Für mich ist mein iPhone eine gute Immerdabei-Kamera geworden. Ich fotografiere damit wieder mehr einfach so und zwischendurch ganz ohne Druck. Das ist für mich von großem Wert, da ich beruflich auch fotografiere (da natürlich nicht mit dem iPhone).

Das iPhone hat meine Fotografie ein gutes Stück wieder befreit. Wenn das gemachte Bild etwas kann – super! Wenn nicht – auch nicht tragisch, ich hatte ja kaum Aufwand. Ich probiere wieder mehr aus, einfach so, ohne den Anspruch, dass da jetzt unbedingt Großartiges entstehen muss.

Unverzichtbar ist für mich dabei die App tadaa geworden. Das deutsche Start-up sitzt in der Hamburger Speicherstadt und auch wenn die Funktionen auf den ersten Blick denen von Instagram sehr ähnlich sind, so gibt es doch einige Besonderheiten und ganz klare qualitative Unterschiede. (Ganz abgesehen davon, dass Instagram inzwischen Facebook gehört und damit immer ein komisches Bauchgefühl bleibt, wenn man Bilder teilt.)

Was jetzt kommt, ist eine absolute Premiere, denn normalerweise zeige ich keine Vorher-Nachher-Bilder. Ich bemerke aber bei mir selbst, dass ich immer wieder zwischen Original und Bearbeitung hin- und herwechsle. tadaa kann einfach Dinge aus einem iPhone zaubern, von denen ich nie dachte, dass mein Telefon das kann.

Ich will hier jetzt gar nicht alle Funktionen ausführlich schildern, sondern mich vor allem auf Masking und Bokeh-Tilt-Shift konzentrieren, da das unscheinbar daherkommende, aber unglaublich mächtige Tools sind.

Aber mal von Anfang an, eine kleine Anleitung:

Die Bearbeitungstools von tadaa: Filter

tadaa hat insgesamt 35 unterschiedliche Filter (auch im Liveview, falls man mag), immer wieder kommen neue Filter dazu, kostenlos für alle registrierten User. Die Registrierung kostet auch nichts und lohnt sich sowieso. Wer Filter verpasst hat: Soweit ich weiß, kann man eine Mail an tadaa schreiben und nett danach fragen. Überhaupt ist der Support freundlich, schnell und zuverlässig.

Alle Filter kann man in der Intensität anpassen, was ich sehr gern mag, da sie mir bei 100% oft zu stark sind.

Der unscheinbare Apply-Button unten rechts speichert alle bisherigen Einstellungen zwischen und danach könnt Ihr weiterbearbeiten. Ich benutze bei fast all meinen Bildern nicht nur einen Filter, sondern lege mit Apply mehrere Filter mit geringer Intensität darüber.

Für die Grundierung nehme ich zum Beispiel sehr gern Souvenir oder Laika bei etwa 50-60%, insbesondere Souvenir ist nett zu Hauttönen. Danach swipe/wische ich weiter durch meine Lieblingsfilter, bis ich die perfekte Mischung habe.

Für die grauen Tage bietet sich Campfire an, Doku macht schöne Kontraste und schönes Schwarzweiß, Kino ist auch gut für Haut und macht schöne leicht blaue Schatten bei einer feinen Körnung. In letzter Zeit mag ich es, über die Bilder noch ein kleines bisschen Persico zu legen. Aber all das ist natürlich Geschmacksache. Bei der großen Auswahl findet sicher jeder seine Lieblingskombination.

Bokeh und Tilt-Shift

Jeder kennt diese runden, leuchtenden Kreise auf Bildern, die mit Offenblende fotografiert wurden – wir reden von Bokeh. Durch die Unschärfe wird die Aufmerksamkeit auf das eigentliche Motiv gelenkt.

Nun gibt es viele Apps, die mit dem Tilt-Shift-Effekt spielen und so störenden, unruhigen und ablenkenden Hintergrund entfernen sollen. Doch die Unschärfe ist oft platt und langweilig. Auch der Gaußsche Weichzeichner in Photoshop wirkt wenig überzeugend.

Nun – tadaa hat einen Weg gefunden, Bokeh unglaublich realistisch und schön zu berechnen. Es simuliert die echte Physik eines Tessars, jeder einzelne Pixel fällt wie ein Lichtstrahl durch den Algorithmus, in Fast-Echtzeit.

Man kann über die verschiedenen Regler einstellen, wie groß und wie intensiv das Bokeh und die Unschärfe sein sollen.

Es gibt verschiedene Tilt-Shift-Modi bei tadaa: Linear, rund, oval oder auf das ganze Bild bezogen (das wird nachher für das Masking noch relevant). So handhabt man das Tilt-Shift von tadaa:

Mit zwei Fingern bewegt, vergrößert und verkleinert man den Ausschnitt – die zwei inneren Linien sind ganz scharf, der Zwischenraum zwischen inneren und äußeren Linien reguliert den Übergang, dieser kann über „Radius“ geregelt werden. Je nachdem, wie hart der Übergang sein soll.

Über den Blur-Regler kann man die Intensität der Unschärfe einstellen. Wenn Highlights im Bild vorhanden sind, die zu Bokeh werden sollen, macht mehr Unschärfe (mehr Blur) die Kreise größer, wenig Unschärfe macht die Kreise kleiner.

„Highlights“ regelt die Intensität der Bokehkreise, also wie stark sie leuchten sollen. Natürlich müssen für Bokeh irgendwo im Bild Highlights vorhanden sein – einfach Leuchtkreise auf das Bild zu klatschen, hat noch nie überzeugt.

Ich muss gestehen, ich hatte bis auf wenige Ausnahmen immer Schwierigkeiten, mich mit dem Tilt-Shift-Effekt anzufreunden – ganz gleich von welchem Anbieter. Denn man hat nicht richtig in der Hand, was jetzt scharf ist und was nicht, die Dinge sind nun mal nicht immer nur oval, rund oder in einer Linie.

Um glaubhafte Tiefe zu erschaffen, reicht das selten und genau hier kommt bei tadaa das Masking ins Spiel.

Masking

Mit Masking kann man genau bestimmen, wo die Schärfe liegt, ohne Kompromisse. Man markiert einfach mit dem Finger alles grün, was scharf sein soll. Mit zwei Fingern kann man zoomen und das Bild hin- und herschieben, um noch detaillierter zu arbeiten.

Hier alle Schritte der Bildbearbeitung: Original, Maskieren, Bokeh-Tilt-Shift anpassen, Filter (hier „Kino“) auswählen, fertig.

Wie genau und penibel man dabei ist, ist letztlich jedem selbst überlassen. Nur so viel: Wer Perfektionist ist, wird hier auch voll auf seine Kosten kommen. Mit der Bestätigung der Maskierung landet man direkt im Bokeh-Tilt-Shift Modus. Hier kann man wieder anpassen, wie intensiv die Unschärfe sein soll.

Ein nächtliches Bild mit vielen Lichtern. Im Original … naja. Ein rundes Tilt-Shift in den Vordergrund für einen schöneren Verlauf. Maskiert habe ich dann nur die Person.

Wie man hier sieht, bietet es sich oft an, ein lineares oder rundes Tilt-Shift-Feld in den Vordergrund zu legen, damit das maskierte Objekt nicht so ganz frei in der Unschärfe schwebt.

Grundsätzlich versuche ich auch, es so realistisch wie möglich zu halten. Also Dinge auf gleicher Ebene gleich scharf bzw. unscharf zu machen.

Maskiert habe ich hier die Hand, die Blume (ich gebe zu, die war ein bisschen Gefrickel) und das Mädchen. Filter: Helligkeit, etwas Souvenir und ein bisschen Charleston. Hat man eine gleichmäßige Fläche – wie hier den Himmel – muss an dieser Stelle nicht so sorgfältig maskiert werden.

Maskiert habe ich die beiden Fußgänger mit Regenschirmen, im Vordergrund liegt ein lineares Tilt-Shift, das bis zum Bordstein reicht und da ausläuft.

Ein lustiger Anblick, wie sich die beiden durch Wind und Regen kämpfen. Durch das Masking wird der störende Hintergrund ausgeblendet und der Fokus auf die beiden gelenkt. Der Filter Doku hat echtes analoges Korn. Er bietet sich für Masking oft auch an, da er die Übergänge etwas weicher macht.

Maskiert habe ich das Paar, ein rundes Tilt-Shift liegt im Vordergrund. Filter: Campfire, etwas Helligkeit, etwas Persico. Ganz realistisch ist das hier mit der Schärfe natürlich bei dem Pfosten nicht, aber ich habe ihn zugunsten des Fokus auf den Menschen nicht auch maskiert.

Dieses Bild ist ein Beispiel dafür, dass mein Gefühl von einer Situation und einem Bild nicht unbedingt dem entspricht, was die Kamera im „Original“ ausspuckt. So habe ich die Situation nicht gesehen.

Übrigens finde ich nicht, dass „no filter“ oder „out of cam“ ein Prädikat für ein Bild ist, denn die Kamera und die Voreinstellungen interpretieren ja auch schon immer die Wirklichkeit. Und was ist schon Wirklichkeit? Wie wir eine Situation empfinden, beeinflusst doch auch, wie wir sehen. Aber das nur eine kleine Bemerkung am Rande.

Maskiert habe ich hier lediglich die tolle Frau, kein zusätzliches Tilt-Shift. Filter: Helligkeit, Souvenir und ein kleines bisschen Woodstock.

Hier ein Tipp für Haare: Fusselhaare zu maskieren, kann sehr … haarig sein. Hier hilft oft auch ein kleiner Tilt-Shift-Kreis um den Kopf.

Maskiert hier: Mein kleiner Neffe und die Schaukelketten, ein rundes Tilt-Shift liegt auf dem Boden für den Verlauf. Filter: Helligkeit und Souvenir. Für mich ist das Maskieren zu einer Art Meditation geworden; ich muss zwar dabei immer die Luft anhalten, aber es lohnt sich.

Maskiert habe ich die Seifenblasen, die Stäbe und Seile und das Mädchen, wieder liegt ein rundes Tilt-Shift auf dem Boden. Filter: Laika, Kontrast und ein bisschen Persico.

Seifenblasen haben ja per se Potential, aber ohne das Maskieren wären die Seifenblase hier in dem Gewirr untergegangen.

Durch das Masking wurden einige Bilder, die sonst achtlos im Müll gelandet wären zu Lieblingsbildern. Die neueste tadaa-Version (4.6) verfügt außerdem über eine patentierte automatische Kantenerkennung – dadurch wird das Maskieren noch mal deutlich vereinfacht.

Und ja, ich weiß, Instagram ist vielleicht einfacher, aber ich benutze am Computer ja auch lieber Photoshop als Paint.

Die Bilder wurden übrigens alle mit einem iPhone 4 gemacht und ausnahmslos mit tadaa bearbeitet.

Mit meinem Wechsel von der Film- zur Digitalfotografie im Jahr 2009 und den neuen Möglichkeiten, die sich daraus ergaben, entwickelte ich eine Leidenschaft für besonders großformatige Bilder: Panoramen mit mehreren Hundert Megapixeln bis hin zu vollständigen Kugelpanoramen.

Im Sommer des vergangenen Jahres traf diese Technik auf meine Höhlenbegeisterung. Bereits seit einigen Jahren erkunde ich Höhlen in Baden-Württemberg sowie im französischen Jura. Und natürlich fotografiere ich auch unter der Erde.

An einem schönen Tag nach einer erfolgreichen Höhlentour entstand bei einem kühlen Weizen die Idee, einen virtuellen Höhlenrundgang zu erstellen. Gesagt, getan. Inzwischen sind die ersten 200 Meter der Falkensteiner Höhle bei Bad Urach und der Gouffre de Rappant in Frankreich abgelichtet.

Equipment

Ich verwende zwei verschiedene Kameras: In nassen Höhlen eine Canon PowerShot A620 in einem Unterwassergehäuse, in trockenen benutze ich eine Pentax K7 mit einem Sigma 17-70mm f/2.8 – 4.0 Objektiv. Dieses ist perfekt für einen solchen Einsatz geeignet. Der Brennweitenumfang deckt alles ab, was man braucht – von Weitwinkel bis Zoom. Zudem besitzt es eine gute Makrofähigkeit. So kann ich auch die winzigen Kristallstrukturen einfangen.

Ein Objektivwechsel kommt in der Höhle nicht in Frage. Die hohe Luftfeuchtigkeit und den feinen Lehmstaub will ich dem Inneren meiner Kamera nicht zumuten.

Um nun Kugelpanoramen zu machen, verwende ich für beide Kameras selbst gebaute Panoramaköpfe – für die Canon ein manuell zu bedienender Kopf mit Rasten für die Bildpositionen und für die Pentax einen vollautomatisch gesteuerten Kopf.

Im Freien ist das Aufnehmen von Panoramen in der Regel mit wenig Arbeit verbunden: Ich suche eine geeignete Stelle und schaue zu, wie sich der Kopf bewegt. In einer Höhle ist das nicht so einfach. Die geeignete Stelle zu finden, ist häufig schwieriger, manchmal kann ich mich gar nicht entscheiden oder das Stativ lässt sich nur schlecht an der perfekten Stelle aufstellen.

Als nächstes muss ich die Lampen positionieren und zwar am besten so, dass alles kontrastreich beleuchtet ist und die Lampe nicht direkt im Blickfeld der Kamera ist. Die Beleuchtung übernimmt eine Scurion und ein LED-Videolicht.

Bei den Fotos in der Falkensteiner Höhle hatte ich den LED-Scheinwerfer noch nicht, weshalb die Scurion während der Aufnahme des Panoramas bewegt werden musste. Das hatte zur Folge, dass die Bearbeitung der Bilder deutlich aufwändiger wurde und man im Panorama Kanten sieht, an denen sich die Beleuchtung ändert.

Unter die Erde

Bevor das Equipment zum Einsatz kommt, muss ich aber erst einmal rein in die Höhle. Gut, in eine Höhle zu gehen ist für mich ein routinierter Gang, allerdings normalerweise ohne eine zusätzliche, sechs Kilogramm schwere Fotoausrüstung, die manchmal auch noch durch Engstellen gebracht werden muss.

Ein weiteres Problem ist die Temperatur, denn viel Zeit verbringe ich mit Warten und dabei kühlt man langsam aus. In der Falkensteiner Höhle betrug die reine Fotografiezeit zirka zwei Stunden – danach war leider der Akku der Scurion leer.

Bearbeitung

Nach einer erfolgreichen Fototour beginnt am PC die Bearbeitung in mehreren Schritten. Zuerst korrigiere ich die Raw-Fotos in Lightroom 4 und exportiere sie als 16bit-TIFFs. Diese setze ich anschließend mit Panoramastudio 2 Pro zusammen und speichere sie als PSD.

Dieses Bild bearbeite ich dann in Photoshop: Belichtung und Kontrast werden angepasst, die Farben korrigiert (die beiden Lampen haben etwas unterschiedliche Farbtemperaturen) und das HöhlenAG-Logo wird unten ins Bild eingefügt. Mit diesem Logo wird der weiße Fleck am Boden bedeckt, der durch den Totwinkel des Panoramakopfes entsteht.

Das fertig bearbeitete Bild wird wieder mit Panoramastudio geöffnet. Dort versehe ich es mit Hotspots, die es später ermöglichen, in das nachfolgende Panorama zu wechseln oder ein einzelnes Foto, das an dieser Stelle aufgenommen wurde, zu betrachten.

Danach exportiere ich es als interaktives Bild zur Betrachtung im Browser in zwei Auflösungen. Einmal in voller Auflösung – bei mit der Pentax erstellten Panoramen sind das 470 MP (24mm Brennweite) – und einmal in 36% der Auflösung (60 MP) für die Betrachtung im Web.

Die meiste Zeit verbringe ich dabei mit Warten, denn diese hohe Auflösung lastet meinen Rechner mit 4×3 GHz und 12 GB RAM stark aus. Allein schon das Speichern einer 5 GB großen Photoshop-Datei braucht seine Zeit.

Die richtige Betrachtung erfolgt über einen Flash-Viewer, sodass man im Panorama herumzoomen und sich über Hotspots von einem Panorama in weitere bewegen kann. Alle meine Höhlenpanoramen sind unter HoehlenAG zu finden.

Ich hoffe, Ihr habt Freude beim Betrachten. Ihr findet dort auch noch „normale“ Bilder, die ich unter der Erde schieße. Weitere Panoramen sind übrigens schon in Planung.

Nachdem ich einige Zeit mit meinem Hobby „Modeln“ verbracht hatte, wollte ich unbedingt auf die andere Seite der Kamera wechseln und mich dem Fotografieren widmen. Anfang 2012 beschloß ich also zu fotografieren, merkte jedoch schnell, dass eine gute Kamera leider nicht so günstig ist und ich dafür erst noch Geld sparen müsste.

Um die Zeit aber effektiv zu nutzen, startete ich im März 2012 das Retuschieren. Über unzählige Videotutorials und sehr viel Üben fand ich relativ schnell Gefallen an der Sache und der bisherige Erfolg bestätigt meine Leidenschaft.

Meine Spezialgebiete sind die Bereiche Beauty und Fashion und hier vor allem die Hautretusche für High-End-Projekte. Für mich ist jedes Bild eine Art Kunstwerk und ich versuche, mich vom Bild inspirieren zu lassen, bevor ich starte. Zudem kommen natürlich noch andere Einflüsse wie Kundenwünsche oder angestrebte Looks, die mit in meine Arbeit einfließen.

Ich arbeite ausschließlich mit Photoshop und verwende hier alle notwendigen Techniken, die mich meinem Ziel näher bringen. Am meisten arbeite ich mit Dodge & Burn und verwende hier verschiedene Varianten.

Makellose Haut ist mir sehr wichtig. Es kommt natürlich auch auf die Qualität des Bildes an, aber im Idealfall sollten alle meine Arbeiten das Potential haben, in einem High-Class-Magazin oder als Werbeplakat gedruckt zu werden.

Fast jeder hat mal ein paar Pickel und Hautunreinheiten, die sicherlich nicht schlimm sind. Für die meisten Werbezwecke wird allerdings sehr viel Wert auf eine perfekte Haut gelegt, die trotzdem natürlich aussieht. Das setze ich bei meinen Arbeiten um. Auch, weil es mir persönlich so besser gefällt.

Dies lässt sich nicht mit dem Einsatz von Filtern erreichen, weshalb bei der Hautretusche die meiste Zeit benötigt wird. Wichtig ist mir allerdings auch, nicht alle „Störfaktoren“ zu beseitigen, da die Haut sonst zu plastisch und unecht wirkt.

Für eine gute Hautretusche – und auch Retusche im Allgemeinen – braucht man neben viel Übung und Geduld vielleicht auch mal den einen oder anderen guten Tipp, den man sich von den diversen DVDs am Markt holen kann. Eine konkrete Empfehlung für ein Videotutorial ist Natalia Taffarel – High End Retouching.

Da ich mittlerweile sechs Tage pro Woche 10 – 12 Stunden am Tag mit Bildbearbeitung beschäftigt bin, fehlt mir etwas die Zeit, mich verstärkt der Fotografie zu widmen. Ich arbeite mit Fotografen aus ganz Europa, Israel, Südafrika und den USA zusammen. Glücklicherweise ist die Anzahl der Anfragen und das Interesse an meiner Arbeit recht hoch.

Das Thema Fotografie ist für mich allerdings vorerst nur aufgeschoben. Sobald es die Zeit zulässt, werde ich mich diesem Bereich widmen und hier eigene Ideen realisieren.

Als Gegengewicht zu meiner Tätigkeit als Landschaftsfotograf bereise ich mehrmals im Jahr Großstädte, um auf Motivjagd zu gehen. Architekturfotografie hat überraschend viele Parallelen zur Landschaftsfotografie. Es dreht sich ebenso alles um die Lichtverhältnisse und die Bildkomposition. Der größte Unterschied ist das Kunstlicht, was die Dämmerung zur idealen Zeit für Städtebilder macht.

Planung und Umsetzung von Motiven

Das wundervolle an meinem Beruf ist die Freiheit, meine Reiseziele selbst definieren zu können. Nicht nur einmal sah ich in einer Werbung oder auf einer Webseite ein Foto, welches mich so faszinierte, dass ich kurz darauf diesen Ort besuchen musste. Städte wie Paris, Rom oder Berlin sind voll von herausragender Architektur und die Fülle von Motiven lassen mich immer wieder in diese Metropolen zurückkehren.

Es muss aber nicht immer ein mehrtägiger Trip sein. Auf dem Weg von Wien nach Norwegen zum Beispiel liegt Prag, Dresden, Hamburg und Kopenhagen. So nutze ich die Abend- und Morgendämmerung, um das eine oder andere Bild zu knipsen, ohne mich in Unkosten durch Flug und Hotel zu stürzen.

Sternwarte Urania am Donaukanal, Wien.

Ich lebe nur eine halbe Stunde von der österreichischen Metropole entfernt. So kann ich jederzeit meinen Durst nach Architekturfotografie stillen.

Wenn ich eine Stadt mit dem Fokus Fotografie bereise, sind es meistens drei oder vier Nächte, die ich vor Ort verbringe. Nachdem ich mittels Recherche bei Bildagenturen oder lokalen Fotografen die geplanten Motive in den Stadtplan eingezeichnet habe, suche ich mir ein Hotel mit möglichst optimaler Lage. Die Entscheidung, welches Motiv ich wann umsetzte, treffe ich immer erst spontan je nach Witterungsbedingungen.

Die Ausrichtung des Motivs ist entscheidend. Sind ein paar Wolken am Himmel, kann Gegenlicht für einzigartige Stimmungen sorgen. Ist es strahlendblau, wähle ich Motive quer zur Sonne. Ist es bedeckt, bleibt nur die Blaue Stunde als nutzbare Zeit.

Das größte Stahlwerk Österreichs steht nie still. Gespenstisch war die Stille zum Zeitpunkt der Aufnahme. Echte Nachtaufnahmen mache ich sehr selten, mir sind die Kontraste zu hoch und ich bin kein Fan von HDR-Software. Dieses Bild wurde aus drei Einzelbelichtungen manuell in Photoshop überblendet. Arbeit, die ich mir gern spare.

Technischer und inhaltlicher Anspruch

Licht ist wie in jedem Bereich der Fotografie der wichtigste Faktor, ein Bild als herausragend zu markieren. Ich bin bezüglich der Qualität des Lichts zu keinen Kompromissen bereit und packe die Kamera nur aus, wenn ich überzeugt bin, dass es sich lohnt.

Anspruchsvoll zu sein ist anstrengend, zumal ich nicht wie übliche Touristen gemütlich nach dem Frühstück losziehe. Vor der Morgendämmerung geht es los, im Frühsommer läutet der Wecker nicht lange nach vier und am Abend komme ich selten vor halb elf ins Hotel zurück.

Mit über zehn Kilogramm Ausrüstung mehrere Tage hintereinander viele Kilometer auf Asphalt zu marschieren, ist auch nicht zu unterschätzen. In Zeiten, in denen jeder Zweite mit einer Spiegelreflexkamera durch die Gegend läuft und täglich Milliarden neuer Bilder entstehen, muss man sich die Latte hoch anlegen, um Erfolg zu haben.

Anders gesagt: Die Bilder müssen besonders gut sein, um sich von der Masse abzuheben. Es folgen fünf Tipps zur Bildgestaltung.

1. Getrennte Linien

Was haben annähernd alle guten Bilder gemeinsam? Ich behaupte, einen einfachen und starken Bildaufbau. Es heißt nicht umsonst „Großstadtdschungel“. Ordnung in die Komposition zu bringen, ist die Herausforderung, die es in der Städtefotografie anzunehmen gilt. In meinen Bildern versuche ich, dem Betrachter einen Weg vorzugeben, dem sein Auge folgen kann.

Wenn zu viel Information im Bild ist, erschwere ich es dem Betrachter, diesem Weg zu folgen. Deshalb ist ein klarer Bildaufbau von größter Bedeutung. Linien und Flächen, die dominanten Formen in der Architekturfotografie, lassen sich am deutlichsten abbilden, wenn darauf geachtet wird, dass sie sich nur an geeigneten Stellen berühren. Je weniger Berührungen, desto klarer die Bildsprache.

Olympia Hafen von Barcelona in der Morgendämmerung. Es war mir wichtig, dass sich die Palmen und Wolkenkratzer nur wenig „berühren“, um die Bildsprache so klar wie möglich zu halten.

2. Blaue Stunde – Mischlicht ist nicht gleich Mischlicht

Die viel zitierte Blaue Stunde ist leider in den seltensten Fällen eine Stunde. In Abhängigkeit vom Breitengrad und der Jahreszeit bewegt sich die Sonne in einem steilen oder flachen Winkel zum Horizont. Je flacher der Winkel, desto länger die Dämmerung und desto länger die Blaue Stunde.

Zwei Extreme als Beispiel: In Stockholm Anfang Juli sehen Abend- und Morgendämmerung nahtlos ineinander über. Drei Stunden Mischlicht sind das Ergebnis. In Singapur nahe dem Äquator fällt die Sonne wie ein Stein vom Himmel, kaum zehn Minuten gutes Licht ermöglichen nur ein paar Aufnahmen pro Tag.

Mischlicht geht immer! Auch ein grauer Tag ohne spektakuläre Lichtverhältnisse endet mit ein paar Minuten gutem Licht.

Das Licht hat nach Sonnenuntergang bei heraufziehender Nacht ähnliche Qualitätskriterien wie bei Sonnenschein. Quer zur Sonne lässt sich der Himmel mit einem Polfilter abdunkeln, auch nachdem die Sonne verschwunden ist.

Diese Tatsache nutze ich gern, um das magische, blaue Licht schon früher zu nutzen. Gegenlicht ist denkbar ungeeignet, da die Gebäudefronten kein Tageslicht mehr abbekommen, auch wenn der Himmel noch hell genug wäre. Zu hohe Kontraste sind die Folge.

Dank des Polfilters konnte ich den Himmel so weit abdunkeln, dass eine Mischlicht-Aufnahme schon kurz vor der Dämmerung möglich war.

3. Lange Brennweite

Ein Teleobjektiv ermöglicht uns zwei Gestaltungstricks: Das Freistellen (Isolieren) von Details und das Verdichten der Perspektive. Bei Brennweiten ab 100mm und besonders auffällig über 200mm erscheint ein Motiv mit Tiefe für das menschliche Auge komprimiert oder verdichtet.

Wir Menschen sehen immer mit derselben Brennweite, deswegen sind Aufnahmen mit Weitwinkel- oder Teleobjektiven auch besonders dynamisch. Vielleicht verwöhnt uns die Evolution in den nächsten tausend Jahren mit zoom-fähigen Augen, bis dahin erfreuen wir uns an spannenden Bildern mit langen Brennweiten als etwas Außergewöhnliches.

Details wie Muster isoliere ich mit einer langen Brennweite. Immer wieder halte ich auf der Motivsuche inne und versuche, bewusst interessante Details zu finden, da sie allzu leicht übersehen werden.

Westminster Palace aus 1,5 km Entfernung mit 300mm fotografiert. Die lange Brennweite lässt die hintereinander angereihten Bildelemente Bäume, Brücke, Riesenrad und Palace optisch zusammenrücken.

4. Rahmen

Ein gut gewählter Rahmen kann die inhaltliche Qualität eines Bildes erhöhen. Meistens erfüllt der Rahmen die Funktion des Vordergrunds, gleichzeitig gibt er dem Bild Tiefe und eine Dimension. Das Resultat ist ein weit dynamischer anmutendes Bild, als es ohne Rahmen wäre.

Nach der Regel der getrennten Linien eignet sich alles Mögliche als Rahmen, ob Bäume, Wolken, ein Tor, Säulen oder eine Brücke. Ich nutze nicht nur jede Gelegenheit, ein Motiv durch Rahmung zu optimieren, ich halte aktiv danach Ausschau.

Die Stadt der Wissenschaft und Künste im spanischen Valencia ist eine perfekte Kulisse, um moderne Architektur zu fotografieren. Flache Wasserbecken zwängen einem bei Windstille Spiegelungen geradezu auf. Die Brücke setzte ich in diesem Beispiel als Rahmen ein.

5. Bewegte Bildinhalte

Selbstleuchtende und bewegte Bildteile sind ideal, um sie als Teil der Komposition zu verwenden. Autos und Züge erfüllen das in jeder Hinsicht, nicht zu vergessen Schiffe. Beim Fotografieren im Mischlicht ergibt sich ein Zeitfenster, in dem die Scheinwerfer von Autos oder Zügen die optimale Helligkeit haben.

Da sie ähnlich hell wie Laternen oder beleuchtete Fenster sind, ergeben sich daraus keine speziellen Anforderungen an die Belichtung. Die Dauer der Belichtung ist ausschlaggebend für das Endergebnis. Experimentiert mit Belichtungszeiten von wenigen Sekunden bis zu mehreren Minuten!

Eines der meistfotografierten Motive in Venedig. Was soll’s?! Ich will es mit eigenen Augen sehen und die Erinnerung mit nach Hause nehmen. Tendenziell versuche ich, stark besuchte Sehenswürdigkeiten in der Morgendämmerung zu fotografieren. In diesem Fall unmöglich, da weder die Kirche im Hintergrund beleuchtet gewesen wäre, noch hätte ich die Boote einbauen können.

Der Kamerastandpunkt liegt auf einer hölzernen Brücke, die den Canal Grande überspannt. Da die Brücke mit jedem Fußgänger leicht schwankte, bestand die Herausforderung darin, einen Moment ohne Fußgänger abzuwarten. Kein leichtes Unterfangen in der Stadt mit den meisten Touristen weltweit! Ich positionierte mich direkt über einem Pfeiler, um die Vibrationen zu minimieren und schaffte es tatsächlich, ein scharfes Bild zu produzieren.

Weit mehr Tipps und Tricks für spannende Bildkompositionen findet Ihr in meinem eBook CITYSCAPES zu diesem Thema.

Entwickeln mit uraltem Rodinal.

In der Fotografie gibt es immer wieder Fabeln und Legenden, die von vielen gern nacherzählt und in allerlei Publikationen verbreitet werden. Das reicht von der Robustheit mechanischer Nikon-Kameras, die angeblich zwei Weltkriege überstehen, über lebensrettende Leica-Kameras, bis hin zum angeblich unverwüstlichen Filmentwickler Agfa Rodinal.

Da kennt meist irgendwer immer irgendwen, der wen kennt, der aus sicherer Quelle weiß, dass in irgendeiner aufgelösten Dunkelkammer noch eine uralte, verstaubte und mit pechschwarzem Inhalt gefüllte Flasche Rodinal gefunden wurde und diese auch noch ganz normal entwickeln würde.

Die meisten dieser Geschichten lassen sich mit etwas Recherche überprüfen, so gibt es durchaus Menschen, die auch heute noch mit einer über fünfzig Jahre alten Nikon F fotografieren. Ebenfalls befindet sich im Leica-Museum in Wetzlar eine Kamera, an deren Gehäuse tatsächlich eine Gewehrkugel abgeprallt ist und dem Fotografen das Leben gerettet hat. Und wie steht es mit der so legendären Haltbarkeit von Rodinal?

Frisches Rodinal ist heutzutage leicht zu bekommen, die bekannten Versandhändler bieten das klassische Rodinal meist als R09 One Shot an und die Produktion wird wohl noch bis zum Sanktnimmerleinstag fortgeführt werden. Aber was ist mit altem, richtig altem Rodinal? Und damit meine ich nicht einmal Wiedervereinigungs- oder Flowerpower-Rodinal, sondern richtiges Weltkriegs- und Kaiser-Wilhelm-Zeugs. Vulgo: Echt alt halt.

Bei einem bekannten Auktionshaus sind die berühmten Dunkelkammerauflösungen zwar schon wieder selten geworden, mit etwas Geduld und Glück finden sich dort aber immer noch wahrliche Schätze. So war es mir möglich, eine geöffnete und benutze Glasflasche und sieben Plastikflaschen Agfa Rodinal zu ersteigern.

Die Plastikflaschen stammten aus den frühen neunziger Jahren und fristen nun ihr Dasein als mein normales Entwicklungs-Rodinal, die Glasflasche stammt aus den späten sechziger oder frühen siebziger Jahren. Schon gut alt, aber immer noch nicht wirklich meinen Vorstellungen entsprechend.

So wollte es wohl der Zufall, dass ich kurze Zeit später über einen vierundvierzig Jahre abgelaufenen Orwo-NP27-Rollfilm sowie eine Flasche Rodinal stolperte, deren Etikett verdächtig nach Jugendstil aussah und deren Innenleben offenbar komplett mit Sediment gefüllt war.

Kurzum, dies musste meine Flasche werden, auch auf die Gefahr hin, dass kein Tropfen Flüssigkeit mehr in der Flasche verblieben war. Um die Sache etwas abzukürzen: Die Flasche wechselte für einige kapitalistische Werteinheiten den Besitzer und die Vorfreude (oder Nervösität?) auf den Inhalt stieg mit jeder neuen Bearbeitung in einem Paketzentrum.

Im gut verschnürrten Paket und einem halben Quadratmeter Luftpolsterfolie fand die Flasche Rodinal dann alsbald den Weg zu mir und ein erstes zaghaftes und gespanntes Schütteln erzeugte das in diesem Moment süßeste Klimpern meines Lebens. Es war also flüssig! Zwischen diesen beiden Sedimentbergen am Boden und dem Verschluss war tatsächlich flüssiges Rodinal.

Jetzt drängte sich in mir natürlich ebenfalls die Frage nach dem Alter auf, für mich ja ein essentieller Bestandteil dieses Experiments. Man könnte ja einfach mal den Hersteller (oder was noch davon übrig ist… hüstel) befragen, aber meine Anfrage bei Agfa-Gevaert ist bis heute unbeantwortet und ich mag ihnen auch nicht sonderlich böse sein. Vermutlich wissen die für Anfragen zuständigen Halbtags-Studenten nicht einmal, was Rodinal überhaupt sein soll.

Dann also selbst suchen. Erster Anhaltspunkt: Das auf auslaufenden Jugendstil hindeutende Etikett der I.G. Farben. Die I.G. Farben wurde 1945 nach dem Krieg von den Alliierten aufgelöst, die Flasche dürfte damit zumindest aus Zeiten des Dritten Reiches stammen. Aber ein Etikett im Jugenstil auf einem Produkt eines Vorzeigeunternehmens vermaledeiter und jämmerlicher Herrenmenschen?

Wohl kaum, zumal ein Treffer im Forum eines bekannten Versandhändlers eine Flasche Rodinal aus dem Dritten Reich zeigte, die neben einem sachlicheren Etikett offenbar auch mit einem Schraubverschluß ausgestattet ist. Meine Flasche hatte entweder einen Gummipfropfen oder einen Korken als Verschluß.

Nach weiterer Recherche dann eine alte Rodinal-Anzeige mit einem pompösen Adler im Etikett, einer völlig anderen Flaschenform und einer Jahresangabe um 1900, aber wirklich sachdienliche Hinweise waren es nicht. Aileen aus der hiesigen Redaktion half mir sehr mit einem Eintrag im Flickr-Forum der Rodinal-Gruppe und meine Vermutung wurde dort bekräftig: Die Flasche stammte aus den zwanziger oder dreißiger Jahren des zwanzigsten Jahrhunderts.

Es konnte also gar nicht besser werden und mit allen zugedrückten Augen sowie etlichen mitgedrückten Hühneraugen war es also sogar Kaiser-Wilhelm-Zeugs.

Der für diesen Versuch ausgewählt Rollfilm war weitaus unspektakulärer, ein im August 1968 abgelaufener Orwo NP27 mit 400 ISO aus der DDR. Die von Mäusen aus Berlin angeknabberte und leicht muffige Verpackung lies erahnen, dass dieser Film seine besten Tage schon hinter sich hatte.

Wieviel Empfindlichkeit mag ein Film noch haben, der vermutlich über vierzig Jahre ungekühlt in irgendeinem alten Keller herumgelegen hat? In diesem Fall von einem Grauschleier zu reden, wäre sicher schon an der Grenze zur Obszönität, aber das sollte mich nicht davon abhalten, zu tun, was getan werden musste.

Nun ein paar Worte zur Kamera für dieses Experiment: Da ich sehr wenig im Mittelformat arbeite und ein Spiegelreflexsystem daher für mich wenig Sinn macht, ist meine Mittelformatkamera eine Adox Golf 63 S aus den fünfziger Jahren. Prontoverschluss, 75mm f/6.3 Adoxar-Objektiv und ein winziger, nur wenige Milimeter kleiner – naja – Sucher.

Optisch zwar schon etwas mitgenommen, aber sie funktioniert einwandfrei und liefert erstaunlich scharfe Bilder. Welche sechzig Jahre alte Kamera kann das schon von sich behaupten? Drahtauslöser und Stativ sind in diesem Fall per se obligatorisch, mehr als ISO 50 traute ich der Emulsion nun wirklich nicht mehr zu und selbst da quoll mein unbändiger Optimismus bereits links und rechts aus allen Poren heraus.

Zählt man einmal das Alter des Entwicklers, der Kamera und des Films zusammen, so dürften die drei insgesammt um die einhundertneunzig Jahre alt sein. Da drängt sich doch etwas der Gedanke auf, die zwölf Belichtungen des Films in einer ebenfalls betagten Umgebung zu verschießen.

Wie es der Zufall so will, liegt quasi vor meiner Haustür eine zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts gebaute und seit vielen, vielen Jahren stillgelegte Eisenbahntrasse. Alte überwucherte Gleise, modrige Prellböcke, ein verkommener Bahnhof und ein über einhundertdreißig Jahre alter Tunnel schienen mir ein überaus passender Rahmen für die ganze Aktion zu sein.

An einem Sonntag im April wurde der Film schließlich in einigen Stunden auf der eben genannten Eisenbahntrasse und unter Zuhilfenahme einer Nikon D3 als Entfernungs- bzw. Belichtungsmesser belichtet. Wieder in meinen vier Wänden angekommen, ging es alsbald daran, an das kostbare Rodinal zu gelangen, ohne die Flasche zu zerstören. Ein erster Versuch, den Verschluss durch Drehen und Ziehen zu öffnen war erfolglos, ein zweiter ebenfalls.

Schnell wurde mir bewusst, dass der Stopfen nicht aus Kork, sondern aus Gummi war und er mit dem sedimentierten Rodinal bombenfest zusammenklebte. Die einzig sinnvolle Lösung schien mir zu sein, mit einem kleinen Bohrer ein Loch durch den Verschluß und durch die feste Sedimentschicht zu bohren, die für eine Standentwicklung benötigte Mindestmenge tropfenweise zu entnehmen, diese zu filtern und die Flasche dann wieder luftdicht mit Wachs zu verschließen.

Das äußerst mühselige Bohren durch das alte Gummi ging nur sehr langsam voran, in meinem Hinterkopf war auch weiterhin die Sorge, der Bohrer könnte vielleicht verkanten und die Flasche oder den Flaschenhals sprengen. Nach einigen Minuten stieß der Bohrer aber unfallfrei durch das Sediment und der Entwickler konnte in Zeitlupe durch die winzige Öffnung tropfen.

Bei der von mir gewählten Standentwicklung brauchte ich 4,85 ml Rodinal. Da durch das Bohren und das schiere Alter der Entwickler allerdings sehr mit Gummiresten und Kristallen verunreinigt war, würde ich alles vor der Verwendung filtern müssen und dabei etwas Verlust erzeugen. Mit 10 ml sollte ich auf der sicheren Seite sein, lieber etwas zu viel als zu wenig.

Trotz kräftigen Schüttelns setzte sich das kleine gebohrte Loch immer wieder rasch mit Sediment und Bohrresten zu, sodass ich am Ende über jeden kleinsten Tropfen froh war und ich nach etwa zwanzig Minuten knappe 10 ml Rodinal aus der Flasche gewinnen konnte.

Für die anschließende Filtrierung spaltete ich ein Papiertaschentuch in seine einzelnen Lagen und ließ den Entwickler dadurch in einen Messbecher laufen. Aus 10 ml Entwickler wurden so knappe 6 ml reines Rodinal.

Nicht viel, aber es langte für eine Entwicklung. Das Loch in der Flasche verstopfte ich grob mit einem zurechtgeschnittenen Ohrenstöpsel, später versiegelte ich noch alles mit Kerzenwachs, auf dass es das alte Zeug noch weiter konserviere.

Die Entwicklung verlief ohne Zwischenfälle, nur meine Anspannung und Nervosität stiegen nach dem Stoppen, Fixieren und Wässern in quasi astronomische Höhen. Dose auf, Spule raus, Spule öffnen, Film raus und ich sah nichts. Ein tropfnasser, blanker Streifen Rollfilm? Sollte etwa alles für die Katz gewesen sein? Noch einmal ganz, ganz genau hinschauen: Was ist das, was sind das für Schemen?

Im Gegenlicht meiner Badezimmerlampe und unter Zuhilfenahme eines weißen Blattes Papier erkannte ich schwach, ganz schwach die Orte und Motive der Eisenbahntrasse! Die ersten Belichtungen waren kaum zu sehen, die späteren, weitaus längeren Belichtungen sind vor einem hellen Hintergrund als schwache Schatten erkennbar. Es hatte tatsächlich funktioniert! Jetzt in Ruhe trocknen lassen, abfotografieren und schauen, was mit moderner Bildbearbeitung noch aus diesen Negativen zu machen ist.

Das Digitalisieren des störrischen und sperrigen Films entwickelte sich zu einer größeren Aufgabe, der Autofokus konnte kaum Strukturen finden und ein optimaler Fokus erwies sich mehr als reine Glückssache. Eine geschlagene Stunde später ging es dann per Photoshop weiter, Farben invertieren, spiegeln und dann die Tonwerte grob zurechtschieben. Aus den fast komplett grauen Bildern schälte sich langsam ein Bild heraus, in der Bildmitte sogar von ganz passabler Qualität.

Der letzt Feinschliff erfolgte dann per Lightroom und die Aufnahmen sehen am Ende wunderschön kaputt, zerstört und alt aus, aber trotzdem detailliert und lebendig. Der Film hatte einfach eine Menge Zeit und Folter hinter sich, Battlescars, wenn man so möchte.

Für mich aber ein voller Erfolg und ein weiterer Grund für das Erlebnis der analogen Fotografie. Kein Photoshop-Filter, keine Lightroom-Vorgabe und kein Hipstamatic-Filter wird so etwas optisch simulieren können. Und erst recht nicht das Gefühl dabei.

Der Mythos des unkaputtbaren Entwicklers hat für mich seine Bestätigung gefunden. Wären alle Rodinal-Vorräte der Welt aufgebraucht, ich würde keine Sekunde zögern, wieder zum Bohrer greifen und es Tropfen für Tropfen aus der alten Flasche heraustropfen lassen.

Aber jetzt entschuldigt mich, ich habe da noch einen 1951 abgelaufenen Eichelberger, bei dem ich nicht einmal die Empfindlichkeit weiß, laut Hersteller aber völlig lichthoffrei und feinkörnig. — Pah, das werden wir ja sehen!

Seit einem Jahr studiere ich Kommunikationsdesign an der Hochschule Augsburg. Mein Studium umfasst einige der wichtigsten Bereiche der Gestaltung. In den ersten Semestern lernt man die Grundlagen in Typografie, Fotografie, Zeichnen, Schrift, Digitale Medien und visueller Kommunikation.

Während eines Semesterprojektes sind die Fotos entstanden, die ich Euch vorstellen möchte. In der Fotoklasse haben wir die Grundlagen einer Belichtung anhand einer Lochkamera kennengelernt. Zur Verfügung stand uns lediglich ein Dia-Farbfilm und ein Gehäuse aus Karton.

Die Lochkamera hat in ihrem lichtdichten Gehäuse eine Kassette, in die der Film eingelegt wird. Auf einer Leerrolle wird ein Filmträger aufgespult. Pro Film konnte ich 12 Belichtungen machen.

Als Blende diente mir ein Blech mit einer Bohrung von 0,2mm, was in etwa einer Blende von f/128 entspricht. Die Kante der Bohrung musste präzise entgratet werden, um Fehler am Rand des Bildes zu vermeiden.

Der Abstand zwischen Film und Blendenöffnung war 12mm. Dadurch waren extrem weitwinklige Aufnahmen möglich. In meiner Bildserie wollte ich die lange Belichtungszeit und das extrem weitwinklige Format meiner Lochkamera ausnützen.

Ich hatte meine Motive genau geplant und die passende Location gefunden. Es sollte eine Fotoserie von einem See bei Morgendämmerung werden. Noch lange vor Sonnenaufgang ging es los.

Auf der Fahrt kam dann die Enttäuschung. Es regnete aus Kübeln und die Sicht war schlecht. Ich hatte aber nur für diesen Tag ein Auto, deshalb gab es für mich keinen Ausweichtermin. Der See war trüb wie der Himmel. Eine graubraune Brühe. Nichts mit schönen Farbverläufen auf meinen Fotos.

Ich baute die Lochkamera trotzdem auf und machte die ersten Belichtungen. Wegen der schlechten Lichtverhältnissen versuchte ich Belichtungszeiten von 20 bis 80 Sekunden. Pro Motiv machte ich mehrere Belichtungen, da ich sie ja nicht gleich überprüfen konnte.

Über eine Woche wartete ich auf die Filmstreifen. Als die Filme dann ankamen und ich die ersten Dias gegen das Licht hielt, war ich von der Qualität der Belichtungen überrascht. Trotz des schlechten Lichtes, dem Wind, Regen und dem Fakt, dass die Kamera lediglich aus Karton, Kleber und einem Stück durchbohrten Blecht besteht, war ich mit den Ergebnissen sehr zufrieden.

Abschließend wurden die Dias eingescannt und leicht schwarzweiß bearbeitet.

Das Projekt hat mich gelehrt, sorgfältig über meine Motive zu entscheiden. Erst, wenn ich nicht sehen kann, was die Kamera sieht und mein Ergebnis nicht gleich überprüfen kann, dann überlege ich mir zwei Mal, ob die Einstellungen richtig sind und das Motiv gut ist. Das Fotografieren ist zwar langsamer, dafür wird es aber auch zu einem intensiven Erlebnis.

Spannend ist, dass die meisten fotografischen Projekte, die Unterstützer suchen, auf klassische Formate wie die Auflage eines Fotobandes oder die Organisation einer Fotoausstellung abzielen. Aber es gibt auch ein paar innovative Ideen zu entdecken, die sich vor allem im Bereich der mobilen Fotografie – Smartphonografie? – abspielen.

Neben einem guten Gefühl springt für Euch als Unterstützer natürlich noch mehr heraus: Je nach Höhe der Spende gibt es meistens ein Exemplar des Produktes, sobald es realisiert ist. Wer sehr generös ist, bekommt neben der ewigen Dankbarkeit der Initiatoren noch mehr tolle, oft exklusive Sachen rund ums Projekt.

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Impossible Instant Lab

Es gibt Dinge, die auf den ersten Blick einfach nicht zusammen passen. Diese dann doch zusammen zu bringen, schafft wahrscheinlich nur eine Firma, die sich passend „Impossible“ nennt. Das Impossible Instant Lab kombiniert das iPhone mit einer Polaroidkamera.

Habt Ihr ein schönes iPhone-Foto und wollt es in einem weißen Polaroidrahmen vervielfältigen? Dann ist dieses Projekt empfehlenswert für Euch.

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Instacube

Digitale Bilderrahmen finden wir eigentlich eher so: naja. Mit einer Ausnahme, die da heißt: Instacube. Dieses schicke Gadget funktioniert als ebensolcher digitaler Bilderrahmen und sieht dabei auch noch richtig gut aus. Doch dabei wird es wohl nicht bleiben.

Weil Instacube mit SmartThings zusammenarbeitet, werden intelligente Reaktionen – wie zum Beispiel das Anzeigen der Instagrams einer Person in der Nähe – möglich. Und obwohl Instacube schon lange über sein Preisziel hinaus ist, wollten wir Euch dennoch drauf aufmerksam machen, denn ab 500k werden auch Facebook-Fotos integriert.

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The ClearShot – Flat Smartphone Stand

Kleine Stative für Smartphones gibt es natürlich schon einige, damit man wackelfrei fotografieren und filmen kann und sich selbst in weiterer Entfernung als Armlänge mit im Bild positionieren kann. Das Tolle an ClearShot ist allerdings, dass es nicht nur zu fast allen Smartphones passt und im Winkel verstellt werden kann…

Sondern auch, dass es sich mit zwei Fingern aufklapen und flach zusammenfalten lässt. Dann gleicht es in Größe und Gewicht einer der vielen Plastikkarten, die wir ohnehin im Geldbeutel mit uns herumschleppen. Ein perfektes Immerdabei-Stativ für unsere Immerdabei-Kameras also.

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Mobi-Lens

Hier kommen die cleveren Linsen zur Erweiterung der kreativen Möglichkeiten Eurer Smartphone-Kamera: Mobi-Lens lässt sich an jedes Smartphone sowie Tablets und Laptops über der integrierten Kamera anklippen. Das clevere Design verbindet eine Weitwinkel- und Makro-Linse oder gibt dir die Möglichkeit, Fisheye-Aufnahmen zu machen. An einer Telelinse arbeiten Evette und Aris Allahverdian – die cleveren Köpfe hinter Mobi-Lens – ebenfalls bereits.

Wenn sie gerade nicht gebraucht werden, lassen die Linsen sich mit Linsendeckeln abdecken, um gegen Dreck und Kratzer geschützt zu sein. Und durch den Clip-Mechanismus können sie einfach in einer Tasche, am Umhängegurt oder sogar der Kleidung festgesteckt werden, ohne durch die Gegend zu fliegen. Auch dieses Projekt hat bereits das Spendenziel erreicht, aber Ihr könnte heute noch schnell unterstützen und Euch eines dieser genialen Teile sichern.

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Saving Glass Negative Images

Nun aber noch ein (fast) gänzlich analoges Projekt, das nicht nur die Herzen der nostalgischen Fraktion hier in der Redaktion höher schlagen lässt: Ann und Joe Burkart haben sich die Aufgabe gestellt, Hunderte Glasnegative aus der Zeit zwischen 1880 und 1930 zu reinigen, digitalisieren und der Öffentlichkeit zugänglich zu machen, bevor diese kaputt gehen, vergessen werden oder irgendwie verloren gehen.

Viele der Bilder haben einen historischen Wert. Die zum Großteil unbekannten Fotografen und die Orte der Fotos sollen nach Möglichkeit ebenfalls ausfindig gemacht werden. Wir empfinden direkt das aufgeregte Kribbeln eines Kindes, das in der Schatztruhe auf Omas Speicher stöbert! Wer die beiden bei ihrer Aufgabe unterstützen möchte, kann das hier tun.

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Kennt Ihr auch tolle Kickstarter-Projekte? Zeigt sie uns und erzählt, warum Ihr gerade dieses fördern möchtet.

Im Jahre 2008 habe ich mich das erste Mal mit einer kleinen Kompaktkamera bewaffnet, um der Welt zu zeigen, wie schön diese ist. Schnell landete ich bei der modernen Architekturfotografie, da diese für mich durch Klarheit und Aufgeräumtheit in der Wahrnehmung besticht. Es gab allerdings ein Problem: Oft befanden sich Gegenstände auf den Fotos, die etwas störend wirkten. Dazu gleich mehr.

Die Voraussetzungen
Zuerst wurde es Zeit für eine DSLR-Kamera und ein Stativ, um Belichtungsreihen zu erzeugen. Es war unbedingt nötig, alle Lichtstimmungen in guter Qualität zur Verfügung zu haben, um diese später für die Verarbeitung nutzen zu können und zu kombinieren.

Nun benötigte ich noch ein Bildbearbeitungsprogramm, um störende Elemente wie Feuermelder, Lichtschalter, Lampen, Steckdosen und offene Türen verschwinden zu lassen, um ein Foto als „stimmig“ zu präsentieren. Die Lösung lag in Photoshop, weil es mir völlige Freiheit bei der Bildbearbeitung lässt. Beide Komponenten machten mir aber auch eines klar: Ein Foto würde in der Entstehung und Gesamtbearbeitung nicht mehr in ein paar Minuten fertig sein.

Das entstehende Foto
Im Vorfeld finde ich es ratsam, mir nach der Ankunft in einem Objekt gleich erst einmal eine Pause zu gönnen, um die Räumlichkeiten abzuschreiten und diese auf mich wirken zu lassen. Ziel ist es, so viele Perspektiven wie möglich zu finden, um später eine Auswahl zu haben und die Location kein zweites Mal aufsuchen zu müssen.

Dabei ziehe ich auch Bodenperspektiven in Betracht, genau wie den Blick von einer oberen Etage (wenn vorhanden) nach unten. Mir ist auch wichtig, dass alle Türen in einem Raum geschlossen sind, um diesen geschlossener wirken zu lassen. Wenn möglich, entferne ich gleich noch herumliegende Läufer oder Blumen, um später die Nachbearbeitung des Fotos nicht unötig zu verlängern.

Die Bildbearbeitung

Das Ausgangsfoto ist folgendes:

Als erstes habe ich im Beispiel die Bereiche rot gekennzeichnet, die ich mit dem Stempel bearbeite, um Lichter, Türen, Schalter und Bodenspiegelungen zu entfernen.

Das Resultat der Aktion ist im folgenden Bild zu sehen:

Als nächstes habe ich die Sessel mit dem Lasso eingekreist und „Auswahl umkehren” benutzt, um mit Hilfe der selektiven Farbkorrektur die Rot-, Gelb- und Cyan-Töne komplett zu entfernen. Grund der Maßnahme: Der Raum soll kühler wirken.

Nun habe ich Kontrast hinzugefügt in den Bereichen, in denen es angebracht ist. Im Beispiel habe ich den Fußboden komplett mit dem Polygonwerkzeug isoliert und dann den Kontrast erhöht. Danach wurden die 14 Fenster oben Links etwas dunkler gestaltet, damit diese gleichmäßiger in der Helligkeit wirken.

Dann habe ich mit Renderfilter -> Beleuchtungseffekte die Mitte des Fotos aufgehellt und den Rand abgedunkelt, um den Blick auf die Sessel zu lenken. Diese bekamen auch noch etwas mehr Farbe, um sie vom Rest des Bildes abzuheben.

Nun noch mittels Transformieren die Verkrümmung entfernen und unter demselben Menüpunkt ausrichten. Gegebenenfalls noch etwas Nachschärfen. Fertig!

Nach der Bearbeitung

In der Regel lasse ich das Ergebnis dann etwas „mit sich allein“, um es nach einer Kaffeepause noch einmal neu zu betrachten, denn nach längerer Zeit am Bildschirm werde auch ich etwas „betriebsblind“ und habe manche Tönungen, Kontraste oder die Gesamtwirkung nicht mehr klar im Blick. Generell arbeite ich auch lieber am Abend, da weniger Tageslicht auf den Bildschirm fällt.

Nun folgen noch ein paar meiner Fotos, jeweils im Original und bearbeitet. Das Prinzip bei der Bearbeitung bleibt ständig das gleiche, außer dass ich oftmals die Helligkeit erhöhe oder Dinge hinzufüge und natürlich auch entferne.

Wasser gilt in vielen Kulturen als aus göttlichem Ursprung oder auch als der Ursprung des Lebens. Im Wasserkreislauf sorgt es für ständige Erneuerung des Lebens, während in manchen Religionen mit Sintfluten ganze Völker bestraft werden. Einem afrikanischen Sprichwort nach wird Wasser übrigens niemals müde zu laufen. Doch bleiben wir im deutschsprachigen Raum: Dort stoßen wir zwischen Küste und Alpen auf ein reichhaltiges Wasserangebot.

Wasser zwischen Küste und Alpen

Im Norden bieten die Küsten von Nord- und Ostsee eine breite Motivpalette zu fast jeder Tages- und Jahreszeit. Rinnsale, Bäche, Flüsse und Ströme durchziehen das Land, ähnlich wie Adern unseres Körpers. Dabei versorgen sie es mit lebensnotwendigen Nährstoffen. Auf Seen stoßen wir in den Eisrandlangen der vergangenen Kalt- und Eiszeiten beispielsweise auf der mecklenburgischen Seenplatte im Nordosten oder im Alpenvorland zwischen Boden- und Königssee. Korrekterweise schließen weitere Seen östlich im Salzburger Land an, während auch das schweizerische Landschaftsbild von zahlreichen Seen geprägt ist.

Dazu kommen eine Vielzahl an künstlichen Gräben, Kanälen unterschiedlichster Größen sowie Teiche, Weiher oder Bagger- und Speicherseen. In Zahlen verpackt sprechen wir allein in Deutschland beispielsweise von über 460.000 Kilometern Fließgewässer. Was rechnerisch bedeutet, dass auf jedem Quadratkilometer der Bundesfläche mindesten auch ein Kilometer Fließgewässer vorhanden ist – rein statistisch.

Die Beweggründe für ein Wasserbild sind meist recht unterschiedlich. Die einen benötigen eine Dokumentation, beispielsweise einer Gewässerverbauung. Andere möchten Urlaubserinnerungen mit nach Hause nehmen. Wieder anderen geht es um schlichtes Seelenfutter. Ganz gleich, aus welchem Beweggrund wir Wasser fotografieren, wichtig ist nur eines: Die emotionale Wirkung des Bildes auf den Betrachter.

Wassermotive „on location“

Interessante – oder passender formuliert – spannende wie ästhetische Motive am Wasser bieten sich wahrscheinlich ähnlich viele wie es Flusskilometer in Deutschland gibt. Und wie so oft bestimmen Licht- und Witterungsbedingungen den passenden Moment. Daher fällt es mir schwer, eine beste Tages- oder Jahreszeit speziell für die Wasserfotografie zu nennen.

Mal abgesehen von den Wintermonaten lässt sich Wasser zwischen Sonnenauf- und -untergang im Grunde genommen fast überall mehr oder weniger fließend fotografieren. Daher gilt hier die klassische Grundregel der Landschaftsfotografie: Bestes Licht bieten sowohl die Blaue als auch die Goldende Stunde bei Sonnenauf- und -untergang. Und dazwischen? Bleibt jede Menge Zeit, um die Landschaft zu erkunden.

Apropos Winter: Der eignet sich nicht nur, um das digitale Archiv auf- und auszuräumen. Vereiste Flüsse und Seen bieten eindrucksvolle Momentaufnahmen. Beispielsweise die Oder bei Küstrin. Bei kräftigen Minustemperaturen bildet sich auf dem Fluss sogenanntes „Pfannkucheneis“.

Die tiefstehende Wintersonne in Kombination mit Temperaturen von unter -20° C reinigen die Luft, was in einigen Mittelgebirgen das Flusswasser regelrecht leuchten lässt. Wird es draußen wieder wärmer, bilden sich über Eisflächen Nebelstimmungen, die in den Morgen- und Abendstimmungen hervorragende Motive präsentieren.

Im restlichen Jahr achte ich auf Wetterereignisse und breche wahlweise kurz vor oder zum Ende einer Schlechtwetterphase auf. Hier bieten sich die unterschiedlichsten Blickwinkel auf und in das Wasser. Wenn möglich, versuche ich, mir einen Standpunkt mitten im Geschehen zu suchen, sodass ich gelegentlich bauchtief für eine spannende Perspektive durch das Wasser wate.

Doch Vorsicht, wer bei Hochwasser am Fluss fotografiert: In unmittelbarer Ufernähe kann der Wasserspiegel von jetzt auf gleich um einen halben Meter und mehr variieren. Hier ist äußerste Vorsicht geboten! Je nach Bodentyp sind Flüsse direkt nach Hochwasserereignissen häufig bräunlich gefärbt, was durchaus auch auf die Bildstimmung abfärben kann.

Am Meer nutze ich, wenn möglich, vom Sturm aufgepeitschtes Wasser. Mit der richtigen Kleidung und einer gut verpackten Kamera kann ich hier stunden- und tagelang spielen. Interessante Motive geben Wellenbrecher am Strand. Sind das Holz oder die Steine der Wellenbrecher nass, glänzen diese später richtig und geben dem Motiv oftmals den letzten Schliff.

Interessant sind auch Morgenstimmungen nachdem das nächtliche Tiefdruckgebiet abgezogen ist. Ganz gleich ob Küste oder Seeufer, die Übergangzeiten im Frühling und Herbst bieten häufig die interessantesten Farbspiele am morgendlichen und abendlichen Himmel.

Eine kleine Filterexkursion

Filter werden häufig als Relikte der analogen Ära angesehen. Weit gefehlt. Zum Einen gilt: Was ich vor der Aufnahme einstellen kann, muss ich später nicht in der digitalen Dunkelkammer bearbeiten. Zum Anderen bieten der eine oder andere Filter durchaus ein paar Raffinessen, die in der elektronischen Bildbe- und -verarbeitung nur schwer zu simulieren sind.

Vorweggenommen: Ausgedient haben in der Landschaftsfotografie Konversionsfilter, Licht-Ausgleichsfilter und Farb-Korrekturfilter. Sie wurden verwendet, um große Farbtemperatur-Unterschiede auszugleichen. Dafür nutzen wir heute in der digitalen Fotografie den Weißabgleich.

Häufig totgesagt wurde der UV-Filter. Er absorbiert elektromagnetische Strahlung mit einer Wellenlänge unter 380 nm. Für das menschliche Auge liegt dieses ultraviolette beziehungsweise infraviolette Licht zwar unterhalb des sichtbaren Bereichs, doch der Sensor zeichnet auch dieses Licht auf. Das kann unter Umständen zu leicht unscharf wirkenden Bildern führen. Persönlich verwende ich je nach Licht und Witterung auf dem Meer, an der Küste oder an einem Bergbach in der Totalen einen UV-Filter.

Die Allzweckwaffe ist und bleibt der Polarisations-Filter, kurz Polfilter genannt. Ich nutze den Polfilter am Wasser, wahlweise um die Wasseroberfläche weitgehend zu entspiegeln oder um Farbeffekte zu verstärken. Die sogenannte Slim-Variante vermeidet speziell bei Weitwinkelobjektiven lästige Vignettierungen an den Rändern.

Das Geheimnis, um Wasser im Bild fließen zu lassen, nennt sich Grau-Filter oder auch Neutraldichte-Filter, kurz ND-Filter. Das Funktionsprinzip ist recht einfach: Grau- beziehungsweise ND-Filter verringern die Lichtmenge, die durch das Objektiv auf den Sensor weitergeleitet wird, was zu einer längeren Belichtungszeit führt. Dadurch können Bewegungen innerhalb des Bildausschnittes sichtbar gemacht werden. Je nach Lichtmenge und gewählter Filterdichte lassen sich die Belichtungszeiten mühelos zwischen einer und zehn Blendenstufen variieren.

Die nachfolgende Tabelle zeigt, wie sich die Belichtungszeit je nach Filterdichte verlängert. In der Kopfzeile steht der logarithmische Wert (ND), darunter in Klammern die Blendenstufen und der Verlängerungsfaktor.

Zum Beispiel (-1 | ×2): -1 steht für die Reduzierung der Blende beispielsweise von Blende acht auf Blende elf. ×2 steht für den Verlängerungsfaktor beispielsweise von 1/500 Sekunde ungefiltert auf 1/250 Sekunde gefiltert mit dem ND 0,3.

Die Dichte ND 2,0 habe ich der Einfachheit halber mit -7 Blendenstufen anstelle der korrekten -6,66 Blendenstufen gerechnet. Als Faustregel gilt: Je größer der ND-Wert in der Filterbezeichnung, desto weniger lichtdurchlässig ist der Filter, im Umkehrschluss heißt das, umso länger wird die Belichtungszeit.

Laut Filterhersteller ergeben sich bei der Benutzung von Neutraldichtefiltern angeblich keine Farbverschiebungen. Bei der Benutzung der ND-Filter bin ich dazu übergegangen, den Weißabgleich entweder auf automatisch einzustellen oder aber ich ermittle den Weißabgleich manuell mit Hilfe einer Aufnahmereihe.

Das reduziert den sogenannten Warmton bei den Filtern ND 1,5, ND 2,0 und ND 3,0. Die Farbdetails werden anschließend zu Hause während der nachfolgenden Entwicklung im Raw-Konverter herausgearbeitet.

Abschließend ist noch der Grauverlauf-Filter zu nennen. Er basiert auf demselben Prinzip wie der Grau-Filter. Mit ihm gelingt es, Motive mit großem Kontrastumfang auszugleichen. Beispielsweise, wenn der meist viel zu helle Himmel über der dunkleren Wasseroberfläche mit dem Waldrand im Hintergrund in Szene gesetzt werden soll.

Ganz gleich, welcher Filter verwendet wird, es ist immer zu berücksichtigen, dass Filter zu Unschärfe führen können. Und im Vorfeld zu überdenken, ob die Aufnahme nicht ohne Filter realisiert werden kann.

On Location – bewegtes Wasser

Um Bewegungen und Strukturen auf der Wasseroberfläche hervorzuheben, benötige ich neben einer längeren Belichtungszeit eine entsprechende Schärfentiefe. Dazu nutze ich je nach Licht und Witterung eine möglichst niedrige ISO-Einstellung (ISO 100) als Basis und eine entsprechend kleine Blendenöffnung (je nach Objektiv zwischen Blende 11 und 22) für die Schärfentiefe.

An bewölkten Herbst- oder dunklen Wintertagen reichen diese Einstellungen häufig schon aus, um das Wasser fließen zu lassen. Je nach Fließgeschwindigkeit reichen bereits 1/15 bis 1/8 Sekunde aus, um die Zeichnung der Wasseroberfläche im Bild abzubilden. An sonnigen Tagen nutze ich den Grau-Filter, um die Lichtmenge zu dämpfen.

Je nach Lichtintensität nutze ich dabei unterschiedliche Dichten. So kann ich je nach Strömung oder Brandung verschiedenste Effekte auf der Wasseroberfläche abbilden.

Will ich die Wasserwirbel eines Gebirgsbaches fließend abbilden, benötige ich eine Belichtungszeit von ca. einer halben Sekunde. Zeigt mein Belichtungsmesser ohne ND-Filter eine Belichtungszeit von 1/250 Sekunde an, verlängere ich mit einem ND 2,0 die Belichtungszeit um sieben Blendenstufen auf eine halbe Sekunde: -1 Blende 1/125 sek. | -2 Blenden 1/60 sek. | -3 Blenden 1/30 sek. | -4 Blenden 1/15 sek. | -5 Blenden 1/8 sek. | -6 Blenden 1/4 sek. | -7 Blenden 1/2 sek.

Bei einem Ausgangswert von 1/30 Sekunde hingegen verwende ich einen ND 1,2. Dieser verlängert die Belichtungszeit um vier Blendenstufen: -1 Blende 1/15 | -2 Blenden 1/8 sek. | -3 Blenden 1/4 sek. | -4 Blenden 1/2 sek.

Die Dauer der Belichtungszeit hängt in erster Linie von den Lichtverhältnissen und dem gewünschten Effekt auf der Wasseroberfläche ab. Wie lange der Bildausschnitt im Detail belichtet werden muss, richtet sich auch nach der Fließgeschwindigkeit des Wassers. Das gibt mir die Möglichkeit, unter Berücksichtigung der oben genannten Faktoren, unterschiedlichste und in den meisten Fällen auch unwiederbringliche Momentaufnahmen zu fotografieren.

Vorsichtig bin ich mit zu langen Belichtungszeiten an großen wie kleinen Fließgewässern. Belichtungszeiten von fünf und mehr Sekunden lassen das Wasser zu einer eisähnlichen Fläche erstarren, da sich das Wasser lediglich in eine Richtung bewegt.

Ganz anderes verhält es sich bei der Brandung am Meer. Diese bewegt sich in unterschiedlichste Richtungen, was zu interessanten Wischeffekten führt. Hier sind durchaus Belichtungszeiten im Minutenbereich angesagt.

Eine Sonderrolle nehmen große Wasserfälle wie z.B. die Krimmler Wasserfälle ein. Um die frei herabstürzenden Wasserkaskaden optisch einzufrieren, bedarf es je nach Position und Blickwinkel zwischen 1/60 und 1/250 Sekunde. Die genaue Belichtungszeit hängt auch hier von den Wassermassen und der Fließgeschwindigkeit ab.

On Location – Spiegelbilder

Spiegelbilder – sie gelten in der Formenvielfalt der Natur als die einzig wahre gerade Linie. Die Herausforderung: Wo wird das Lineal, sprich die Uferkante positioniert? Klassisch gilt die Bildmitte als die optimale Linienführung. In der Praxis jedoch achte ich auf den Bildhintergrund beziehungsweise den Himmel.

Wirkt dieser zum Beispiel leer oder farblos, versuche ich, den Himmel lediglich in der Spiegelung zu zeigen. Häufig werden die Farben deutlich kräftiger wiedergegeben. Ansonsten achte ich auf die 2/3-Regel. Das bedeutet, dass ich für den Himmel maximal ein Drittel des Platzes im Bildaufbau einplane. Die Spiegelung wird den Vordergrund dominieren, sodass die Uferlinie am Übergang zum oberen Bilddrittel positioniert ist.

On Location – Wasserfarben

Wasserfarben spielen nicht nur im Kunstunterricht der Grundschule eine essentielle Rolle. Am Fluss stoße ich gerade in den kalten Wintermonaten, wenn die Luft klar und sauber ist, bedingt durch den tiefen Stand der Sonne auf interessante Farbspielereien.

Wichtig: Um die Farbenpracht voll auszureizen, nutze ich den individuellen Weißabgleich. Zum Experimentiren helfen hier auch schon einmal die Einstellungen Wolkig (6.000 K) oder Schatten (8.000 K) weiter. Je höher der Wert, desto wärmer, je niedriger der Wert, desto kälter werden die Wasserfarben wiedergegeben.

„Konzerfotos ohne lichtstarke Objektive sind nicht möglich.“ So lautet wohl die hinlänglich bekannte Meinung zum Thema Konzertfotografie. Doch auch mit üblichen Objektiven und Lichtstärken, die sich meist um Blende f/4 bis f/5.6 bewegen, lassen sich recht akzeptable Ergebnisse erzielen.

110 mm, 1/250, f5.6, ISO 3200

Probleme und Technik

Beim Fotografieren von Konzerten gibt es im Allgemeinen zwei Hauptprobleme:

• Wenig Licht mit stark wechselnden Lichtverhältnissen
• Viel Bewegung auf der Bühne

Hier sind dann in der Regel lichtstarke Objektive das erste Mittel der Wahl. Die sind aber aus unterschiedlichsten Gründen nicht immer zur Hand. Was jetzt? Auf den ersten Blick unterbelichtete oder verrauschte Fotos lassen sich im Nachinein durch gezielte digitale Nachbearbeitung zu einem guten Ergebnis korrigieren. Die digitale Nachbearbeitung der Fotos erledige ich fast ausschließlich mit Lightroom 3.

55 mm, 1/160, f4.0, ISO 3200

Meine eigene Ausrüstung

• Nikon D5000
• Objektive 18-55 mm (Blende f/3.5 – f/5.6)
• 55-200 mm (Blende f/4 – f/5.6)

Je nach Lichtsituation (Open Air mit Tageslicht, Hallenkonzert, Clubkonzert, etc.) und dem eigenen Standort (im Publikum oder im Fotograben) fange ich meistens mit ISO 800 an und erhöhe diesen Wert dann entsprechend der Lichtverhältnisse schrittweise weiter nach oben (1200, 1600 oder 3200). Im Extremfall gehe auch schon einmal auf ISO 6400, aber dann rauscht es meistens doch sehr stark.

Die Blende habe ich normalerweise immer so weit wie eben möglich geöffnet. Wenn es das Licht erlaubt, blende ich aber trotzdem ein wenig ab. Somit besteht nicht die Gefahr, dass man die falschen Stellen fokussiert.

110 mm, 1/200, f7.1, ISO 3200

Die Kamera ist im manuellen Modus, sodass ich dann die Belichtungszeit während des Fotografierens wählen und kontrollieren kann. Dabei versuche ich, eine Verschlusszeit von 1/125 oder 1/100 Sekunde möglichst nicht zu unterschreiten. Ich habe aber auch schon mit Belichtungszeiten von 1/30 Sekunde recht akzeptable Ergebnisse erzielt. Es kommt nun einmal immer darauf an, wie ruhig das Motiv vor der Kamera ist. Allerdings braucht das ein wenig Übung und vor allem eine ruhige Hand.

Die Belichtung darf auch, falls nicht anders möglich, schon einmal eine bis drei Belichtungsstufen unter dem vom Belichtungsmesser vorgeschlagenen Wert liegen. Da ich immer im Raw-Format fotografiere, lässt sich diese Unterbelichtung in der Nachbearbeitung zumeist in gewissem Maße recht gut wieder ausgleichen.

165 mm, 1/30, f5.6, ISO 6400

Nachbearbeitung mit Lightroom 3

Nachdem ich die Fotos in Lightroom 3 importiert habe, geht es ans an die eigentliche digitale Nachbearbeitung. In der Regel verändere ich dann hier hauptsächlich die folgenden Werte, um einem Foto mehr Farbe und Ausdruckskraft zu geben, um Unterbelichtungen auszugleichen und um gegebenenfalls einen Grauschleier zu entfernen.

• Belichtung
• Aufhelllicht
• Schwarz
• Luminanz zur Rauschentfernung

Bei Fotos mit einem sehr starken Orangestich, der meist dann entsteht, wenn das Foto zu stark unterbelichtet wurde, versuche ich, diesen durch Anpassung der Farbtemperatur im Bereich Grundeinstellungen im Entwicklungsmodul in Lightroom 3 auszugleichen. Bei Aufnahmen mit starkem Rauschen entferne ich dieses anschließend über die Luminanz im Bereich Details im Entwicklungsmodul von Lightroom 3. Hier ist aber Vorsicht geboten, damit das Foto dabei nicht zu sehr seinen natürlichen Charakter und Schärfe verliert.

Ein Bearbeitungsbeispiel aus der Praxis

Das Originalfoto öffne ich in Lightroom und wechsle in das Modul „Entwickeln“. Das hier gezeigte Foto ist mit den Einstellungen 82 mm, ISO 2500, 1/100 sek., f/4.2 entstanden.

Zuerst habe ich die Farbtemperatur von 2950 auf 2092 reduziert, um den deutlich sichtbaren Orangestich zu reduzieren.

Im nächsten Schritt habe ich nun die Belichtung für etwas mehr Helligkeit auf + 0,40 erhöht.

Die Erhöhung des Schwarzwertes auf 24 bringt etwas kräftigere Farben und reduziert einen möglicherweise bestehenden Grauschleier. Das Aufhelllicht auf 43 hellt die durch den vorherigen Schritt zu sehr abgedunkelten Stellen wieder auf.

Durch Erhöhung der Rauschreduzierung auf 24 in der Luminanz wird das Rauschen im Foto reduziert.

Um den Blick mehr auf den Mittelpunkt des Fotos zu lenken und dabei den Musiker noch mehr in den Fokus des Interesses zu stellen, habe ich hier zum Schluss noch „Vignettierung nach Freistellen“ auf -43 eingestellt.

82 mm, 1/100, f4.2, ISO 2500

Die ausgewählten Werte der einzelnen Einstellungen sind keine festen Werte, die ich bei jedem Foto so verwende, sondern ich wähle diese individuell von Foto zu Foto immer wieder neu, frei nach Augenmaß. Der grundsätzliche Weg der Bearbeitungsschritte ist aber fast immer der oben gezeigte.

In Fällen, bei denen die Beleuchtungsverhältnisse vor Ort sehr ungünstig sind – beispielsweise, wenn die Bühne dauerhaft in orange oder rot ausgeleuchtet wird oder wenn ich sehr hohe ISO-Werte verwendet habe – lässt sich durch Konvertierung nach Schwarzweiß auch aus diesem Material in vielen Fällen noch ein sehr ansprechendes Ergebnis machen. Hier gibt das Rauschen, das ich dann auch nicht versuchen würde, vollständig aus dem Foto zu entfernen, diesem zusätzlich noch einen gewissen künstlerischen Reiz.

200 mm, 1/160, f5.6, ISO 6400

Nehmt doch beim nächsten Konzert Eure Kamera mal mit und probiert das oben Gezeigte ein wenig aus. Mit etwas Geduld solltet Ihr dann recht schnell zu wirklich brauchbaren Ergebnissen kommen. Mit der Zeit findet man auch immer wieder neue kleine Tricks heraus, um aus den Fotos noch ein klein wenig mehr herauszuholen.

Wenn Ihr zu dem Thema noch Fragen oder selbst weitere Tipps auf Lager habt, so würde ich mich freuen, wenn Ihr diese hier als Kommentar hinterlasst. Bei Interesse findet Ihr weitere Konzertfotos von mir auf meinem Fotoblog.

Viel Spaß beim Bearbeiten Eurer Konzertfotos!