Aber fangen wir beim Anfang an, ein Blick in die Geschichte: Im Januar 1896 präsentierte Wilhelm Conrad Röntgen die Entdeckung dieser Strahlen. Er durchleutete die Hand von Albert von Kölliker und hielt mit Hilfe von Fotoplatten das Schattenbild für die Ewigkeit fest. Die Entdeckung war eine Sensation und wurde zu einem Meilenstein in der Medizin.

Albert von Köllikers Hand; 23. Januar 1896

Auch die wissenschaftlichen Aufnahmen der beiden Österreicher Josef Maria Eder und Edward Valenta faszinieren noch heute. Sie zeigen verschiedene Fische, Schlangen und Amphibien unter Röntgenstrahlen. Diese Bilder entstanden ebenfalls schon im Jahr 1896.

Bereits im März desselben Jahres entdeckte man erste Strahlenschäden wie lokalen Haarausfall und Hautrötungen. Der Begeisterung tat dies jedoch kaum einen Abbruch. 1904 wurde das erste Buch zum Strahlenschutz veröffentlicht, fand jedoch damals kaum Beachtung.

Man entdeckte viel eher den künstlerischen Reiz dieser surreal wirkenden Bilder. Während die Wissenschaft neue Erkenntnisse aus den Röntgenfotografien zog, begannen zunehmend auch Künstler und Fotografen, sich mit dem neuen Medium auseinander zu setzen.

Foto: Josef Maria Eder und Edward Valenta (1896)

Einer der bekanntesten unter ihn nist wahrscheinlich der Bauhaus-Maler und -Fotograf László Moholy-Nagy, der sich 1940 ausgiebig mit dieser Technik beschäftigte. Aber auch heute noch gibt es Menschen, auf die Röntgenstrahlen eine Faszination ausüben und die mit ihnen experimentieren.

Diese Experimente werden immer aufwändiger und größer. Nick Veasey röntgte zum Beispiel 2003 eine Boeing 777 vollständig. Aber auch Unterwäsche und Bagger samt Fahrer sind vor ihm nicht sicher. In seinem Buch „X-Ray. Die Schönheit des Verborgenen“* zeigt er eine Auswahl seiner Bilder.

Foto: Nick Veasey (2003)

Auf Flickr wurde ich auf Surfactant und seine Bilder aufmerksam. Er arbeitet seit 18 Jahren als medizinisch-technischer Radiologieassistent und hatte die Möglichkeit, für seine Fotos Röntgengeräte zu verwenden, die nicht länger für die menschliche Diagnostik genutzt werden konnten.

Ich kann mir mittlerweile vorstellen, welche radiologischen Schatten Menschen, Tiere und unbelebte Objekte werfen werden. Ich finde diesen Teil besonders interessant. Ich glaube, es ist wie bei einem Fotografen, der alles um sich herum genau studieren muss, um sich dann zu überlegen, wie das Licht am besten auf sein Motiv fallen wird.

Foto: Surfactant

Auch latitegeraldine entdeckte ich bei meiner Suche auf Flickr. Die 28-jährige Französin arbeitet ebenfalls als technische Assistentin in einem Krankenhaus.

Ich mag die Idee, ins Innere der Dinge sehen zu können. Ich verwende besonders gern Objekte mit verschiedenen Dichten und Dicken, das macht viel Spaß. Objekte, die ich röntge, zeigen meistens das, was ich im Leben gern habe.

Foto: latitegeraldine

Beim Betrachten der Bilder entsteht bei mir der Wunsch, selbst Objekte zu durchleuchten. Wie sieht wohl meine Kamera im Inneren aus? Oder das Kaleidoskop, das hier auf meinem Schreibtisch steht? Es ist schon schade, dass Röntgenstrahlen gefährlich sind und dadurch nicht mehr Menschen die Möglichkeit haben, ihre Neugierde auf diese Weise auszuleben.

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Baudelaire wurde am 9. April 1821 in Paris geboren. Seine Biografie zeichnet einen recht depressiven Zeitgenossen. Man liest von Drogen, Geldnot, Vaterproblemen und einem Selbstmordversuch. Mit nur 46 Jahren starb er an den Spätfolgen der Syphilis. Untätig verbrachte er sein kurzes Leben jedoch nicht.

Sein Werk umfasst unter anderem den Gedichtzyklus „Die Blumen des Bösen“ und mehrere Essays, Kritiken, Autorenportraits. Er übersetzte Edgar Alle Poe das erste Mal ins Französische und war begeisterter Revolutionär.

Charles Baudelaire von Nadar (1855)

Interessant für uns ist seine Kritik zur Fotografie aus „Der Salon“ von 1859. In ihr schreibt er, dass die Fotografie fälschlicherweise als Kunst eingeschätzt wird und zunehmend die Malerei bedrohe. Um Kunst zu schaffen, war für ihn Fantasie wichtig. Fantasie im Zusammenhang mit dem technischen Fotoapparat konnte er sich nicht vorstellen.

Da die photographische Industrie die Zuflucht aller verkrachten Maler war, deren Begabung oder deren Fleiß nicht hinreichten, ihr Studium zu Ende zu führen, so trug diese allgemeine Überschätzung nicht nur das Merkmal der Verblendung und des Schwachsinns, sondern sie hatte auch noch einen Anstrich von Rache. Charles Baudelaire; aus: Der Salon 1859

Demzufolge waren Fotografen für ihn keine Künstler, sondern im Gegenteil unbegabte oder gar faule Maler, die es zu nichts gebracht hatten und sich nun der kommerziellen Fotografie hingaben. Baudelaire nutzte jedoch die neue Technik durchaus, weshalb es von ihm mehrere gut erhaltene Daguerreotypien von bekannten Fotografen wie Nadar gibt.

Charles Baudelaire von Etjenne Carjat (1863)

Ich frage mich, was Baudelaire heute tun und schreiben würde. Ich stelle mir vor, dass sich nicht viel ändern würde: Er lebt in Paris, wie damals mit Drogen und Prostituierten. Nebenbei schreibt er für kleine linke Zeitschriften, um sich über Wasser zu halten und kritisiert in ihnen wortgewaltig die zeitgenössische Kunstszene.

Und die Fotografie? Baudelaires Gedanken sind nach wie vor aktuell, sieht man sich die vielen Diskussionen hier und auch in anderen Magazinen an. Es geht auf der einen Seite um perfekte Schärfenbereiche. Man kann mittlerweile die Realität noch genauer abbilden als sie das menschliche Auge überhaupt wahrnehmen kann. Die Technik steht oft im Mittelpunkt.

Auf der Gegenseite gibt es aber auch Fotografen, denen es nicht darauf ankommt, die Realität zu zeigen. Sie versuchen, mit ihren Bildern Gefühle und Emotionen zu transportieren. Vielleicht hätte Baudelaire daran doch Gefallen finden können, wäre mit einer Polaroidkamera losgezogen oder hätte mit irgendeiner anderen Kamera verschwommene, experimentelle Bilder aufgenommen, auf denen man kaum etwas erkennt.

Charles Baudelaire von Nadar

Es bleiben natürlich nur Vermutungen, aber auf jeden Fall ist es doch interessant, dass viele Fotografen den ersten Fotos, die Baudelaire damals so kritisierte, heute auf Grund ihres Mangels an Perfektion gerade das zusprechen, was er ihnen absprach: Fantasie.

Literatur:
• Pia, Pascal: Charles Baudelaire in Selbstzeugnissen und Bilddokumenten. Hamburg 1958.
• Stiegler, Bernd / Thürlemann, Felix: Meisterwerke der Fotografie. Stuttgart 2011.
• Stiegler, Bernd: Texte zur Theorie der Fotografie. Stuttgart 2010.

Ich sitze gerade vor einigen Fotos aus den ersten Jahren der Fachmesse und stöbere in der 17-seitigen Chronologie, die ich Dank der Photokina-Pressestelle erhalten habe. Dass die Geschichte der Photokina so spannend sein könnte, hatte ich vor Erhalt nicht gedacht. Die meiner Meinung nach spannendsten Entwicklungen habe ich versucht, für Euch in Kurzform zusammenzutragen.

Besonders gefreut hat mich dabei, dass es bei der Photokina nie nur um Werbung und technische Neuerungen ging. Immer wieder gab es Bereiche für Kunst und Kultur, Ausstellungen und fotografische Experimente. So zeigte bereits 1950 die von Otto Steinert gegründete Gruppe „Fotoform“ kreative Fotoexperimente, die durch die Nationalsozialisten verdrängt worden waren.

Hallendurchblick 1950

Große Aufmerksamkeit erhielten in den ersten beiden Jahren die ersten kleinformatigen Kameras, die ersten Sofortbild-Kameras, sowie der Elektronenblitz. 1951 fand auch erstmalig ein internationaler Farbfilmkongress statt, der die Probleme des neuen Mediums behandelte, das sich erst 1958 langsam durchzusetzen begann.

1960 gab es einen Besucherrekord mit 215.000 Fotointeressierten. An dieser 7. Photokina nahmen 550 Aussteller aus 17 Ländern teil. 1963 wurde die Halogenlampe als Lichtquelle vorgestellt, die ersten farbigen Sofort-Fotos kamen auf den Markt und das erste Mal wurde der Deutsche Jugend-Fotopreis auf der Messe verliehen.

Hallendurchblick 1954

Oft wurde bei der Photokina auch über den Tellerrand gesehen. Ab 1972 gewann der audio-visuelle Bereich eine immer größere Bedeutung. Im Mittelpunkt der Bilderschauen stand das Thema „Im Schein der Erde“. 600 ausgesuchte Bilder zum Thema Weltraum und Weltraumforschung wurden präsentiert. Über 250.000 Besucher zählte man in diesem Jahr.

1974 änderte sich das Konzept der Photokina. Die Weltmesse wurde zur Fachmesse mit Zutritt nur für Händler und Anwender, wodurch sich die Besucherzahlen stark verringerten. Eine riesige Sofortbildkamera zur Herstellung von lebensgroßen Portraits zierte 1976 den Kunsthallenkomplex, in dem die Bilderschauen stattfanden. Die Neuerungen wurden immer mehr, vor allem ein Trend zur Miniaturisierung und Elektronisierung wurde deutlich.

Hallendurchblick 1954

Eine der größten Neuerungen, die Videografie, kam 1978 ins Gespräch und erhielt einen stärkeren Fokus. Man besann sich jedoch auch zurück. Zum Beispiel mit der Ausstellung „Vor fünfzig Jahren“, die kreative Fotoexperimente aus den 1920er Jahren zeigte.

Zum 30-jährigen Bestehen der Photokina weckten die neuen Reflex-Kameras (halb- und vollautomatische Modelle) und 35mm-Filmkameras sowie Pocketkameras mit verbesserten technischen Ergänzungen und AV-Zubehör im Amateurbereich das größte Interesse. Der Fachbereich gliederte sich in vier Angebots-Zentren: Photofinishing, professionelle Photographie und Photo-Studio-Zubehör sowie Fernseh­- und Kinotechnik.

Hallendurchblick 1954; links: Theodor Heuss

1982 erweiterte sich die Hallenfläche bereits auf 128.000 qm, vor allem um das amateurbezogene Angebot einerseits und die Profi-Bereiche andererseits zu verfeinern. Auch in das Guiness-Buch der Rekorde ging die Photokina 1988 mit der „größten Bilderschau der Welt“ ein – in Form einer fortlaufenden Bilderwand von den Photokina-Hallen bis zum Museum Ludwig mit einer Länge von 1.300 Metern!

Trotz der fortschrei­tenden Digitalisierung spielte die traditionelle Silberfotografie im Amateurbereich 1994 nach wie vor die dominierende Rolle, während in der Studiotechnik Digitalkameras und -recorder an Bedeutung gewannen. Bereits 1996 hielt die digitale Fotografie Einzug in den Amateurmarkt. Der Übergang von der analogen in die digi­tale Welt wurde in diesem Jahr besonders deutlich.

Hallendurchblick 1956

Die Schwerpunkte im Jahr 1998 nannten sich Consumer Photo & Video, Professional Photo & Imaging, Photofinishing sowie Professional Media. Die englischen Bezeichnungen zeugten jedoch nicht von neuer Internationalität, denn international war die Photokina bereits seit ihren Anfangsjahren. Sie folgten wohl viel eher einem generellem Trend in Deutschland.

Ab dem Jahr 2000 können wahrscheinlich viele von Euch die Geschichte aus erster Hand weitererzählen. Vielleicht kennt Ihr die Photokina aber auch schon aus den Anfangsjahren und habt noch schöne, mittlerweile schon fast archivwürdige Bilder? Erzählt und zeigt!

Das 20. Jahrhundert war ein aufregendes und vor allem durch Wandel geprägtes Jahrhundert, sowohl aus politischer, gesellschaftlicher, wissenschaftlicher als auch aus technischer Sicht. Allein Deutschland durchlebte in dieser Zeit mehrere unterschiedliche Regierungen, der Fernseher und der Computer wurden erfunden, die Tuberkulose besiegt und unser aller Leben hat sich durch den Fortschritt und Wandel in Technik und Politik grundlegend geändert.

Selbstverständlich werden bei jedem Wandel neue Dinge benötigt und andere nicht mehr. So ist es auch bei den Gebäuden, denn das ist der Grund, weshalb einige dieser leer stehen – eben durch den Wandel der Zeit.

Der Wandel der Montanindustrie

Die Montanindustrie, also beispielsweise die Gewinnung von Kohle, das Produzieren von Stahl und Eisen oder die Gewinnung von Strom waren besonders in den Gebieten des Saarlands, Lothringens und in Luxemburg weit verbreitet. Einfacher Grund waren die damals in üppigen Mengen vorhandenen Bodenschätze. Überall wurde Eisen produziert, Kohle gefördert und aus eben dieser Strom erzeugt. In Deutschland war die Montanindustrie bis in die späten 60er Jahre Motor des deutschen Wirtschaftswunders und selbstverständlich auch ein wichtiger industrieller Arbeitsplatz.

Doch seither geht die Bedeutung dieses Industriezweiges stark zurück – ein klassischer Strukturwandel hat hier sowohl in Deutschland, als auch in Frankreich und Luxemburg stattgefunden. Die Folge ist, dass der Großteil dieser riesigen Industriebauten inzwischen verlassen und damit meist „verloren“ ist. Teils riesige, teils prunkvolle und teils einfach nur beeindruckende Gebäude stehen leer, verfallen und wurden, meist von sogenannten Kupferdieben, geplündert.

Der Wandel der Landwirtschaft

Noch vor einigen Jahrzehnten gab es einen prozentual deutlich größeren Anteil an Menschen und Familien, die sich zu einem großen Teil selbst versorgt haben, also einen kleinen Bauernhof besaßen und genügend Tiere hielten, um damit ihren Bedarf zu decken. Oft produzierten diese Familien auf ihren kleinen Höfen noch ein paar Dinge, die sie auf dem Markt oder ihrem Ladengeschäft verkauften. Seit es Supermärkte und Einkaufszentren auch in kleineren Städten, selbst Dörfern gibt, ist der „Selbstversorgungsmensch“ auf ein Minimum geschrumpft.

Das hat zur Folge, dass viele alte Bauernhäuser, Mühlen und kleine Anwesen leer stehen, da die Familien von ihrem Hof weggezogen sind oder schlichtweg inzwischen gestorben sind. In Deutschland wurden die meisten Häuser und Höfe abgerissen oder renoviert, aber in Luxemburg und Belgien, zum Teil auch in Frankreich, gibt es noch viele inzwischen seit weit über 20 Jahre leer stehende Häuser, Höfe und Mühlen.

Der Wandel der Gesellschaft

Viele öffentliche Veranstaltungen, wie beispielsweise Theater und Kino, erfreuten sich noch vor einiger Zeit in den meisten Gebieten größerer Popularität oder zumindest „anderer“ Popularität als heutzutage. Das liegt vor allem daran, dass sich die Interessen der Gesellschaft verschoben haben. Das Theater hat für viele heute nicht mehr denselben Stellenwert wie noch vor 50 oder 100 Jahren.

So hat es vor allem kleinere Städte getroffen, in denen diese „öffentlichen Gebäude“ schließen mussten. Von nun an gibt es in den angrenzten Städten große, moderne Kinos und die alten, prunkvoll mächtigen Theater und nahe daran gelegen dementsprechend viel Kultur, viele Cafés und Restaurants.

Die Menschen in den kleinen Städten haben inzwischen alle ein Auto und können daher leicht die Großstadt erreichen – Kultur im eigenen Dorf ist damit überflüssig. In kleineren Städten stehen die früher noch beliebten Gebäude nun also leer, da sie sich in letzter Zeit nicht mehr rentiert haben.

Eine ähnliche Situation zeigt sich in Urlaubsgebieten: Früher noch, bis in die späten 80er Jahre, war beispielsweise das Harzgebiet ein beliebter Ferienort der DDR. Dutzende Hotels öffneten dort ihre Pforten, um Gäste zu empfangen – inzwischen steht schätzungsweise ein Drittel der ehemaligen Hotels leer, betroffen sind Hotels aller Klassen.

Der Wandel der Medizin und Pflege

Technischer Fortschritt, neue Heilmethoden, neue Heilstoffe und neue Erkenntnisse sorgen für einen ständigen Wandel in der Welt der Medizin. Bekanntestes Beispiel dafür ist die Volksseuche Tuberkulose – durch neue Heilmittel (Antibiotika) und Erkenntnisse konnte diese Seuche vollständig verdrängt werden – doch noch vor 80 Jahren war Tuberkulose eines der ernsthaftesten Probleme der Zeit. So wurden dutzende Heilstätten gebaut, die in besonders gutem Klima lokalisiert waren.

Und all diese Heilstätten stehen heute leer – zu veraltet und ineffizient ist die damalige Bauweise der Krankenhäuser, auch die Hygienebestimmungen können nicht mehr erfüllt werden. In Ostdeutschland nutzten meist die Russen die ehemaligen Heilstätten als Hospital für Soldaten, bis sie 1994 endgültig abrückten.

Der Wandel der Politik

Hunderte Kasernen stehen in Deutschland – heute ist ein Großteil dieser ungenutzt, der Grund dafür ist der Wandel in der Politik. Ein passendes Beispiel ist Jüterbog: Einst eine der größten Garnisonsstädte in Deutschland. Den Grundstein dafür legte Preußen Mitte des 19. Jahrhunderts mit dem Beschluss, einen Artillerieschießplatz einzurichten.

Zeitnah folgten weitere Einheiten nach Jüterbog. So wurde ein ganzer Stadtteil militärisch. Mit der Machtübernahme der NSDAP und der massiven Aufrüstung wurde Jüterbogs militärisch genutztes Gebiet abermals vergrößert.

So zogen nach und nach das Heer, die Luftwaffe und die Waffen-SS ein. Als Hitler und damit dann das Dritte Reich unterging, übernahmen die Russen – wie so oft – das Areal. So wurde Jüterbog zur wichtigsten Militärbasis der UDSSR, bis 1994 waren dort ca. 40.000 Mann stationiert. Nach der Zeit des Dritten Reiches und des Kalten Krieges haben die allermeisten Kasernen in Jüterbog und auch im restlichen Deutschland keine Nutzung mehr und stehen deshalb leer.

Eine erneute Nutzung dieser Gebiete ist eher selten möglich, aber teilweise wurden die Kasernenareale von Firmen gekauft, welche eine zivile Nutzung der Kasernen ermöglichten. Auch einige Parteischulen und ähnliche Einrichtungen haben in der heutigen Politik keinen Platz mehr, und stehen daher seit Anfang der 90er Jahre leer.

Selbstverständlich gibt es noch weitere Bereiche, in denen ein Wandel stattgefunden hat, aber die fünf hauptsächlichen Bereiche wurden oben stehend abgefasst.

Sie waren die stillen Beobachter meiner Jugend. Meine Eltern hatten scheinbar keine Angst vor meiner blühenden Fantasie und unterstützten diese Neigung mit Geschenken in Form von Büchern über angebliche Geisterfotos.

Im späten 19. Jahrhundert, in einem kleinen Kämmerlein irgendwo in Boston passierte nämlich eine schauerliche Absonderlichkeit. William H. Mumler, von Beruf Graveur und Fotograf, machte ein Selbstbildnis und entdeckte anschließend auf dem Bild neben seinem Konterfei das unscharfe und geisterhafte Portrait seiner 12 Jahre zuvor verstorbenen Cousine.

links: Master Herrod mit Geist.
rechts: Conant mit dem Geist ihres Bruders.
© William H. Mumler

Aber wie so oft gab es natürlich auch dafür eine wissenschaftliche Erklärung – leider. Für das Foto hatte er eine nicht ordentlich gereinigte Platte benutzt und das Produkt war eine Doppelbelichtung. Er erkannte ziemlich schnell, was für einen Schatz er mit dieser Fahrlässigkeit aus den tiefen unser fantasievollen Seele gehoben hatte. Er gab sich fortan als Medium aus und eröffnete 1869 in New York sein Geisterstudio.

Die Geisterfotografie erfreute sich großer Popularität, sodass viele andere Fotografen seinem Beispiel folgten und ihre gläubigen Kunden zum Narren hielten, indem sie ihr Handwerk begriffen und geisterhaft einsetzten. Es entstand eine neue Dienstleistung im Bereich des Paranormalen und viele Portraits mit verstorbenen Verwandten überschwemmten die Stuben der Hinterbliebenden.

 

links: Eine Seance und die Hand eines Geistes.
rechts: Mann mit dem Geist seiner zweiten Frau.
© William Hope

Am Ende des 19. Jahrhunderts, als die Industrialisierung bereits ein Jahrhundert vorangeschritten war und die Naturwissenschaften immer erstaunlichere Ergebnisse zu Tage förderten, stand der Spiritismus in seiner vollsten Blüte. In London wird 1882 die Society for Psychical Research gegründet. Eine Vereinigung zur Erforschung parapsychologischer Phänomene.

In den Hinterzimmerchen hielt die feine Gesellschaft Seancen ab, um Kontakt mit Verstorbenen herzustellen. Unsichtbare Geister ließen Tische wackeln oder Gläser in der Luft schweben. Man wollte sichtbare Beweise und da kammen die Fotografien von  Mumler und seinen Kollegen gerade recht, da sie zunächst als Zeugnis paranormaler Erscheinungen angesehen wurden.

Was jedoch wiederum verwunderlich ist. Denn gerade die Fotografie galt als Abbildung der Realität und nicht dessen, was wir nicht sehen, aber erahnen. Man übergab also der Fotografie zusätzlich die Gabe, Geister zu bannen und sichtbar zu machen.

© Janine R. Matheson

Heute können wir einander nicht mehr so leicht zum Narren halten. Wir haben begriffen, dass die Fotografie nicht einfach abbildet, was wir sehen oder glauben zu sehen, sondern auch zeigt, was wir sehen wollen.

Die Fotografie ist auch ein Medium unseres Ausdrucks an Gedanken, Gefühlen und Ideen und nicht immer dessen, was wirklich da ist. Insofern kann Fotografie eben doch Geister festhalten. Nämlich unsere ganz eigenen.

Und vielleicht ist das der Grund dafür, warum sich die Geisterfotografie auch heute großer Beliebtheit erfreut. Das Mysterium der Entstehung ist zwar größtenteils offengelegt, aber die Fantasie der Menschen pulsiert durch das Medium.

© Marta Orlowska

Doppel- und Langzeitbelichtungen sind beliebte Techniken, um Geisterfotos zu erstellen. Aber manchmal reicht es auch aus, nur mit der Unschärfe zu spielen oder mit Stoffen und Spiegeln doppelte oder verschleierte Realitäten zu entwerfen. Auch hier ist der Experimentierfreudigkeit viel Raum gelassen.

Diese Bilder können dann zum Türenöffner im Kopf werden und darin finde ich die Stimmung wieder, der ich als Kind so oft nachgejagt bin. Und sie befriedigen mich viel mehr als die Geisterbilder in den Büchern von damals.

© Stanka Koleva

Denn die Personen bleiben weiterhin unfassbar für mich. Da sie nicht personalisiert sind, kann ich sie in meine Geschichten mit einweben. Ähnlich wie die surrealistischen Bilder drücken auch die Geisterfotos für mich Gefühle aus. So gibt es Fotografien, die mir eine wahre Gänsehaut bescheren.

Sie sind aber auch sichtbar gemachte Erzählungen oder Korrespondenzen mit einer Welt, der auch unsere Vorfahren schon erlegen sind: Die Welt der Toten und des Vergangenen, deren Realität oft eine verblasste Erinnerung in unseren Köpfen ist.

Quellen:
• Alexander Rosenhäger, Fotografie in Spiritismus und Okkultismus – ein problematisches Medium als Fenster zur Geisterwelt und Nachweis des Übernatürlichen, Bielefeld 2004 (Seminararbeit)
• Christine Walter, Das Abstrakte ist kein Beweis! Gedankenfotografie im Spiegel zeitgenössischer Kunst, München 2004

Die Darstellung des nackten Körpers in der Malerei war keine Seltenheit und gesellschaftlich akzeptiert. Sowohl für die Malerei als auch für die Fotografie standen Frauen und seltener auch Männer Modell. Durch die Fotografie wurde den Menschen jedoch viel deutlicher, dass es sich bei den Abgebildeten um reale Menschen handelt. Während die Aktbilder der Malerei keine Aufregung verursachten, galten Aktfotos schnell als Pornografie.

Viele Fotografen versuchten daher, ihre Bilder durch Kunst und Wissenschaft zu legitimieren. Eindeutig wissenschaftlichen Charakter hatten zum Beispiel die Aufnahmen von Eadweard Muybridge. Er hielt mit Hilfe von ganzen Batterien von Kameras Bewegungsabläufe von Tieren und Menschen fest.

Treppensteigen von Eadweard Muybridge, ca. 1886

Viele Fotografen machten Aktaufnahmen vor allem, um sie als Vorlagen an Maler zu verkaufen. Eines der bekanntesten frühen Aktbilder ist der Rückenakt von Eugène Durieu (Fotograf) und Eugène Delacroix (Maler). Die beiden Franzosen arbeiteten für eine Reihe von Aktaufnahmen zusammen. Ob Delacroix die Posen arrangierte, während Durieu ausschließlich die Technik bediente, ist unbekannt, jedoch wahrscheinlich. Entstanden sind bei dieser Zusammenarbeit 32 Aufnahmen von Männern, Frauen und Kindern.

„Ich betrachte mit Leidenschaft und ohne zu ermüden diese Fotografien nach nackten Menschen, dieses wunderbare Gedicht, den menschlichen Körper.“ – Eugène Delacroix

Aktaufnahmen von Eugène Durieu und Eugène Delacroix, 1853

Immer mehr Maler benötigten Vorlagen für ihre Bilder. Sie bemerkten schnell, dass Fotografien weit kostengünstiger waren als die Sitzungen für das oft stundenlange Modellstehen zu zahlen. Bekannte Fotografen, die vor allem diesen kommerziellen Zweig der Aktfotografie nutzten, waren Bruno Braquehais und Auguste Belloc.

Stereodaguerreotypie von Bruno Braquehais, 1858

Es gab natürlich auch Bilder, die eindeutig erotischer Natur waren. Die Fotografen veröffentlichten diese sogenannten „Cochonnerien“ nicht unter ihren bürgerlichen Namen, weshalb die Urheber der meisten dieser Fotografien heute unbekannt sind. Der Staat versuchte, den Vertrieb solcher Aufnahmen zu unterbinden, jedoch ohne großen Erfolg. Posiert haben für diese Aufnahmen neben beruflichen Modellen zunehmend auch Prostituierte.

Um sich dem moralischen Verbot zu entziehen und dennoch als Fotograf auftreten zu können, gab es mehrere Wege: Häufig liefen erotische Aufnahmen unter dem Deckmantel der wissenschaftlich-ethnologischen Forschung. So findet man viele Fotos von halbnackten Japanerinnen oder orientalischen Schönheiten. Auffällig ist hier, dass die Studiobilder sich verändern. Während für künstlerische Aufnahmen meist recht einfache Kulissen dienten, wurde die Umgebung bei erotischen Aufnahmen stärker inszeniert.

Aktaufnahmen im Freien waren zu Beginn der Aktfotografie hingegen sehr selten. Man findet sie ab und zu auf Fotos aus den Kolonien. Mehrere Postkartenmotive von halbnackten Frauen bei scheinbar tradioniellen und für die Europäer exotisch anmutenden Tänzen oder Alltagshandlungen fanden so legal Zugang als Grüße aus der Ferne in die Heimat.

Schlafende Japanerin von Baron Stillfried, ca. 1875

Um 1900 veränderten sich die Aktbilder stark. Die Fotografen entdecken neue Bereiche und Möglichkeiten, vor allem auch durch die sich entwickelnde Technik. Auch das Bild von Nacktheit in der Gesellschaft verändert sich zunehmend. Bedenkt man die Situation heute, bekommt man eine ungefähre Idee davon, wie schnell sich allein die Gedanken und Ansichten zur Aktfotografie gewandelt haben müssen. Aber davon ein anderes Mal.

Literaturangaben:
• Baatz, Willfried: Geschichte der Fotografie. Ein Schnellkurs. Überarbeitete und aktualisierte Neuausgabe. Köln 2008.
• Dewitz, Bodo von: Facts – Tatsachen: Fotografien des 19. und 20. Jahrhundert aus der Sammlung Agfa Foto-Historama im Museum Ludwig Köln. Köln 2006.
• Koetzle, Michael: Photo Icons. Die Geschichte hinter den Bildern. 1827 – 1926. Köln 2002.
• Stephan, Peter: 50 Fotografen die man kennen sollte. München 2008.
• Stiegler, Bernd / Thürlemann, Felix: Meisterwerke der Fotografie. Stuttgart 2011.

Vielen Dank an das Fotostudio Lauer, die mir mit einigen Bildern geholfen haben!

Sie sind meine Helden, weil sie mein Weltbild veränderten und mir zeigten, dass es in der Kunst keine Grenzen gibt, außer die, die man sich selbst auferlegt. Erst in den 20er Jahren des letzten Jahrhunderts fand die Fotografie dank des Surrealismus ihren Eintritt in die Kunstwelt.

Die Schuld daran schiebt man dem Fotografen J. A. Boiffard zu, Mitbegründer der Gruppe. Die Fotografie war plötzlich gar nicht mehr nur das Medium der realistischen Darstellung, denn nun machten die Gespinste im Kopf auch vor diesem doch vorher so starren Medium keinen Halt.

Die Grenzen waren durchbrochen, die verzerrte Realität hielt Einzug in die Fotografie. Es sind die Themen, die mich an die Bilder damals wie heute fesseln, die bildliche Auseinandersetzung mit Dingen, die wir nicht fassen können oder uns Angst machen, wie Wahnvorstellungen, (Alb-)Träume oder Metamorphosen. Sie haben meine Arbeiten stark beeinflusst und wenn ich mich in der Fotografenwelt so umschaue, dann nicht nur mich.

Die Verbildlichung dieser Themen erwartet regelrecht, fotografische als auch manchmal moralische Grundsätze über den Haufen zu werfen. Roger Ballen inszenierte beispielsweise Bilder mit behinderten Menschen, dafür bekam er Anerkennung, musste aber gleichzeitig auch viel Kritik einstecken. Denn es kam die Frage auf, ob man Menschen mit Behinderungen kostümieren und fotografisch „vorführen“ darf.

Francesca Woodmann erfand für sich eine sinnliche und zugleich verstörende Bildsprache. Und so könnte ich die Liste der Fotografen, die mich beeindrucken weiter und weiter fortsetzen.

Unschärfen, Verwacklungen oder Linienwirrwarr werden benutzt, um Geisteszustände darzustellen. Alles, was in der Realität seinen festen Platz hat, darf hier verschoben, verschmolzen und neu zusammengesetzt werden. Es wird mit Materialien experimentiert, in der Dunkelkammer, ob analog oder digital, verfremdet und verändert. Am Ende soll ein Bild entstehen, das die Welt des Betrachters auf den Kopf stellt oder zumindest ein Lächeln auf seinem Gesicht hinterlässt.

Ich habe mich im Netz nach den Erben der Surrealisten umgeschaut und die aufgespürten Fotografen außerdem gebeten, ein wenig über ihre Intentionen zu schreiben, solche Bilder zu machen. Interessant dabei war, dass fast keiner der Befragten seine Bilder im Kontext des Surrealismus sah und sie erst nach dem Zusenden meines bis dahin verfassten Artikels die Verbindungen erkannten.

Foto: Carmen Renn

Es gibt Momente, in denen betrete ich ein Gebäude oder einen Raum und ich werde von einer seltsamen, nur schwer zu definierenden Stimmung gefangengenommen. Oder ich betrachte alte Familienfotos und es tun sich in mir andere Welten auf. Oder ein Traum hallt noch lange nach dem Aufwachen in mir nach – um solche Gefühle geht es mir in meinen Bildern. Gefühle, die man nicht unmittelbar mit dem Verstand erklären kann, denen kein wirkliches Ereignis vorausgeht, die einfach kommen und manchmal auch genauso schnell wieder vergehen, aber dennoch großes Gewicht haben. In meinen Bildern versuche ich, solche Stimmungen sichtbar zu machen und sie auf diesem Wege weiterleben zu lassen…

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Die traumtänzerischen Bilder und das eigene Bildermachen solcher, wie es Carmen Renn beschreibt, sind der Grund, warum ich diesen Zweig der Fotografie so sehr liebe. Die Fotografie ist dann neben dem Selbstbildnis auch das spielerische Verknüpfen neuer Verbindungen im Hirn. Eine Erweiterung des Sehens und Fühlens. Foto: Ingrid Luquet-Gad

Indem ich artfremde Elemente wie Text, Collagen oder Zeichnungen einbringe, beabsichtige ich, die Fotografie als spezifisches Medium zu erforschen; zu hinterfragen, was eine Fotografie zu einer Fotografie macht. Es ist hauptsächlich ein Weg, eine theoretische Reflexion zu vertiefen, die von Kritikern wie Jean-François Chevrier inspiriert wurde, der der erste war, der von Fotografie wie von einem Gemälde sprach („tableau photographique“).

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Bei vielen Gesprächen mit Fotografen hatte ich das Gefühl, dass der Begriff „Kunst“ sehr ungern im Bereich der Fotografie benutzt wird. Vielleicht, weil der Begriff einerseits inflationär eingesetzt wird und anderseits, weil man sich nicht selbst zu einem Künstler erheben will, man seine eigenen Arbeiten lieber vom Betrachter als Kunst bezeichnen lassen möchte.

Foto: Peter Runkewitz

Meine Intention solcher Bilder ist einfach beschrieben: Weil es sich dabei um Selbstportaits handelt, steckt in jedem dieser Bilder ein gewisser Teil Selbsttherapie. Es war kein wirklicher Entschluss, sondern mehr eine Fügung, dass ich solche Bilder meistens als Langzeitbelichtungen zwischen 15 und 30 Sekunden festhalte. Auf diese Weise wohnt den Fotos etwas vom Charakter des bewegten Bildes inne, weshalb ich den Serien meiner Selbstportraits dieser Art den übergeordneten Titel „short films“ gegeben habe. Weil die Konturen fehlen, ergibt sich deutlich mehr Spielraum für Interpretation und vor allem Gefühl, was die Geschichte des Bildes betrifft. Das liegt am Ende freilich jedoch im Auge des Betrachters; ich habe da selten wirkliche Vorstellungen, was ich beim Betrachter auslösen will.

Und oft ist es auch gut, wenn man einfach macht, anstatt darüber zu philosophieren, warum man es überhaupt macht. Im Moment des Tuns kann dann eine Kraft entweichen, die sich in starken Bildern widerspiegelt, wie es sich in den Bildern von Peter Runkewitz zeigt. Begonnen als ein Teil der Selbsttherapie wirken sie auf mich wie Teile eines Films von Lars von Trier. Bilder mit einer ganz eigenen Botschaft für den Betrachter, der sie dann weiterführt.

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Die Fotografie als ein Werkzeug zu betrachten, um neue Gebilde darzustellen, das ist es, was mich immer wieder reizt und was ich ausloten möchte. Dabei haben die vielen Bilder, die ich tagtäglich sehe natürlich Einfluss auf meine Empfindungen, ob ich das nun will oder nicht. All das umgibt mich und ich nehme die vielen fotografischen Fäden um mich herum auf und versuche, sie neu zu verknüpfen. Mir macht dieses Spiel ungeheuer Spaß.

Mitte des 19. Jahrhunderts entdeckten auch die ersten Fotografen das Land. Die Fotografie zählte bei diesen Reisen vorrangig als technisches Mittel. Die Bilder waren genauer als die der Maler und erleichterten die Forschung stark. Man denke nur an Hieroglyphen, die man übersetzen wollte. Diese abzuzeichnen kostete viel mehr Zeit und Aufwand, als eine Fotografie anzufertigen.

Maxime du Camp (1850); links: Tempel von Abu Simbel; rechts: Pfeiler von Karnak

Einer der ersten Fotografen in Ägypten war der Franzose Maxime du Camp. Für seine Reise nach Ägypten 1849 ließ sich der Schriftsteller und Journalist von Gustave le Gray in die Technik der Fotografie einweisen. Nach seiner Reise und einigen Veröffentlichungen seiner Fotos in Bildbänden gab er die Fotografie jedoch wieder auf.

Du Champs Freund und Begleiter Gustave Flaubert schrieb ausführlich über die Reise. In seinem “Reisetagebuch aus Ägypten” zeigt sich deutlich der europäische Blick der damaligen Zeit auf Afrika und man bekommt einen gute Vorstellung des Ägyptentourismus im 19. Jahrhundert.

Was das Tagebuch aber auch zeigt, ist, wie beschwerlich diese Reisen damals waren. Die Expedition dauerte über ein Jahr und wollte man die Pyramiden von Gizeh fotografieren, musste man zunächst mit der, zur damaligen Zeit mehreren Kilogramm schweren, Kamera und dem restlichen Equipment wie Platten und Dunkelkammerzelt einige Tage durch die Wüste laufen.

Der Engländer Francis Frith führte auf seinen Reisen sogar einen großen Dunkelkammerwagen mit sich. Er bereiste den Orient und besuchte Ägypten zwischen 1856 und 1860 drei Mal. Nach seiner Rückkehr gründete er einen Verlag und schickte andere Fotografen in die Fremde, um Original-Abzüge und Postkarten zu vertreiben.

Francis Frith: Die Pyramiden von Gizeh (1858)

Vor allem politische Zwecke hatte die Reise von Francis Bedford um 1862. Er begleite den Prince of Wales als Reisefotograf mit 50 Soldaten im Gefolge. Sie besuchten neben Ägytpen auch Palästina, Syrien, Istanbul und Athen. Unter seinen rund 200 großformatigen Aufnahmen befinden sich überwiegend topographische Ansichten, Portraits der königlichen Reisegesellschaft und Architekturfotografien.

Francis Bedford: Blick auf die Sultan-Hasan-Moschee und Kairo (ca. 1865)

Um 1860 entwickelte sich die Fotografie zu einem lohnenden Geschäft. Viele Fotografen gründeten Ateliers im Orient und verkauften ihre Bilder an europäische Touristen. Besonders hervorzuheben ist dabei der Franzose Felix Bonfils. Er bot bereits 1870 insgesamt 15.000 Abzüge von 591 verschiedenen Motiven an. Diese Motive für Touristen zeigten Ägypten stark romantisiert. Das Land wurde als Traumreich dargestellt und die Motive waren entweder antike Stätten oder gestellte Alltagsszenen.

Felix Bonfils: Joueurs de violon bedouins (1880)

Felix Bonfils: Sphinx (ca. 1880)

Noch heute gibt es Ateliers aus der damaligen Zeit, wie beispielsweise das von Lehnert & Landrock. Sie eröffneten ihr erstes Geschäft 1903 in Tunesien, mussten es jedoch durch den Ersten Weltkrieg bald aufgeben und eröffneten es 1923 erneut in Ägypten.

Auch sie werben nach wie vor mit verklärenden Darstellungen des Landes, die wie vor über 100 Jahren von den europäischen Touristen mit Vorliebe gekauft werden.

Quellen und Literaturangaben:
• Baatz, Willfried: Geschichte der Fotografie. Köln 2008.
• Flaubert, Gustav: Reisetagebuch aus Ägypten. 2003.
• Steinigen, Cornelia: Die Islampolitik Napoleons während der Ägyptenexpedition. 2010.
• Stiegler, Bernd / Thürlemann, Felix: Meisterwerke der Fotografie. Stuttgart 2011.
• http://www.fotomarburg.de/histfoto/reisefotografie2 (Stand: 12.01.2012)
• http://www.orientfotograf.de/ (Stand: 18.03.2012)

Wir können das Bild hier leider aus Kostengründen nicht zeigen. Ihr könnt es aber auf der Seite der Anwältin, die die Rechte am Bild vertritt, ansehen. Oder gebt bei Google Sprung in die Freiheit Peter Leibing ein und bemüht die Bildersuche. Wir bedauern diesen Umstand sehr, aber das Bild ist mir wichtig, weshalb ich dennoch darüber schreiben möchte.

Und nun zum Bild.

Ein Volkspolizist springt in Uniform, mit Stahlhelm und schweren Stiefeln über die Grenze in den Westen. Die Lippen zusammengepresst, die Waffe hinter sich über die Schulter geworfen, schwebt er über einer Rolle Maschendrahtzaun. Seine Anspannung ist spürbar. Im Hintergrung erkennt man unscharf eine Gruppe von Menschen, die das Geschehen erst in diesem Moment langsam registrieren. Für Westdeutschland zeigte dieses Bild hervorragend die Schwäche Ostdeutschlands auf, dem offenbar selbst die eigenen Truppen davonliefen.

Der 20-jährige Fotograf Peter Leibing sollte im Auftrag der Fotoagentur Conti-Press den Bau der Mauer dokumentieren. Am 15. August 1961 stand er auf der Westseite der Bernauer Straße und ahnte bereits, dass irgendwas passieren würde. Und wartete.

Er stellte auf die Rolle Stacheldraht scharf und drückte rechtzeitig ab, als sich der 19-jährige Volkspolizist Conrad Schumann entschloss, zu springen. Leibing machte das Bild seines Lebens. Ironischerweise mit der ostdeutschen Kamera Exacta mit einem 200mm-Teleobjektiv.

Peter Leibing hatte beim Springderby in Hamburg Erfahrungen gesammelt, wie man ein Pferd im Sprung richtig fotografiert. Dieses Wissen kam ihm zu Hilfe. Ein Reporter von der Bildzeitung, dem das Bild nicht gelang, sprach Leibing an und überredete ihn, mit in die Redaktion zu kommen. So wurde das Foto erstmals am 16. August groß in der Bildzeitung veröffentlicht. Bis heute sind unzählige Veröffentlichung in Zeitschriften und Zeitungen, auf Postkarten, Münzen, Briefmarken und vielen anderen Medien gefolgt.

Der Geflüchtete Conrad Schumann war bis zum Bau der Mauer loyaler Bürger seines Staates gewesen. Als er jedoch ein kleines Mädchen sah, das zu Besuch bei seinen Großeltern in Ostdeutschland war, zu seinen Eltern auf westdeutscher Seite wollte und wie die DDR-Offiziere es zurückhielten, änderte sich seine Meinung. Dazu kam die Abscheu, auf jemanden schießen zu müssen.

Wie groß seine Anspannung und Angst sein mussten, als er beschloß, zu springen, kann man sich nicht vorstellen. Sie fiel auch nie wieder ganz von ihm ab. Im Westen angekommen, fühlte er sich verfolgt und lebte weiter in Angst vor der Stasi. Er nahm sich 1998 das Leben.

In Berlin kann man heute an der Bernauer Straße, Ecke Ruppiner Straße ein Denkmal sehen, das an Conrad Schumanns Sprung in die Freiheit erinnert. Peter Leibing klagte gegen die Nutzung seines Bildes als Vorlage für das Denkmal und verlor den Prozess. Er starb im November 2008. Hinterlassen hat er eines der bedeutendsten Bilder deutscher Geschichte.

Quellen:
Koetzle, Hans-Michael: 50 Photo Icons. Die Geschichte hinter den Bildern.
http://www.jf-archiv.de/archiv01/331yy09.htm [Stand: 28. Januar 2012]
http://www.lawmas.de/database/upload/hq/pstock_hqacdd52672f225ec36a0aa2b6e06bf4f1.pdf [Stand: 28. Januar 2012]

Update: Vielen Dank für Eure Rückmeldungen betrefflich der Quelle zur JF. Wir verstehen Eure Einwände und werden in Zukunft Quellen dieser Art nicht mehr verwenden. Unsere Motivation, sie zu nutzen war rein inhaltlich und keinesfalls politisch motiviert. Bei diesem Artikel müssen wir die Quellennennung bestehen lassen, da die Nicht-Nennung den Großteil des Artikels ad absurdum führen würde. Wir hoffen auf euer Verständnis.

Der wohl bekannteste französische Karikaturist ist der 1808 geborene Honoré Daumier. Anlässlich der ersten Luftbildaufnahmen der Welt karikierte er Félix Nadar. Unter der Karikatur schrieb er “Nadar hebt die Fotografie auf die Höhe der Kunst”. Die Frage, ob Fotografie Kunst sein kann, wurde in dieser Zeit sehr stark diskutiert. In seiner Karikatur beantwortet sie Daumier ironisch.

Man sieht Nadar in seinem Fesselballon: Die Stativkamera fest an seine Augen gepresst, schwebt er über der Stadt. Die Häuser unter ihm tragen Werbeaufschriften, die auf die vielen Fotoateliers hinweisen, die in dieser Zeit in Paris eröffneten.

“Nadar hebt die Fotografie auf die Höhe der Kunst” von Honoré Daumier (1862)

Daumier veröffentlichte in verschiedenen französischen Zeitschriften. Seine folgende Karikatur macht sich über die Kopfstützen der damaligen Fotografen lustig, die durch die langen Belichtungszeiten unabdingbar waren. Daumier überspitzt sie in seinem Bild: Der Portaitierte sitzt auf einem Stuhl mit mehreren Schraubzwingen. Unter dem Bild steht: “Die bequemste Position für ein schönes Daguerreotypie-Portrait.”

Die Begeisterung für die Fotografie teilten viele, aber längst nicht alle. Einige Künstler sahen die Malerei bedroht von der so maschinellen Fotografie. In einem Holzschnitt von 1865 sieht man diese Angst bestätigt:

Der dicke Fotograf sitzt mit einem üppigen Mal und Wein in seinem mit großen Fenstern ausgestatteten Atelier. Neben ihm liegt ein Stapel mit vorgemerkten Kundenwünschen. Seinen Kopf ersetzt eine Kamera. “Die Sache ist doch so übel nicht. – Es lebe das Geschäft.” steht unter dem Bild.

Der Portraitmaler hockt im Gegensatz zu ihm in einer dunklen Kammer mit alten und kaputten Möbeln. Er sieht hager und ungepflegt aus, trägt eine Art Kittel und hat nur ein Stück Brot. Unter seinem Bild ist vermerkt: “Seit zwei Jahren keine Bestellung mehr. – Hol` der Teufel die Kunst.”

“Photographie und Portraitmalerei” von C.Tetzel und H. König (1865)

Den großen Hype um die neue Erfindung zeichnet auch Théodore Maurisset in seinem Bild “La Daguerréotypomanie”. Auf dem Bild sieht man eine große Anzahl an Menschen mit Kameras. Es wirkt fast wie ein Wallfahrtsort. Die Kameras werden von Pferdekarren, der Eisenbahn und dem Dampfschiff in die ganze Welt transportiert. Auf der rechten Bildhälfte hängen sich die Kupferstecher am Galgen auf.

Die Angst vor der Fotografie wurde geschürt, teilweise war sie jedoch durchaus berechtigt. Die meisten Maler, Kupferstecher und andere Künstler mussten sich um ihren Lebensunterhalt sorgen und griffen bald selbst zur Kamera.

Im Buch “Photographic Pleasures” von Cuthert Bede von 1855 befinden sich sogar eine ganze Reihe Karikaturen zum Thema Fotografie. Hinter dem Namen Bede steht eigentlich der englische Geistliche Edward Bradley. Seine Bilder wurden später in unzähligen Büchern abgedruckt.

Karikaturen aus “Photographic Pleasures” von Cuthbert Bede (1855)

Vesko Gösel hat in seiner Serie “New Photographic Pleasures” Gedanken zur aktuellen Lage der Fotografie verbildlicht. Das Buch dazu kann man über seine Webseite erwerben. Inspiriert haben ihn dabei, wie der Titel schon vermuten lässt, die Karikaturen von Bede.

“New Photographic Pleasures” von Vesko Gösel (2007 – 2009)

Die Karikaturen zeigen Ängste, Wünsche und Gedanken rund um die Fotografie. Was nicht polarisiert, wird selten karikiert. Die Fotografie wurde seit ihrer Entdeckung unglaublich oft Ziel von Spottbildern, in denen häufig viel Wahres steckt. Wer jetzt neugierig ist, dem empfehle ich die photobibliothek.ch. Auf dieser Seite werden noch viele weitere Karikaturen mit kurzen Erklärungen gezeigt.

• Dewitz, Bodo von: Facts – Tatsachen: Fotografien des 19. und 20. Jahrhundert aus der Sammlung Agfa Foto-Historama im Museum Ludwig Köln. Köln 2006.
• Stepan, Peter: 50 Fotografen, die man kennen sollte. München/Berlin/London 2008.
• http://photobibliothek.ch/seite003b2.html (Stand: 01.01.2012)
• http://www.veskogoesel.de/arbeiten/de_newphopl.html (Stand: 01.01.2012)
• http://bit.ly/uUoObL (Stand: 01.01.2012)