Wenn man selbst fotografiert, dauert es nicht lange, bis sich auch ganz besonders die eigenen Kinder für die Kamera interessieren. Aber wie erklärt man ihnen die Blende und Belichtungszeit? Und wie kann man dazu motivieren, auch nach anfänglichen Schwierigkeiten weiter mit der Kamera zu experimentieren? Dieses Buch bietet eine wunderbare Möglichkeit für Kinder, im Selbststudium den Einstieg in die Fotografie zu wagen.

Olaf, der haarige Rotfuchs, ist Fotograf und kennt einige Tipps und Tricks. Mit seinem Assistenten Gustav, einer kleinen Grasmaus, führt er durch das Buch, das zunächst einen kurzen Abriss über die Geschichte der Fotografie bietet. Nach einer kleinen Einführung in die Grundlagen wie Blende, Fluchtpunkt und Schärfentiefe geht es mit dem ersten von insgesamt neun Fotokursen los.

„Fotografiere dein Lieblingsdessert“, „Schminke und frisiere deine Mama und fotografiere sie dann“ und „Erzähle deine Ferien mit Fotos“ sind nur drei Beispiele dieser Kurse und zeigen, dass das Buch Einblick in sehr verschiedene Fotosparten gibt.

Jeder Kurs ist mit vielen Beispielbildern versehen und enthält Tricks, so dass die Kinder nach und nach mehr Erfahrung sammeln können und nicht gleich mit einer Flut an Möglichkeiten überfordert werden. Auch wenn ich selbst kein Fan von beengenden Regeln innerhalb der Fotografie bin, so sind diese für den Anfang sicher nützlich. Ohnehin neigen Kinder naturgemäß dazu, Regeln zu durchbrechen und Neues zu testen.

Olaf gibt auch ganz praktische Tipps, wie zum Beispiel auf die Wettervorhersage zu achten oder an den aufgeladenen Akku und die leere Speicherkarte zu denken, wenn man wieder losziehen will. Ihr merkt, so ein paar Tipps hat Olaf auch für die alten Hasen…

Nach jedem erfolgreich absolvierten Kurs ist Platz für die eigenen Bilder und zum Schluss gibt es ein „Diplom für kleine Fotografen“. Auch findet sich auf den letzten Seiten noch ein kleines Fotolexikon sowie ein kurzes Kapitel zum Thema Bildrechte mit Vordrucken zum Unterschreiben für die Modelle.

So, nun muss ich aber den übriggebliebenen Kuchen vom Fotoshooting essen und helfen, die entstandenen Bilder auf den PC zu übertragen, um sie anschließend zu drucken. Vielleicht habt Ihr ja auch bald das Vergnügen?

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„Das 1 X 1 für kleine Fotografen“*
von Lumi Poullaouec
erschienen im Addison-Wesley Verlag
Altersempfehlung: 7 – 14 Jahre
Preis: 19,95 €

* Das ist ein Affiliate-Link zu Amazon. Wenn Ihr darüber etwas kauft, erhalten wir eine kleine Provision, Ihr zahlt aber keinen Cent mehr.

In einer Zeit, in der fast jeder seine Bilder in Buchform präsentieren kann oder zahlreiche Fotoplattformen unzählige Uploads verzeichnen, ohne einen fachkundigen Kurator zur Seite zu haben, sind diese Mammutwerke von besonderem Interesse.

Diese Bücher sind etwas Besonderes. Sie enthalten Geheimnisse. Sie inspirieren uns. Sie geben uns einen Überblick über eine Schaffensperiode. Es sind Zeugnisse von Menschen, die etwas von ihrem Handwerk verstehen oder verstanden haben. Wir sollten ihnen zuhören, wann immer wir können, von ihnen lernen und ab und an kurzweilig in Demut versinken.

Jedes Genre hat seine eigenen Helden. Meine Helden sind zwei Damen: Deborah Turbeville und Sarah Moon. Beide haben in den Wirren des zweiten Weltkrieges, die eine in den USA und die andere in Frankreich, das Licht der Welt erblickt. Beide waren früh in der Modeszene involviert, beide haben ihre eigene Sprache entwickelt und das Genre damit stark bereichert.

(c) Deborah Turbeville

Im Oktober 2011 erschien „Deborah Turbeville: The Fashion Pictures“* im Rizzoli Verlag. Ich bin mir sicher, würde man ihre Bilder heute in einer der vielen Fotocommunities zeigen und besprechen, sie wären wohl dem Zeriss ausgesetzt.

Sie liebt die Unschärfe und man findet sie in vielen ihrer Bilder. Oft aber sind sie auch zerkratzt, geklebt, mit anderen verbunden, bruchstückhaft, träumerisch, verloren. Sie werden auch bemalt oder beschriftet. Auf einigen sieht man sogar Fingerabdrücke. Sie selbst sagte dazu: „I destroy the image after I’ve made it.“

© Deborah Turbeville

Sie kam erst spät zur Fotografie. Mit 28 Jahren nahm sich Richard Avedon ihrer an. Er mochte ihre verschwommenen Bilder und lehrte ihr das Handwerk. Anfang der 1970er Jahre konnte sie sich offiziell Fotografin nennen. Einen Namen machte sie sich 1975 mit ihrer Serie „Bathroom“ für die amerikanische Vogue und weitere Aufträge folgten.

In ihrem Buch kann man wohlig in diese Unschärfen stürzen. Es werden die bekanntesten Modestrecken gezeigt sowie unveröffentliche Bilder, die für Chanel entstanden. Ihre Bilder, die nie ganz da wirken, haben die Modefotografie nachhaltig beeinflusst und ich bin froh, sie zwischen all den Fotografen entdeckt zu haben.

© Deborah Turbeville

Sarah Moons Retrospektive Sarah Moon 12345 erschien 2008 in einem fünf-bändigen Buch zusammen mit ihrem Film „Mississipi One“ im Verlagshaus Thames & Hudson.

Die Bände sind als Film in Buchform gestaltet und jeder Band steht für ein Genre oder für eine Schaffensperiode in Moons Leben. Denn sie war nicht nur Fotografin, sondern auch Model und Filmemacherin.

Leider besitze ich ihr zusammenfassendes Werk bis heute nicht, weil mir der stolze Preis von über 150 Euro zu schwer im Magen liegt. Aber darin geblättert habe ich schon allzu oft und bin immer wieder überwältigt.

Die Menschen auf ihren Bildern werden behutsam betrachtet. Sie holt sich den Moment, der unbemerkt bleibt. Im Weggehen einer Person fängt sie das Zögerliche, im Augenblinzeln das Nachdenkliche ein. Ihre Bilder können aus tanzenden Farben bestehen, sind aber niemals aufdringlich, wenn auch fordernd.

© Sarah Moon

Ihre Schwarzweißwelten sind dunkel, träumerisch und verwirrend. Wie ein Zerrspiegel erscheinen die Menschen darin und man glaubt, es reiche, nur die Hand auszustrecken, um ebenfalls auf die andere Seite des Bildes gezogen zu werden.

Auch außerhalb der Modewelt legt sie ihre Kamera nicht aus der Hand, denn nicht nur Menschen sondern auch Landschaften und Tiere finden ebenso Zutritt in ihre schöpferische Welt.

Ich könnte noch ewig weiter über ihre Arbeiten und sie selbst schreiben, lege Euch aber lieber das Interview ans Herz, erschienen 2011 in der ZEIT.

© Sarah Moon

In den Werken beider Fotografinnen habe ich etwas gefunden, das mich berührte. Die Beschäftigung mit ihren Arbeitsweisen und Ansichten haben mich beruhigt und darin bestätigt, weiter zu gehen und mir selbst treu zu bleiben.

Und nun seid Ihr dran. Erzählt mir: Wer sind Eure Helden? Wer inspiriert Euch, von wem lernt Ihr?

Die Bilder von Deborah Turbenville stammen alle aus dem Buch „The Fashion Pictures“. Die Bilder von Sarah Moon aus „Sarah Moon 12345“. Ich danke den beiden Verlagshäusern Rizzoli und Thames & Hudson für die Bereitstellung der Bilder.

* Das ist ein Affiliate-Link zu Amazon. Wenn Ihr darüber etwas kauft, erhalten wir eine kleine Provision, Ihr zahlt aber keinen Cent mehr.

Ich finde es hochspannend, sich einem Genre der Fotografie zu verschreiben und dann auf globale Bewegungen hin zu untersuchen. Was haben andere Fotografen und Fotografinnen bisher erschaffen? In welcher Zeit und Kultur wurde gearbeitet? Welche Stilmittel genutzt?

All das sind Fragen, auf die mir Bildbände in gewisser Weise Antworten geben können. Und das auf ihre ganz langsame, natürliche Art, die sich doch so von der Hektik des Netzes unterscheidet. Außerdem: Ich fahre gern mit den Fingerspitzen über Fotografien und spüre die Schwere eines Buches mit Freude. So möchte ich mit dem ersten Band beginnen, dem ich ganz sicher den Klassiker-Status zusprechen kann:

„Streetphotography Now“* | 18,95 € | 27,2 x 23,9 x 2,3 cm

Wenn es ein Buch gibt, das mich beim ersten Ansehen gleich erschüttert und bewegt hat, war es „Streetphotography Now“. Als ich es zum ersten Mal in Händen durchblätterte, musste ich mehrmals pausieren, denn die massive Dichte der Bilder überforderte meine Aufnahmekapazität um ein Vielfaches. Selten war ich so gezwungen, mir mehrere Wochen Zeit zu nehmen, um einen Fotoband kennenzulernen.

Das Buch wirkt bis heute nach und es wird noch für eine lange Zeit eine Quelle der Inspiration bleiben.

Auf 240 Seiten haben die Autoren Sophie Howarth und Stephen McLaren einen Bildband herausgegeben, der mit dem Wort „umfassend“ betitelt werden kann. Insgesamt 46 zeitgenössische Straßenfotografen werden darin inklusive Kurzbiografie vorgestellt und satte 301 Bilder laden mehr als eindrucksvoll dazu ein, in die Diversität und Leuchtkraft einzutauchen und die Zeit zu vergessen.

Magnum-Größen wie Bruce Gilden, Martin Parr und Alex Webb gehören wie selbstverständlich zum Kanon, jedoch gibt es auch zahlreiche Fotografen und Fotografinnen, die der großen Öffentlichkeit bis zur Erstauflage kaum bekannt waren. Außerdem beschränkt sich „Streetphotography Now“ nicht nur auf europäische und amerikanische Künstler, sondern besucht mit Bruno Quinqet Tokyo, mit dem nicht unbekannten Herren Titarenko St. Petersburg und mit Musem Wasif Dhaka, um nur ein paar herauszustellen.

„Streetphotography Now“ ist in seinem breitgefächerten Umfang ein weiterer Beweis dafür, dass die Straßenfotografie noch lange nicht tot ist, sondern – und das mag im Buch selbst zu kurz kommen – auch durch das Internet eine Renaissance erlebt, global schwierigen Rechtslagen trotzt und Großartiges vollbringt.

Auch heute suche ich mir gern bei einer Tasse Kaffee einen Fotografen heraus und betrachte dessen Bilder. Das reicht auch völlig aus, denn bei Interesse befinde ich mich zehn Minuten später auf einer Erkundungsreise im Netz, um alle anderen publizierten Fotos meiner Entdeckung zu bestaunen.

„Stern Fotografie: Bruce Gilden“* | 18 € | 27,8 x 52,7 x 1,4 cm 

Obwohl die Art und Weise, mit der Bruce Gilden bis heute Menschen auf der Straße fotografiert von einem Großteil der Fotografie-Szene (inklusive Straßenfotografen) kritisch beäugt wird, bin ich bekennender Adorator (sic!) des US-Amerikaners. Das klingt pathetisch. Ist es auch. Ich liebe diesen Kerl.

Um mir seine Aufnahmen schön groß zu gönnen, kaufte ich mir Ende des zurückliegenden Jahres die 64. Ausgabe der Reihe „Stern Fotografie“. Diese deckt Gildens Portraits Krimineller, Gangster und Mafiosi ab, die ebenso schonungslos abgebildet werden wie diese ihr Leben wahrscheinlich unterhalten.

Gilden, Soziologe und selbst Sohn eines Kriminellen, kennt das Milieu, in dem er sich aufhält. Und vielleicht hat er auch deshalb den Mut, diese Menschen ohne Vorwarnung direkt anzublitzen und sich in potentielle Gefahr zu bringen. Seine Bilder hingegen erklären die Portraitierten nicht zu Helden, sondern konfrontieren den Betrachter in aller Härte mit Narben, Eigenheiten und Gewaltbereitschaft der Szene.

Nahezu intim wirken die Bilder, die wie ein Ausdruck der Worte Robert Capas - If your pictures aren’t good enough, you’re not close enough – wirken. Und „close enough“ bin ich auch als Betrachter, denn in ihrer Größe von knapp A3 (pro Seite!) kann ich keine sachliche Distanz aufbauen, sondern werde beinahe ins Geschehen hineingezwungen.

Bei Fotografien, die nur einseitig gedruckt wurden, ist die gegenüberliegende Seite schwarz, was den bedrückenden Charakter des Bandes unterstützt. Des Weiteren wurde auf Seitenzahlen und Bildunterschriften gänzlich verzichtet und diese auf die letzten beiden Seiten des Bandes verfrachtet, um den Fotografien ihren Platz einzuräumen.

Es sind sicher keine angenehmen Bilder, die uns Bruce Gilden in diesem Band vor Augen hält. Aber sie erzählen von einem Teil unserer Gesellschaft, der heute gern verdrängt wird und höchstens bei einem Skandal kurz hochstilisiert wird. Ich möchte jedem, der sich mit dieser Realität befassen möchte und ein wenig tolerant gegenüber Gildens Ansatz ist, empfehlen, sich diesen Bildband zuzulegen.

„Henri Cartier-Bresson: Meisterwerke“* | 6,95 € | 18,8 x 14,4 x 1,2 cm

Der erste Bildband, den ich zur Straßenfotografie in den Händen hielt, war – so wollte es der Zufall – ein Geschenk. Damals war ich nur flüchtig mit dem Sujet vertraut und das Büchlein staubte lange Zeit im Schrank vor sich hin.

Seitdem mir die Straßenfotografie 2010 vollständig den Kopf verdrehte, zupfte ich es hin und wieder aus der hintersten Buchreihe, um darin zu schmökern. Dass ich ein fotografisches Schmuckkästchen in der Hand hielt, wurde mir sofort bewusst und es scheint, als ob die Fotos mit jedem Ansehen an Attraktivität gewinnen.

Auf 128 Seiten präsentiert der Verlag Schirmer/Mosel insgesamt 52 Schwarzweißaufnahmen des Meisters Cartier-Bresson. In chronologischer Reihenfolge von 1932 bis ’99. Jedoch beginnt die Reise zweimal von vorn: Einmal mit Bressons Straßenfotos und das andere Mal mit dessen Portraits. Diese Fotos sind jeweils „einseitig“ abgebildet: Die Gegenseite bleibt, wie oben zu sehen ist, stets weiß.

Der Bildband startet mit einem zwölfseitigen, lesenswerten Essay des Straßenfotografen selbst, datiert auf 1952 und mit dem Titel – wer hätte es gedacht – „Der entscheidende Augenblick“. Am Ende des Büchleins schließt die Klammer eine kurzbiographische Übersicht.

Bresson war seinerzeit überzeugt davon, dass Fotografen seines Genres Technik soweit wie möglich außen vor lassen und die zu Fotografierenden nicht damit belästigen sollten. Bressons Begeisterung für natürliches Licht und Authentizität schlägt sich – meiner Meinung nach – in sämtlichen Straßenaufnahmen sowie Portraits nieder.

Für bislang mit Bresson Unbekannte wird es eine Überraschung sein, dass der Mitbegründer von Magnum Photos auch Ikonen seiner Zeit ablichtete. So findet der geneigte Bewunderer unter den abgebildeten Aufnahmen des Bandes eingängige Portraits von Monroe, Sartre, Picasso und vielen anderen.

Auch, wenn ich vor Jahren nicht so recht wusste, was nun mit diesem Bändchen anzustellen sei, ist es mir heute doch sehr ans Herz gewachsen. Einziger Wermutstropfen: Der Preis von 6,95 € ist unschlagbar, jedoch hat sich der günstige Einband mit der Zeit recht schnell gelöst.

„Saul Leiter (Photofile)“* | 12,55 € | 12,3 x 19 x 1,3 cm

Die Fotografien von Saul Leiter entdeckte ich, als Jürgen Bürgin hier bei uns im Magazin eine Buchrezension über den Künstler publizierte. Diese Bilder wirkten einige Zeit nach, sodass ich mir ein paar Wochen später den hier vorgestellten Bildband zulegte. Ich traute mich noch nicht, die Retrospektive zu kaufen, denn ich war mir nicht sicher, ob ich mich in diese Fotos tatsächlich verlieben könnte. Eines Besseren belehrt, das wurde ich.

Heute zählt dieser Bildband zu meinen liebsten überhaupt. Leiters Art, zu fotografieren hat mich geprägt und das vor allem deshalb, weil sie mich tief berührt und eigentlich nicht mehr so ganz in Ruhe gelassen hat.

Das Buch „Saul Leiter“ ist Bestandteil der derzeit 24-teiligen Photofile-Reihe von Thames & Hudson, die sich damit schmückt, Fotos der weltbesten Fotografen in guter Qualität für jedermann zu produzieren. Denn nicht selten kosten solche Schmöcker mehr als der Studentengeldbeutel erlaubt. Somit ist die Photofile-Reihe ein wahres Vergnügen für jeden Interessierten.

Doch zurück zum Bildband. 144 Seiten umfassen eine Reihe von insgesamt 64 Fotos. Auf der Coverinnenseite steht, dass 38 davon in Farbe sind, nachgezählt habe ich nicht. Aber vom Gefühl her scheinen es bei jedem Mal mehr zu werden; wahrscheinlich deshalb, weil die Farbfotos etwas ganz Besonderes sind.

Der heute 89-jährige Saul Leiter zog 1946 nach New York, um Maler zu werden. Dieser Absicht folgte er auch, jedoch begann er bald, die Kamera als verlängerten Arm zu nutzen und fotografierte – zur Nachkriegszeit unter Künstlern verpönt – auch auf Farbfilm.

Leiter selbst hatte nicht das geringste Interesse daran, sich selbst als Meister der Straßenfotografie darzustellen, denn er verstand sich nach wie vor als Maler. Dies ist auch der Grund dafür, dass die Entdeckung seiner außergewöhnlichen Bilder noch recht jung ist und dieser Mensch über 40 Jahre lang ohne Rampenlicht auskam. Dies sah er als ein großes Previleg an, wie Jürgen Bürgin berichtete.

Seine ungewöhnliche Art, zu fotografieren wurde nicht minder von seinem Hang zur Malerei und der Freundschaft zu abstrakten Expressionisten, die er in New York kennenlernte, beeinflusst. Wenn ich mir seine Bilder anschaue, dann wundere ich mich jedes Mal, wie Leiter eigentlich seine Motive komponiert. Er hat einen ungemein scharfen Blick für Linien, Menschen und vor allem: Farben.

Leiter präferierte, durch vereiste oder von Kondenswasser beschlagene Scheiben zu fotografieren und mit Spiegelungen den Betrachter zu verwirren. Jedoch sind die Bilder stets so gehalten, dass sie nicht zu sehr abstrahieren, sondern – zumindest mir – stets der Kontext klar bleibt. Außerdem sind im Zentrum seiner Bilder: Menschen im urbanen Kontext.

Desweiteren gefallen mir Leiters Bilder deshalb, weil er sich ständig einen feuchten Kehricht um Fotoregeln scherte und recht häufig Menschen im Bild frech an irgendwelchen Stellen abschnitt. Bestes Beispiel: „Red Umbrella“. Ein Mensch mit rotem Schirm steht an einer zugeschneiten Straße, die sich in einer Rechtskurve um den Menschen schlängelt. Die Person und der Schirm sind jedoch nur angerissen, gut zwei Drittel des Menschen ließ Leiter einfach weg. Und: Lässt mich als Betrachter nach mehr sehnen.

Solche Spielereien sorgen dafür, dass ich diese Bilder nicht vergessen kann. Denn – zwar nicht immer, aber oft – widersetzen sie sich meinen Sehgewohnheiten und verhaken sich tief im Langzeitgedächtnis.

Im Buch werden die Fotos (meist) einseitig gedruckt, auf den Gegenseiten finden sich Titel und Jahr der Aufnahme. Das Büchlein beginnt mit einem erweiterten und wunderbar zu lesenden Essay des Historikers und Fotografen Max Kozloff.

Ich darf sagen, dass ich kein Buch so oft studiert habe wie dieses. Gerade, weil Leiter so einmalig fotografierte, habe ich bis heute nicht die geringste Langeweile beim Betrachten seiner Werke empfunden. Letzte Woche habe ich mir übrigens die Retrospektive bestellt. Jetzt bin ich mir sicher: In Leiters Fotografien habe ich mich verliebt.

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Als dann plötzlich ein kleines Chatfenster aufploppte, in dem ich begrüßt und gefragt wurde, ob man mir helfen könne, war meine Begeisterung erst einmal flöten. So etwas wirkt auf mich immer etwas – nun ja – merkwürdig. Aber …

… nachdem sich herausstellte, dass am anderen Ende wirklich ein freundlicher Mensch sitzt, der meine Fragen beantwortet, scheute ich mich nicht zu fragen, ob ich den Service für kwerfeldein testen dürfte. Zwei Minuten später hatte ich einen Gutscheincode in meinem Postfach. Ich habe selten so eine nette und unkomplizierte Kommunikation mit einem Unternehmen geführt. Allein dafür gibt es schon einmal Pluspunkte.

Und so kann ich Euch heute das Ergebnis meines Tests vorstellen. So viel sei vorweg verraten: Der erste positive Eindruck hat mich nicht getäuscht. Das Endergebnis – und das ist es ja, was zählt – ist über jeden Zweifel erhaben.

~Das einzige Manko, das ich feststellen konnte, war die Software, mit der man die Bücher erstellt. Adobe-Air-Applikationen sind generell nicht mein Fall. Ich weiß zwar nicht, wie sich solche Software auf aktuellen Windows-Systemen anfühlt, aber auf meinem (zugegebenermaßen in die Jahre gekommenen) Mac fühlt es sich immer so an, als wäre mein Kopf schon drei Schritte weiter als die Software. Laaa-haaam. Und das nervt ein wenig.

Neben der Langsamkeit stört das etwas fummelige genaue Ausrichten von Fotos. Auch die Formatierung der Schrift ist nicht gerade optimal gelöst. An dieser Stelle muss aber unbedingt erwähnt werden, dass man auch PDFs und InDesign-Dateien beim Bestellprozess hochladen kann. Das macht die Sache mit Sicherheit wesentlich komfortabler und vor allem individueller. Um diesen Test aber „massenkompatibler“ zu machen, hatte ich mich entschlossen, die Cinebook-Lösung zu nutzen.

Das Programm an sich lehnt sich optisch an Lightroom an und erklärt sich eigentlich von selbst. Nachdem man sich für ein Format entschieden hat, kommt man direkt zum Editor. Links ist ein Dateibrowser, darunter sieht man die im oben ausgewählten Ordner vorhandenen Fotos.

Diese kann man wie üblich automatisch oder manuell platzieren. Dafür gibt es jede Menge verschiedene Seiten-Vorlagen, die rechts am Fenster hinter einem kleinen Symbol versteckt sind. Diese lassen sich aber auch noch editieren.

Das ist alles nichts Weltbewegendes und ich setze an dieser Stelle einfach voraus, dass der geneigte Leser bereits Erfahrungen mit solchen Programmen gesammelt hat.

Einen Tag nach der Bestellung des Buchs flatterte schon die Bestätigung in mein Postfach: Mein Buch wäre fertig für den Versand. Einen weiteren Tag später wurde das Buch auch schon geliefert. Das nenne ich mal schnell! Ein wenig aufgeregt nestelte ich nervös am Karton und riss selbigen, ähnlich wie ein Kind seine Weihnachtsgeschenke öffnet, einfach auf.

Jedes Buch wird in einem edlen, schwarzen Geschenkkarton geliefert. Darin schlummert das gute Stück in einer exakten Schaumstoffaussparung. An der Seite ragt ein kleiner Filmstreifen heraus, mit dem man das Buch hervorholen kann. Ich hatte die Option Softskin Cover gewählt. Das fühlt sich nicht nur toll an, sondern gibt dem Cover auch einen edlen, matten Glanz.

Die Fotos werden auf echtem, 0,16 mm dickem Fuji Crystal Echtfotopapier ausbelichtet. Im Endeffekt sind die Seiten dann inklusive Kleber 0,34 mm dick. Toll. Die Bindung ist eine spezielle Leporello-Bindung, durch die der sonst oft störende Mittelfalz praktisch nicht mehr vorhanden ist. Sehr schön, wenn man Fotos über beide Seiten platziert hat.

Cinebook beschreibt das so:

Um das Beste erreichen zu können, stellen wir einen kompromisslos hohen Anspruch an unsere Premium-Fotobuch-Qualität. Deine Bilder verdienen die höchste Brillanz, Farbechtheit und Langlebigkeit. Cinebooks werden deswegen, anders als gedruckte Fotobücher, auf echtem Fotopapier ausbelichtet. Da das ohne störenden Falz möglich ist, kannst Du Deine Bilder in der gesamten Breite des Buches zeigen. Panorama-Feeling pur.

Für uns hört es aber bei der Ausbelichtung nicht auf. Zu einem Premium-Fotobuch-Erlebnis gehört ebenso die Haptik. Überzeugen die einzelnen Seiten durch die seidenmatte Oberfläche des echten Fotopapiers und sein charakteristisches Relief, wartet das Hardcover deines Cinebooks mit edler Softskin-Oberfläche auf.

Und das Beste: Fotobücher von Cinebook werden stets in einer hochwertigen Geschenk-Box geliefert. So bleibt Dein Cinebook immer gut geschützt, die Qualität erhalten und jedes Öffnen wird zu einem besonderen Erlebnis.

Es ist wirklich eine wahre Freude, das Buch zu betrachten und durchzublättern. Allein die Dicke des gewählten Papiers vermittelt eine sehr hohe Qualität. Aber all das hat natürlich auch einen Haken: Der Spaß ist leider nicht billig. Es gibt vier verschiedene Formate, die mit folgenden Preisen zu Buche schlagen:

Cinema: 28 x 19 cm, ab 49,95 €
Lookbook: 21 x 28 cm, ab 54,95 €
Close-Up: 28 x 28 cm, ab 69,95 €
Widescreen: 42 x 28 cm, ab 89,95 €

Das sind im Vergleich zur Konkurrenz bestimmt keine Schnäppchen. Ich habe bisher aber auch kein Fotobuch in der Hand gehabt, das an diese Qualität herangekommen wäre. Lediglich Blurb würde ich noch als ähnlich gut ansehen. Da sind die Seiten aber wesentlich dünner und auch die Leporello-Bindung fehlt.

Wer also ein qualitativ wirklich hochwertiges Buch sucht, sollte sich überlegen, ob er nicht den einen oder anderen Euro mehr ausgeben möchte. Gerade, wenn man das Buch vielleicht zu einem speziellen Anlass verschenken möchte. Oder wenn man die tollen Fotos der eigenen Hochzeit in einem Buch verewigen möchte. Bei Cinebook lohnt es sich in jedem Fall.

Könnte ich Sterne vergeben, gäbe es 4,5 von 5 schicken, glänzenden Sternchen. (Das halbe Sternchen Abzug wegen der etwas hakeligen Software.)

Vielen Dank an dieser Stelle noch einmal an Cinebook für die insgesamt schnelle und unkomplizierte Abwicklung!

Martin Usbornes „The Silence of Dogs in Cars“ ist ein Beispiel dafür. Das 2012 im Kehrer Verlag erschienene Buch wirkt in seinem gut hälftig mit grauem Stoff bespannten Hardcover klassisch schön.

Wie es der Titel des Buches bereits verrät, sind die Hauptdarsteller Hunde, genauer gesagt in Autos allein gelassene Hunde. Durchweg im Dunkeln und in der Dämmerung aufgenommen, haftet den Bildern eine traumgleiche, etwas bange Stimmung an.

Zuerst, so Usborne, habe er auf Parkplätzen vor Supermärkten nach eingeschlossenen Hunden Ausschau gehalten. Als diese Herangehensweise jedoch keine Früchte trug, verabschiedete er sich schnell von dem dokumentarischen Anspruch an die Arbeit.

Um die Bilder zu bekommen, die er suchte, beschloss der Fotograf, die Szenen zu arrangieren und speziell auszuleuchten. Daher der zuweilen filmische Charakter der Bilder, die vielleicht entfernt auch an die Szenen eines Gregory Crewdson erinnern.

Martin Usborne sagt selbst, die Frage, die er sich nach einem Foto immer stelle, sei nicht: Sieht es gut aus?, sondern Fühlt es sich richtig an?

Auf bestimmte Hunderassen kann man Klischees über ihre Besitzer projizieren. Mitunter lässt sich dem Hund selbst im besten Sinne gar so etwas wie eine Persönlichkeit unterstellen. Die Gemeinsamkeit zu Autos besteht hierbei darin, dass auch sie sich mitunter als charakterliche Projektionsfläche eignen.

Das subtile Zusammenspiel dieser beiden Elemente – Hund und Auto – ist etwas, das beim Betrachten der Bilder immer wieder auffällt.

Wie humorvoll das zuweilen sein kann, zeigt das Bild mit Greyhound „Maus“, der seinen stromlinienförmigen Kopf aufmerksam in Fahrtrichtung streckt.

Oder auch die Dalmatinerhündin „Margaux“, die ob ihrer Körpergröße auf dem Rücksitz eines Citroen 2CV etwas eingeklemmt wirkt und in ihrem Profil eine entfernte Ähnlichkeit zu dem des Autos erkennen lässt.

So schön diese Harmonisierung zwischen Hund und Fahrzeug ist, dient sie doch bloß als ästhetisches Mittel für die künstlerische Auseinandersetzung mit einem übergeordneten Thema: Der Angst des Alleingelassenwerdens.

Der Fotograf thematisiert mit dieser Arbeit ein Gefühl, das ihn in sehr jungen Jahren einmal beschäftigte, auch wenn er selbst in einer sehr liebevollen Atmosphäre aufgewachsen sei, so Usborne.

Die Angst, ausgesetzt oder verlassen zu werden, ist etwas, das für ein von der Fürsorge seiner Eltern abhängiges Kind sehr präsent sein kann.

Durch die lange gemeinsame Geschichte von Mensch und Hund bis hin zu einer Form emotionaler Symbiose dienen diese Tiere seither natürlich als optimale Projektionsfläche für eine ganze Palette an menschlichen Gefühlsregungen.

Und wie gut das funktioniert, beweist einmal mehr dieses Buch.

„The Silence of Dogs in Cars“* ist im Kehrer Verlag erschienen, hat 120 Seiten und kostet neu 39,90 Euro.

* Das ist ein Affiliate-Link zu Amazon. Wenn Ihr darüber etwas bestellt, bekommen wir eine kleine Provision, Ihr bezahlt aber keinen Cent mehr.

Für die Ausgabe wählte Calin Kruse 14 Arbeiten der polnischen nationalen Filmschule in Lodz. Ziel war es, die verschiedenen Stile und Ästhetiken zu zeigen und einen Überblick über die aktuelle polnische Fotoszene zu geben.

Im Magazin findet man tatsächlich 14 sehr abwechslungsreiche Bilderserien. Zu jeder gibt der jeweilige Fotograf eine kurze Beschreibung, die, ebenso wie die Fotos, sehr unterschiedlich sind. Von kurzen, klaren und prägnanten Darstellungen bis hin zu verträumten, blumigen Worten über die eigenen Arbeiten ist alles dabei. Jeder Text ist dreisprachig aufgeführt auf Deutsch, Englisch und Polnisch.

Das Hauptaugenmerk liegt jedoch auf den Bildern, was fast schon ein wenig stört, denn viele der Serien kommen nicht mit ein paar Worten aus, sondern wirken erst durch genauere Kenntnise der Hintergründe richtig. Ich möchte schnell mehr über einige Fotoserien erfahren, weshalb die Links zu den Homepages der Künstler unter jedem Text absolut sinnvoll sind.

Persönlich besonders interessant fand ich die Serie „The day before“ von Anna Orlowska. Sie zeigt Bilder vor großen Lebensereignissen und man kann die Gedanken über die baldigen Veränderungen fühlen. Aber auch die Portraits der Arbeiter des Elektrizitätswerkgebäudes in Bytom von Agnieszka Wrzesniak und die emotionalen Diptycha von Gosia Fraszek lassen mich nicht unberührt.

Einzig die Körperlandschaften von Agnieszka Skrzypczak und die Topographien von Ewa Ciechanowska wirken im Heft mit den Maßen 15 x 18 cm nicht so richtig. Diese Arbeiten brauchen viel Platz und große Wände. Man hat dies wohl schon selbst bei Erstellung der Ausgabe bemerkt und sie über zwei Seiten gedruckt. Der Buchknick durch die Bilder macht für mich jedoch mehr kaputt, als dass die größere Darstellung hilft.

Abgesehen von dieser kleinen Kritik kann und möchte ich „Young Polish Photographers“ empfehlen, denn es gibt wirklich einen hervorragenden Überblick über die polnische Fotografie. Viele der vorgestellten Künstler werden sicher noch öfter zu sehen sein, nicht zuletzt, da einige von ihnen mittlerweile bereits internationale Preise gewonnen haben.

Zu kaufen gibt es das Magazin für nur 10 € im „dienacht“-Shop. Es handelt sich um eine limitierte Auflage von 500 Stück. Die Cover werden per Zufallsprinzip verschickt.

Was ich sehe, ist ein mintgrün eingefasstes Schaufenster, an dem von innen drei quadratische Bilder nebeneinander befestigt sind. Wer hier vorbeikommt, meint zunächst, einen leerstehenden Laden vorzufinden, wie es früher in dieser Gegend ganz üblich war. Und um es nicht allzu trist aussehen zu lassen, wurde das Schaufenster mit großformatigen Bildern dekoriert. Die Tür zum Laden ist verschlossen.

Dahinter steckt allerdings System. Seit Oktober 2005 werden, wie man auf der Webpräsenz lesen kann, monatlich wechselnde Ausstellungen präsentiert. Das Wort „Ausstellung“ lässt erst einmal mehr vermuten und doch kann man den Raum hinter dem Fenster nicht betreten. Das Fenster selbst ist der Ausstellungsort. Eben ein Schaufenster.

Aus: „Briefe aus Berlin“ von Gino Puddu, 16. Januar – 12. März 2013

Die Arbeiten, die hier präsentiert werden, setzen sich „mehr oder weniger stark mit Berlin auseinander“. Das Angenehme an solch einem Konzept ist: Keine Öffnungszeiten, keine hübschen und kreativen Menschen an Laptops, die einen beim Betrachten der Bilder beobachten, keine großen Kosten.

Die Anzahl der Bilder variiert, es ist keine feste Zahl vorgegeben – nur der Platz: 2×2 Meter stehen zur Verfügung. Derzeit sieht man hier großformatige Bilder des italienischen Fotografen Gino Puddu. Sie sind Antworten auf fiktive Fragen eines Freundes. Wenn ich ehrlich bin, nicht ganz meins und der Zugang fehlt mir, erst der dazugehörige Text auf der Seite lässt mich da ein bisschen mehr sehen und verstehen.

Auf die demnächst folgende Ausstellung von Frank Machalowski mit dem Titel „Monster“ freue ich mich dagegen sehr. Denn im Pressetext dazu heißt es:

In Frank Machalowskis Langzeitbelichtungen aus den Jahren 2011 und 2012 werden die durch die Straßen strömenden Menschen als geisterhafte Bewegungsspuren einer Masse sichtbar, erscheinen fast bedrohlich, als gesichtsloses Monster, das sich den Weg durch die Stadt bahnt. Die Grenze zwischen dem Monströsen und Humanen verschwindet im Nebel der Bewegung

Aus: „Monster“ von Frank Machalowski, 13. März – 14. Mai 2013

Wer mehr über die jeweilige Ausstellung wissen möchte, der besucht einfach die Webpräsenz von FENSTER61. Die Seite sieht sich als Archiv, in dem die Geschichten und Bilder der Stadt gesammelt werden.

So ist die Seite auch Archiv einer Stadt und ihrer Menschen, in der man allerlei kleine und große Geschichten entdecken kann. Wie beispielsweise die des Fotografen Frank Schirrmeister, der in seiner Serie „Sonntags in Berlin“ Nebenschauplätze besucht hat und dabei Parallelwelten zeigt, die dem hiesigen Berlinbesucher sicher verborgen bleiben.

Oder die Dokumentation des niederländischen Fotografen Michel Meijer, der im Februar 2003 jeden Tag ein Bild vom Kino „Durchfenster“ machte. Ein Kino in Friedrichshain, das tatsächlich nur durch ein Fenster betreten werden kann, von Freiweilligen betrieben wird und jeden Tag einen anderen Film zeigt.

Aus: „Beside me“, Irinadabo, 15. Mai – 16. Juli 2013

Aber am besten ist es, Ihr begebt Euch nun selbst auf Entdeckungsreise durch das Archiv. Und wenn Ihr eine Geschichte aus Berlin auf dem Rechner oder in Negativordnern liegen habt, dann stellt dem Team von FENSTER61 diese doch einmal vor. Vielleicht habt Ihr Glück und andere Berlinbesucher können bald Eure Geschichten in der Torstrasse sehen.

Ganz oben: Das FENSTER61, hier auf Fotos von Oliver Gerhartz. Danke!

Es ist Nacht, das Licht des Mondes ergießt sich auf den alten Dielenfußboden, auf den ich so stolz war, als ich das Zimmer anmietete. Die Pflanzen auf dem Fenstersims haben ihre Blätter verloren. Der Winter ist eingekehrt und das Heft liegt vor mir.

Es ist ein Winterheft, in dem der Schwan stolz seinen Hals verrenkt, tote Fliegen auf dem Nichts liegen, Menschen gedankenverloren in die Ferne schauen und ausgestopfte Kraniche angstvoll den Blitzen lauschen.

Die Bilder sind eine Ansammlung von Gedanken. Der Betrachter ist es, der sie wieder zusammensetzt. Manch einer mag nicht, zuckt mit den Schultern und geht wieder weg. Der andere schaut drauf, lauscht der Schrammelmusik, findet ein Stück von sich wieder.

Das Heft ist Berlin. Es wirkt genauso zerstückelt und wieder zusammengesetzt wie diese Stadt, in der die Einsamen sich treffen und zusammen auf die Party gehen. Wo dann pailettenbenetztes Licht behaarte Körper schmückt und im Morgengrauen ein Vogelschwarm zerstäubt.

Die Bilder sind wie diese Filme, die keiner versteht und doch ein jeder kennt und drauf schaut – poetisch, direkt, plakativ, verstörend und seltsam. Eine Linie, der man folgen kann, zu finden ist schwer. Und doch stolpert man von Bild zu Bild und ist irgendwie berührt und weiß nicht wieso.

~

Fused Minds ist ein Gemeinschaftsprojekt von Zimmer 117. Nach einer längeren Pause hat die gesamte Gruppe, bestehend aus Christian Conrad, Lars Kiss, Marina Jerkovic, Daniel Harders, Susann Probst und Yannic Schon, endlich einmal wieder ein neues Fotoheft zusammengestellt.

Bestellen kannst Du das auf 180 Exemplare limitierte Heft über Zimmer117 für 14 € + Porto.

Dabei nutzte er seinen Close-up-Stil, den er bereits im Fotobuch „Close Up“ verwendete. Weiches Neonlicht statt eines Kamerablitzes erhellt die Gesichter. Die Augenhöhe ist dabei immer die gleiche, wodurch die einfachen Portraits richtige Gesichterstudien werden, die gerade bei eineiigen Zwillingspaaren und Mehrlingen unglaublich faszinierend wirken.

© IDENTICAL – Portraits of Twins by Martin Schoeller, Marilyn Elder and Carolyn Bridges, published by teNeues, www.teneues.com. Photo © 2012 Martin Schoeller. All rights reserved.

Beim Ansehen der Gesichter frage ich mich, welchen Einfluss Umweltfaktoren auf unser Aussehen haben. Die kleinen Unterschiede, trotz der identischen DNA, fallen ins Auge. Ich wünsche mir eine genaue Angabe über Ernährungsgewohnheiten und Lebensgeschichten unter jedem Zwillingsportait. Durch diese Gedanken treten die technisch perfekten Fotografien von Schoeller in den Hintergrund.

© IDENTICAL – Portraits of Twins by Martin Schoeller, Chantelle and Danielle Dwomoh-Piper, published by teNeues, www.teneues.com. Photo © 2012 Martin Schoeller. All rights reserved.

Seine Modelle fand Schoeller beim jährlichen „Twins Days Festival“ in Twinsburg, Ohio.

Martin Schoeller wurde 1968 in Frankfurt am Main geboren. Nach seiner Ausbildung beim Lette-Verein Berlin arbeitete er als Assistent von Annie Leibovitz. Heute lebt und arbeitet er in den USA.

Das Buch „Identical – Portraits of Twins“ erschien im Verlag teNeues. Auf 132 Seiten finden sich 110 Fotografien (51 Portraitpaare). Der Hardcoverband kostet 59,90 € und ist zum Beispiel über Amazon erhältlich.

Wie stark ist der Wald als mythischer Ort in unserer Kultur verankert? Kann man ihm die Bedeutung, die er einmal hatte, heute eigentlich noch beimessen?

Dies sind Fragen, die man sich stellen kann, wenn man sich die jüngste Arbeit des Fotografen Michael Lange anschaut.

Jedoch stellt man ziemlich schnell fest, dass er uns eigentlich nichts sagen oder zeigen will, der Wald. Er ist halt einfach da.

Und im besten Sinne ehrlich lakonisch sind Langes Fotografien von ihm. Doch es steckt auch noch etwas mehr in ihnen. Eine Art Meditation vielleicht.

Wie der Fotograf kürzlich selbst in einem Künstlergespräch mit dem Bildwissenschaftler Prof. Dr. Christoph Schaden erzählte, habe er die Serie vor einiger Zeit als ganz persönliches Projekt begonnen.

Ein Jahr lang habe er niemandem von seinem Projekt erzählt, um das Thema ganz in Ruhe und nur mit sich selbst allein zu entwickeln.

Er lege Wert darauf, dass der Betrachter die Bilder nicht als dokumentarische Arbeit missverstehe. Es seien „einfach meine Bilder vom Wald“, so Lange.

Aufgeräumt wirken die Bilder und zugleich ungestellt. Ihre visuelle Struktur enthält eine kompromisslose Natürlichkeit ohne künstliche Brüche.

Die Art, wie sich in ihnen allein durch das subtile Wechselspiel von hellen und schattigen Partien räumliche Tiefe abzeichnet, zeugt von einer hohen ästhetischen Intelligenz.

Viel Detail steckt in Langes Waldbildern. Ein Reichtum, den der Fotograf durch die Verwendung eines digitalen Mittelformatsensors an einer Fachkamera erzielte.

Eine subtile Bewegungsunschärfe zeichnet sich ab, dort wo der Wind die Äste kitzelt. Sie gibt Aufschluss darüber, dass Lange jedes der Bilder einige Sekunden belichten musste, um der Dämmerung Zeichnung abzugewinnen.

In den Wäldern von Schleswig-Holstein, Niedersachsen, Hessen und Rheinland-Pfalz fotografierte er, doch ist der eigentliche Ort irrelevant. Die Bilder beschreiben mit einer den Ort ignorierenden Selbstverständlichkeit das Phänomen Wald als einen Aspekt, in dem sich die Natur abbildet.

„Wald“* ist im Hatje-Cantz-Verlag erschienen, umfasst 72 Seiten und kostet neu 45 EUR.

Begleitend zum Buch ist auch die Ausstellung „Wald. Landschaften der Erinnerung“ sehenswert. Noch bis zum 23. Dezember werden Michael Langes großformatige Bilder im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie in der Niederlassung der Alfred-Ehrhardt-Stiftung in Berlin gezeigt.