere im Zusammenhang mit seinen Soundstücken – erzeugen bisweilen eine dystopische, befremdliche und gleichzeitig erstaunlich meditative Atmosphäre.

Robert Herrmann

Der Mensch irrt umher. „Er rennt und rast, taumelt und tanzt durch Gänge, Tunnels, Keller, Höhlen, Kreuzwege, Abgründe, Blitze und Donner“. Er sucht „nicht nur eine andere Art die Welt zu betrachten, sondern auch eine andere Art mich ihr gegenüber zu situieren“ schreibt Michel Foucault in „Der Ariadnefaden ist gerissen“. Dabei stellt sich die Frage wie der Raum, die Welt, in der ich mich bewege, erkannt und rekonstruiert werden kann.

Foucaults Begriff der Heterotopie ist eine Möglichkeit, die Welt in der wir leben, die Räume, in denen wir uns bewegen, zu verstehen. Heterotopie bedeutet so viel wie „der andere (hetero) Raum (topos)“.

Foucault definiert Heterotopien als „wirksame Orte, die in die Einrichtung der Gesellschaft hineingezeichnet sind, sozusagen Gegenplatzierungen oder Widerlager, tatsächlich realisierte Utopien, in denen die wirklichen Plätze innerhalb der Kultur gleichzeitig repräsentiert, bestritten und gewendet sind, gewissermaßen Orte außerhalb aller Orte, wiewohl sie tatsächlich geortet werden können“.

Das bedeutet einerseits, dass Heterotopien nicht als reale Orte existieren bzw. dass Heterotopien Orte sind, die sich nicht an ihren üblichen Plätzen befinden. Dieser Ort oder Raum kann unwirklich sein, zu einer anderen Zeit existieren, eine Täuschung des Realen sein.

Anderseits können sie aber auch Wunschvorstellungen sein oder einen Raum darstellen, der körperlich nicht zugängig ist, weil er andere Koordinaten und Dimensionen besitzt.

Für Foucault bringt uns die Betrachtung von Heterotopien zu den Idealbildern einer Gesellschaft, sie zeigt uns die ordnungssystematischen Bedeutungen des Raumes, der Kultur bzw. der Einschließungsmilieus auf.

Zum Beispiel stellt für Foucault das Schiff eine typische Heterotopie dar. Die Idealisierung dieses Ortes ermöglichte ihm eine Analogie der Art und Weise zu beschreiben wie wir regiert und diszipliniert werden bzw. wie wir uns selbst regieren und disziplinieren.

Denn „der Raum, in dem wir leben, durch den wir aus uns herausgezogen werden, in dem sich die Erosion unseres Lebens, unserer Zeit und unserer Geschichte abspielt, dieser Raum, der uns zernagt und auswäscht, ist selber auch ein heterogener Raum“, schreibt Foucault.

In der symbolischen Ordnung der Räume, in denen wir uns bewegen oder die wir betrachten, drückt sich ein Ensemble von Gegensatzpaaren wie breit/schmal, groß/klein, weit/nah, Ich/Du etc. als Wahrnehmungskategorien aus.

Durch die eigene Wahrnehmung, entweder hier oder dort zu sein, entstehen Ausschlussmechanismen und identitäre Selbstplatzierungen. Das heißt, durch die Selbstbetrachtung, durch die Spiegelung des eigenen Standpunktes verfestigen sich Differenzen. Man bewegt sich in Relation zum anderen, die Wahrnehmung funktioniert nach einer bestimmten vorgegebenen Ordnungssystematik.

Die Doppelbelichtung, die Superposition ist ein Werkzeug zur Darstellung einer Wunschvorstellung, einer Illusion, eines Ordnungs- und Disziplinierungssystems bzw. einer Heterotopie. Sie ermöglicht die Rekonstruktion des Raumes, in dem wir uns bewegen, tanzen oder taumeln.

Sie durchbricht die selbstverständlichen Wahrnehmungsmuster, verunsichert unseren Blick und bringt unser Urteil über „die Realität“ durcheinander. Sie erschafft eine andere Wirklichkeit, indem eine Täuschung des Realen simuliert wird und dadurch das Reale gleichzeitig noch irrealer erscheint.

Sie verbindet Mikro- und Makrokosmos, Vergangenheit und Gegenwart, Mensch und Maschine, Stadt und Land und löst dabei die binäre Logik auf. Die Relativität von allem wird belichtet.

Je nach der technischen Gebrauchsweise kann eine Doppelbelichtung zufällig entstehen. Das heißt, durch eine Verschiebung des Raum-Zeit-Kontinuums zwischen erstem und zweitem Bild bezieht die Doppelbelichtung den Zufall, die Ungleichzeitigkeit, die Nicht-Simultanität, den Moment der Begegnung mit ein.

Wobei auch jede Begegnung auch nicht hätte „stattfinden können, auch wenn sie stattgefunden hat. Ihr mögliches Nichts erhellt die Bedeutung ihres zufälligen Wesens.

Und jede Begegnung ist zufällig in ihren Effekten, insofern nichts in den Elementen der Begegnung, vor der Begegnung selbst, die Konturen und Bestimmungen des Wesens abzeichnet, das daraus hervorgehen wird“, schreibt Louis Althusser.

Durch die Belichtung der Relativität, die Darstellung des Zufalls, die nichtlineare Sichtweise, durch die Superposition der Doppelbelichtung treten Vielheiten auf, die untereinander kommunizieren und sich miteinander verdinglichen. Räume können sich überlagern. Das eine Bild kann in das andere, in die Differenz wechseln, sich vermitteln.

Es entstehen Schichten und jede geschichtete Ebene der Doppelbelichtung ist von unterschiedlichen und vielfältigen Punkten aus verbunden. Die Elemente des Bildes bekommen keine eindeutige Bedeutung, keine festen Rollen und keinen festen Sinn mehr.

Straßen, Wohnhäuser, Fabriken, Alltagssituationen erlangen so eine andere Realität. Ihre alltägliche Funktion und Ordnung wird außer Kraft gesetzt.

Die Doppelbelichtung ermöglicht uns als BetrachterInnen, die vorhersehbaren Pfade in den realen Orten zu verlassen und die Illusionen des Realen zu spiegeln. Durch eine experimentelle Aneignung der „Realität“ können weitere Wahrnehmungskategorien der Befindlichkeit angelegt werden, welche die eigene Wirklichkeit zerlegen, entwerten, entäußern.

Die Doppelbelichtung ermöglicht es uns zu überlegen, wie die eigene Stellung zum inneren und zum äußeren Raum verläuft. Heterotopes Denken bzw. eine sozialkritische Gebrauchsweise der Fotografie macht Gegenorte sichtbar. Sie schafft alternative Orte im Alltagsverstand, weil sich dem Alltagsverstand die Bedeutung des Alltäglichen, des „Normalen“ oftmals verstellt.

Literatur:
Althusser, Louis 2010: Materialismus der Begegnung, Zürich-Berlin
Collmer, Thomas 2009: Cut-Up und Dialektik, Wenzendorf
Foucault, Michel 1990: Andere Räume/Der Ariadnefaden ist gerissen. In: Aisthesis. Wahrnehmung heute oder Perspektiven einer anderen Ästhetik, Leipzig

Manchmal braucht es mehr als ein Konzept, eine Idee oder den Willen, etwas zu fotografieren. Der Zufall spielt in den meisten Bereichen der Fotografie eine große Rolle und kann nicht manipuliert werden. Entweder der Moment ergibt sich – oder nicht.

Ich hatte keine genaue Vorstellung, was im Endeffekt bei meinen Versuchen herauskommen sollte. Ich finde, manchmal muss man das auch gar nicht wissen. Etwas so Unvorhersehbarem wie dem Feuer kann man sich auch gar nicht anders nähern.

Zuallererst suchte ich mir ein ruhiges Plätzchen, an dem es nicht auffällt, wenn man Stichflammen durch die Landschaft feuert. Und dann fing ich auch schon an, Bilder zu machen. Ich baute mein Stativ auf und fokussierte auf den vor mir befindlichen Baumstamm. Direkt die Flammen zu fokussieren, ist unmöglich und da der Autofokus gewiss zu langsam dafür wäre, entschloss ich mich also, nach dem korrekten Fokussieren auf den Baumstamm den manuellen Fokus zu verwenden, sodass sich die Schärfenebene auf den nächsten Aufnahmen nicht mehr veränderte.

So weit, so gut. Ich brauchte also etwas Entflammbares und entschied mich für das Nächste, was mir in die Hände kam: Rostschutzmittel aus der Spraydose. Dieses sprühte ich nun auch auf ein mit Benzin gefülltes Teelicht, das vor sich hinloderte. Die Flammenentwicklung war enorm, zu enorm.

Da ich spontan mit dem Fahrrad zu unserem Schrebergarten gefahren war, fiel mein Blick schon bald auf meine Fahrradpumpe am Fahrrad. Ich suchte nämlich etwas, um den Brennstoff gezielter und dosierter auf das Teelicht zu geben. Ich bastelte mir meine eigene Spraydose, indem ich etwas Benzin in die aufgeschraubte Pumpe gab und einen Trinkhalm vor den Adapter steckte. So wurde das austretende Benzin beim Runterdrücken der Pumpe gezielt auf das Teelicht gesprüht.

Das Ergebnis waren wunderschön geschwungene Feuerfiguren. Teilweise ergaben sich durch das unkontrollierte Sprühen des Röhrchens sogar besondere Funken.

Da das Feuer ein sehr, sehr helles Licht hat und an den heißesten Stellen förmlich glüht, waren die ersten Aufnahmen ausgebrannt und ohne Struktur. Ich hatte zuerst den Fehler gemacht, das Licht der Umgebung zu messen.

Im manuellen Modus der Kamera konnte ich mit einigen Testbildern schnell herausfinden, welche Werte perfekt waren, um das Feuer richtig zu belichten. Für das vorgestellte Bild benutzte ich eine Belichtungszeit von 1/4000 Sekunde. Mit einer Blende von f/2.8 ergab sich ein ISO-Wert von 800.

Als alles richtig eingestellt war, musste ich nur noch Reihenaufnahmen des Geschehens vor meiner Kamera machen. Ich sprühte also mit der Luftpumpe aus verschiedenen Winkeln und Entfernungen. Später sollte sich herausstellen, dass die springende Gestalt eine Größe von 20cm hatte.

Nach einiger Zeit waren sehr, sehr viele Bilder im Kasten und mir blieb nun der viel zu lange Nachhauseweg und die anschließende Sichtung der Bilder.

Und tatsächlich: Es waren unglaublich schöne Verformungen des Feuers unter den Bildern. Doch eines stach eindeutig aus der Masse hervor. Ich sah es sofort. Die Gestalt eines Pferdes oder Einhorns galoppierte dort über mein Bild. Es war nicht perfekt, dennoch konnte ich die wichtigsten Körperteile erkennen.

Es war beeindruckend, das Bild zu untersuchen, da es mir beim Prozess des Fotografierens keinesfalls aufgefallen war. Die Flammen bewegten sich einfach zu schnell. Meine Kamera hielt also das fast, was mit den Augen unmöglich zu sehen war.

Mit Hilfe der vielen anderen Bilder – gestreute Funken, geschwungene Flammen und winzige Explosionen – verdeutlichte ich die springende Gestalt. Ich gab ihr einen größeren Schweif und kräftigte schließlich noch die Farben.

Dabei achtete ich stest darauf, nur Ausschnitte anderer Bilder zu nehmen und die Bilder an sich unverändert zu lassen. Der überwältigende Moment, als der Geist dieser Figur eingefangen wurde, sollte unbedingt erhalten bleiben.

Das war mir sehr wichtig und ich hoffe, dass Ihr beim Betrachten des Bildes die gleiche Faszination verspürt wie ich sie hatte, als ich verblüfft vor dem Monitor saß und es nicht glaube konnte.

Warnhinweis: Bitte beachtet, dass der Umgang mit Sprühdosen, Benzin und Feuer sehr schnell gefährlich werden und zu verhehrenden Verletzungen führen kann. Die beschriebene Vorgehensweise ist nicht zur Nachahmung empfohlen! Falls Ihr solche Experimente trotzdem machen wollt, zieht bitte geschultes Fachpersonal hinzu. Die Redaktion