Ja, ich habe mich angesteckt, bin infiziert von einer heimtückischen, aber wohl harmlosen Krankheit. Der Nordlandvirus hat mich erwischt! Die Aussichten, Therapiemöglichkeiten? Ich habe mit anderen darüber gesprochen, Reisenden, oben in der Arktis in Norwegen und in Island. Leidensgenossen, die bereits seit vielen Jahren mit dem Virus leben.

Festzustellen, dass man nicht allein damit leben muss, ist erst einmal schon sehr beruhigend. Sie sagten mir, das werde ich nie wieder los, damit müsse ich leben. „Arrangiere Dich einfach damit!“ Diesem Rat werde ich folgen und freue mich darauf…

Reisen in den Norden haben mich schon immer ganz besonders fasziniert. Ich war schon immer tief beeindruckt von den atemberaubenden Landschaften nördlich des Polarkreises. Von den endlosen Weiten und der dort vorherrschenden Stille. Von dem Gefühl, sich ganz klein, unbedeutend und eins mit der Natur im Angesicht der grandiosen arktischen Landschaften zu fühlen.

Begeistert von den wie mit einem Pinsel auf Leinwand gehauchten Pastellfarben am Himmel der kurzen Tage im winterlichen Lappland. Sprachlos bei dem Anblick von Eisbären auf ihren unendlichen Wanderungen über das Packeis um Svalbard. Überwältigt von den Naturgewalten auf Island. Bewegt bei dem Anblick einer Bärenmutter mit ihren Jungen im finnisch-russischen Grenzgebiet.

Dass der Norden unweigerlich zu meinem Leben gehört, ist mir eigentlich erst richtig bewusst geworden, als ich nach einer sehr turbulenten und nervenaufreibenden Zeit in meinem Job als Personalreferent mal ein paar Tage mit meiner Partnerin ausspannen wollte. Einfach eine entspannte Weihnachtszeit verleben.

Meine Partnerin setzte die Auswahlkriterien fest: Ein ruhiger Ort sollte es sein, keine Hektik, irgendwo, wo auch endlich mal Schnee liegt, eine schöne Unterkunft mit Kamin, Wellnessbereich und Poollandschaft. Ich nahm mich also der Sache an und durchstöberte das Internet nach Zielen, die besagte Kriterien erfüllten.

Ich wurde auch sehr schnell fündig: Alles Orte, die die Vorgaben erfüllten. Kitzbühl, Garmisch-Partenkirchen, St. Moritz und… und ganz oben auf den Stapel von Ausdrucken legte ich das, wie ich fand, perfekte Angebot – eine Hütte im finnischen Lappland.

Das Angebot war doch genau das, was sich meine Partnerin vorstellte: Ein bisschen Schnee, eine Rauchsauna, die garantiert als Wellnessbereich durchgeht, mit dazugehörigem Eisloch. Ein Eisloch ist ja auch irgendwie ein Pool. Vorsichtshalber druckte ich das Lapplandangebot natürlich noch in Farbe aus und die anderen Angebote nur in Schriftgröße sechs – Präsentation ist eben alles.

Siegessicher präsentierte ich das Ergebnis meiner Recherche und man hörte meine bessere Hälfte sagen: „Hmm, Lappland, das klingt ja mal interessant.“ Na bitte, perfekt, jetzt heißt es, die Gelegenheit beim Schopfe zu packen, also Laptop raus und fünf Minuten später war die Reise auch schon gebucht.

Das Motto war ja entspannen, der Hektik des Alltags entfliehen. Ich packte also eine halbe Bibliothek Bücher in meinen Koffer. Und die Kamera? Mitnehmen oder hier lassen? Dort oben gibt es ja sowie nicht viel zu sehen, dachte ich zu diesem Zeitpunkt noch.

Ich entschied mich dann doch für’s Mitnehmen, besser ist das, sagte ich mir. Könnte ja auch sein, dass ein Einbrecher während unserer Abwesenheit meine schöne Canon entwendet, da ist sie doch bei mir im Rucksack viel besser aufgehoben.

Das Stativ? Brauche ich nicht… oder? Was ist mit Polarlichtern? Was ist, wenn der grünliche Schleiertanz am Polarhimmel beginnt und ich ohne Stativ dastehe? Entsetzlicher Gedanke! Also Bücher wieder raus, Stativ in den Koffer und ab in Richtung Finnland.

Dort oben angekommen, war alles perfekt: Die Hütten sehr schön eingerichtet mit Sauna und Kaminofen, wirklich empfehlenswert. Das Wetter ließ allerdings zu wünschen übrig, jede Menge Schneefall, keine Sicht. Auch hatten wir zugegebenermaßen nicht wirklich mit einer Außentemperatur von -38°C gerechnet.

Den ganzen Tag nur in der Hütte, das geht natürlich auch nicht. Wir unternahmen also unsere erste Schneeschuhwanderung. Nach gut zwei Stunden hatten wir irgendwie unsere eigene Spur im Tiefschnee verloren. Wie das passieren kann? Weiß ich nicht, aber es kann. Kein Problem, sagte ich, GPS! Und holte mein Smartphone aus der Jackentasche. Dass es bei -38°C nur für ein kurzes Aufblitzen meines vollgeladenen Hightech-Kommunikationsgerätes aus Kalifornien reichte, war schon etwas enttäuschend.

Jetzt hieß es, Souveränität zu zeigen! Schließlich hatte ich jede Menge Nordlanderfahrung, beruhigte ich meine Begleitung. Nach einer kurzen – ich betone: ganz kurzen – Phase des Selbstzweifels habe ich dann auch glücklicherweise unsere Spur wiedergefunden.

Genau an der Stelle, an der ich auf unsere Spur gestoßen bin, sah ich vor uns ein wunderschönes Landschaftsbild mit einem Bach, der sich durch den Tiefschnee schlängelte. Leider waren die Wetterbedingungen alles andere als für ein Foto geeignet. Ich den Moment wusste ich, dass ich dieses Foto haben musste und die Stelle bei besserem Wetter aufsuchen möchte.

Das Wetter wurde in den darauffolgenden Tagen großartig und ich hatte nur das eine Ziel: Ich musste diese Stelle wiederfinden und auf einer Speicherkarte festhalten. Dies war aber leider einfacher gesagt als getan.

Unsere Wanderungen durch den Tiefschnee in den Tundralandschaften bei bis zu -40°C wurden immer länger und anstrengender. Nachts ging ich bei schwachem Polarlicht allein auf die Suche nach diesem kleinen Bach. Nachts bei Vollmond in absoluter Stille und bei hohen Minusgraden allein in der Wildnis zu stehen, ist ein unbeschreibliches Gefühl, auch wenn mir manchmal etwas mulmig wurde.

Am vierten Tag der Suche fanden wir dann endlich diesen Bach wieder. Bei der Überquerung des Bachlaufs bin ich dann vor lauter Aufregung in das Eiswasser gerutscht, konnte aber glücklicherweise
mit einer reflexartigen Bewegung den Fotorucksack retten.

Ich nahm mir viel Zeit für mein langersehntes Foto, die Kälte habe ich nicht mehr gespürt. Dieses Foto zählt auch heute noch zu meinen Lieblingsbildern. Vielleicht auch deshalb, weil ich weiß, wie viel Anstrengungen es mich gekostet hat, um es zu bekommen.

Die Eindrücke dieser Reise waren für uns beide trotz der körperlichen Anstrengungen unbeschreiblich. War das Wellness? Laut Lexikon steht Wellness für Methoden, die das körperliche, geistige oder seelische Wohlbefinden steigern. Also, für uns war es eindeutig ein Wellnessurlaub.

Am Ende lässt sich sagen: Ja, ich habe den Nordlandvirus und das ist gut so. Er wird mich auch mein ganzes Leben lang begleiten. Heilung ausgeschlossen. Und noch etwas ist mit klar geworden: Der Nordlandvirus ist hochgradig ansteckend, denn meine Partnerin hat zumindest einen akuten Nordlandinfekt.

Das Fotografieren von verlassenen Orten ist gerade oder immer noch sehr en vogue. Das verstehe ich auch nur zu gut, geht doch von diesen Orten ein ganz besonderer Reiz aus. Betritt man einen solchen Ort, wird man gefangen genommen von der Atmosphäre, die dort herrscht.

Es ist das Licht, es sind die Gerüche, die für jeden offensichtlich das Besondere an diesen Plätzen ausmachen. Für mich kommt aber noch etwas anderes, weniger Offensichtliches oder Greifbares hinzu.

Normalerweise würde ich von mir sagen, dass ich eher dazu neige, nur Dinge im wahrsten Sinne des Wortes zu begreifen, die man auch sehen, anfassen, riechen oder schmecken kann oder für deren Existenz in anderer glaubhafter Weise ein Beweis angetreten werden kann.

Hier ist es anders. Ich spüre irgendwie etwas, was die vielen Menschen, die an den unterschiedlichen Orten gelebt haben. Als hätte deren Wirken, Lachen oder vielleicht auch ihre Gefühle wie Schmerz, Trauer und Wut etwas hinterlassen, was untrennbar mit diesen Orten verbunden ist. Ihre Wände atmen förmlich spürbar diese gesammelten Erfahrungen der Menschen, die dort einst lebten.

Ich war einmal an einem Ort, einer ehemaligen sehr großen Kaserne, wo ich erst nach langem Durchwandern in einem Keller angelangte, der offensichtlich die Arrestzellen der Anlage beherbergte.

Niedrige Decken, wenig bis gar kein Tageslicht, einfache Holzpritschen, grob gezimmerte dicke Holztüren und die Wände voller eingeritzter Nachrichten derer, die an diesem Ort gezwungenermaßen Zeit zugebracht hatten.

Leider waren diese Inschriften alle in Kyrillisch, so dass ich nicht verstehen konnte, was sie bedeuten. Aber das war auch nicht notwendig, denn die ganze Atmosphäre dort sprach auch ohne Worte ganze Bände.

Oder da war dieses Krankenhaus. Viel war dort nicht mehr zu finden. Aber auch dort war das nicht unbedingt notwendig, um nachzuspüren, dass es sich um einen besonderen Ort handelte. Alte Liegen, die verlassene Kinderstation, OP- oder Seziertische – so etwas wirkt schon im Normalzustand in besonderer Weise auf einen ein.

Oder da war dieses ehemalige Kraftwerk von monströsen Ausmaßen. Es wirkte in seinen Dimensionen fast einschüchternd. Aber auch dort waren die kleinen Dinge zu finden, die daran erinnerten, dass das alles von Menschenhand geschaffen wurde und dass dort einst Menschen täglich zur Arbeit gingen.

Bei den Besuchen dieser Orte geht es mir nicht darum, diese zu dokumentieren und in ihrem Gesamtzusammenhang darzustellen. Mir geht es viel mehr darum, das Besondere dieser Orte, ihre Atmosphäre einzufangen und wiederzugeben.

Mich interessieren oft auch nur bestimmte Details, die man vielleicht auch an jedem anderen Ort finden könnte, die aber genau an diesem in Verbindung mit der Umgebung zu etwas Besonderem werden.

Wenn ich mir so meine gesammelten Bilder verlassener Orte anschaue, dann fällt mir auf, dass es vor allem immer auch wieder Türen, Fenster und Treppen sind, die meine Aufmerksamkeit auf sich lenken. Oft sind es aber auch nur Farben im Zusammenspiel mit Licht und Schatten.

Fotografisch betrachtet sind diese Orte oft eine Herausforderung. In Ermangelung künstlicher Lichtquellen, oftmals aber auch wegen teilweise verschlossener Fenster und Türen ist die Lichtsituation eher schwierig.

Oft sind es Motive mit großem Kontrastumfang, die abgebildet werden sollen. Vielfach komme ich für den Bildeindruck, den ich erzeugen möchte, nicht um Belichtungsreihen herum. Bei der Bearbeitung der Bilder achte ich jedoch darauf, möglichst eine dem normalen Sehen entsprechende Bildwirkung zu erzielen.

Man sieht oft Bilder gerade von verlassenen Orten, die (in meinen Augen) im Übermaß bearbeitet wurden. Mir geht es darum, die Orte möglichst so zu zeigen, wie ich sie tatsächlich gesehen habe.

Vielleicht gelingt es mir ja, mit den Bildern ein bisschen die Atmosphäre dieser Orte zu transportieren und diese Eindrücke zu konservieren, denn viele dieser Orten gibt es heute schon nicht mehr.

Es gibt unzählige Landschaftsaufnahmen, die mich staunen lassen, die ich bewundere und wunderschön finde, aber nie nehmen sie mich mit in eine vergleichbare Traumwelt, wie Matt es mit seinen Bildern kann.

Und er braucht dazu keinen weißen Sandstrand, keinen glasklaren See und keinen Märchenwald. Gerade die Einfachheit in seinen Bildern lässt so viel Platz zum Träumen. Im Gegensatz zu den meisten Landschaftsaufnahmen bestechen seine nicht durch ihre Klarheit. Sie sind sanft und verträumt und wirken wie aus einer anderen Zeit.

Erst durch die Vorbereitung zu diesem Artikel ist mir wirklich aufgefallen, wie „perfekt“ viele Landschaftsfotografien sind, die wir täglich sehen. Das macht sie zu wunderschönen Bildern, aber nimmt ihnen, in meinen Augen, einen Teil ihres Charakters und ihrer Lebendigkeit.

Außerdem zeigt Matt uns keine utopisch anmutenden Bilder von einem scheinbaren Paradies, sondern eher die Orte, an denen Abenteuer stattfinden, an denen Autoren große Geschichten schreiben und an denen von selbst leise Filmmusik im Hintergrund läuft.

Seine Bilder fühlen sich an wie in Vergessenheit geratene Erinnerungen. Sie sind so glaubhaft, dass ich mich nicht wundern würde, wenn der Nebel im Bild sich plötzlich bewegte und ich bemerkte, dass ich vor der Farm der Hills sitze.

Habe ich früher noch von Stränden in Australien geträumt, ist es heute eine kleine Farm im Snowdonia National Park in Nordwales. Ich glaube, eines Tages muss ich Matt besuchen gehen und bei einer Tasse gutem Tee auf einem Hügel sitzen, den Wildpferden und dem Nebel beim Vorüberziehen durch diese Traumlandschaften zusehen.

Vielleicht nimmt er mich mit, wenn er wieder einmal mit seinen Freunden und seiner Kamera durch die Hügel zieht, an einem kleinen See zeltet und scheinbar ganz beiläufig ein paar Aufnahmen macht.

Wahrscheinlich liebe ich Matts Bilder deshalb so sehr, weil sie nicht wie Landschaftsaufnahmen wirken, sondern wie Portraits von Orten. Er scheint auf seine Umgebung einzugehen, wie man es mit Menschen tun muss, damit sie sich öffnen und ihr wahres Gesicht zeigen. Für mich haben diese Bilder einen Charakter, verkörpern eine Stimmung und genau deshalb komme ich immer wieder und lasse mich in ihren Bann ziehen.

Ich weiß bis heute nicht, ob sie als Ganzes Teil einer Pflanze war oder ob der Wind und die Naturkräfte sie dort einfach neben einer Hecke so arrangiert hatten. Die ganze Fototour an diesem Tag entstand aus einem Experiment: Ich wollte an einen Ort fahren, an dem ich normalerweise keine Bilder machen würde und dort nach Dingen suchen, die es zu fotografieren gibt. Mein Auge dafür schulen, Motive zu finden und festzuhalten.

„The Rise“ ist im Anschluss Teil einer ganzen Serie geworden, die bis heute noch weiter wächst (sic!). Während die meisten Naturfotografen, die ich kenne, im Frühling und Sommer ihre Kameras auspacken und wild nach draußen laufen, um Blümchenbilder zu machen (was ich natürlich auch tue), habe ich mir angewöhnt, meinen Schwerpunkt auf den Herbst und den Anfang des Jahres zu setzen.

Ich gehe dann in Parks, in den Wald oder einfach an irgendeinen Ort, an dem Pflanzen wachsen und beobachte, was passiert, wenn die Blätter von den Bäumen fallen, die Blumen verwelken, die Blüten langsam verblühen oder wie die Flora aussieht, wenn sie nach dem Winter wieder aus der Schneedecke hervorkriecht. Ich versuche, diese ganz eigentümlichen Formen des Verfalls einzufangen, die meiner Meinung nach nicht weniger beeindruckend als die Blütezeit sind und zusätzlich viel ungewöhnlicher wirken, weil man sie nicht so oft auf Fotos vorgeführt bekommt.

Die Bearbeitung und die Technik, die hinter „The Rise“ stehen, sind nicht groß der Rede wert. Es ist technisch auch gar kein gutes Makrofoto (heute würde ich beispielsweise wohl die Spitze mit in den Fokus nehmen). Ich sah das Bild schon in schwarzweiß, als ich es aufnahm und habe es mit meiner üblichen Schwarzweißkonvertierung bearbeitet. Diese ist sehr stark darauf ausgelegt, die Details hervorzuheben und auch die Kontraste zu verstärken. Zusätzlich habe ich ihm einen leichten Sepia-Ton und eine Körnung für einen analogeren Look gegeben. Es verstärkt den Effekt, es hier mit einer Art abstrakten Installation zu tun zu haben.

Auf Facebook schrieb ich unter das dazugehörige Album, in das ich neue Bilder aus der Reihe oft hochlade, den Satz „Ich sehe tote Pflanzen“. Eine Anspielung auf einen Film, die eigentlich zunächst nur als spontaner Witz über mein eigenes Projekt gemeint war – Witze über sich selbst machen zu können, ist eine sehr wichtige Eigenschaft, glaube ich.

Je länger ich über den Satz nachdenke, desto besser beschreibt er aber doch sehr präzise, was das Projekt und das Bild sagen wollen: Als Fotograf die Dinge zu sehen versuchen, die sonst nicht gesehen werden, seinen ganz eigenen Blick auf die Welt zeigen.

Der Tag, an dem ich das Bild „The Rise“ und die ersten anderen Fotos aus der Reihe aufnahm, war ein grauer Herbsttag im Oktober. Ich lief durch das Industriegebiet der Stadt, in der ich damals wohnte und machte Bilder von einem kargen Gestrüpp, als ein älterer Passant an mir vorbeilief, mein Treiben beobachtete und fragte: „Was bilden Sie denn da ab? Da ist doch nichts.“

Genau dieses Nichts, das im normalen Kontext Nicht-Wahrgenommene will ich mit der Reihe einfangen, denn ihm wohnt meiner Meinung nach eine sehr fremdartige Schönheit inne. Pflanzen wissen, wie man elegant stirbt.

In den bisherigen Artikeln der Serie „Fotogenenes Deutschland“ waren stets natürliche Landschaften zu bestaunen. Ich möchte Euch nun die Landschaft vor meiner Haustür präsentieren: Geprägt durch menschlichen Einfluss und die kontinuierliche Veränderung gleicht sie oftmals eher der Bühne eines Theaterstückes, bei dem es immer etwas Neues zu entdecken gibt – Willkommen im Hamburger Hafen.

Wie auch viele Landschaftsfotografen nutze ich meistens die frühen Morgen- bzw. Abendstunden, um das Treiben im Hamburger Hafen einzufangen. Wenn am Abend die Lichter des Hafens erleuchten und die Sonne hinter dem Horizont versinkt, herrschen oftmals malerische Lichtstimmungen, die einen ganz vergessen lassen, in einer Großstadt zu sein.

Die Kräne prägen das Gesamtbild des Hafens und machen ihn zu einem der umschlagreichsten Häfen der Welt. Tag und Nacht werden hier Kontainerschiffe beladen bzw. gelöscht. Für einen Fotografen ideal, denn es wird nie langweilig!

Durch die sehr gute Anbindung verschiedener Hafenteile mit den öffentlichen Verkehrsmitteln (vor allem zu Wasser), lassen sich auch bei einem kurzen Städtebesuch innerhalb kürzester Zeit verschiedene Plätze anfahren, sodass kein Motiv auf der Strecke bleibt.

Beispielsweise das Gebäude Dockland mit dem gleichnamigen Fähranleger bildet nicht nur selbst ein spannendes Motiv, sondern auch die Möglichkeit, den Hafen von oben zu betrachten. Ein Blick, den ich immer wieder genieße und der mir schon etliche schöne Motive beschwert hat.

Bei einem leckeren Fischbrötchen kann man dann am Ende einer Tour den letzten Akt des Theaterstücks „Hamburger Hafen“ genießen und den Abend ausklingen lassen.

Die Welt der Makrofotografie ist faszinierend und wunderschön zugleich. Diese Welt zu entdecken, ist eine Passion vieler Fotografen. Ich habe es mir zur Aufgabe gemacht, Menschen klar zu machen, was sie oft verpassen und wie verwundert sie sein können, wenn sie genauer hinschauen würden. Allein schon durch Hinhocken und genauer Betrachten findet man Insekten, Blumen und allerlei andere kleine Wunder der Natur.

Die Makrofotografie hat viele Tücken und die größte ist es wohl, den richtigen Fokus zu finden. Der Autofokus hat mich oft im Stich gelassen, als es darum ging, eine tolle Stimmung mit Hilfe der Tiefenschärfe zu erreichen. Deshalb habe ich schon früh auf manuelles Fokussieren umgestellt und begann, auf den Modus „A“ bei Nikon umzusteigen.

Die Zeitautomatik erlaubt es mir, die Blende frei zu wählen und meine Kompositionen einfacher zu gestalten. Allerdings möchte ich auch bald den Schritt in die gänzlich manuelle Fotografie tun.

Ob Blumen, Tiere, oder Gegenstände – in der Makrofotografie gibt es viele Möglichkeiten, sich kreativ auszutoben. Bei dem obigen Bild habe ich zum Beispiel einfach ein Gänseblümchen gepflückt und in eine grüne Pflanze gesteckt.

Schon ein paar künstlich erzeugte Wassertropfen helfen, ein wenig Frische ins Bild zu bekommen. Man kann zum Beispiel eine kleine Spritze benutzen, die Ärzte auch zum Injizieren von Medikamenten benutzen oder eine Sprühflasche, die man mit Wasser gefüllt hat.

Auch eine Schwarzweiß-Konvertierung kann ein edles Image verleihen. So kann ein einzelner Wassertropfen zum Juwel werden.

Hier sieht man einen Weihnachtsstern, dessen Blütenblätter wasserabweisend sind. Wenn man den Tropfen darauf platziert, breitet er sich nicht auf dem Blatt aus, sondern perlt ab. So kann man tolle, runde Wassertropfen auf ein Foto bannen.

Die Welt der Makrofotografie ist leicht zu entdecken. Man braucht nicht das teuerste Objektiv dafür. Angefangen habe ich mit meinem Kit-Objektiv 18-55mm, dann auf einen Zoom gewechselt und bin letztlich bei Festbrennweiten geblieben.

Diese haben qualitativ hochwertiger verarbeitete Linsen, die eine hohe Lichtstärke und somit einen geringen Schärfebereich ermöglichen. Mein 50mm f/1.8 von Nikon war das gesamte letzte Jahr mein treuer Begleiter, während ich jetzt vorwiegend mein Tamron 90mm f/2.8 Macro benutze.

Ein guter Tipp ist es, mit Live-View zu arbeiten. Man kann durch Hineinzoomen den Fokuspunkt sehr präzise wählen und die Vorschau hilft einem, eine geeignete Komposition zu finden.

Doch ein gutes Objektiv und eine gute Komposition helfen nicht immer. Viel wichtiger ist die Lichtstimmung, die mittags oft gar nicht erreicht werden kann, weil die Sonne zu „hart“ von oben auf die Motive scheint. Ich bevorzuge es daher, in den Abendstunden rauszugehen, da ich ein ziemlicher Langschläfer bin.

Wenn abends das Licht golden wird und alles in einen weichen Schein taucht, dann ist die beste Zeit für Blumenfotografen. Die Blüten beginnen, sich langsam zu schließen und wenn die Sonne anfängt, unterzugehen, ist es auch oft noch warm draußen.

Meine große Passion ist jedoch immer die Marienkäferfotografie geblieben.

Auch mit scheinbar „schlechtem“ Equipment kann man tolle Bilder machen – man muss nur seiner eigenen Kreativität freien Lauf lassen und machen, was man wirklich will, was einen wirklich inspiriert. Ist diese Leidenschaft und Motivation vorhanden, sind gute Bilder nicht fern.

Es lohnt sich auf jeden Fall, einen kleinen Einblick in die Makrofotografie zu wagen und die kleinen Dinge des Lebens zu erforschen!

Ich denke, das ist es, was mich immer wieder in diesem Bildermeer aufhorchen lässt: Ein Mensch, der seine Sprache gefunden hat, ist ein Mensch, dem man zuhören sollte.

Jone Reed fing im Jahr 2005 ernsthaft mit der Fotografie an. Wie viele andere auch bestanden die Anfänge aus nichts Ernstem, wie sie selbst sagt und auch jetzt, so meint sie, ist es noch nicht Ernstes, denn es soll vor allem Spaß machen und ein kreatives Ventil zur Selbstfindung sein.

Diese Aussage nehme ich ihr auch unumwunden ab. Man sieht ihren Bildern an, dass sich hier etwas entwickelt. Dass sie sich Stück für Stück an sich selbst herantastet, auskundschaftet, was da in ihr ist und wie sich die Umgebung in ihre Welt interagieren lässt.

Was sie umgibt, das ist ihre Familie. Die gebürtige Lettin lebt mit ihrer kleinen Tochter und ihrem Mann, die auch immer wieder einmal auf den Bildern zu finden sind, in London. Was sie inspiriert, ist das, was um sie ist.

Ein Blick, ein fremdes Gesicht, ihre Stimmung, die Vergangenheit oder zufällige Gesprächsfetzen lösen in ihr Bilder aus. Sie sucht nicht danach, diese Bilder kommen zu ihr, wie sie selbst sagt.

Sie fotografiert alles digital, bearbeitet es so lange, bis ihr Gefühl stimmt und sich eine Art innere Zufriedenheit einstellt. Dann weiß sie, ist auch das Publikum draußen für dieses Bild bereit und wird es unter Umständen vielleicht verstehen oder berührt sein.

Denn das ist es, was sie möchte: Die Bilder sollen einen Eindruck hinterlassen, einwirken oder wie ein flackerndes Bild auf der Innenseite unserer Augenlider warten, bis es Zeit ist, zu verstehen.

Wenn Ihr noch mehr sehen wollt – wovon ich ausgehe – dann schaut mal auf Ihrem Flickr-Stream vorbei.

Ich fotografiere seit 1998 mit großer Begeisterung und bin in das digitale Fotografieren frühzeitig reingewachsen. Besondere Lichtmomente und starke Kontraste faszinieren mich immer wieder.

In Italien, vor allem in der Toskana, sind für mich immer wieder atemberaubende Landschaften und Lichtstimmungen festzustellen. Gern fotografiere ich dort und nutze dabei jede Jahreszeit mit ihren Eigenheiten. Stundenlang kann ich dabei zusehen, wie sich die Stimmung verändert und richte mich beim Fotografieren entsprechend darauf ein.

Im November stehen die Chancen auf Nebelstimmungen und auf eine grüne Landschaft sehr gut, Oktober wäre auch denkbar, aber da ist die Toskana landschaftlich durch die Ernte karg und völlig braun.

Eines meiner Wunschmotive erfüllte sich in der hügeligen Landschaft: Eine Schafherde, die ich gesucht und mit viel Glück gefunden habe. Meine italienischen Sprachkenntnisse halfen mir weiter, von Einheimischen Tipps zu erhalten.

Die Toskana fasziniert mich mit ihren harten Kontrasten. Dieser Aufnahme gab ich den Titel „Das erste Licht“. Wenn die Sonnenstrahlen über den Horizont und den Bergkamm ihren Weg durch die Hügel finden, entsteht in den Senken ein faszinierendes Licht- und Schattenspiel.

Diese Aufnahme habe ich in allerletzer Minute fotografiert. Hierbei wählte ich zwei Graufilter mit 16 Blendenabstufungen und erreichte eine Belichtungszeit von 4,5 Minuten. Eine zweite Aufnahme war nicht mehr möglich, da innerhalb von zwei Minuten das Licht mit den langen Schatten verschwunden war. An weiteren Tagen bot sich mir diese Gelegenheit bei diesem Wetter und dieser Lichtstimmung leider nicht mehr. Glück gehabt.

Die Toskana hat eine faszinierende Größe und Weite. Diese Motive würden ihre Wirkung mit einem Weitwinkelobjektiv viel zu klein darstellen. Die meisten meiner Landschaftsaufnahmen entstehen mit einer Brennweite von 400mm und höher, damit werden Motive wie diese in den Hügeln sichtbar.

Motive, die mich architektonisch und grafisch in schwarzweiß begeistern. Dieser Tag war sehr verregnet mit zeitweiligen Unterbrechungen. Die Toskana habe ich bereits zum dritten Mal besucht. Für mich war es die richtige Wahl, diesen Ort an diesem Tag zu besuchen.

Natürlich möchte ich die Bilder so perfekt wie möglich haben und kann erst beim Auswerten am PC sagen, ob ein Bild dabei ist, das mir gelungen erscheint.

Vor zwei Wochen haben wir uns in der Redaktion dazu entschlossen, dass jeder von uns ein Bild im Magazin vorzustellt. Wichtigstes Kriterium: Der persönliche Bezug. Es solle sich um ein Foto handeln, mit dem der- oder diejenige viel verbindet. Ich entschied mich für dieses hier.

Ich mag es nicht, wenn ich als Betrachter dazu aufgefordert werde, bei den Fotos anderer Dinge hinein zu interpretieren, die nicht da sind. Diese Form des Überphilosophierens nervt mich ungemein und deshalb wähle ich meist Bildtitel, die nichts vorwegnehmen und maximal das benennen, was da ist. Ganz im Gegenteil zu früher, da konnte mir gar nicht genug Pathos in eine Zeile passen.

Doch wie der Zufall es so will, fiel mir beim Posten dieses Fotos… überhaupt nichts ein. Nun wäre es ein Leichtes gewesen, nachträglich für die Vorstellung hier irgendetwas wie „Die Tasche“ (uhuuuuu) oder „Von den 5 Mülltonnen“ (wie grandios!) aufzusetzen. Jedoch, halt, es geht um den persönlichen Bezug. Und nicht darum, das Foto aufzuplustern.

Das Foto selbst enstand am 16. April in Karlsruhe auf einer meiner Fototouren. Vielleicht kennt das der eine oder die andere, ich verfalle derzeit immer wieder in so eine Art Trott beim Fotografieren. Ich mache Fotos, laufe weiter, mache wieder Fotos und bin in so einer Art Minitrance, kurz vorm Tagträumen.

Als ich jedoch vor diese Unterführung kam, war ich sofort hellwach und „da“. Die dezenten Farben erinnerten mich an irgendeine dreckige Vorstadt irgendwo anders – aber nicht an Karlsruhe, der sauberen Technikstadt im Süden Deutschlands. Ich überlegte noch, das Foto ganz ohne Menschen zu machen, jedoch kam recht schnell eins zum anderen.

Im Hintergrund tauchten zwei große Laster der Müllabfuhr auf, ein Auto drängte mich zur Seite, fuhr die Einfahrt hinein und eine halbe Minute später stapfte mir dieses Ehepaar entgegen. Ich positionierte mich wieder Richtung Einfahrtsmitte und machte mit dem iPhone ein paar Aufnahmen.

Ich mag das Foto, weil es auf undramatische Art und Weise das Leben in der Stadt zeigt, wie es ist. Alle Menschlein gehen ihren Tätigkeiten nach, sei das nun der Einkauf oder die Arbeit – in diesem Fall, den Müll der anderen zu entsorgen. Aus diesem Grunde habe ich es auch so gelassen, wie es ist und nicht in schwarzweiß umgewandelt.

Die dezenten Farben sorgen dafür, dass das Bild (für mich) glaubwürdig bleibt – dabei wäre es nicht schwer gewesen, es heller zu machen, den Lichtkegel im Hintergrund zu verstärken und die Dramatik somit zu verdreifachen. Im Nachhinein ist mir aufgefallen, dass das Foto auch nicht wirklich perfekt ausbalanciert ist – dafür ist im unteren Bildbereich zu viel Dunkelheit im Gegensatz zum oberen Rand.

Und klar, das Bild wäre zusätzlich sauberer, wenn ich gewartet hätte, bis die Müllmänner vorbeigegangen, das Auto eingeparkt und das Ehepaar aus dem Bild verschwunden wären. Mit der 5D und dem Superweitwinkel fotografiert, vielleicht im Hintergrund eine einzige Person, aufgerissene Lichter – klar, das wäre ein Hingucker. Und hätte auf Flickr 150 Favs. So habe ich früher fotografiert.

Was ich vor Jahren noch mit jedem Bild tat, lasse ich heute sein. Denn es geht mir heute mehr um die Glaubwürdigkeit meiner Bilder. Kurz: Ich möchte nicht mehr übertreiben.

Hingegen liebe ich diese unscheinbaren Momente des Alltags, die zusammenwirken und zusammen wirken. Unaufgeregt und dennoch auf ihre Weise schön und bemerkenswert.

Dieses Bild verkörpert genau das. Für mich persönlich.

Die Zugspitze mit ihren 2962m markiert den höchsten Punkt Deutschlands und liegt genau an der Grenze zu Österreich. Auch wenn sich im Sommer hunderte Menschen auf der Gipfelterrasse treffen und es vorkommen kann, dass man am Übergang zum Gipfelkreuz anstehen muss, bietet die Terrasse einen idealen Aussichtspunkt in die umliegende Bergwelt. Bei guter und klarer Sicht – vor allem bei Föhnlage – reicht der Blick bis nach München und in die Italienischen und Schweizer Alpen.

Während ich zu den normalen Betriebszeiten der Bergbahnen nicht mit dem für die Landschaftsfotografie so wichtigen flachen und weichen Licht rechnen kann, ermöglicht die österreichische Zugspitzbahn im Sommer und Herbst seit ein paar Jahren mit ihren Vollmond- und Sonnenaufgangsfahrten ideale Voraussetzungen für stimmungsvolle Bilder. Die Fahrzeiten der Bahn sind dabei entsprechend der Sonnenauf- bzw. -untergangszeit angepasst, so dass immer genügend Zeit zum Fotografieren bleibt.

Halten sich die Möglichkeiten für Weitwinkelaufnahmen eher in Grenzen, kann ich mit einem leichten bis mittleren Tele unzählige verschiedene Motive ausfindig machen. Dank der verdichtenden Bildwirkung eines Teles sind Gipfel, die bis zu 100 Kilometer auseinanderliegen, wie Scherenschnitte im Bild komprimierbar. Kommt dann noch das passende Licht hinzu, entstehen stimmungsvolle, nicht alltägliche Aufnahmen aus den Bergen.

Auch, wenn ich den Sonnenauf- bzw. -untergang mit vielen anderen teilen muss und ihn nicht – wie auf unbekannteren Bergen ohne Seilbahn – einsam genießen kann, ist es für mich immer wieder ein unbeschreibliches Erlebnis, nach dem ich meistens mit mehreren guten Aufnahmen nach Hause komme.